Metallica lleva S&M² a la pantalla grande

La celebración por el 20 aniversario del álbum S&M no termina, por lo que Metallica le tiene una sorpresa a todos sus fans alrededor del mundo.

A través del sitio oficial de Metallica, se anunció que el próximo 9 de octubre llevarán a la pantalla grande la presentación S&M². Los shows que se realizarán en el Chase Center en el Mission Bay Area de San Francisco obtuvieron una gran respuesta. Pero la banda sabe que muchos de los fans se perderán las presentaciones porque no pueden hacer el viaje. Por eso será transmitido en más de 3,000 salas de cine alrededor del mundo.

Para poder hacer esta presentación realidad, la banda conformada por James Hetfield, Lars Ulrich, Kirk Hammett, y Robert Trujillo unirán fuerzas con la Sinfónica de San Francisco comandada por el legendario Michael Tilson Thomas. Los shows se llevarán a cabo los próximos 6 y 8 de septiembre, mismos que serán grabados. Durante la presentación, los asistentes no solo podrán escuchar canciones del álbum S&M, lanzado en 1999, también interpretarán la versión sinfónica de temas que han lanzado desde entonces.

Mira el trailer a continuación:

Los cines que proyectarán esta presentación aún están por confirmarse, pero los boletos podrían salir a la venta el próximo 7 de agosto. Para recibir alertas y detalles de la venta de boletos, puedes ingresar aquí, y estar al tanto de la presentación de Metallica.

El álbum fue grabado el 21 y 22 de abril de 1999 y fue lanzado en noviembre. S&M contiene las canciones clásicas de Metallica, además de "New Leaf Clover" y "Minus Human". El acompañamiento sinfónico fue compuesto por el conductor Michael Kamen.

Entrevista con Santa Sabina

La misa cuadrafónica-pagana y un encuentro con la historia.

El pasado Vive Latino 2019 fue para la mítica banda mexicana Santa Sabina el experimento idóneo para compartir con el público el éxito de un concierto cuadrafónico presenciado por veinte mil personas. Fue un compromiso en todos sentidos muy alto. Para quien fue se dio cuenta los capitalinos usaron dos sistemas de amplificación completos, lo multiplicaron de manera que tuvieran más espacialidad, a su vez, este reencuentro entre sus fundadores y últimos miembros fue un acontecimiento sin precedentes. Para Alfonso Figueroa, bajista de la agrupación, fue un símbolo de unión, pero a su vez el inicio de una despedida.

“Estamos muy contentos con la inercia, esa tocada que es un coronario principio-final, un momento donde se gestaron cosas y creo que esta tocada del Vive Latino es un momento de cierre, pero es el principio de una forma de la banda que queremos revivir para tener de alguna manera un final feliz, más apropiado con nosotros y no tan apropiado por el destino, ese destino que no te pregunta y te atropella. La moraleja general para nosotros y la energía que genera todo esto es también una convicción de lo que simboliza Rita Guerrero para nosotros, es la creatividad, el arte, la amistad, el acercamiento en relación a esos valores”, expresó.

Este común reencuentro en persona y amistad del que están siendo protagonistas los integrantes de Santa Sabina han hecho que aborden esta experiencia desde un lugar un poco más maduro. Antes esta personalidad con la que hacían las cosas era la solución vital de su existencia, y ahora piensan que quizás no lo es tanto. Si toma una importancia muy vital porque para todos sus artífices fue un proyecto de mucha importancia en sus vidas, pero ahora de alguna manera planean enfriar un poco la situación pasional-juvenil.

“Ya somos unos venerables ancianos de la primer-tercera edad (risas), y todo tiene que ser más liviano, mucho mas disfrutable y divertido, y eso implica más tareas que la musical, entonces hay que verlo de una manera más artística porque somos otros que no éramos en ese juvenil momento donde solo vivíamos para la banda, ahora todos tenemos una vida aparte, pero se puede anexar a la banda quizás de una manera mucho menos pasional, sufrida, sino al revés… más disfrute, más real. Este mundo no es tan monocolor como nos lo han impuesto, es la coexistencia de todos a través de la música. De alguna manera Santa Sabina tiene mucho que decir, esta historia no tiene por que tener un final tan triste”, enfatizó Figueroa.

