Iceage en SALA

El enigma, poder, y eclecticismo musical detrás de un show de Iceage.

La última vez que vi a Iceage no pude escuchar bien durante tres días, esta ocasión no quedé sordo, pero la energía y pasión que proyectó en vivo fue la misma, esa actitud tan espontánea y sincera de interpretar su música y de comunicarse con el público logró llevarnos por un estridente viaje de 16 canciones que confirmó el glorioso regresó de Iceage a México después de cinco años de su presentación en el festival Corona Capital.

Antes de que empezara el concierto, podíamos ver entre el humo el logotipo de la banda en lo alto del escenario brillando, como una confirmación de lo que estábamos a punto de presenciar. “Hurrah” fue la primera de la noche y entre la potencia de la canción, casi al final, el sonido de la guitarra de Johan Surrballe desapareció, pero el show continuó, para así dar la bienvenida a “Pain Killer” y “Under the Sun”, de su disco Beyondless también. Hasta este punto se podía notar la tensión entre la banda por las fallas técnicas y el público permanecía un tanto fuera de espacio.

La hermandad es algo que se refleja dentro de la banda, siempre están pendientes del otro, y después de una palmada de apoyo en la espalda de Johan por parte del vocalista Elias Rønnenfelt, Beyondless siguió sonando en todo su esplendor con “Plead the Fifth”. Después de una pausa, en la que Elias dijo estar feliz de regresar a nuestro país después de un largo tiempo, “The Lord’s Favorite” del disco Plowing Into the Field of Love, abrió ese momento en que la energía explotó por primera vez y el slam y headbanging se hicieron presentes, mientras Iceage demostraba por qué son los favoritos del Señor.

La actitud de la agrupación es sincera y seria, pero penetrante, Elias siempre establece más contacto con la gente, pero el contacto no solo es físico, también establece penetrantes miradas que se esconden detrás de su cabello o realiza su característico baile moviéndose de un lado a otro mientras sostiene el micrófono con una mano y cable, mientras brinca dando vueltas sobre un pie por todo el escenario. “Thieves Like Us”, “Beyondless” y “The Day the Music Dies” fueron otras canciones que sonaron de su reciente disco, y aunque Iceage hizo un buen trabajo, no pudimos escuchar “Beyondless” con total fidelidad al faltar instrumentos como el violín y saxofón.

Incluso pudimos escuchar “Balm of Gilead”, un sencillo que sacó recientemente y que surgió de una colaboración con The Black Lips, banda con la que continúan de gira por Estados Unidos. “White Rune” de su disco debut New Brigade nos transportó en el tiempo a un viejo sótano perdidos entre la intensidad del punk y el sudor en nuestros rostros, mientras Elias viajaba por todo el lugar impulsado por los brazos del público.

Después el sonido country rock de “Abundant Living”, impulsado por la potencia de su batería y el profundo sonido del bajo de “Morals”, acompañado de la destructiva “Ecstasy”—estas dos últimas de su álbum You’re Nothing—, crearon un ambiente caótico y ruidoso, junto con los gritos de Elias mientras cantaba “pressure, pressure, oh god no, pressure”, que salían como lamentos que no podían ser contenidos ni un momento más en su cuerpo.

Cuando los primeros acordes de “Catch It” comenzaron a sonar todos estábamos extasiados, esperando ese punto que terminaría por destruir el lugar. Y así fue, el rechinar de las guitarras hizo explotar nuestros cerebros y lo único que podíamos decir era “you reel in then you catch it, catch it, catch it, catch it, come make me real”, mientras Elias sostenía los brazos del público como señal de unión. Esa canción marcaba el final, pero los asistentes querían más y comenzaron a gritar “Iceage, Iceage” al mismo tiempo que daban golpes sobre el piso del escenario y la banda no tardó en regresar para realizar un encore y agradecer mientras Elias lanzaba besos hacía el público.

Iceage nos dio un puñetazo en la cara lleno de honestidad, talento y mucho rock que se impregnó en nuestros cuerpos y mentes y creó un espacio en el que todos fuimos un mismo ente disfrutando de la música.

Morrissey en el Auditorio Nacional

En su show del Auditorio conocimos a un Morrissey menos disgustado.

