Tegan and Sara estrena video de “I'll Be Back Someday”

El dúo canadiense Tegan and Sara comparte el video para su nueva canción.

El rock/pop de las hermanas Quin, Tegan and Sara regresó con el tema “I’ll Be Back Someday”, el cual ya tiene video. Este es el primer sencillo de su próximo álbum Hey, I’m Just Like You. El cual tendrá las grabaciones de canciones que las chicas escribieron durante la preparatoria y lo podremos escuchar a partir del 27 de septiembre a través de Sire Records.

Un video minimalista y que nos remonta a la época de los 80. Está dirigido por Natalie Fält, haciendo una oda a la ansiedad. En este podemos ver a las cantantes interpretando el tema desde distintos escenarios. Un video simple pero lleno de colores, contrastes, y elementos que sustentan el tema de la canción. Así como el teléfono en la pared, los outfits holgados, revistas, Walkmans y celulares Nokia, y los comportamientos habituales mientras esperamos “el mensaje” o “la llamada.

No te pierdas de este entretenido y colorido video a continuación.

Nosotras queríamos capturar la interrupción y la multitarea maníaca que todos hacemos actualmente debió al constante uso de nuestros teléfonos celulares. El teléfono en la pared es una representación física de la atracción constante de este dispositivo. La ansiedad de esperar un mensaje, una llamada, verificar si la gente ha publicado, checar qué es lo que están haciendo nuestros amigos, hasta cuántos 'me gusta' tenemos. Nos sentimos desconectados y proviene de sentir que algo no cuadra, pero no podemos responder qué es. Porque no es nada”, explicaron Tegan and Sara el concepto del video a través de sus historias de Instagram.

Además de su próximo álbum las canadienses lazarán el libro High School, mismo que podremos disfrutar a partir del 24 de septiembre. En este se contestarán a las preguntas “¿Cómo formaron la banda?” o “¿Cómo eran antes de formar Tegan and Sara?”.

Tool — Fear Inoculum

Fear Inoculum: La simbiosis perfecta de una espera coartada.

“Trying to Lull Us In, Before the Havoc Begins, 

Into a Dubious State of Serenity, 

Acting All Surprised When You're Caught in the Lie”,

"7empest" (Fear Inoculum, 2019).

Año 2006, Shakira mentía a una generación entera contoneando sus caderas al compás del sample de “Amores como el nuestro” de Jerry Rivera, Taylor Swift hacía su debut discográfico, Gustavo Cerati retozaba en vida y creatividad. Arctic Monkeys se develaba como la nueva promesa del rock y The Knife nos hacía bailar en el averno. 

Es aquí donde entra el análisis personal: ¿qué estabas haciendo tú?, tal vez en la escuela, en la búsqueda de un primer trabajo o apenas trazando un mapa musical a modo de AutoCAD, dibujando líneas en mapas de flujo e influencia entre esos discos que ibas descubriendo, algunos viajes al pasado gracias a la piratería y las descargas de MP3, e hilando el futuro sonoro con esperanza y júbilo. 

Una espera terminó hace unas semanas para los acérrimos seguidores de Tool y una nueva alegría culminará con la salida de Fear Inoculum en su totalidad. Escuchar el track que da título al álbum fue un respiro después del coma absoluto, la introducción a un nuevo cosmos: You Belong to Me, You Don't Wanna Breathe the Light of the Others”, un poderoso statement para todos aquellos ávidos y ansiosos fans de nueva música del cuarteto que, literalmente, se caga de risa en ellos, en las disqueras y sus contratos forzosos y en todo esquema de adaptación y supervivencia en el mercado. Pero curiosamente, poco después de que escuchamos su nueva música, pudimos apreciar en streaming su obra completa. Adaptarse o morir. 

“Pneuma” ciertamente es el verdadero comienzo por el redescubrimiento y el análisis, Adam Jones extendiendo la alfombra roja, Justin Chancellor dando sentido a nuestros pasos en el bajo, Danny Carey imponiendo el ritmo de nuestra respiración descontrolada, y Maynard, siempre Maynard, rezando el mantra difuso de bienvenida a una nueva travesía por el inframundo. El despertar de un espíritu renovado, la madurez y transformación, la evolución y la furia siempre constante. 