Por otra parte, El Club Del Rock & Roll se asoció recientemente con la banda para hacer la remasterización de su penúltimo álbum a vinilo, Mar adentro en la sangre. Este es de los pocos discos de los cuales Alfonso aún conserva los masters, al ser de producción independiente. Este re lanzamiento contiene más cosas que no quedaron en la versión definitiva, como palomazos, lados b, etc. Al final la obra resulta ser más dinámica de escucharse, es un disco que tiene mucho arriesgue sonoro, por la técnica de producción que no tiene ningún ecualizador, todo se hizo con microfonía, y en la versión vinilo todo eso cobró su verdadera dimensión, junto con el arte del disco. Poncho también nos cuenta más detalles acerca de las posibilidades de volverse a meter a grabar nuevas canciones al estudio.

“Obvio estamos cerca de esa idea, pero tenemos mucha tarea por lo pronto, y de ahí tendrá que salir lo otro, a todos nos interesaría la idea de poder sacar nueva música, pero bueno, todo tiene que venir, nosotros somos solo objetos de la música, la gente lo está esperando, nosotros de alguna manera también estamos esperando muchas cosas, esperamos el encuentro con el publico en el Metropólitan para asegurarnos que somos una banda más allá de la melancolía. Si vamos a hacer nueva música es porque ya no vamos a retomar nuestro antiguo lugar… pero a fin de cuentas hay un voto de esperanza”, aclaró.

Los oriundos de la Ciudad de México llevan ya un rato teniendo ciertos episodios emocionales recordando y añorando viejos tiempos. Los conciertos en el Teatro Metropólitan han sido históricamente los más emblemáticos de la banda, allí se presentó el MTV Unplugged en 1997 y también fue espectador de aquel épico aniversario numero XV en 2005. Este recinto conoce a la perfección las hazañas de Santa Sabina, y este próximo 27 de septiembre volverá a tener un último alojamiento de sus ya reconocidos huéspedes. Es por eso que Alfonso adelanta lo que se podrá presenciar en este recital.

“Es un encuentro en el tiempo, de la historia, un recorrido por todos los discos de la banda. Por eso nos van a ayudar amigos a echar su versión con nuestras rolas y vamos también a tratar de darle más presencia al Coro Rita guerrero, que son parte importante en la historia de Santa Sabina. El discurso visual también estará presente, el discurso poético, las luces, un poco de lo que siempre han sido los conciertos de esta banda. Tratamos de crear un éxtasis de estímulos hermosos alrededor del arte, y ahora todo va a tener cierto toque evocativo a nuestra carnalita Rita. Todo esto al mismo tiempo tratará de llegar al espíritu de la gente y de eso va en realidad, es una misa pagana hacia la vida, eso es lo que podrían esperar del concierto en el Metropólitan… una misa cuadrafónica”, sentenció Poncho.

Finalmente Alfonso expresó su visión acerca de la actual escena rockera en nuestro país, alentando tanto a la industria como al talento para empujar y aferrarse al progreso en conjunto.

“Creo que la escena se ha transformado para bien, en algunas cosas y en otras aún falta. La industria de las cosas en general en México es insistir. Para empezar, el petróleo… no fabricamos gasolina para consumirla, se la compramos a los gabachos. Más o menos por ahí está el rock, me gustaría hablar de que hubiera mucho más en todo sentido… más chamba, más foros, aceptación, más medios, que el rock fuera más corriente –sin ser peyorativo–. Que hubiera mucha más industria y más bandas, y creo que en México hay suficiente talento para que eso suceda. Creo también que han pasado cosas importantes en el rock mexicano, hay que seguir pelando por tener industrias de las que sean, en todos sentidos estamos arrojados a la artesanía, necesitamos ampliar nuestras propias industrias, habitar nuestros espacios inhabitables”, finalizó.