No es un secreto que el ídolo de Manchester es muy agradecido con la comunidad latina, tanto que vive en el barrio mexicano Los Ángeles, alejado de las estrellas de televisión y los lujos de Beverly Hills. Pero parece que el cantante también ha encontrado una segunda casa en nuestro país, ya que en estos dos años se ha mezclado entre nosotros de una manera que parece irreal, con apariciones en televisión y presentaciones en festivales. El ex vocalista de The Smiths ha abrazado a la cultura mexicana tanto como puede y esta noche fue prueba de ello.

Es preciso aclarar que el show comienza antes de que el cantante aparezca, muchos creen que están esperando, viendo clips en la enorme pantalla que ocupa el escenario, pero no. El espectáculo ya está ahí, esas proyecciones son una mirada a la cabeza de Morrissey, una invitación a conocerlo un poco más y contagiarnos de sus pasiones. Los videos de Ramones y Patti Smith son una muestra, ya que en su juventud fue periodista musical y vio de cerca el ascenso del movimiento punk. Los neoyorquinos, junto a New York Dolls, siempre han sido de sus bandas favoritas.

La combinación de metrajes agradó al público, tanto que terminaron en redes sociales y videos como el de "Rebel Rebel" sacaron pequeña ovaciones del público. Luego de eso, las luces del auditorio se apagaron y Morrissey entró a escena. No salió tan llamativo como en veces anteriores, de hecho apareció con jeans, un cardigan azul y una playera de su merch oficial. Más relajado y más ordinario, como si de verdad estuviera en casa.

Inició con "William, It Was Really Nothing", que causó furor entre los fans de The Smiths. Debo confesar que en un principio pensé que Morrissey no había salido en sus cinco sentidos, pues jamás lo había visto tan efusivo y en un par de ocasiones se le fue la voz, pero al parecer solo estaba pasando un gran momento.

Siguió "Alma Matters", uno de los tracks del olvidado Maladjusted. Aquí algo llamó mi atención, pues pesar de que este es uno de los sencillos más exitosos en la carrera de Morrissey, no fue tan seguido como "I Wish You Lonely". No sé si solo sea entre el público mexicano, pero los tracks del último disco, Low in High School, se han convertido en los favoritos de la gente.

"Is It Really So Strange?" y "How Soon Is Now" nos dieron los momentos clave de la noche. La gente se le entregó por completo y el británico lo disfrutó al máximo: se acercaba al público, les daba la mano y parecía no poder contener su entusiasmo. Como fan, el ver a uno de tus artistas favoritos deshacerse de la emoción es algo increíble e inexplicable, sobre todo cuando se trata de alguien como Mozz.

Antes de seguir, se tomó un tiempo para hablar de su nuevo sencillo, un cover a "Back on the Chain Gang" de The Pretenders. Sin embargo, no usó ese tiempo para hacer promoción, sin para compartir; sus palabras fueron: "Tenemos una nueva canción y sé que ninguno de ustedes lo va a comprar, así que es mi deber dar y entregárselos". Lanzó una copia y comenzaron a tocar.

Canciones como "If You Don't Like Me, Don't Look at Me", "Munich Air Disaster 1958" y "Dial-a-Cliché", no era lo que esperaba la mayoría de los asistentes, pero Morrissey supo manejarlo y mantener el interés de todos. Su dicha era contagiosa y se mantuvo hasta el último momento.

El track de la noche definitivamente fue "Life is a Pigsty", pues no solo es uno de los favoritos entre la comunidad de fans, también el músico no la había tocado desde 2015. Aunque la interpretó por primero en San Diego, nos queda el consuelo de que fuimos segundos en la lista.

Cerca del final tuvimos "Spent The Day in Bed" y "Hold On To You Friends". A este altura la emoción era tal que los fanáticos cercanos al escenario estaban a punto de invadir el lugar, el júbilo ya estaba en punto de ebullición.

Después de tantos momentos, poco podíamos pedir. Tal vez no escuchamos muchos hits, pero eso no importaba, venimos por la música y nos quedamos por la experiencia. Sonó "Jacky is Only Happy When She's Up On The Stage", otros de los tracks de Low In High School y en un momento de arrebato, Morrissey destrozó su playera y la aventó al público.

