Entrevista con James Blake

¿Quién es James Blake?

“A lo largo de nuestra vida vamos descubriendo poco a poco nuestro verdadero yo; y, a medida que lo descubrimos, perdemos parte de nosotros mismos”, dice Tsukuru Tazaki. Puede ser. Pero también abundan otras alternativas para acercarnos al conocimiento de nosotros mismos; otras formas de responder la pregunta que nos hacemos todos los días frente al espejo, por las mañanas, y que probablemente nunca logremos contestar: ¿quién soy yo?

¿Quién-carajos-soy-yo?

Por ejemplo, tal vez el verdadero “yo” existe dentro de una coraza que se va abriendo mientras vamos creciendo hasta que se cae completamente y queda nuestro interior al aire libre. Un caparazón, digamos, que cubre la esencia con diferentes capas hasta que el núcleo se descubre así mismo en un renacer personal. Ese caparazón es una protección del entorno y perderlo no implica que algo de nosotros desaparezca, porque en realidad representa deseos y expectativas que el entorno ha puesto sobre nosotros. También puede ser que no exista algo como el verdadero yo, sino muchos “yo” existiendo en diferentes momentos de nuestra vida que se van transformando, llegando incluso, a desconocerse unos de otros. Todos auténticos. Pueden chocar, pero al final son parte de uno en el amanecer diario.

¿Quién-carajos-soy-yo?

Tsukuru Tazaki, el protagonista del libro Los años de peregrinación del chico sin color del autor japonés Haruki Murakami, puede errar en lo que dice. De no ser así cómo entenderíamos el nuevo álbum del músico inglés James Blake, cómo explicamos la armonía en equilibrio de una mente que solía divagar en la existencia humana y que ahora abre su interior para gritar que está enamorado. Cuatro álbumes después no ha perdido su esencia, solo se ha transformado a voluntad propia. “No voy a hacer el mismo disco el resto de mi vida. Siempre voy a cambiar. He estado cambiando desde mi primer canción. Cambio en cada lanzamiento”, narra en entrevista a Indie Rocks!. James Blake no deja de ser él en su música, se descubre en otras formas, más parecidas a sí mismo, sin abandonar lo que era. Sobre su nuevo lanzamiento Assume Form sostiene. "Quería que fuera diferente. Y el siguiente tal vez sea más para explorar. No pienso mucho en la estructura, hago la música como va saliendo. Hay gente que le gusta mucho más este álbum que otros, está bien. Hago música para expresarme. Entiendo al aprecio de los fans, pero también entiendo que necesitan sonidos diferentes, porque de otra forma, se aburren".

A todo esto, ¿quién carajos es James Blake? ¿Por qué es importante hablar de él? Porque es el músico inglés que colocó en la mira de occidente un sonido peculiar, “soul electrónico” o post dubstep. Apareció en las portadas de las revistas más emblemáticas de música y obtuvo calificaciones positivas en medios especializados, giras alrededor del mundo, aplausos de otros artistas y colaboraciones con músicos como Kendrick Lamar, Beyonce, Frank Ocean, OPN, Travis Scott y Jay-Z. Assume Form, su cuarto disco, era uno de los lanzamientos más esperados de 2019. Pero algo pasó. No resultó lo que la crítica esperaba. El sonido y las composiciones son diferentes. Las letras cambiaron. “Estoy orgulloso. Estoy feliz. Me siento en paz”, dice desde Los Ángeles, California, en donde ahora radica.

¿Es el cambio de ciudad lo que influyó en el sonido? ¿Es el clima? ¿Es el amor que siente por la actriz Jameela Jamil responsable de que haya abandonado aquellas composiciones cuasi experimentales en donde la producción era fundamental? ¿Es este sentimiento responsable de las letras tan abiertas en donde expresa su amor? ¿Ha perdido parte de su esencia? “Tal vez sea el sol, es más caliente comparado con donde vivía, es como si siempre fuera primavera. La vida es más lenta que en Londres y eso me ha ayudado mucho, estoy más tranquilo, soy muy afortunado, tengo un poco más de dinero, puedo tomar un descanso si así lo quiero. No es fácil lidiar con la salud mental cuando no tienes acceso a terapia, a otras cosas que te pueden ayudar, es difícil cuando tienes problemas de ese tipo. Ahora soy muy optimista. Me siento más colorido”, agrega el ganador del Mercury Prize por su aclamado segundo álbum Overgrown.