De 7 en 7, la lógica y precisión entre guitarra y bajo, el ánimo progresivo y agresivo, la telaraña que se va hilando en nuestra mente, presurizando tiempos y contras y frases, los paisajes de percusiones que asemejan rituales, largos trazos para dar profundidad a un complejo mural sonoro. Y así, como un suspiro, como se fueron 13 años, 11 minutos nos azotan, y cada acorde vuelve a transportarnos a los inicios, a las influencias, al desmenuzar y hacer teorías, a alentar a que nuestra mente estalle ante tal acelerante sonoro. “Invincible”, complejos arpegios para callar rumores, percusiones difusas para hilar nuevas teorías, sonidos inconfundibles, los riffs de contemplación, tan simples y a la vez tan inspiradores que serán emulados por los fans en cover videos, mejor sonorizados gracias a aplicaciones y emuladores que los propios amplificadores. 

“Descending”, otra larga letanía al redescubrimiento, más tenue pero igual que evocadora, una marea de evoluciones instrumentales que nos recuerdan al mar de confusión en el que de vez en cuando nos perdemos, y luego tocamos tierra con “Culling Voices” y su modo de canto alegórico: “Judge, Condemn, and Banish Any and Everyone Without Evidence, Only the Whispers from Within”, la voz templaria y casi telepática, las cuerdas que enmascaran la voz anti celestial.  

El hilo rojo que nos conecta a una banda que sabemos que nunca va a decepcionarnos a pesar de cierta indiferencia, que importa si Maynard se cubre tras las sombras o decide grabar en el sótano de sus viñedos sin interactuar directamente con sus cómplices de locuras, que remedio si es que tenemos que volver a esperar tanto tiempo para escuchar nuevas canciones, seremos completamente diferentes en mente pero nuestro corazón seguirá supurando emoción, escalofríos por progresiones, felicidad por ilustraciones, introspección, calma que lleva a la furia, la eterna espiral de la vida tragándonos lenta y amargamente. “Chocolate Chip Trip” a modo de “On the Run” del lado oscuro de la luna, la mística de los solos de algún instrumento que cada vez son menos frecuentes en las actuaciones en directo. Danny Carey y su lógica abstracta en la percusión, el gong que nunca está de adorno, los redobles que coartan la tranquilidad, el andar batiente entre tambores y platillos, la ilustración de “Moby Dick” de Led Zeppelin en los ojos de Alex Grey

“7empest”, la calma previa a la tempestad, quizá el tema que nos recuerda a los primeros tiempos del cuarteto, pero que también dicta la atemporalidad de su obra. Shame on you, shame on you, tanto tuvimos que esperar y al final el resultado es impecable. 13 años después, somos un mandala que emana colores diferentes, nuestro tercer ojo sigue observando y absorbiendo, nuestra sobriedad nos permite apreciar cosas que tardaremos mucho tiempo en descifrar, largas canciones en la agonizante era radial y el creciente dominio del streaming musicalizarán nuestro andar por la vida, ya sea terminando un reporte, repasando la lista del supermercado, o simplemente como complemento a las variables dosis de aquel estupefaciente que nos libra a ratos de la realidad mortífera.

Con cada tema, cual inoculación, Tool nos infecta con una espora que se expande por nuestras neuronas, cada efecto y solo de guitarra en simbiosis, frases que nos costará trabajo comprender y que se adecuarán a nuestra propio sentir, ritmos perfectos y delicada atención en los detalles, un tumor benigno que acaparará por un buen tiempo nuestro análisis. Cierra los ojos y deja que este temor patógeno lentamente te envenene.   