El cantante salió del escenario, sin camisa y agotado, pero con una sonrisa que lo decía todo: Mozz había encontrado en nosotros a su público consagrado. Todo se dio para tener una noche memorable y estaba agradecido de poder compartirlo con nosotros.

Volvió poco después, ya vestido, para decirnos lo feliz que estaba, que esta era su casa y para tocar "Everyday is Like Sunday". Todo el Auditorio explotó y un joven invadió el escenario para abrazar a Morrissey, lo que fue bien recibido por el artista, pidiéndole a los miembros de seguridad que se alejaran y le permitieran volver a su asiento. El momento era catártico, erizaba la piel, pero justo en el éxtasis de la noche, Mozz se retiró, y aunque la gente pedía más, no regresó.

Aquella fue una noche para recordar, pues éramos él y nosotros, no importaba otra cosa. No hubo menciones a Trump o cosas por el estilo, nada existía y todo lo malo del mundo lo dejamos atrás esa noche para disfrutar de nuestra compañía.

Escucha a The National en Bob's Burgers

The National interpretó "Save The Bird" la canción de acción de gracias de Bob's Burgers.

La serie animada Bob's Burgers a menudo integra música en sus episodios, el año pasado lanzaron fragmentos por Sub pop, y también se realizaron compilaciones de sus ditties; de la misma manera se ha invitado a distintas bandas de la talla de Stephin Merritt St. Vincent a colaborar con la animación, con algunos covers.

En esta ocasión The National colaboró con la serie con una canción titulada "Save The Bird", utilizando su característico estilo logra agradar siempre a los fans. El video comienza con los dibujos animados de la agrupación mirando fijamente hacia enfrente, mientras se dirigen a la cena de acción de gracias de algún integrante de la familia, para posteriormente liberar a un pavo en el campo.

Esta no es la primera vez que The National colabora con Bob's Burgers, desde el 2012 han hecho mancuerna, a lo largo de estos años la banda ha colaborado con canciones como el cover “Bad Stuff Happens In The Bathroom”“Christmas Magic” o el cover “Give It To Teddy”, entre otros.

Disfruta de "Save The Bird" a continuación y danos tus comentarios en nuestras redes sociales:

Entrevista con Iceage

El espacio mental de lo desconocido.

Iceage es una banda que amas u odias, pero sin importar esto, es una de las mejores propuestas musicales en la actualidad, y desde que lanzaron New Brigade en 2011 ha ido renovando su sonido sin perder esa característica esencia cruda. Iceage resulta de una mezcla entre el rock, punk y blues con una fuerte dosis de poder y nostalgia, con letras que reflejan la manera de ver de los cuatro integrantes (Johan Surrballe Wieth, Dan Kjær Nielsen, Elias Bender Rønnenfelt y Jakob Tvilling Pless) de una forma directa y honesta. Con su música, Iceage simplemente nos entrega una parte de sus integrantes y de las conexiones que se crean en sus mentes a la hora de crear música. Son ejemplo de versatilidad y eso queda reflejado en Beyondless su reciente entrega, cuyo nombre según Johan Surrballe (guitarrista). “Es una palabra que existe en una novela de Beckett (Worstward Ho), es una hermosa palabra de la que tienes que encontrar su significado”, y eso es lo mismo que tenemos que hacer con Iceage, sumergirnos en las diferentes dimensiones que abarca su música, para descubrir un mundo único, lleno de ruido, pero a la vez armónico y natural.

“La historia de este álbum no es necesariamente lineal, es más un documento de una mente fragmentada y una imagen del espacio mental a la hora de escribir el disco. Al grabar siento que lo que hacemos es una representación de donde estábamos en nuestras vidas, los problemas que nos tenían bajo presión, o experiencias que vivimos. [El álbum] fue grabado en Gotemburgo, Suecia en alrededor de dos semanas, este periodo fue muy intenso, de no dormir mucho y todo giraba alrededor de tener las canciones con la máxima urgencia en la cinta (debido a que fue grabado de forma análoga)”, narró Elias Rønnenfelt, vocalista de la banda sobre la historia de Beyondless. Al preguntarle sobre los sentimientos que definían este álbum, respondió. “Es un mundo hermoso lleno de emociones como nostalgia, desorientación y desesperación. Me gusta que los discos capturen una extensa paleta de lo que es la mente humana, porque está dividida, entonces se alimenta de las diferentes direcciones que puede tomar esta”.