James Blake está cambiando, y eso no es bueno ni malo, sino una forma de ser. ¿Es auténtico? Sí. ¿Es honesto? Sí. Cambia lo que piensa y evidentemente cambia su forma de componer. Quizá más adelante regrese a sus composiciones primarias, tal vez no, pero tampoco ha perdido algo para seguir siendo él. “Soy de Inglaterra en donde somos más contenidos. Creo que la masculinidad tóxica está en todas partes. Estamos hablando de la represión, del acto de no decir como te sientes, Inglaterra es particularmente así. Pero en todo el mundo los hombres son motivados a no decir cómo se sienten, porque mostrarían debilidad. Contra eso es contra lo que debemos luchar, obviamente debemos pelear por cualquier género, por todos”.

Si hay algo que llamó la atención del nuevo lanzamiento fue una colaboración, pero no la que hizo con Travis Scott, ni la participación de André 3000, sino el duo que formó con la cantante española Rosalía. “Nos mantuvimos en contacto desde hace seis meses, su disco es jodidamente increíble y en cuanto lo escuché quería colaborar con ella. En el primer día hicimos las referencias. Y trabajamos un par de días. Ya veremos en el futuro, pero estoy orgullosos de las cosas que hicimos juntos en el álbum”, afirma Blake. No puede ser solo él, tiene que incluir más personas para conservar su esencia. Para cuidar ese núcleo de sí mismo.

La pregunta sigue en el aire. Cuando despiertas y miras el sol que atraviesa tus cortinas. Cuando te levantas a trabajar en la rutina capitalista. ¿Quién soy “yo”? ¿Quién eres tú? ¿Quién es él? ¿Quién es ella? ¿Quién-es-ella? ¿Quién-carajos-es-ella? ¿Quién es James Blake? ¿Perdemos el tiempo si lo preguntamos? Dicen que si te preguntas si eres feliz es porque en realidad no lo eres. Bajo esa premisa, ¿existimos si nos preguntamos quiénes somos? ¿Alguien lo sabe, lo sabrá? Y si la pregunta es incorrecta, quizá el verbo debería cambiar, de “ser” a “estar”, porque no somos, sino que “estamos siendo”. Hoy somos de una forma, mañana podemos cambiar, y después regresar a lo primero, pero lo importante se encuentra en vivir tal cual nos imaginamos que debemos vivir, como dice el inglés. “Cuando abro mi mente me siento aliviado, me siento presente, siento que estoy viviendo mi vida, siento mi cuerpo, y estoy viendo mi vida”.

Quién sabe, puede que al final podamos ver todos nuestros “yo”. Pero es una posibilidad. Igual nunca lo sabremos. Pero si nos lo preguntamos, nos acercamos más a eso que imaginamos que somos. O que nos gustaría ser.

“Es posible que tenga una cara insospechada para quien conoce mi otra cara. Como la cara oculta de la luna, siempre entre tinieblas”,  Tsukuru Tazaki.

 

Soft Kill en el Foro Indie Rocks!

La banda regresó a México, pero ya saben lo que dicen de las segundas partes.

Hace casi un año la agrupación de Portland vino a nuestro país junto a Soviet Soviet, uno de los conciertos más explosivos y espectaculares del 2018, al igual que de los favoritos para los fanáticos del post punk en México. Ahora, la banda regresó y lo hizo nuevamente en el Foro Indie Rocks!.

La última vez el Foro estaba a reventar y todos se mostraron incansables, al punto en que salimos entre un mar de sudor, con golpes y moretones por todos lados. Aunque en esta ocasión no estaba Soviet Soviet, podíamos decir que teníamos los ingredientes necesarios para repetir una gran noche. Sin embargo, no consideramos que los pequeños detalles son suficientes para cambiar la fórmula.

