Monolord — No Comfort

Monolord: Rock lento y pesado para hipnotizar oídos.

La psicodelia musical se encuentra en uno de sus puntos más altos. Para algunos inclusive ya supera lo vivido durante la década de los 60 del siglo pasado. Pero mientras algunos representan a este estilo de una forma infantil, otros se van al extremo opuesto. Con el soporte de guitarras nebulosas y ritmos lentos de batería buscan hipnotizar mentes.

Dentro del panorama actual, un ejemplo claro se puede apreciar con el trabajo de los suecos de Monolord. El trío todavía cuenta con una corta carrera pero gracias a su trabajo constante se ha convertido en una referencia dentro del rock lento pero pesado.

Después de la publicación de tres LPs y varios sencillos, el trinomio presenta su material más reciente. Lo único seguro es que no existen intensiones de cambiar con respecto a sus álbumes previos. Cada uno de sus lanzamientos parece una extensión del anterior y el nuevo puede ser la culminación de más de un lustro de trabajo continuo dentro del doom metal.

El tridente está conformado por Thomas Jäger (guitarra y voz), Esben Willems (batería) y Mika Häkki (bajo). Cada uno se concentra en su instrumento y con la incorporación de sonidos ambientales se crea una atmósfera oscura y demoniaca. El resultado podría replicar el momento en el que un transbordador espacial sale de una base terrestre con destino a las estrellas.

Producto del empeño de los integrantes de Monolord es que han logrado ascender de forma paulatina. Gracias a eso es que su nuevo LP marca su debut con Relapse Records, uno de los sellos más importantes a nivel mundial dentro del rock que realmente es pesado.

No cualquier banda se atreve a incluir una pieza de 9 minutos como la abridora de un álbum. Pero está claro que estos suecos no son como los demás. Por eso es que “The Bastard Son” brilla con esa guitarra infernal que repite las mismas notas una y otra vez. En segundo plano se escuchan unos gritos delirantes que los acercan con Electric Wizard, Acid King y Sleep.

Inmediatamente después llega “The Last Leaf”, composición que fue lanzada como primer sencillo con el acompañamiento de un apocalíptico video. El ritmo semi lento es una constante en el sonido, aunque a mitad de la canción aparece una furiosa guitarra dispuesta a incendiar todos los oídos que encuentre a su paso.

A su vez, para despedir el material está “No Comfort”, un heavy blues que parece un mantra que se repite de forma indeterminada. No se trata de una carrera de velocidad sino de resistencia y los integrantes lo saben muy bien. Aunque no existen cambios radicales con respecto a la obra previa del trío, sí se siente un trabajo mejor cohesionado y pulido. De momento, todo apunta a que se convertirá en uno de los mejores álbumes del año dentro del rubro de la psicodelia.

Belle & Sebastian — Days of the Bagnold Summer (OST)

Belle & Sebastian: Días de un verano cualquiera.

Por más de 20 años la banda escocesa Belle & Sebastian ha sido fiel representante del indie pop, tiempo en el que ha musicalizado desde las tardes de lluvia de los adolescentes que miran con nostalgia por las ventanillas del transporte, hasta películas como Juno y series de televisión como The OC.

En esta ocasión, la agrupación presenta su álbum más reciente Days of the Bagnold Summer, trabajo que también funge como la banda sonora de la adaptación cinematográfica de la novela gráfica del mismo nombre. La película está dirigida por la estrella de Inbetweeners, Simon Bird, y está protagonizada por el hijo de Nick Cave, Earl Cave, quien interpreta a un adolescente deprimido y obsesionado con el metal que trata de sobrellevar las vacaciones de verano al lado de su madre bibliotecaria.

El soundtrack consta de 13 canciones, entre las que se encuentran varias pistas instrumentales que resultan las perfectas compañeras perfectas de Belle & Sebastian. “Sister Buddha (intro)” , “Jill Pole”, “The Colour’s Gonna Run” y “We Were Never Glorious” mezclan ritmos de forma armónica y melancólica logrando darle un aire fresco al álbum y convirtiéndose en interludios deleitables, y probablemente los mejores tracks de todo el compilado.