Algo que caracteriza a la banda además de su sonido, es la peculiar presencia que proyectan, y sus shows en vivo son una muestra de esto, desde que salen establecen una conexión con el público y pareciera que no hay barreras entre ellos y los asistentes, sobre esto Rønnenfelt comentó. “Personalmente odio cuando hay un espacio entre el escenario y el público. Por supuesto que hay algo que separa al artista y al asistente, pero todo es parte de la misma experiencia, todos se alimentan de la energía de los demás”, y añadió. “Un concierto en vivo es una forma muy pura de expresión y más que esto, es también comunicación, porque estás en un mismo espacio junto con la audiencia. En el mejor de los escenarios, se convierte en algo que libera a todas las personas dentro del lugar, nosotros incluidos y se crea un versión comprimida del ahora. Yo prefiero los shows donde me olvido de dónde estoy, qué tan alto es el techo, donde lo importante es la presencia de un momento que todos comparten”.

Iceage simboliza diferentes épocas musicales, pero sus influencias no son claras. “Vienen de cientos de lugares diferentes y a veces es difícil ubicarlas, solo creas algo con base en tu cultural general, comprendiendo todo lo que escuchas, ves, oyes, o lees y mezclándolo en lo que estás haciendo, pero puede ser difícil diferenciar de dónde viene cada cosa exactamente”. Esto me llevó a preguntarle qué diferencia de sentimientos experimenta entre escuchar y crear música, a lo que Rønnenfelt respondió. “La música es algo que cuando lo escuchas mueve todo dentro de ti y tiene un impacto que te fue dado [por el artista] y altera tus movimientos o sentimientos dentro de un espacio, o los químicos dentro de tu cerebro. Al hacer música es lo mismo, pero a la vez diferente, porque puedes expresar algo al mismo tiempo”.

El verano pasado la banda realizó una gira junto con Mary Lattimore, cuya música puede parecer totalmente contrastante con la de la banda, por lo que me pareció interesante preguntarle sobre esta colaboración a Surrballe y explicó. “Obviamente no era el mismo tipo de música, ella es una arpista y nosotros somos una banda de rock, pero es agradable sorprender al público y tener diferentes tipo de sonidos en un mismo concierto”. Así mismo, se encargaron de la curaduría de una pequeña residencia llamada “Opening Nights”, que se realizó en Los Ángeles, New York y Tokyo, donde se presentaron artistas como Vacant, Dorit Chrysler, Julianna Barwick y Last Lizard. Durante su estancia en Tokyo, trabajaron con el artista Azuma Makoto para el video de “Under the Sun”, el cual creó una instalación que llamó Crazy Garden x Iceage. Sobre esta colaboración Rønnenfelt nos contó. “Fue la esposa de Dan (baterista), Lea, quien lo conocía y le pregunté a él (si quería trabajar con ellos) y entonces respondió que no haría contribuciones a la exhibición, pero crearía un set completo para nosotros. Entonces, nos invitó a la casa de su esposa donde tenía esta increíble y colorida selección de flores esperando por nosotros, realizada con una gran habilidad artística. Puedo decirte que el olor en la habitación era maravilloso, el polen o la esencia de todas esas flores era muy intenso”.

El éxito de la banda dentro de la escena independiente es relativo, a pesar de que su trabajo ha sido reconocido por algunos medios musicales y han recibido nominaciones a los premios  de la asociación IMPALA, no es algo que les interese, pero al cuestionar a Rønnenfelt sobre cuál ha sido el crecimiento de Iceage, aseguró. “El corte de la banda es el mismo, porque es acerca de nosotros cuatro, siendo amigos desde que éramos niños y permaneciendo tan cercanos desde ese entonces. Es increíble tener esa longevidad, pero no solo en el ámbito musical, también en el personal, porque yo amo a estos hombres, son como hermanos para mí, personalmente ha sido interesante ver cómo el proceso de composición mejora con los años y se desarrolla junto con la forma en que tu vida está cambiando, es una evolución gradual y espero que siempre continuemos evolucionando, ojalá que nunca pare porque no [estamos] interesados en cualquier tipo de repetición. Para mí la parte interesante de hacer música es el proceso y el crecimientos que viene de forma natural… es importante tener cierta locura por la vida”, concluyó.