Abrieron puertas cerca de las 18:00 H. en punto, algo extraño para un concierto de esta naturaleza, pero ya era raro que fuera en domingo. A penas había obscurecido y el Foro Indie Rocks! se llenaba lentamente. No había una fila enorme como en la ocasión anterior, pero me sentía animado y listo para unirme de nuevo a la furia de los asistentes.

No hubo furia, de hecho todo fue letargo; la gente entró sin ganas de nada, incluso para beber. A pesar de todo me mantuve positivo y pensé que Ritual Howls iba a desaturdirlos. Me equivoqué de nuevo, pues aunque la agrupación lo dio todo y trató de darle a los asistentes una gran noche, no hubo más que un par de cabezas moviéndose y aplausos desganados al final de cada canción.

Pensé que la culpa de tanto desinterés se debía a la falta de público, –llegarán más para Soft Kill, eso debe ser– me repetí durante el descanso. A lo mejor tenía razón, pero los números no cambiaron, la gente que había al principio fue la misma hasta el final del show. Estábamos a media capacidad, dispersos y desanimados.

Soft Kill salió a las 21:30 H. y aún muchos estaban afuera, platicando, tomando cerveza y más que nada fumando. Lo primero que vi fue a Tobias Sinclair con una sudadera de Travis Scott, un detalle insignificante pero que llamó mucho mi atención. Los recibieron con aplausos, pero no pudieron disimular sus caras cuando vieron la poca gente que había.

La banda empezó con "Wanting War" y "Wake Up", pero los dos estábamos incómodos, no había chispa. A excepción del baterista Conrad Vollmer, ninguno de los integrantes se mostró con energía. Tobias se veía desconcertado y decaído, e incluso Owen Glendower, que conocemos por su personalidad lúgubre e imponente, lucía afectado por la situación.

En realidad no culpo a Soft Kill por su actitud de esa noche. La banda tuvo una pesada gira que inició el 7 de febrero en Tijuana, viajando sin descanso a Monterrey y Guadalajara. Además, si aquí en la Ciudad de México no hubo mucho público, no me quiero imaginar los demás shows.

El grupo tocó muchos de los temas de su nuevo disco, como "Bunny Room" y "Savior". A fin de cuentas venía a eso, a presentar su tercer álbum de estudio y creo que con eso cumplió.

Entre la gente que me rodeaba había un sujeto con estoperoles de 10 cm en su chaleco, un metalhead y tres punks. Sin duda ese habría sido mosh pit muy interesante y peligroso, pero no se dio la ocasión. Un desperdicio.

La banda salió del escenario y la gente pidió su regreso, más por costumbre que por el gusto de seguir en el recinto. Soft Kill salió una vez más pero dos canciones no podrían salvar la noche. Al final el único ganador fue la tienda de merch, que logró vender todas las playeras y discos del inventario.

Cuando uno va a un concierto uno nunca sabe lo que sucederá, pueden sorprenderte pero también decepcionarte. En esta ocasión salimos cabizbajos de esta capilla del post punk llamada Foro Indie Rocks!, pero si la banda vuelve no lo pensaría para comprar mi boleto, pues las condiciones siempre son diferentes. Lo único que me preocupa es que este fue mi primer concierto del año y lo que empieza mal suele terminar de igual manera.

Camilo Séptimo en el Pepsi Center WTC

Navegando a través de nuestras emociones.

La historia de este encuentro nos remonta al año 2016. Tras el lanzamiento de múltiples sencillos y el éxito de su EP debut, Camilo Séptimo llegaba al Pepsi Center WTC como acto telonero de Foals. Varias cosas han cambiado desde entonces.

En esta ocasión, la banda conformada por Manuel MendozaCoe”, Jonathan Meléndez y Erick Vásquez regresaba al recinto capitalino con dos álbumes de estudio y el respaldo de diversas presentaciones sold out. Tres años después, tocó el turno de complacer a una audiencia que se daba cita para disfrutar de su música como acto principal.