Año 2019, Shakira nos sigue mintiendo, Taylor Swift cree que el mundo gira a su alrededor, Gustavo Cerati ya no está con nosotros, Arctic Monkeys mutó de una forma extraña y The Knife ya no existe, Tool está de regreso en los charts y ahora gracias al streaming y a una generación entera que se cuestionaba en Reddit cómo podía traspasar los archivos MP3 de Fear Inoculum a sus iphones o ipads, seguirá corrompiendo mentes con su intrincada telaraña instrumental. 

¿Y tú qué estás haciendo?

Dave Grohl interpretó "My Hero" con su hija  

Un momento que Dave Grohl no podrá olvidar, y marcará a todos aquellos que lo presenciaron.

Hace algunos días se llevó a cabo el Festival Leeds, mismo donde se presentaron bandas como The 1975, Billie Eilish, Blossoms, The Wombats, Post Malone y The Maine. Uno de los headliners encargados de cerrar el primer día este festival en Reino Unido fue Foo Fighters. La banda tuvo una invitada muy especial, Violet, hija de Dave Grohl quien interpretó una versión de “My Hero” con un toque muy especial.

Todos sabemos los millones de sentimientos que “My Hero” nos hace sentir, no solo cuando la escuchamos a través de múltiples plataformas, pues en vivo cobra un sentido totalmente diferente gracias a la energía con que es interpretada. Esta vez padre e hija, se unen en el escenario en el que van alternando versos. La ocasión perfecta para que la mayor de hijas de Dave mostrara sus atributos vocales y sorprendiera a los presentes.

No te pierdas de su interpretación a continuación.

Este viaje fue muy especial para mí, porque tenemos una nueva Foo Fighter en el grupo. Les voy a contar algo: es la mejor cantante que conozco. Señoras y señores, la mejor cantante de la familia Grohl: la señorita Violet Grohl, aquí y ahora”, así fue como Dave presentó a su hija a los miles de asistentes durante el show, además de ofrecer unas palabras a su hija mientras la abrazaba.

Anteriormente, las hijas de Dave Grohl también han asistido a shows de la banda haciendo covers a canciones de Adele y Queen.

A$AP Rocky presenta el video "Babushka Boi"

Luego de presentarse en México, A$AP Rocky ha compartido un nuevo visual.

Si algo ha caracterizado a A$AP Rocky es la forma en la que presenta sus videoclips y luego de presentarnos un teaser hace unos días, por fin sabemos de qué se trata. "Babushka Boi" es el nuevo sencillo que el rapero ha compartido de manera oficial en su canal de YouTube. Este track sale luego de su estancia en una cárcel de Suecia y nos da a entender que ya está trabajando en lo que será posiblemente el sucesor de Testing.

En el clip podemos ver a policías representados por puercos, los cuales persiguen a A$AP junto a sus compañeros de crimen. El videoclip estuvo a cargo de Nadia Lee Cohen y puedes verlo a continuación:

El outfit que utiliza en el clip no es pura casualidad ya que desde el evento de gala de arte y cine que se llevó a cabo en el LACMA en noviembre del año pasado, A$AP Rocky ha sido visto luciendo babushkas. Las mascadas de seda que las abuelas rusas suelen amarrarse en la cabeza pasaron de lo funcional, a ser tendencia e inspiración para el rapero que ya las utiliza en sus presentaciones.

Bombay Bicycle Club comparte “Eat, Sleep, Wake”

La banda londinense Bombay Bicycle Club, nos sorprende con nuevo material después de cinco años de ausencia.

A principios de año, Bombay Bicycle Club anunciaba su reunión para el lanzamiento de nuevo material y algunos shows. En 2014 lanzó el álbum So Long, See You Tomorrow de estilo electrónico. Ahora, regresó para presentar “Eat, Sleep, Wake (Nothing But You)”, un nuevo tema. La canción fue producida por John Congleton en los estudios KONK de Londres.

El tema está distanciado de lo que la banda presentó en su ultimo material de larga duración, sin embargo, no abandona su esencia fresca. Esta vez está inclinado hacia el rock psicodélico, que lo podemos notar en las guitarras brillosas que destacan en los coros de la canción. Sin dejar de lado los toques synth que componen el tema en los momentos más fuertes. El bajo también es esencial acompañando la voz.