El álbum contiene algunas canciones regrabadas y claramente se puede notar la mejoría en la calidad del audio al compararse con las versiones originales. La primera en aparecer es “I Know Where The Summer Goes” que pertenece al EP This Is Just a Modern Rock Song de 1998, le sigue “Safety Valve”, canción que según palabras de Stuart Murdoch es anterior a la banda, y “Get Me Away From Here I’m Dying” de 1996.

La naturaleza tranquila de Days Of The Bagnold Summer puede hacer que algunas de las canciones parezcan repetitivas lo que le resta valor a la experiencia en general, sin embargo, hay algunas partes brillantes que alegrarán a los fanáticos de la agrupación, aunque difícilmente se convertirá en un álbum que sobresalga ante sus pasadas producciones.

A pesar de la mezcla entre lo instrumental, lo regrabado y lo nuevo, Days Of the Bagnold Summer parece no llegar a la magnitud de otros trabajos de la agrupación, y es que, aunque cuenta con canciones fuertes como “Another Day, Another Night” y ritmos atrayentes en tracks como “Sister Buddha (Intro)” el álbum no tiene una identidad tan bien definida como la que acostumbramos a tener con bandas como Belle & Sebastian.

Chetes da a conocer los detalles de 'Odisea Magnética'

La cuenta regresiva comienza para dar una vuelta por el pasado y disfrutar de la nueva producción de Chetes.

A través de su cuenta de Twitter Luis Gerardo Garza, mejor conocido como Chetes, dio a conocer el nombre, fecha de estreno y todos los detalles de su nuevo álbum. Este llevará por nombre Odisea Magnética el cuál podremos escuchar a partir del próximo 18 de octubre y del que se desprenden 10 tracks. Para poder estar al pendiente y conseguir su nuevo material en cualquier plataforma o formato puedes visitar su sitio oficial.

Algo que hará muy especial esta producción es la forma en cómo se grabó. De la mano de Jorge Fernández, Chetes produjo y mezcló el material, además de ser masterizado por Kimberly Rosen de Knack Mastering NY. Fue grabado en Vúmetro Lab en Monterrey, y el toque es que está grabado análogamente en su totalidad por una Tascam ATR de 16 tracks.

Además, Chetes estrenó "Será", una canción en la que colabora Rodrigo Guardiola en la batería y Alejandro Rosso en el piano eléctrico. Este sencillo viene acompañado de un video dirigido por Gustavo Verástegui y grabado durante la producción de su nuevo álbum en su estudio Vúmetro Lab. Dale play a continuación:

Mira la portada a continuación:

Odisea Magnética - Tracklist

  1. "Aullando a la Luna"
  2. "Será"
  3. "Campeón"
  4. "Lejos"
  5. "Me Muero"
  6. "La Mosca"
  7. "Perdí la Cabeza"
  8. "Aguanta"
  9. "Sincronía"
  10. "A través de Mi Ventana"

 

Flume estrena la canción “Rushing Back”

Un tema electrizante que contrasta con un dulce y potente voz, nos sumerge en la apantallante producción de Flume.

El productor australiano Flume nos sorprendió con un nuevo tema, este lleva por nombre "Rushing Black" y es una colaboración a lado de Vera Blue, la cantante y compositora australiana. Este tema fue interpretado por primera vez en Lollapalloza y posteriormente en Red Rocks.

“Rushing Back” está pensado para resaltar la voz de Vera. La mezcla de sonidos que van desde lo más alto hasta casi toparse con la pared, llegan a contrastarse con el beat. Por momentos se siente un poco saturado, como un simple bombardeo de sintetizadores y bajos. Pero con una mezcla bien lograda, nos olvidamos de esto.

Disfruta del nuevo tema de Flume a continuación.

