Falleció Inés Bayo, cantante de Los Fresones Rebeldes

El himno español a cargo de Inés Bayo de 1996, apaga su voz a los 45 años de edad.

“No somos un grupo de homenajes, preferimos las fiestas en vida. Inés siempre estará en nuestro corazón”. Son las palabras que integrantes, compañeros y amigos de Los Fresones Rebeldes dieron a conocer en un comunicado para todos los medios, lamentando el fallecimiento de Inés Bayo.

La cantante destacó al dar voz al tema de Los Fresones Rebeldes, “Al amanecer”. Un tono irreverente que las adolescentes se expresaban en cualquier ámbito. Pero antes de ello, a sus 20 años, se dedicaba a estudiar diseño en la EINA, el Centre Universitari Disseny i Art de Barcelona cuando se unió a Los Blunders. En el mismo loca local donde ensayaban, se encontraron a Pepito Sex, que compartían la misma afición por la música, fue así que al mezclarse se formó Los Fresones Rebeldes.

En 1995 la banda apenas se estaba dando a conocer en el territorio español. Meses después en las épocas navideñas grabaron “Al Amanecer” bajo el sello Spicnic, siendo tanto el éxito que Subterfuge Records se interesó en la banda. Y en 1997 lanzaron el álbum ¡Es que no hay manera!, en el que aparecen otras canciones como “Soy Inocente”, “Bola de Cristal” y “Quiero Saber”. Al siguiente año, Inés Bayo dejaría el grupo de la mano de su hermana Cecilia. La cantante continuó con sus proyectos de ilustración y música, y fue corista en el conjunto ye-yé Los Soberanos.

Finalmente, el pasado 9 de agosto Inés Bayo falleció, las causas aún no son conocidas. Y este lunes 12 de agosto, se llevó a cabo la ceremonia de despedida en el Tanatorio de Les Corts. “Su voz encarnaba la alegría y despreocupación de los primeros Fresones”, declaró Joaquín Felipe, ex integrante de Los Fresones Rebeldes.

A través de un comunicado la agrupación española dio a conocer que ofrecerá un concertó en Sevilla el próximo 14 de agosto. “Miraremos al cielo cuando toquemos “Bola de Cristal” y le desearemos buen viaje a Inés”.

Los Tigres del Norte versiona a Johnny Cash

La banda norteña interpreta “Folsom Prison Blues” desde la misma prisión en la que Cash tocó 51 años antes.

Los Tigres del Norte rinde homenaje a la leyenda del country, Johnny Cash, interpretando “Folsom Prison Blues”, canción que escribió en 1955 inspirándose en la Prisión Estatal de Folsom, la segunda prisión más antigua de California, y también una de las primeras prisiones de alta seguridad en Estados Unidos.

At Folsom Prison es el nombre que recibió el primer material grabado en vivo el 13 de enero de 1968 por Johnny Cash. 51 Años más tarde, Los Tigres del Norte, la banda norteña originaria de Sinaloa, le rinde homenaje al cantante tocando la célebre canción desde el mismo recinto y convirtiéndose en la única banda a la que el Departamento de Correcciones y Rehabilitación de California ha permitido presentarse aparte de Cash.

Los Tigres del Norte versiona este single y video titulado “La prisión de Folsom” (Folsom Prison Blues) para promocionar el nuevo disco grabado y producido por Gustavo Santaolalla, y Anibal Kerper. El video además de presentar el nuevo material, es el teaser del documental que están por lanzar a través de Netflix bajo la dirección de Tom Donahue. Ambos lanzamientos están programados para septiembre y cuentan con la bendición de la familia Carter-Cash.

El documental será una celebración del mes de la Herencia Hispánica en Estados Unidos y recabará entrevistas con prisioneros latinos, que ahora conforman el 43% de la población total de las cárceles americanas. Los Tigres del Norte, al igual que Johnny Cash, comprenden y le dan voz a través de sus canciones a las personas marginadas y clases obreras de sus países. Con este nuevo trabajo, la banda norteña demuestra que las narrativas musicales pueden ser reales, universales y atemporales.

Escucha la versión original de la canción:

Tijuana Panthers — Carpet Denim

Brisa marina de sensación extrema: el bricolaje de Tijuana Panthers.