 

Los Nike Air Force 1 en el Hip Hop

Mira estos cinco modelos Nike Air Force 1 que todo amante del hip hop debería tener.

Creados en 1982, de cierta manera como un reemplazo de los Bruin, fue el producto con el que la empresa logró dominar el negocio del básquetbol. Sin embargo este modelo trascendería a la historia por algo más, como el calzado predilecto del hip hop y el favorito de muchos MCs. No por algo leyendas como Dr. Dre tienen un par para todos los días del año.

Su diseño elegante y atemporal hace que los tenis de Nike prevalezcan hasta nuestros días como un ícono de la cultura urbana estadounidense, pero varios músicos y raperos han colaborado con la marca para darle su toque personal. Aquí te mostramos los mejores:

Travi$ Scott’s 'Sail' Air Force 1

En 2017 el rapero de Texas lanzó sus primeros tenis con Nike, una colaboración muy esperada y que fue todo un éxito. Pero nada comparado con lo que el músico sacó este año, pues a pesar de que repetía la silueta clásica de los Air Force 1 y no había muchas diferencias, el color blanco fue un poco más obscuro y ahora solo contaba con una paloma en metal cromado, dándole sobriedad y adecuándose más a la personalidad de Travis.

DJ Premier Air Force 1

Uno de los productores más respetados en la industria del hip hop, que ha trabajado con artistas de todos niveles, fue invitado en 2010 a colaborar con Nike. El resultado fueron unos tenis con muchas texturas, desde el negro mate hasta piel sintética color obsidiana. Los Air Force 1 de DJ Premier son tan violentos y llamativos que luego de ocho años se mantienen en tráfico.

 

Vlone Air Force 1

A$AP Bari no es un rapero, pero sí uno de los miembros fundadores y, hasta hace tiempo, pieza fundamental del colectivo A$AP Mob, donde participan algunos músicos importantes como A$AP Rocky y A$AP Ferg. Al ser uno de los diseñadores más codiciados en la escena del hip hop con la línea VLONE, su colaboración con Nike arrasó en tiendas.

Virgil Abloh Air Force 1 “OFF-WHITE”

El director artístico y hombre de confianza de Kanye West ha trabajado con Nike desde hace un par de años, sacando decenas de modelos con la línea "Off White", pero de todos sus proyectos, los mejores y por mucho son los que sacó a finales del año pasado, debido a su corte experimental con materiales transparentes.

Roc-A-Fella Air Force 1

Este es uno de los sellos discográficos independientes más grandes en la actualidad y uno de los causantes de promover el hip hop en Estados Unidos con discos como Graduation y The Blueprint. Así que, cuando se confirmó una colaboración entre la disquera y Nike, los fans del género no pudieron con la emoción. El modelo es clásico en piel, con el logo de la casa como un pequeño detalle, pero eso fue suficiente para que se fueran en tiendas.

¡Kali Uchis y Kaytranada juntos de nuevo!

Kaytranada tocó la nueva canción en vivo en Pitchfork Music Festival de París

Hace unas semanas, Kevin Celestin durante su show en el Pitchfork Music Festival de París, presentó la nueva colaboración que hizo con la cantante colombiana Kali Uchisla cual definitivamente será un gran éxito, pues la pista producida por Kaytranada es una clara invitación a bailar, mientras que la voz de Kali le introduce ese elemento sensual que la caracteriza.

El pasado 2 de noviembre, mientras el beatmaker se encontraba tocando su set híbrido, anunció "World premiere, album coming soon", y fue en ese momento cuando el público enloqueció con la voz de Kali Uchis y las mezclas de Kaytranada

Esta no es la primera vez que Kevin Celestin Kali Uchis colaboran juntos, hace dos años lanzaron dos increíbles canciones que tuvieron gran aceptación de sus fans. "Only girl" cuenta con la presencia de Vince Staples y Steve Lacy, pero la pista fue producida por Kaytranada. 

También experimentaron juntos en la canción "Water to Wine"; los fans han afirmado que cuando Kali Uchis y el beatmaker se unen logran importantes trabajos, y desbordan talento pero también sensualidad y energía. Si quieres ver el momento exacto del lanzamiento de su nuevo material juntos reproduce el siguiente video a partir del minuto 24:49.