Este nuevo single acompaña a los lanzamientos que ha hecho en este año. El mixtape Hi This is Flume que cuenta con 17 temas y el EP Quits en colaboración con Reo Cragun. Además, una colaboración con London Grammer con el tema "Let You Know".

Pronto escucharemos estos temas en vivo, pues Flume forma parte de las bandas que estarán en el Festival Corona Capital y que sin duda no nos podemos perder.

Lee Perry en el Foro Indie Rocks!

La ceremonia rastafari de Lee “Scratch” Perry y el Subatomic Sound System.

Los fanáticos del reggae y el dub no necesitan de introducciones cuando se trata de Lee “Scratch” Perry, el legendario productor y músico oriundo de Jamaica. Su historia en el género está marcada. Discutiblemente, más que la de Bob Marley. Sobre todo en el aspecto del sonido, estética y hasta los tintes religiosos que envuelven al género.

Tal vez por eso, sin mucha difusión en las calles, en la radio o en redes sociales, el Foro Indie Rocks! estaba a reventar el domingo 29 de septiembre. El nombre de esta leyenda no necesitaba de promoción innecesaria o anuncios parroquiales, mucho menos cuando venía acompañado por el Subatomic Sound System, un colectivo de reggae con una historia que data de 1999 y que entre sus miembro está el legendario percusionista Larry McDonald, quien ha colaborado con Toot & the Maytals, Peter Tosh, The Skatalites y hasta Mick Jagger.

La ausencia de cuatro años de Lee “Scratch” Perry en México también influyó al número de asistentes, ya que la última vez que se presentó en la capital del país, fue junto a Mad Professor, Dennis Bovell y Bungalo Dub en El Plaza Condesa, y dejó a más de una centena de personas queriendo escuchar más. Y como si fuera un encore, aunque fuera de 1460 días, esta leyenda regresó, inclusive con uno de los artistas de aquel cartel como acto abridor: Bungalo Dub.

Con ya casi dos décadas haciendo reggae, Bungalo Dub se ha convertido en uno de los referentes más importantes del género en nuestro país. Y su acto se ha ido refinando con cada año, canción y presentación que han tocado. No había mejor acto para abrir la ceremonia que Lee "Scratch" estaba por oficiar.

Quienes no están muy familiarizados con el reggae, ignoran que el género está conectado directamente con la religión rastafari, una creencia abrahámica que nació en la década de 1930 en Jamaica. Entonces, todo concierto de reggae, es una ceremonia con fines espirituales.

Por eso, cada que Lee “Scratch” Perry toma el escenario, tiene que haber incienso, banderas rastafari, una imagen de Haile Selassie y por supuesto, la hierba sagrada.

Como en cualquier rito, antes de que el sacerdote salga a vista de todos los feligreses, tiene que haber oraciones previas y acólitos que preparen su entrada. En este caso, los acólitos fueron los tres miembros del Subatomic Sound System; John Emch, Larry McDonald y Omar Little, quienes después de dar un repaso por algunas oraciones/canciones en su catálogo, dieron paso al maestro de ceremonias; el sacerdote Lee “Scratch” Perry.

Los feligreses empezaron a cantar la sentencia “Zion blood is flowing through my veins…”, mientras que Lee “Scratch” salía a bendecir a todos sus feligreses. Con una corona en la cabeza, un micrófono con un crucifijo colgando, un cáliz y un cigarro de marihuana, la ceremonia comenzó.

Canciones legendarias sonaron en el Foro Indie Rocks!, desde “Zion’s Blood”, pasando por “Dub Along”, “Chase the Devil” y “Dread Lion”, fueron sólo algunas de las que bendijeron los oídos de todos en el recinto.

Y después de decenas de bendiciones y cigarros de hierba santa del sacerdote Lee “Scratch”, el legendario octagenario, se retiró para prepararse para su siguiente ceremonia. Sus feligreses habían quedado satisfechos, y como en cualquier otro acto religioso, se preparaban para seguir al pie de la letra, la palabra de su sacerdote.

Mira el trailer del documental póstumo de Lil Peep

Ya salió el trailer de Everybody's Everything, el documental sobre la vida y muerte de Lil Peep.