Si este verano te faltó fiestear en la playa, no te agüites, porque te vengo a recomendar un disco que suena a eso. Se trata de la más reciente producción del trio californiano Tijuana Panthers, Carpet Denim (2019). 40 minutos distribuidos en 14 canciones alegres e irreverentes que te pondrán a bailar, a brindar e incluso a reflexionar en retrospectiva.

El sonido de esta “alfombra de mezclilla” es fiel al bricolaje musical que proponen con la fusión intrépida del surf y el rock and roll de los 50 y 60, con el punk rock y el garage de los 80 y 90. Igualmente, cada canción contiene una historia reminiscente de autorreflexión o crítica social con sarcasmo y escasa sutileza. Carpet Denim es producto de la madurez alcanzada por la banda y presenta un mayor de estudio.

Musicalmente, es melodioso y pegadizo. Darle play se traduce en inmediatas reverberaciones de cabeza, que los brazos busquen el aire y lo pies desenraizarse. Destacan el poderío y el dinamismo de los arreglos de guitarras y bajos, la intensidad de la batería, el acompañamiento de instrumentalización y los juegos de producción en voces, samples y riffs; un conjunto de detalles que consolidan el sonido de Tijuana Panthers.

Líricamente, Carpet Denim me resultó un anecdotario experiencial divertidísimo. Si bien tocan temas delicados, los matizan y aligeran con su peculiar humor y música jocosa. El trío tardó cuatro años en estrenar nuevo disco, y sus letras narran los enfrentamientos que mantuvieron la inevitabilidad de la vida y de sus cambios en el tiempo.

El álbum inicia con “Path of Totality” y sus potentes hit-hats, riffs y juegos vocales para crear una sensación de tensión y recordarnos que las decisiones se toman bailando, ¡woo-hoo! El cuarto tema, “Little Pamplemousse”, una oda a la paternidad cuyo solo de guitarra transmite la emoción precisa.

Por su parte, “Garbage Person” cuenta con un extra de sintetizadores, instrumentación y percusiones cercanas al acid jazz, además una lírica un tanto furiosa; un caso similar es “I Don’t Mind”. “Generation Singular” juega demasiado con las guitarras y los sintes mientras siembra en tu cabeza el dudoso futuro tecnológico de la humanidad, y “TV People” te hace cuestionarte cuántos amigos tienes fuera de la pantalla. En ambas canciones el bajo es prominente.

El track que me atrapó por completo fue “You Died”. La presencia del bajo es magnífica, la guitarra rinde tributo a The Straitjackets y la batería es precisa; la letra narra la ansiedad que la mortalidad despierta: un padre que muere a los 43 años de un infarto y un hijo que, acercándose a esa edad, se cuestiona por la mismidad del corazón.

En ciertos contextos, Carpet Denim podría ser el verano de 2019 hecho música. El tacto de la composición y los giros estilísticos que contiene, además de la libertad con que Tijuana Panthers los maneja –ajena a las tendencias –, es lo que respalda mi calificación.

Entrevista con Bleached

Bleached: abrir la puerta al cambio sin perder la esencia del punk rock.

La madurez es un término ambiguo. El crecimiento y la conciencia son más atinados cuando hablamos del progreso de Bleached. Las hermanas Jessie y Jennifer Clavin acaban de publicar Don’t You Think You’ve Had Enough? de la mano de Dead Oceans. Es el lanzamiento de su tercer álbum de estudio lo que me llevó a platicar vía telefónica con ellas. Esto es lo que compartieron en exclusiva con Indie Rocks! Magazine antes de que emprendan un viaje de tres meses con motivo de su gira promocional.

He de admitir que soy muy fanática de sus looks y personalidades. Así que, hablando entre chicas y sabiendo que comienzan su gira con un concierto sold out en The Lexington, Londres, me compartieron cuáles son los objetos que nunca faltan en sus respectivas maletas de viaje. Jenn nos dijo que nunca se olvida de empacar su delineador negro, mientras que para Jessie el “shampoo de mierda” es indispensable para tener éxito a donde vaya.