No te pierdas este 27 de septiembre a Santa Sabina en el Teatro Metropólitan.

Rammstein protesta a favor de la comunidad LGBTIQ+

Guitarristas de Rammstein se besan durante su presentación en Moscú, Rusia.

Actualmente Rammstein se encuentra ofreciendo la gira promocional de su más reciente producción discográfica, RAMMSTEIN (2019), motivo por el cual se acaba de presentar en el Estadio Luzhniki de Moscú, lugar en el que montaron un gran espectáculo que sus fanáticos nunca olvidarán.

Durante la interpretación de "Ausländer", los guitarristas de la agrupación: Paul Landers y Richard Kruspe se besaron, manifestándose así, a favor de la comunidad LGBTIQ+.

Las fotografías del momento fueron capturadas y publicadas en las redes sociales de la agrupación junto con la leyenda "Rusia, te amamos".

Te compartimos a continuación las fotos para que puedas verlas:

 

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Россия, мы любим тебя! Photos: @jenskochphoto

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Rammstein se manifestó en ese momento debido a que en 2003, el presidente Vladimir Putin aprobó la ley rusa: Propaganda Gay, la cual busca evitar que los niños se expongan a los actos homosexuales, ya que según indicó el presidente "eso no es un acto normal".

Recordemos que no es la primera vez que Rammstein alza la voz en favor de la comunidad, ya que el mes pasado el líder de la banda Till Lindemann, se subió en una lancha con la bandera LGBTIQ+ y navegó entre la multitud durante su presentación en Polonia.

'The Blue', el nuevo EP de Death Cab for Cutie

Death Cab for Cutie recuerda a los chicos fallecidos en el accidente de Bellingham, Washington.

La banda estadounidense Death Cab for Cutie acaba de anunciar el lanzamiento de su nuevo material. Se trata de The Blue, un EP de cinco canciones que será lanzado el próximo 6 de septiembre a través de Atlantic Records.

Para dar a conocer un poco de lo que escucharemos en el nuevo material, la agrupación acaba de compartir "Kids in '99", un homenaje musical dedicado a los tres niños fallecidos en la explosión del gasoducto en Bellingham, Washington en 1999.

"La explosión del oleoducto olímpico en 1999 fue una tragedia que realmente me afectó mientras vivíamos en Bellingham. Después de todos estos años sentí que era digno de su propia canción folklórica", comentó Ben Gibbard en un comunicado de prensa.

Musicalmente hablando "Kids in '99" representa muchos de los ritmos y sonidos tradicionales de la agrupación. Sin embargo, la lírica es mucho más profunda y dolorosa.

"Pensando en esos niños en el 99. Fuga de gas en el arroyo. Un petardo y luego una chispa. En un momento estaban después, se fueron", se escucha en la canción.

Da play a continuación:

Si deseas ordenar este EP, puedes hacerlo a través del sitio oficial de la agrupación. Te compartimos a continuación la portada y el tracklist.

Tracklist de The Blue: 
1. "To The Ground"
2. "Kids In '99″
3. "Man In Blue"
4. "Before The Bombs"
5. "Blue Bloods"

Khruangbin — Hasta el Cielo

Ok, Houston, we’ve had a problem here: la música de Khruangbin traspasó la atmósfera.

Hasta el Cielo es el tercer álbum de larga duración del power trío texano Khruangbin. Consta de un b side que incluye los 10 temas de su disco anterior, Con Todo el Mundo (2018), reversionadas y cargadas con los ritmos y frecuencias del dub, además de dos bonus tracks brutales producidos por el experimentado Hopeton Overton Brown, “The Scientist”.

En cuanto al sonido, el disco continúa fiel a su propuesta ecléctica basada en el funk y el soul sesentero tainlandés, dotada con una serie de bajeos densos, grooves y loops del downtempo, efectos vocales y riffs erizantes que hacen de Hasta el Cielo una sonda espacial destinada a rondar por el espacio exterior. Las atmósferas y paisajes que logra el trío son espectaculares, basta ponerse cómodo, colocarse los audífonos y subir el volumen hasta donde los tímpanos aguanten.