Por fin podemos ver el trailer del documental acerca de la trágica vida de la promesa del rap, Lil Peep. La película producida por el aclamado, Terrence Malick, tiene fecha de salida para el 12 de noviembre, y la fecha concuerda con el mes en el que la estrella de Soundcloud murió. El documental se estrenará exactamente dos años después de la tragedia y contará con comentarios de las personas más allegadas al rapero. Míralo a continuación:

Everybody's Everything, fue dirigida por Sebastian Jones y Ramez Silyan, producida por Terrence Malick, Sarah Stennett, la CEO de First Access Entertainment y consejera del artista, y Liza Womack, su madre. El fin del documental es proyectar una imagen de Peep como Gustav Ahr, es decir, su versión más real y mucho más humana, mostrándolo con todas las capas que lo hacían único. Tocará con detalle los elementos que lo caracterizaban y los problemas que lo condujeron a una sobredosis letal. La trama va a profundizar en su formación, y en la manera en la que su fama creció al punto en el que era abrumadora. Cuenta con la participación de su familia y amigos como Post Malone, y iLoveMakonnen, que relatan lo ansioso que era el artista y la bruma que le producía fallarle a cualquiera. El punto de esto, es mostrarlo como un ser creativo pero vulnerable.

Eddie Vedder tuvo gran compañía en Ohana Festival

Las apariciones de Eddie Vedder con The Strokes y Red Hot Chili Peppers hicieron memorable esta edición de Ohana Festival.

El pasado fin de semana se llevó a acabo el Ohana Festival en la Doheny State Beach en California. Se presentaron artistas como Tash Sultana, LP, Jenny Lewis, entre otros. Sin embargo, las presentaciones que más destacaron en este festival fueron las de The Strokes, Red Hot Chili Peppers y el creador de este festival, Eddie Vedder.

El 28 de septiembre fue cuando se presentó la aclamada banda The Strokes, a mitad de su presentación, el integrante de Perl Jam se unió a la banda neoyorkina para interpretar una gran versión de "Hard To Imagine"  y posteriormente de "Juicebox".

Julian me preguntó si me uniría a los muchachos aquí. Una de las razones por las que acepté es porque me daría la oportunidad de agradecer a todos los grandes artistas que están aquí hoy, especialmente a The Strokes”, dijo Eddie a la multitud.

Posteriormente, en el tercer y último día del festival se presentó la banda Red Hot Chili Peppers, quién no dudó en invitar nuevamente al escenario a Vedder. Esta vez, la canción que interpretaron fue "Just What I Need" de la banda The Cars, con el fin de homenajear a Rick Ocasek, líder de la banda ochentera.

Residencia en Seattle Cobain-Love a la venta

Puedes comprar la casa en la que Kurt Cobain y Courtney Love vivían... si tienes 7.5 mdd.

La ex propiedad de la pareja estrella de los 90, Kurt Cobain y Courtney Love, fue puesta en el mercado a principios del mes por $7.5 millones de dólares. Si te interesa comprar una propiedad llena de historia, estás de suerte. Este mes, la casa de Seattle donde el vocalista de Nirvana vivía cuando se quitó la vida, fue puesta a la venta en extrema discreción.

La casa data al año 1902, tiene cuatro cuartos y 743 metros cuadrados. Está muy cerca del Lago Washington, y según historiadores de la ciudad, fue remodelada en 1940 y 1950. La propiedad fue comprada y habitada por la pareja estrella en 1944 por $1.49 millones de dólares. Mira las fotos aquí.

Vivieron ahí con su hija, Frances Bean durante 1994, hasta que el cantante se suicidó en el invernadero ese mismo año. La casa fue deshabitada y vendida por Love a un fondo en 1997 por $2.9 millones de dólares. Desde entonces no ha estado habitada por nadie, ni se ha sabido nada acerca del dueño de la propiedad.