Estamos muy emocionados de compartir música después de cinco años. Al grabarlo a principios de año nos recordó la felicidad de trabajar juntos en algo que amamos. Esperamos que les guste tanto como a nosotros”, anunciaron Jack Steadman, Ed Nash, Jamie MacColl, Suren de Saram. Nos acercamos al fin de semana, por lo que no te puedes perder de este increíble tema.

Algunas de las fechas que están ofrenciendo durante el tour son en honor al 10° aniversario de I Had The Blues But I Shook Them Loose, su álbum debut.

'Feels Like Leaving', el nuevo disco de Peregrino

Luego de lanzar dos EPs en 2017, Peregrino por fin anuncia su primer LP. Conoce los detalles a continuación.

Peregrino, la banda México-Estadounidense de folk rock, anuncia su primer material de larga duración. Se trata de Feels Like Leaving, un disco que está inspirado en el viejo Oeste y el folk rock contemporáneo.

Es una moderna reinterpretación del género musical americano tradicional, con un sutil homenaje a las bandas sonoras del spaghetti western", expresó la banda en un comunicado de prensa.

Además, Jairus McDonald, Slim Miller, Jose Grageda y Ian Vázquez nos compartieron "Push & Pull", un adelanto de su primer sencillo, una canción que genera un acercamiento cultural entre las dos naciones pero con un toque western.

Dale play a continuación y recuerda que podrás escucharlo completo el próximo 30 de agosto a través de todas las plataformas digitales.

Feels Like Leaving fue producido por Tom Edwards Davis y masterizado en 115 Recording, Oklahoma, Estados Unidos. Estará disponible el próximo 4 de octubre.

Peregrino fue parte de la Semana IR! 2018 donde compartió escenario con el cantante y compositor estadounidense Curtis Harding, demostrando el poder atemporal de cada uno de sus estilos clásicos. Si quieres revivir ese noche, da clic aquí y lee nuestra reseña.

 

 

 

Jesca Hoop — STONECHILD

Notas que demuestran que el lado oscuro de las emociones también puede ser hermoso.

El quinto álbum de la artista californiana es una exploración fresca hacia tintes menos luminosos, que no menos bellos, que el resto de sus materiales. Sin embargo, la esencia de Jesca Hoop se mantiene latente en el recorrido de las 11 estaciones de STONECHILD.

El disco hace referencia a uno de los casos médicos más horrendos y desconcertantes: los bebés de piedra o litopedión. Una rara afección en las mujeres que provoca que el feto se momifique en el vientre de las madres, pudiendo pasar así años sin siquiera presentar molestias. Probablemente una metáfora al miedo a la maternidad, a enfrentarse a lo hermosamente catastrófico y “natural” que es el ser madre.

El tema central: la maternidad. Acompañada por el productor y músico británico, John Parish, este álbum es un descubrimiento de la propia Jessica hacia sus adentros, un viaje a su propio interior y un cuestionamiento de su verdadero yo frente a demonios como la soledad, la incertidumbre y el miedo a sentir. Un trabajo sumamente personal y, por ello, completamente universal.

El trayecto inicia con “Free of the Feeling”, una melodía en guitarra bastante sencilla y apenas adornada con una flauta que se escucha en el fondo, complementada por la exquisita voz de Jesca y el genio de Lucius. Una críptica composición llena de simbolismos y una musicalización que se debate entre lo pagano y lo celestial (¿no son los mismo?) y que es la introducción perfecta al resto del material. A continuación, y de nuevo acompañada por Lucius, Hoop nos conduce de la mano a través de “Shoulder Charge”, uno de los tracks centrales y que brilla con mayor fuerza dentro del álbum. Es a la vez una balada cantada casi a capella y un monólogo operístico (porque en realidad las voces de Jess Wolfe y Holly Laessig apenas sirven como un acento) que raya en la genialidad.

Le siguen temas como “Old Fear of Father”, “Footfall of the Path” y “Death Row” que, sin ser mediocres ni carecer de una genialidad casi innata, se pierden un poco en el transcurso del viaje. Estas tres cambian de canciones de fogata a un canto céltico para terminar convirtiéndose en un discurso musicalizado y lleno de nostalgia.