El viaje interestelar inicia hipnóticamente con los bajos, samples y breaks constantes de “With All The World” y “Sisters & Brothers”, mientras que “Mary Always” y “Four or Five” presentan la concepción que Khruangbin tiene del dub: una oración espaciosa, meditativa y transportadora, pues en ellos predomina una abstracción sonora llena de delays y efectos de sonido que anuncian el trance al que “How I Love” y “Sunny’s Vision” nos sumergirá.

Por su parte, en “A la Sala” relucen los bajeos pegajosos del funk y samples que te hacen sentir en el fango, al finalizar seguramente tendrás una arritmia cardíaca. “The Red Book” emula una baja densidad, un flotar oscuro entre efectos y melodías que te hacen rendirte ante Hasta el Cielo.

Le siguen “Order of Operations”, canción en la que regresan los bajos, los samples y un ritmo cadencioso de hit-hats bien posicionados, y “Hasta el Cielo”, el track más largo del álbum que emula una caída en la profundidad del espacio exterior con una melodía suave y envolvente en la que la voz de Laura Lee es sublime.

El disco cierra con las pistas más sólidas: “Rules” y “Cómo te Quiero”, producidas y afinadas por The Scientist. Dos impresionantes tracks que capturan la esencia y la emotividad del dub jamaiquino: bases, contrastes y ritmos pantanosos que incitan a cerrar los ojos y explorar el espacio profundo en el que se inspira este álbum.

Así, Hasta el Cielo es un álbum de 50 minutos con texturas ambientales profundas que oscilan entre la música del planeta de Khruangbin y la magia del dub para pintar en el escucha paisajes sonoros prístinos y ondulantes, al que solo podría reprochársele la falta de The Scientist en más temas.

Royal Trux lanza remixes creados por Ariel Pink

Royal Trux estrenará Pink Stuff, un EP de remixes creados por Ariel Pink.

Ariel Marcus Rosenberg –el hombre detrás del proyecto, Ariel Pink– decidió darle un toque especial a la música de la banda estadounidense de rock Royal Trux. Este EP, denominado Pink Stuff, incluye cinco tracks de White Stuff (2019), la más reciente producción de Neil Hagerty y Jennifer Herrema.

Pink Stuff estará disponible a partir del 4 de octubre a través de Fat Possum. Si estás interesado en ordenarlo puedes hacerlo a través de la Bandcamp oficial de Royal Trux. El costo de este material es de 14 dólares ($266.93 aproximadamente) ¡Corre ha adquirirlo!

A continuación te compartimos un adelanto, se trata de "Suburban Junky Lady". Una versión más lenta del tema, pero al mismo tiempo más profunda. Dale play a continuación:

Aquí podrás ver la portada y el tracklist que conformará esta producción:

Tracklist de Pink Stuff:

1. "Suburban Junky Lady"
2. "Year of the Dog" 
3. "Get Used to This" 
4. "White Stuff" 
5. "Whopper Dave"

Recientemente Ariel Pink compartió una foto en sus redes sociales con la leyenda "Agosto 6". ¿Será que nos está preparando para el sucesor de Dedicated to Bobby Jameson?

Mantente al pendiente de Indie Rocks! para más información.

Thom Yorke escribe tema para la película de Edward Norton

Thom Yorke escribe "Daily Battles" para la Motherless Brooklyn, la nueva película de Edward Norton.

El actor Edward Norton –conocido por sus papeles en: El Club de la pelea y Birdman– anunció que se encuentra trabajando en el rodaje de su nueva película: Motherless Brooklyn, para la cual pidió la colaboración del músico Thom Yorke.

"Quería que Thom escribiera una balada melancólica de otro mundo y quería que su voz fuera la de Lionel", comentó el actor en un comunicado de prensa.