Los roles se intercambiaron y Miss Cafeína tomaba el papel de telonero. El conjunto madrileño fue el encargado de calentar los ánimos de una audiencia que, desde muy temprano, se mostró efusiva y con ganas de cantar.

El amor se vive en cada canción.

La espera recompensó y minutos después de las 21:00 H., Camilo Séptimo se hizo presente. Los celulares de la audiencia se levantaban en el aire para capturar los primeros acordes de “Contacto”. Un solo tema fue suficiente para despertar la energía de los asistentes y ponerlos a corear con los versos de “Te Veo en el 27”.

La atmósfera romántica invadía el recinto y se esparcía a través de “No te puedo olvidar”. “Bienvenidos a bordo, navegantes. Vamos a hacer este concierto mágico” pronunciaba Coe, invitándonos a viajar a través de su música. La sencillez de su escenografía no fue impedimento para lograrlo y transportarnos a otra galaxia a través de sus letras aterciopeladas y proyecciones espaciales.

El viaje continuaba y llegaba el turno de dar la bienvenida al primer invitado de la noche. David Gonzalez de Midnight Generation se hacía presente para  tomar la guitarra y acompañar los acordes de “Frecuencia”.

Tras su breve participación, Coe tomaba los micrófonos para agradecer a sus padres y cantarle al amor. “Gracias a nuestros padres. Por darnos la vida y enseñarnos que el amor es lo más importante”. Luego de  contemplar los colores y matices de una “Noche eterna”, Coe pedía un aplauso para recibir a “una persona muy importante para este proyecto”. Luis Jiménez de Los Mesoneros aparecía en el escenario para interpretar “Pulso”.

Las colaboraciones llegaban a su fin y ahora era turno de agradecer a los seguidores. “Esta canción es para todos aquellos que nos acompañaron desde el inicio”, fue así como comenzó a sonar "Fusión". El final de la velada estaba cerca, pero antes nos regalaría la postal de un Coe sorprendido ante los coros de “Miénteme”.

El amor es como un vicio.

La oscuridad del encore nos regalaba la segunda postal de la noche, cuando el  público iluminaba el recinto con sus celulares.

Después de unos breves minutos de espera, el trío mexicano volvía al escenario para deleitar a los enamorados con un último puñado de canciones. “Neón”, “Eres” y “No confíes en mí” fueron los temas encargados de poner a bailar a los asistentes, antes de decir adiós.

“Gracias por darnos ánimo para seguir haciendo canciones que les gusten. Mensajes de amor y paz porque es la única manera de evolucionar y ser mejores humanos”. Fueron las palabras pronunciadas por Coe antes de partir y recordarnos que el amor es como un “Vicio”. Por más que escapes, siempre vuelves a él.

 

 

Top 5 con los mejores tracks de la semana

Te compartimos este top con los mejores 5 nuevos tracks de la semana en este Top Indie Rocks!.

Mucha música se ha estrenado en este 2019, releases y sorpresas de los proyectos que recomendamos para tu oídos, pero nuestro equipo editorial hizo una selección muy especial para el top 5 de los mejores tracks de la semana del 4 al 10 de febrero de 2019. Aquí encontrarás diferentes géneros y ritmos que te pueden acompañar durante el fin de semana. Hay canciones como “Gone” de TR/ST que está de regreso con, no uno, sino dos discos nuevos; “Livin’ a Lie” de Foxygen, la primera pista de lo que podemos esperar con el quinto álbum del dúo: Una obra maestra de Yuppie-pop con melodías que remiten a la década de los 80; “Scarecrow” de Wand, que estará incluido en su nuevo disco que se llamará Laughing Matter y saldrá a la venta el próximo 19 de abril a través de Drag City Records; “Hello Me & You” de Superorganism, canción que forma parte del soundtrack de la película La Gran Aventura Lego 2, que llega a carteleras este fin de semana; y mucho más.