Technicolor Fabrics estrena canción y video

"Dale calma" es el nuevo sencillo de la banda Technicolor Fabrics, el cual viene acompañado por un video.

La banda indie Technicolor Fabrics regresa con un nuevo sencillo, que te invita a bailar con tus penas, ser feliz, dejar el rencor y dolor atrás y  reconciliarte con la vida. La voz de Juan Pablo Corcueraes la protagonista de la canción, sin embargo, las melodías logran crear un ambiente que te lleva a levantarte y danzar.

"No hay premio o castigo tan solo pasajes por aprender", es la frase con la que los tapatíos reflexionan de que se trata la vida y que es lo que debes rescatar de las experiencias que has tenido. Cuando el vocalista entona "Dale, dale, dale toda calma… Vamos, vamos vamos Pa´ delante" la canción cambia a un ritmo más rápido, con el que no podrás quedarte sentado.

Aunque este track tiene unas horas de haber sido estrenado, ya cuenta con 9.888 visualizaciones y más de 2000 me gusta. El audiovisual fue dirigido por Alexis Gómez, quien también ha trabajados en producciones como "Amigo mujer", "Hedonista" y "Equipo" de Caloncho.

El video es una sucesión de escenas con un bailarín que danza por distintos lugares, alternadas con imágenes de la vida cotidiana, de la naturaleza, animales y sobre todo de personas que cantan y bailan al ritmo de la canción, junto con la banda.
No te pierdas "Dale Calma" de Technicolor Fabricsve el video aquí:

PREMIERE: Johnny Nasty Boots estrena el clip "Deadline"

Johnny Nasty Boots presenta en exclusiva para Indie Rocks! su reciente audiovisual.

El año pasado la banda mexicana Johnny Nasty Boots estrenó su primer material homónimo de larga duración que fue grabado en Sonic Ranch Studios, ahora –en exclusiva para Indie Rocks!– nos presenta el videoclip de su quinto sencillo: "Deadline", un tema que habla sobre los vacíos que enfrentamos cuando nos hace falta dinero o estabilidad amorosa.

En el metraje –dirigido por los miembros de la banda Mr. Chochi y Johnny– vemos una recopilación de los mejores momentos que Johnny Nasty Boots ha pasado arriba del escenario. Además, fue realizado como despedida para Alfi –su ahora ex bajista– quien fue pieza clave desde el inicio de la banda en 2015 hasta junio de 2018.

"Es una manera de agradecer a los que nos han acompañado desde el principio y una forma de mostrar lo que ha sido Johnny Nasty Boots a mis nuevos seguidores, también de alguna manera con este video cerramos un ciclo y abrimos uno nuevo", explicó la banda.

Dale play "Deadline", un track inspirado en las poderosas baterías y guitarras de los años 60 y 70, sin dejar de lado la frescura que los caracteriza y no olvides escuchar la versión larga incluida en el álbum para disfrutar al 100% de la experiencia.

Actualmente Johnny Nasty Boots se encuentra con la mirada puesta en grabar otro material con su nuevo integrante: Carlos Alanis.

Te invitamos a seguir a Johnny Nasty Boots en todas sus redes sociales:
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Escucha el nuevo disco de Troker

El quinto disco de Troker lleva como título Imperfecto y ya puedes disfrutarlo en su totalidad.

La banda mexicana de jazz, rock y música folclórica cumple 14 años de trayectoria y una exitosa carrera que los ha llevado por 20 países y festivales de renombre como Glastonbury.

El nuevo disco de Troker lleva como título Imperfecto y es, entre otras cosas, la aglomeración de elementos para conseguir una belleza fuera del balance convencional. Inmersos en la tarea de configurar rutas estéticas e ideológicas a través de la improvisación, el humor y una relojería comprometida, se sumaron los primeros cómplices en este viaje.

Estamos hablando de DJ Sonicko (tornamesas) y Chay Flores (trompeta), compañeros ya de algunos años pero por primera vez hermanos en la composición, así como Diego Franco (saxofón) quien realizó un par de giras con el grupo para integrarse y entonces sí, participar en el íntimo e intenso proceso de crear.