El autor de ANIMA (2019) envió la grabación de la pista titulada "Daily Battles", tema que Norton definió como. "Es instantáneamente desgarrador y evocador muchos de los temas de la película sin ser demasiado específico para ellos, pero tanto pensé en la idea de las batallas diarias que todos están peleando, que tú estás tratando de levantarte y salir de él".

Edward Norton, quien no solo tiene el papel protagónico de la cinta, sino también funge como guionista y director, comentó que este sencillo estará disponible en dos versiones: una interpretada por Yorke junto a Flea (Red Hot Chili Peppers) y la segunda estará producida por Wynton Marsalis.

Motherless Brooklyn es el nombre de la adaptación a la novela homónima de Jonathan Lethem que se estrenará el próximo 1 de noviembre.

"Daily Battles" estará disponible próximamente a través de tu plataforma digital favorita, así como en una versión vinilo de 7" pulgadas. Para más información sobre este filme quédate al pendiente aquí en Indie Rocks!.

Colecciona las figuras de Rage Against The Machine

No te pierdas la oportunidad de tener en tu repisa estas figuras coleccionables de Rage Against The Machine.

A través de su página oficial Rage Against The Machine anunció el lanzamiento de pequeñas figuras coleccionables. Este set aún se encuentra en preventa, y se espera que el lanzamiento oficial sea el próximo 16 de agosto los cuales tendrán un precio de $2,015.53 más los gastos de envío. Puedes puedes pre-ordenarlo aquí.

La idea de que la banda de rock conocida por canciones como "Killing In The Name", "Testify" o "Bulls On Parade" fueran transportados a figuras coleccionables corre a cargo de Brokker una marca japonesa de juguetes. Capturando la esencia de Zack, Tom, Brad y Tim, sus respectivos instrumentos y atuendos se inspiraron para lanzar este primer set. Cada una de las figuras miden aproximadamente 9 cm y vienen en una caja de 32 cm x 13 cm x 12 cm.

Rage Against The Machine fue nominado al Rock and Roll Hall Of Fame. Actualmente se encuentra inactivo, pero recientemente a la venta todos sus discos en versión vinilo. Los materiales en cuestión son: Rage Against the Machine (1992), Evil Empire (1996), The Battle of Los Angeles (1999) y Renegades (2000). Además de sus materiales de estudio se sumará el Live en el Grand Olympic Auditorium (2003).

¿Será que con estos lanzamientos se anuncien nuevas cosas?

Iggy Pop comparte “James Bond”

Un tema muy diferente a lo que nos presentó Iggy Pop la primera vez.

El cantante Iggy Pop compartió una nueva canción que lleva por nombre “James Bond”. Con el pasado tema "Free", que le da el nombre a su nuevo álbum, dejó abiertas muchas expectativas pues definitivamente será un material en el que nos muestre una nueva cara.

En esta nueva canción Iggy Pop nos cuenta una historia al ritmo de jazz. Su voz cruda difícilmente sigue el ritmo del bajo a cargo de Robin Sherman, que es constante y que resalta en todo el tema. Posteriormente se le une una guitarra discreta pero brillosa a cargo de Ari Teitel. Y la batería de Thomas Glass que acompaña a la guitarra y el bajo para darle firmeza al tema. Pero la verdadera sorpresa de esta canción es la trompeta que le da un giro inesperado y la adorna perfectamente. No solo para el bien de la historia, también para alzar la voz del "padrino del punk" en la última parte de la canción.

Es un tema escrito y musicalizado por Leron Thomas, el trompetista de jazz. No te pierdas de este increíble tema y escúchalo a continuación

"No sé qué está haciendo exactamente, pero las cosas parecen estar cambiando, y se está haciendo cargo. Bueno, ¿por qué no? Intentaré algo una vez", comenta Iggy con respecto al nuevo tema. "Nunca me había divertido tanto cantando una letra. La lectura de Faith (voz adicional) está tan cargada, y la producción y trompeta de Leron junto con la banda se balancea como loca". Dejando en claro que el tema es una gran producción gracias a todo el equipo que hay detrás.

 

The Flaming Lips — King’s Mouth

El gran loop.