Escúchalos a continuación y no olvides decirnos cuál es tu favorito en nuestras redes sociales:

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Conoce nuestras predicciones de los Grammy

La ceremonia número 61 de los Grammy es este domingo y el equipo editorial de Indie Rocks! ha elegido a los posibles ganadores.

Cada año, la ceremonia de los premios Grammy se vuelve tendencia debido a las presentaciones que ofrece, la red carpet y por supuesto a los nominados. Este domingo el Staples Center de Los Ángeles será el sitio que será testigo de los ganadores del preciado gramófono.

El equipo editorial de Indie Rocks! ha analizado cada una de las categorías y ha elegido a los posibles ganadores. Aquí nuestras apuestas:

Record of the Year

Childish Gambino"This Is America"

Album of the Year

Black Panther: The Album, Music From and Inspired by—Varios artistas

Best New Artist

Jorja Smith

Best Pop Solo

Beck—"Colors"

Best Dance Recording

"Electricity"—Silk City (Diplo, Mark Ronson) & Dua Lipa

Best Dance/Electronic Album

SOPHIEOil of Every Pearl's Un-Insides

Best Rock Performance

Chris Cornell—"When Bad Does Good"


Best Metal Performance

Deaftheaven—"Honeycomb"


Best Rock Song

St. Vincent—"Masseduction"


Best Rock Album

Rainier FogAlice in Chains

Best Alternative Music Album

Utopia—Björk

Best Traditional R&B Performance

"Bet Ain't Worth The Hand"—Leon Bridges

Best R&B Song

"Feels Like Summer"—Childish Gambino

Best R&B Album

Good Thing—Leon Bridges

Best Rap Performance

"Bubblin"—Anderson .Paak


Best Rap Song

"King's Dead"—Jay Rock, Kendrick Lamar, Future y James Blake


Best Rap Album

Daytona—Pusha T

Best Latin Pop Album

Musas. Un Homenaje al Folclore Latinoamericano en Manos de los Macorinos. Volumen 2—Natalia Lafourcade

Best Latin Rock, Urban or Alternative Album

Aztlán—Zoé

Best Song Written For Visual Media

"Mystery of Love"—Sufjan Stevens

Best Recording Package

MASSEDUCTION—St. Vincent


Producer Of The Year, Non-Classical

Kanye West

‘¿Dónde bailarán las niñas?’, lo nuevo de Ximena Sariñana

A partir del 1 de marzo estará disponible el nuevo álbum de la cantante Ximena Sariñana. Incluirá temas como “¿Qué tiene?”, “Si tú te vas” y más.

Con once canciones, ¿Dónde bailarán las niñas? es el nuevo disco de Ximena Sariñana. Saldrá a la luz el 1 de marzo y es una gran apuesta por la apertura a nuevos ritmos y géneros. Su sencillo “¿Qué tiene?” ya cuenta con casi 16 millones de reproducciones en Spotify y es solo una prueba de lo que tiene preparado.

La artista jalisciense se presentará en la 20º edición del Vive Latino, así como en el festival Estéreo Picnic, que se llevará a cabo en Colombia. Además Ximena acaba de hacer oficial su participación como parte de las 16 sesiones que se grabarán en México para la estación de radio, KEXP.

En 2018, su disco debut, Mediocre, cumplió 10 años de haber sido lanzado. Fue un álbum que la llevó a ser nominada a un premio Grammy por Mejor Álbum Rock Latino/ Alternativo. Sin embargo, ¿Dónde bailarán las niñas? es un concepto nuevo en la carrera de la artista. Son canciones para bailar y disfrutar, además presentó su reciente sencillo, “Lo bailado”. Si no has escuchado esta canción, aquí puedes ver el video dirigido por Paloma Valencia:

Te compartimos la portada y el tracklist:

¿Dónde bailarán las niñas?
1.- "¿Qué Tiene?"