Sobre tótems que una lleva consigo cuando está lejos de casa, me pareció atinado preguntarles sobre Benny, el perrito de Jennifer, el cual conocí a través de las fotos que han compartido en Instagram. “Casi siempre lo traemos con nosotras en mochila, pero probablemente no lo llevemos en esta ocasión, porque me siento mal de ver a Benny por ahí dando vueltas como loco buscando comida. Quizá lo encargue Jenn con una prima nuestra. Por cierto, Benny es un perrito de estudio, nos ha acompañado varias veces cuando grabamos y es muy divertido”, nos compartió Jessie.

No es la primera vez que vemos a las hermanas Clavin en un auto en la fotografía de sus álbumes, lo que me hizo cuestionarlas sobre este patrón recurrente. “Es curioso, por ejemplo en el álbum Ride Your Heart no estamos en un auto como parece o la gente piensa. Sobre ese tema, cuando estoy a bordo de un auto, me gusta reflejar el hecho de estar siempre en movimiento, también representa un poco el tener cambios constantes; sobre crecer y seguir adelante”, aseguró Jenn.

Respecto al título de su nuevo álbum, Don’t You Think You’ve Had Enough?, me hace pensar en esas ocasiones en las que te dices a ti mismo que has llegado a tu límite o que te auto reclamas por lo que has hecho de forma introspectiva. Para las chicas de Bleached representa algo similar. Mientras que para Jenn sí es una sentencia para ella misma, nos cuenta que el título fue inspirado de las chicas punk tontas, sobre cómo hacer que las cosas funcionen realmente, ya sea teniendo hábitos más sanos, menos destructivos. “Viene de querer ese cambio en mí, de lo que yo quería realizar o cómo quería verme”, nos confiesa. Para Jessie es una pregunta que no solo se han hecho ellas, sino que puede ser adoptada por muchas personas, hacerse esa pregunta en muchos aspectos le pareció necesario.

Se percibe cierta influencia glam y disco en el sonido de su nuevo material. El tercer álbum de Bleached contiene 12 piezas que son aptas, no solo para agitar la cabeza y enfundar los puños al aire, también es liquidez para bailar y dejarse llevar. Sobre esta fusión de géneros de los ochenta con su rock punk californiano, Jessie nos cuenta:

“Crecimos entre música punk, post punk y me parecía importante mostrar esa parte de nuestra vida, porque siento que rendirles honor es lo mínimo que podemos hacer por todo lo que representa para nosotras, ¿sabes? Ponerle un poco de vibras de Queen, de los reflectores del dance. Lo que me encanta es ver a la multitud disfrutando y bailando, que en vivo se aprecie ese legado musical. Es muy inspirador e íntimo cuando estoy tocando y veo que todos se la pasan bien bailando. Nos da gusto que hayas percibido eso en el álbum, porque era nuestro propósito”.

No pude resistirme a compartirles uno de mis flashbacks de cuando tocaron en México hace tres años en el Foro Indie Rocks! para DNArama. Las chicas armaron el mosh pit, recuerdo que había una chica grabando todo el show con una videocámara, pero no dejaba de bailar y empujar a las demás. Si su música ha dado un giro sonoro, entonces ¿se siguen identificando con esa energía cuando están en el escenario?

“Definitivamente, esa energía siempre está con nosotras. En esa ocasión estaba muy nerviosa antes del show, pero siempre trato de aventar los nervios lejos y cuando empieza el show simplemente me dejo ir y me enfoco en pasarla bien. Recuerdo haberla pasado muy bien en ese show en México. El mayor soporte que he tenido siempre es pasarla bien, tener eso como mantra”, compartió Jenn.

Cuando los años pasan las cosas cambian, sobretodo en Norteamérica. Al preguntarles si sentían que les ha costado trabajo que las tomen en serio en la escena de California y alrededores, se mostraron positivas ante los resultados que han logrado desde que comenzó a hacer ruido Bleached. Jessie cree firmemente que los tiempos están cambiando. “Cuando empezábamos en esto fue muy difícil, queríamos tomarnos esto en serio y creo que no le daba suficiente fuerza a mi voz en ese entonces, no como ahora. Entonces me mostré a mí misma que me tengo confianza y seguridad ante todo. Siento que está cambiando la situación, ya no es tan desgastante como antes”.