También cuenta con la colaboración del productor de discos anteriores, Gerry Rosado, quien se hizo cargo del primer sencillo “One Thousand Million Eyes” en el que participa la cantante Renee Mooi. A esta colaboración se le suma otra más de la mano de Freedom Bremner, vocalista de la banda Screaming Headless Torsos, quien despliega sus enormes capacidades vocales en “Coyote”.

Imperfecto fue producido por Alonso Arreola y grabado en Guadalajara con Frankie Mares en FM Studios. “Donde Troker respira, donde surgen ideas y se construye su dinámica creativa, creímos que este era el último eslabón necesario para capturar la espontaneidad de todos”, comentó la banda.

En algún punto de su gestación, mientras terminaban de componerlo y comenzaban con los arreglos, el nuevo disco de Troker mostró rasgos definitorios. Fue una cuestión de intuición que se manifestó en conversaciones fuera del ensayo, y muy pronto para Samo González (bajo), Frankie Mares (batería) y Christian Jiménez (teclados), líderes y fundadores del proyecto, fue claro que este disco estaría cimentado en la familia, la libertad y la imperfección.

Escucha el nuevo disco de Troker a continuación.

Neneh Cherry — Broken Politics

La silenciosa rebelión estilizada de Neneh Cherry.

En un marco histórico sin precedentes, cuando la política mundial es tema de escándalo debido a la represión, el odio y la fuerte denuncia social, es de esperar que en este año y los venideros existan múltiples formas de expresión artística dedicadas a exaltar la paz, la hermandad y los derechos humanos. Brexit, el terror racista que impulsa Donald Trump y la general falta de humanidad en los procesos políticos son suficientemente represivos para detonar los movimientos sociales que experimentamos hoy en día. Campañas mundiales al ojo público como fue Me Too o la postura de los músicos ante la política son un claro ejemplo.

El título Broken Politics de la mano de Neneh Cherry inmediatamente nos remite a pensar que este álbum es un llamado a la rebelión, una crítica aguda e inteligente a la política actual, o la máxima expresión del pesar a consecuencia de los procesos que se viven en la humanidad. Pero no lo es del todo; más que una queja fúrica o un llamado a la anarquía, el quinto álbum de estudio de Neneh Cherry es introspectivo, muy libre y muy a su modo. Y sí, ya estamos a casi 30 años de su debut Raw Like Sushi y las cosas no pueden seguir tan crudas como entonces.

Por segunda ocasión, es Kieran Hebden (Four Tet) quien está detrás de la producción de Cherry, generando exquisitos paisajes sonoros para cada uno de sus discursos internos. “Natural Skin Deep” es un gran ejemplo de esto, donde combinan sinérgicamente las rimas de Cherry con los ritmos de Hebden, incluyendo un inesperado (y necesario) sample a media canción del genio del jazz: Ornette Coleman.

El característico sonido del Bristol underground se hace presente en “Kong”, canción donde colabora con 3D de Massive Attack. Igualmente, “Faster Than The Truth” trata sobre la desinformación social, y su slow jam inevitablemente nos recuerda a Tricky. En “Deep Vein Thrombosis” sobresale la música y arreglos de su esposo Cameron McVey, conocido por colaborar con grandes (también de Bristol) como Portishead y nuevamente, Massive Attack.

Pero no todo cuaja a la perfección como sucedía en Bristol, aquí el discurso es algo débil y confuso. Algunos tracks se sienten demasiado largos, debido a que sus rimas y melodías se caen por momentos o quedan muy lejos de la magia de Hebden. Los temas políticos como el aborto, las armas o los derechos de las mujeres se mezclan con sus reflexiones personales, en tracks como “Black Monday”, “Shotgun Shack” y “Soldier” respectivamente. Ejemplos de todo esto sobran, como ya mencionamos “Deep Vein Trombosis” donde compara su existencia con el dolor de una trombosis, o en “Synchronised Devotion” donde en vez de ahondar en sus “políticas rotas” nos expone que es del signo Piscis, del 10 de marzo para ser precisos.

Musicalmente muy interesante, Broken Politics es una introspección demasiado personal muy alejada del sonido y fuerza de su anterior Blank Project, pero digno de dar un par de vueltas en sus reproductores. Juzgue usted.