2.- "No sé (feat. Girl Ultra)"
3.- "Si tú te vas"
4.- "Pueblo abandonado"
5.- "Que seas tú"
6.- "Lo Bailado"
7.- "Todo en mi vida"
8.- "Chega pra aca (feat. IZA)
9.- "Fuego"
10.- "Cobarde"
11.- "Huracán"
12.- "Saguaro"

Preparan documental sobre el Tutti Frutti

El legendario bar Tutti Frutti quedará inmortalizado en un documental que se estrenará a finales de año.

Tutti Frutti el templo del underground es un documental realizado por Laura Ponte y Alex Albert, que narrará la historia del bar Tutti Frutti, un espacio para la música alternativa, punk, garage, grunge, dark y psicodelia de los años 80 en México.

Aquí surgieron bandas como Las insólitas imágenes de Aurora –que después se convirtió en Caifanes–, Bon y los Enemigos del silencio, La Maldita Vecindad, Santa Sabina, Café Tacvba, Ultra Five, Monomen, y muchas más.

"Todo eso era muy nuevo, el espacio, la música, todo se estaba gestando", comentó Brisa de Los Esquizitos. "Era como una convergencia social muy amplia. Ahí estábamos reventando mucha gente que después tuvimos como mucha participación en varios ámbitos", completó Poncho Figueroa.

El documental aún no tiene fecha de estreno, pero ya podemos ver un adelanto en donde aparecen personalidades como Pacho Paredes –ex Maldita Vecindad–, Poncho Figueroa de Santa Sabina, Brisa de Los Esquizitos y Danny de Wakantanka.

Dale play a continuación:

El Tutti Frutti cobijó la necesidad de un grupo de jóvenes mexicanos de expresarse, de salir de la norma y de crear nuevas formas de entenderse con el mundo.

 

TOP 5: Discos de la semana

Te compartimos nuestra selección en este top 5 con los mejores discos de la semana.

En esta ocasión nos encontramos con lanzamientos muy singulares y artistas que no temen experimentar. Sin duda una de las semanas más interesantes que hemos tenido en este año que acaba de comenzar. No importa qué tan extravagantes sean los sonidos, nosotros te traemos simplemente lo mejor de lo mejor.

 

HEALTH
Vol. 4: Slaves Of Fear
Lomavista Records
Lars Stalfors

La agrupación regresa luego de casi cuatro años con un álbum que, a pesar de mantenerse violento, es más digerible. Su disonancia adquiere sentido y guía a través del productor Lars Stalfors, pero HEALTH mantiene su esencia y el peso conceptual que tanto los caracteriza.

Panda Bear
Buoys
Domino Records
Rusty Santos

Con su sexto álbum de estudio, Noah Lennox se arriesga y lleva su sonido a terrenos desconocidos. Buoys muestra a un Panda Bear renovado, dispuesto a dejar atrás los elementos que lo acompañaron por tanto tiempo y con una idea minimalista de lo que debe ser su nueva etapa.

Xiu Xiu
Girl With Basket Fruit
Polyvinyl Records
Angela Seo, Greg Saunier
Xiu Xiu

La banda busca ayudarnos a afrontar al mundo y sus horrores con su onceavo álbum de estudio, y lo hacen con un sonido obscuro y lleno de sintetizadores. El sonido de Xiu Xiu sigue siendo experimental y provocador, pero ahora con una columna vertebral bastante sólida.

 

Jessica Pratt
Quiet Signs
Mexican Summer
Al Carlson

La interprete estadounidense tiene un talento innegable, pero jamás había tenido las herramientas necesarias para brillar como debía. Ahora con Quiet Signs, la cantante Jessica Pratt deja los estudios caseros y hace una grabación de calidad, con un sonido pulido y solo pequeños arreglos para mantenerse entrañable.

 

Flat Worms
Into The Iris
God Records
Ty Segall

El punk va tomando fuerza cada día y Flat Worms pone su granito de arena. Con este EP y la bendición de Ty Segall, la agrupación de Los Ángeles busca el reconocimiento que se merece y un lugar entre esa nueva ola de bandas que quieren tomar a la industria por la fuerza.

Escucha "Puro Chuqui" de Nunca Jamás

Déjate llevar por el rock agropecuario de esta banda de origen sonorense en su más reciente videoclip.