Sobre el cambio de roles de la música popular como el reggaeton o la descalificación de géneros como el rock o el punk, a ellas no les importa tanto el reflector que los medios le han dado. “Me parece que ese tema está muy grosero últimamente, no digo que no disfrute de otra música, sino que para mí el rock and roll no ha dejado de ser popular. En lo personal prefiero las guitarras y el sonido detrás de ellas, a diferencia de escuchar un beat repetirse, no es malo, solo que no me atrapa. Pienso que es más sencillo tener un beat y cantar en un micrófono que tocar o aprender acordes en un instrumento”, compartió Jessie.

El punk rock siempre ha sido relacionado con la autodestrucción, las drogas y el alcohol, sin embargo. El cambio de estilo de vida de Jenn influyó bastante en los bríos que dio el nuevo álbum, ella nos confesó que ahora, además de la música, prefiere trabajar en su bienestar.

“Me ha funcionado meditar, salir con otra gente sin dejar de sentir que soy parte del punk o dejar de hacer música que me gusta. Estar presente conmigo misma y ser consciente de lo que estoy haciendo. Tomar el control y no como cuando estaba bebiendo, sin una rutina de trabajo, era aburrido. Ahora me siento mejor con este estilo de vida. Siempre habrá problemillas por ahí rondando, pero si no me encuentro trabajando todo el tiempo de forma integral, no solo en la música, ya no me siento que soy yo. Eso es suficiente para mí ahora”.

Ese cambio de hábitos en la vida de Jenn hizo que brotara la creatividad en ella y repercutió a la hora de grabar Don’t You Think You’ve Had Enough?. “Recuerdo que durante la grabación de 'Silly Girl'; que fue una canción totalmente diferente para nosotras, pues no es igual instrumentalmente, estuvimos grabando algunos bongos, y estaba muy concentrada en mi laptop y le compartía a Jessie lo que sentía que sonaba mejor para la composición. Intentar algo diferente fue muy motivacional y divertido a la vez”, puntualizó poco antes de terminar la llamada telefónica.

Antes de despedirme de ellas y dejar que continuara su día, mostraron su interés en regresar a México, pues es un lugar en el que se sienten especialmente recibidas por todos. En Indie Rocks! esperamos que así sea pronto, para volver a armar el mosh pit de chicas en un show suyo.

Missy Elliott será honrada en los VMAs de MTV

El próximo 26 de agosto, Missy Elliott recibirá el Michael Jackson Video Vanguard Award de los VMAs.

La cadena televisiva MTV ha dado a conocer más detalles de lo que será su ceremonia de los Video Music Awards 2019 y nos han dado una sorpresa ya que han anunciado que Missy Elliott será honrada con el Michael Jackson Video Vanguard Award.

El premio se le otorga a los artistas que han innovado o impactado con su trabajo en la industria musical. Missy ha sido una de ella gracias a sus videoclips en los cuales ha aportado en la creatividad. Algunos ejemplos son "The Rain (Supa Dupa Fly)", "Lose Control", "I'm Really Hot", "Gossip Folks", entre otros que han sido dirigidos por directores de la talla de Dave Meyers y Hype Williams.

Además de esto, la rapera ofrecerá un performance durante la ceremonia que se llevará a cabo en las instalaciones del Prudential Center de la ciudad de Nueva Jersey. Con un tweet, la también productora, agradeció el apoyo de sus fans a lo largo de más de 20 años de carrera.

 

Missy se suma a artistas como Madonna, David Bowie, Beastie Boys, Janet Jackson, Beyoncé, P¡nk, Jennifer Lopez, Rihanna, entre otros en recibir el premio.

Arroba Nat, Axel Catalán y Negrø en el Foro Indie Rocks!

Negro, Axel Catalán y Arroba Nat: El desamor resonó al ritmo de folk y boleros en el Foro Indie Rocks!.

La espera final para ver a tu artista o banda favorita siempre resultar ser la más grande de todas. A lo largo de esos últimos minutos te das cuenta de que estás más ansioso y eufórico que antes. Es normal, la emoción te lleva a vivir ciertos “momentos”, sin embargo, hay cosas que a veces encuentran fuera de la línea de esa emoción, mismos que, pueden ser reflejados de manera negativa hacia el futuro de tu día.