El nuevo álbum de The Flaming Lips se titula King’s Mouth. Está compuesto por 12 canciones, las cuales podríamos reconocer como el soundtrack de una película de ciencia ficción.

A través de los años The Flaming Lips, una banda americana de Oklahoma, ha logrado revolucionar el uso de sintetizadores –principalmente– modificando las voces, obteniendo un toque robótico y único en sus canciones. Una banda llena de experiencia musical, la cual ha sido plasmada, alrededor de 15 álbumes bastante sólidos. King´s Mouth no es la excepción.

Pareciera que todo el disco viene de un guión determinado, el cual es narrado por él guitarrista de The Clash: Mick Jones. Es la primera vez que The Flaming Lips logra crear una serie de canciones que van relatando una historia. Y curiosamente es uno de sus discos más cortos.

La narración inicia con “We Don't Know How and We Don't Know Why”, una canción que da valor al nombre de este álbum y con la cual nos adentramos a este loop gigantesco.

Digo lo anterior por que este álbum podría ser una canción de 42 minutos. Ya que cada rola está completamente conectada con la otra. Esto es algo sorprendente y algo de lo cual podríamos hablar horas, días y meses, por lo increíble que es The Flaming Lips.

Incluso al escucharlo llegué a pensar "¿Sigo en la misma canción?", porque cuando menos te lo esperas ya avanzaste tres rolas sin darte cuenta. Pero déjenme decirles que esto no hace que tus oídos se aburran. De hecho se intrigan más, quieren escuchar qué es lo que sigue.

Eso provoca “The Sparrow”, una rola con una melodía pegajosa, un ritmo lento, pero seguro, y con un toque de psicodelia, ese por el cual reconocemos a esta banda. Llena de frases espectaculares como: “The universe brought you here, yeah it's true. The universe can take you away, too”.

Continuamos adentrándonos a este trip enorme y llegamos a la parte donde se comienza a revelar la historia del álbum.

“Gigant Baby” retoma las dos canciones anteriores, desde la melodía hasta parte de las letra, para contar la historia, como el nombre lo indica, de un bebé gigante. Se trata de un tema muy extraño, pero lleno de autenticidad. Por el título podríamos pensar que la letra sería infantil, pero no. Además de hablar de un bebé gigante, el cual al desarrollarse la historia se convierte en rey, también se toca el tema de la muerte y cómo esta es inevitable. Incluso se torna en una rola triste, cuando se escucha “And it made me understand that life sometimes is sad”.

Llegamos a la mitad del álbum con “Electric Fire”, donde la cabeza de este bebé gigante absorbe tormentas y galaxias, lo que es acompañado de un bajo y un sintetizador que hacen el conjunto perfecto con la parte narrativa.

Una de mis canciones favoritas de King´s Mouth es “All for the Life of the City”. Me gusta que tenga un contraste diferente, de hecho resalta mucho en comparación a las otras canciones. Ya que la tonalidad es alegre e incluso un poco funk, pero la letra es muy triste. Un toque clásico de The Flaming Lips, tomando la fragilidad de la vida como fuente de inspiración. Esta rolita, se vuelve en lo personal el clímax del álbum y es donde se hace un pequeño cambio en lo que resta.

Las melodías y ritmos del álbum van cambiando y se van adaptando a la historia conforme avanzan las canciones. Conjunto de voces que cambian de tono constantemente y chirridos de sintetizadores llegan con “Feedaloodum Beedle Dot”, la cual predice el final de este disco. Las últimas canciones, incluyendo esta, hablan de la reacción del pueblo bajo el mando del rey gigante ante una situación que…bueno, lo que sigue,  preferiría que lo averigüen ustedes.

"Mouth of the King" y "How Can a Head” están llenas de sonidos alegres, y agridulces que nos ayudan a disfrutar más la historia de este rey tan particular.

Es increíble cómo a través de cada tema, la narración avanza y cubre por completo cada detalle. Esto, complementando con música muy bien hecha, hacen algo hermoso que es un deleite escuchar.