Gracias a la actual era del Internet hemos logrado descubrir talento y nuevos géneros musicales que poco a poco se han vuelto parte de nuestro día a día. Nunca Jamás es un trío sonorense que a lo largo de su carrera se ha encargado de regalarnos rock agropecuario, un género que mezcla el poderoso sonido de los guitarrazos con la música regional mexicana que abarca el norteño y la banda.

Recientemente dio a conocer el videoclip de su tercer sencillo "Puro Chuqui", tema incluido en su más nuevo LP con el mismo nombre y que estuvo bajo la producción de Francisco Óroz. En este podemos ver a los tres integrantes en distintos escenarios dando una muestra de que los géneros no están peleados.

"La idea del video es reflejar el valor de lo endémico de lo propio, con el rollo de la banda y un toque divertido. La grabación se dio a las afueras de Ciudad Obregón", compartió la agrupación sonorense en entrevista con Indie Rocks!.

¡Dale play!

El rock agropecuario suele ser asociado a un término despectivo pero este trío ha buscado romper con los estereotipos y fusionar géneros que, en algunos casos, se cree que son muy distintos y para su más reciente proyecto decidieron agregarlo de manera total.

"A partir de dos discos para acá, hemos metido el rock agropecuario de lleno. Fue un asunto gradual que se ha dado hasta la fecha, aún seguimos incorporando elementos agropecuarios y de igual manera tratamos de hacer los shows tipo baile como los de Los Tigres del Norte", declaró Pedro Verdez, bajista de Nunca Jamás.

Rock progresivo, pop y hasta hip hop son algunos de los géneros que escuchan los de Ciudad Obregón, quienes busca eliminar las barreras musicales. "En la generación Spotify ya no existe eso, ya que se ha desprendido de ese prejuicio ya que hoy en día puedo escuchar algo de Cannibal Corpse y algo de Justin Bieber. A la hora de la borrachera eso viene valiendo madres, todos somos del mismo lado", declaró Omar Sainz, guitarrista y voz.

La banda se prepara para dar sus próximos shows, destaca su participación en el Festival Roxy este 23 de febrero. Sobre sus presentaciones Verdez comentó. "La mayoría de la gente al principio sí se asusta, pero en vivo ya entienden la idea. El objetivo es eliminar los prejuicios. La idea es decir 'de aquí venimos, estos somos y no nos da vergüenza' y que suelten el estrés y se vayan con un 'sonrisón'".

Sígueles la pista en sus redes sociales y disfruta de su más reciente LP a continuación
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Massive Attack hace un cover de Bauhaus

Para su show en Ámsterdam, Masstive Attack tocó un cover de “Bela Lugosi’s Dead”, canción lanzada por Bauhaus en 1979.

Massive Attack lo hace de nuevo. Durante su segunda presentación en Ámsterdam, la banda hizo un cover de “Bela Lugosi’s Dead”, canción fue popularizada por el grupo de rock gótico: Bauhaus. Con luces de color verde y unos visuales que iban a la par de la melodía, la agrupación sorprendió al público con esta presentación y aquí la puedes ver:

Esta gira festeja los 20 años que cumplió Mezzanine en 2018. Desde sus primeras presentaciones, Massive Attack sorprendió a sus fans con la participación de Elizabeth Fraser de Cocteau Twins, pero eso no fue todo, sino que tocaron algunos covers de bandas como The Cure y The Velvet Underground.

En esta ocasión, el cover fue de “Bela Lugosi’s Dead”, canción lanzada en 1979 por Bauhaus. La primera vez que Massive Attack tocó este cover fue en 2013 durante un show en The Park Avenue Armony, en Nueva York; sin embargo, fue una grata sorpresa para el público.

Además de las distintas fechas que tendrá por Europa y Norteamérica, recuerden que estarán en el festival Ceremonia. Así que si no se quieren perder de los visuales de Adam Curtis, algún cover sorpresa y claro, de Massive Attack, compren sus boletos aquí.