Para la mitad del disco tenemos “Red White and Black”, uno de los tracks que más recuerdan a trabajos anteriores de Jesca Hoop y en los cuales sentimos a una artista más humana y cercana a quienes la escuchamos. No tanto por la casi nula complejidad del track, sino por la manera en la que articula la historia dentro de la letra y lo natural que parece su cantar. Después siguen “01 Tear”, un tema lleno de tristeza y dolor que termina sucumbiendo para ser intrascendente; “All Time Low”, uno de los tracks que más disfruté del álbum por el tono meditativo de su cantar y la alegría de sus susurros que se contraponen con la confrontación de la propia letra.

Para el final de nuestro viaje tenemos tres temas particulares por sí mismos: “Outside of Eden”, con Kate Stables y Justis, que es una alegre tonada que se queda pegada en la cabeza como un jingle. “Passage’s End”, que como un presagio triste y a la vez apaciguaste anuncia el cercano final del paseo a través de los demonios internos de la artista. Cierra el disco con “Time Capsule”, una manera de abreviar su disco, que es quizá mi track favorito del álbum. Una tierna y taciturna canción para declamar mientras por la ventana la lluvia empapa el pasto o el asfalto.

Cada uno de las canciones que componen el álbum toca temas centrales en la vida de cualquier mujer que se ha visto violentada y se atreve a cuestionarlo todo: misoginia, sexismo, abuso, depresión, subyugación y dolor. Temas, que no solo conciernen a ellas, sino a una sociedad actual que debe mirar con los ojos bien abiertos a estos problemas latentes. De nuevo, el disco es una exploración tan personal que se vuelve universal, tan dolorosa que es necesaria y tan repugnante que nos parece tan real.

 

Oasis comparte el lyric video de "Fade Away"

¿El título de esta nota te trajo recuerdos? Pues escucha de nuevo este track de Oasis ahora con un lyric video.

Como parte de los 25 años de Definitely Maybe, Oasis, bueno, el equipo de la banda ha compartido el lyric video de "Fade Away". En el clip podemos ver imágenes que nos transportan a los años 90 y que simulan periódicos viejos. Aunque la banda no tiene planes para reunirse no dejan de lado el aniversario de uno de sus discos más vendidos.

Disfrútalo a continuación:

Definitely Maybe tendrá dos ediciones especiales que saldrán el próximo 29 de agosto. Uno será un vinilo color plateado y el otro con las fotografías oficiales del LP. Estos ya están disponibles en el sitio oficial de la banda. Además de los vinilos podrás adquirir CDs edición especial con algunos temas en vivo, demos y algunos B-sides y temas raros que jamas fueron lanzados de manera oficial. ¡Vaya que el festejo será en grande!

Hace unos días se llevó a cabo un evento en el que celebraron los 25 años del Definitely Maybe en el club londinense Star Shaped. Entre los invitados a este festejo estuvo Alan McGee, quien fue el manager de la banda y uno de los propietarios del sello Creation Records.

Entrevista con Elis Paprika

Elis Paprika nos compartió el significado de Venganza y alza la voz sobre los acontecimientos que ocurren en el mundo.

El papel de la mujer en la escena musical se ha vuelto crucial para una época en los que el feminicidio van a la alza y que diversos movimientos nos han puesto a pensar si realmente este mundo se lo está llevando el carajo. Es por eso que Elis Paprika creó Venganza, su octavo trabajo de estudio en el que manifiesta el malestar de toda una sociedad.

"Venganza se grabó en mayo del año pasado (2018) y es mi disco favorito como Elis Paprika. Este material no habla sobre mí sino lo que veo", declaró la originaria de Guadalajara en entrevista para Indie Rocks!.

El proceso creativo del material le llevó un largo rato pues para hacer este material pasaron distintas situaciones tanto a nivel personal y como sociedad. El asesinato de los estudiantes de cine de Guadalajara, los feminicidios, el racismo la hicieron preguntarse. "¿En qué nos estamos convirtiendo?".