La casa actualmente tiene 117 años, y no ha sido revendida, desde 1997. Los vendedores no han querido hacer ningún comentario y no han dispuesto ninguna foto del interior de la casa a los compradores, sin embargo, se rumora que se remodeló en el 2000 para que tuviera servicios modernos y una apariencia más apegada al diseño original.

 

Weezer versiona "Lithium" de Nirvana

Weezer agregó "Lithium" de Nirvana a su setlist e hizo llorar a Dave Grohl.

En su último concierto en Río, Weezer decidió interpretar "Lithium", la canción de Nirvana, poco antes de que dejaran el escenario. El fin de semana en el festival Rock in Rio, la banda liderada por Rivers Cuomo, tocó antes de Foo Fighters, y decidió honrar al líder de dicha banda versionando este clásico del grunge.

Cuomo ha expresado su fanatismo por Nirvana en varias ocasiones, y en esta presentación dijo que habían decidido versionar esta canción para honrar al ex baterista de Nirvana, que se presentaría después de ellos. El cantante simplemente introdujo la canción diciendo. "Vamos a tocar una canción de la antigua banda de Dave Grohl".

Mira el video a continuación:

Durante el set de Foo Fighters, Grohl, confesó haber presenciado todo el show de Cuomo tras bambalinas, y dijo que la versión de "Lithium", lo había conmovido tanto que incluso había llorado un poco. Dijo extrañar tocar esa pieza de Nevermind, y le dedicó la canción de "Big Me" a la banda para compensar el halago.

Esta no es la primera vez que la banda de Cuomo versiona a los grungeros noventeros, sin embargo, "Lithium" es una canción que no habían tocado antes. En su tour del 2008 versionaron "Silver", y en esta ocasión podemos asegurar que este clásico, ya es parte del setlist.

September Fest en el Deportivo Lomas Altas

La música siempre sabe bien acompañada de una buena cerveza.

A veces, para quienes no acostumbran ir acompañados a los eventos, una cerveza es la mejor compañía para la noche. Se comprende que existe preferencia por alguna chela en especial, es por eso que para complacernos en gustos, todas las marcas de cerveza mexicana han unido fuerzas para presentarnos la segunda edición del Festival de la cerveza mexicana: September Fest 2019.

El sábado pasado en punto de las 13:00 H se abrieron las puertas del Deportivo Lomas Altas para recibir a todos los asistentes de la segunda edición del September Fest 2019, aunque a decir verdad, las primeras personas comenzaron a llegar pasada la primera hora, quienes después de tomarse unas cuantas fotografías en el colorido pasillo de la entrada, se dirigieron al escenario para presenciar el primer acto del día que estaría a cargo de Tayrell.

Los hermanos Miguel y Hugo Galicia se encontraban llenos de energía y lo demostraron cuando hicieron sonar esos sintetizadores al ritmo de “Fond of Me”, tema que retumbó en todo el venue. Aunque había muy poco público, eso no impidió que el dúo siguiera dando lo mejor de sí, con sus siguientes interpretaciones. “Stop By” y “For You” fueron sonados en la primera hora del festival.

Cuando terminó su presentación, algunos de los asistentes se dirigieron al área de cervezas donde podían encontrar distintas marcas como: Modelo, Corona, Pacífico, Victoria, Bocanegra, entre otras. Mientras tanto, otros se concentraron en la pequeña carpa que representaba el área de comida donde resaltaba una selección de comida rápida: tacos, pizza, hot dogs, papas, helado, churros, etc.

Uno de los artistas más esperados del día fue Caloncho, y se notó cuando tardó en subir al escenario y todos empezaron a corear su nombre con mucha euforia. Aunque se demoró, supo compensar a su publico con un gran setlist que nos remontó a sus inicios cuando sonaba Fruta, Vol.II (2015) en todos lados, interpretando “Palmar” y “Chupetazos”. Ya conmovidos, el sonorense puso a bailar a todos con “Bálsamo”, “Optimista”, “Brillo mío”, y con algunos de sus nuevos sencillos: “Fotosíntesis” y “Bolita de pan”.