"Este disco fue muy accidentado ya que cuando llegué a Guadalajara a grabar el disco, no tenía la libreta en la que había escrito las canciones y me dijo 'qué vamos a hacer', pues lo iniciamos desde cero".

Elis Paprika considera que el tener un micrófono da demasiado poder para hacer algo que no sea solamente con cantar por cantar. "Nos están matando y nadie está haciendo nada más que normalizando la violencia. Todos nos estamos haciendo súper inconscientes no sé si porque es mejor hacerte el menso y dejar pasar o hasta que a ti te toque. Agarrar la responsabilidad y hacer algo por la sociedad es algo que necesita muchos huevos", continuó."Siempre he dicho 'debemos pelear para que los seres humanos vivan en un planeta bien'".

El proyecto que ha emprendido Elis desde sus inicios se ha fijado diversas metas y una de esas es tener alcance fuera de México y recientemente estuvo en dos países asiáticos en los que el español es nulo. "Estuvo increíble porque en Mongolia y en Corea fuimos los primeros mexicanos en tocar en festivales. Es alucinante, la verdad que a mí me recuerda mucho cuando iniciaba acá. He aprendido muchísimo, ha sido súper chingón".

Aunque la industria ha crecido en nuestro país, la también compositora, ha hecho esfuerzos para que esta se desarrolle más. "En México, la música independiente está en pañales. Así, tal cual es difícil para las bandas dedicarse al 100% en la industria entonces lo que he querido hacer es crear una infraestructura que pueda ser viable para todos. Una de las cosas que quiero hacer es alianzas para intercambiar talentos de Asía hacía México, mi objetivo es hacer una red de independencia en todo el mundo".

Elis Paprika también ha trabajado con mujeres que buscan ingresar al mundo musical y de igual manera quiere armar un festival de talento femenino para agosto del año entrante. Su principal inspiración es el ya extinto Lilith Fair. "Para que nos pueda funcionar a todas y a todes es que pues se haga súper profesional. Lo vamos empezar pequeño y conforme pase el tiempo que vaya creciendo La idea es hacerlo muy chingón para que haga ruido".

Así es como el proyecto de Erika Elizabeth Nogues ha logrado consolidarse como uno de los más importantes de México y aunque ha pasado por varios altibajos no ha parado de trabajar porque de eso se trata este mundo musical.

¡Escucha Venganza a continuación!

Lemmy Kilmister y su canción perdida de 1979

Podremos escuchar de nuevo la voz de Lemmy Kilmister en un tema country.

“The Mask” comenzó a ser escrita por Lemmy Kilmister en 1979, pero la terminó 30 años después en 2009. Ha pasado una década desde ese momento, y un par de años desde su muerte, sin embargo, ya es tiempo de que podamos escuchar la canción. Lemmy trabajó en 2009 a lado de Lynda Kay Parker para completar la canción. Por muchos años se creyó que la grabación estaba perdida, pero fue redescubierta recientemente. "The Mask" es el sencillo principal del nuevo álbum de Kay, Black & Gold el cual salió el pasado viernes 23 de agosto.

Un tema difícil de escuchar para todos aquellos fans de Lemmy, pues esta vez no lo escuchamos con la fuerza de la voz rasposa con la que interpreta los temas de Mötorhead. De hecho, su voz, cansada, le logra dar el tono correcto a este tema country, que habla de una pareja cuyo amor estaba condenado. Acompañado de la voz de Lynda y una guitarra logran transmitir cada uno de los sentimientos que recorre la canción.

No te quedes sin escuchar este maravilloso tema.

En 1979, Lemmy Kilmister se colocaba en la escena del hard rock con sus álbumes Overkill y Bomber. Este año se celebró el 40 aniversario de estos grandes y emblemáticos materiales de Mötorhead que estarán incluidos en el box set titulado 1979. Por otra parte, Lynda se encuentra trabajando en la serie Goliath de Amazon Prime en la que aparece como ella misma.