Aunque para entonces la tarde ya se había puesto muy tropical y melosa, algunos esperaban con ansias un poco de hip hop y rap para desahogarse, y qué mejor que con la Banda Bastön, que tenía preparadas unas buenas rimas para hacerle crítica a la sociedad en la que vivimos haciendo sonar “El País de las maravillas” y “Planeta ficción”.

El dúo mexicano invitó a subir al escenario a Fntxy, Alemán, y Yoga Fire con quienes interpretó algunos de sus últimos grandes éxitos como: “Roberto Gómez Bolaños”, “Barriobajeros”, y “Superstars”; acto que incendió la noche logrando que los presentes sacaran toda esa energía que llevaban dentro.

Aprovechando el aniversario del Apolo 11, el Instituto Mexicano del Sonido subió al escenario portando trajes naranjas en los que resaltaba el logotipo de la NASA; con esa carisma animaron la noche con temas como: “Mi T-shirt de la NASA”, “Alocatel”, “México”, “Escríbeme Pronto”, “El Micrófono” y más, rindiendo un pequeño homenaje a la memoria del Príncipe de la Canción con su tema: “El Jefe”.

Aún faltaban unas cuantas horas para que terminara el día y sin embargo, la gente cada vez estaba más enfiestada, ya que la cerveza -en algunos- empezaba a hacer efecto, pues aunque apenas eran las 21:00 H y ya se veían los primeros caídos del September Fest 2019. Tumbados en el suelo, recargados en las bancas o en los amigos, fue como los presentes animaron a Kinky a salir a cantar.

Desde Monterrey, Nuevo León, la agrupación liderada por Gil Cerezo puso a bailar a la gente que aún quedaba de pie con algunas viejas rolitas como “Te vas”, “Después del after”, “Cornman”, “Hasta quemarnos” entre muchas otras de su variado setlist.

Aunque el domingo estaba cayendo una fuerte lluvia en la CDMX, eso no pareció ser impedimento para un segundo día de buena música y mucha cerveza. Si bien es cierto, este día aparentaba ser un poco más relajado ya que contaba con un lineup que invitaba a un público muy diferente al que se había visto el día anterior. En esta ocasión, la presencia de chicas adolescentes era lo que más marcaba la valla del escenario.

Para calentar motores en este lluvioso y frió día, con sintetizadores psicodélicos y una notada gran influencia de synth pop, el proyecto mexicano conformado por José Pablo Ibarra y Patricio Dávila, apareció en el escenario para proyectar su música y ponernos a bailar al ritmo de beats suaves correspondientes a “Xo”, “Runaway” y Scavenger”. Aunque la lluvia se soltó durante el show de Mylko, eso no evitó que la gente siguiera entusiasmada moviéndose mientras sonaba “Bloom”.

El regiomontano Chetes nos vino a endulzar el oído con temas como “Poco a poco”, y “Estático”. Sorprendiendo a sus fans con un pequeño adelanto de cómo suenan en vivo “Perdí la cabeza” y “Aullando la luna”, temas que encontrarás en su próxima producción discográfica Odisea Magnética (2019).

Ya en el mood romántico, la gente se acumuló en el escenario para esperar el acto de División Minúscula. Muchos gritaban “Solo vine por ustedes, ya salgan”, mientras que otros coreaban su nombre con mucha fuerza.

Para cuando la agrupación salió, una vibra súper especial se esparció por el Deportivo Lomas Altas; División nos hizo sentir felices, tristes y con un poco de esperanzas con un gran setlist en el que predominaron temas como: “Voces”, “Sognare”, “Veneno Es Antídoto (S.O.S)”, “Frenesí”, “Sismo” y su gran éxito “Luces de esta ciudad”.

En su segunda edición, este festival dejó claro que son especialistas en la cerveza y en enaltecer la música y el folklore mexicano de una manera inigualable, logrando que chicos y grandes se unan en un solo espacio para disfrutar de los mejores proyectos musicales del país.