Comienzo diciendo esto porque a tan escasos minutos de que las puertas del Foro Indie Rocks! se abrieran para recibir a los fanáticos de Arroba Nat, Negrø y Axel Catalán, la policía de la CDMX llegó y se llevó a algunos de los fanáticos -que imprudentemente-, estaban bebiendo alcohol en vía pública. Lamenté lo acontecido, pero siempre he dicho que cada acción tiene sus consecuencias.

Después de lo acontecido, en punto de las 20:00 H. se abrieron las puertas del recinto y todos nos adentramos en el Foro para poder tener un buen lugar y esperar de las presentaciones. El inmueble se encontraba a la mitad de su capacidad, sinceramente esperaba que a lo largo de la noche se incorporara más gente, pero no fue así, pero eso no importó ya que, a las 21:00 H. portando un bonito vestido negro floreado y unos lentes gigantes en forma de corazón, Natalia Díaz, mejor conocida como Arroba Nat, subió al escenario junto a su banda, para deleitarnos con “Nunca te vayas”.

Nat recalcó que sus canciones no son precisamente las más felices de la industria musical, ya que en cada uno de sus temas refleja sus vivencias en el amor, y en la amistad. No podemos juzgarla, pues ¿Quién de nosotros no ha pasado por situaciones similares? ¿Quién no ha intentado cerrar ciclos alguna vez? ¿Quienes sí lo han logrado? Buenas preguntas que hicieron hincapié para que Nat nos interpretara sus temas “Al final” y “Adiós”.

“Al principio había escrito esta canción por un amor no correspondido, pero el significado fue cambiando cuando me di cuenta que hay cosas más importantes que tu crush no te haga caso, como que tus amigos se alejen de ti sin decirte nada. Entonces esta canción cambió el significado para este cotorreo de la gente que se va y ya ni siquiera vale la pena levantar el teléfono porque sabes que no van a contestar”.

Fueron las palabras que la oriunda de Zacatecas pronunció para presentar uno de los temas más esperados de la noche: “Ausente” un bonito bolero que puso a bailar a más de uno de los presentes. “Quiero decirte tantas cosas, que no sé cómo explicarte. Te quiero, no puedo contenerlo, quisiera tenerte pero estás…”, magia pura y sensualidad se derrochó a lo largo de la interpretación de este tema.

Ya para entonces, las emociones y sentimientos estaban a flor de piel, y se sentía una vibra súper especial en el recinto, la cual se notó más cuando la cantante nos hizo recordar a esos seres queridos que ya no están con nosotros al ritmo de “Nunca fue”, explicando que la letra de esa canción no es propiamente de ella, sino es una bonita adaptación que hizo de un poema que escribió su abuela. ¡Así, o más nostálgico!

El final de su acto se acercaba, pero Arroba Nat no podía irse sin abrir su corazón y compartir cómo vivió su primer experiencia amorosa que la llevó a escribir “Tóxico”, comentándonos una experiencia tan desagradable que más de amor, parecía de horror.

“Y no sé qué voy a hacer, si me quedo o me voy. Todos dicen que estar contigo es tóxico, todos dicen que siempre elijo lo peor…” situación en la que probablemente muchos de nosotros hemos estado, por no querer estar solos, tal y como lo explicó la cantante. Cuando eso te pase, recuerda cantar primero “La perra soledad” así con el mismo sentimiento con el que lo hizo la cantautora mexicana.

Invitándonos a comprar su mercancía oficial y a convivir un ratito con ella al final de la noche, se despidió al ritmo de un gran tema “Dormir sin coger”. Fueron 35 minutos llenos de magia, de folk y boleros nostálgicos que nos hicieron echarnos la primera lloradita de la noche.

Tan solo 10 minutos fueron suficientes para acomodar el escenario que daría la bienvenida a Negrø. La multitud se escuchaba más emocionada, coreaban su nombre y le pedían que ya saliera. A las 21:45 H. muy modestamente el oriundo de Michoacán salió acompañado de su guitarra eléctrica dispuesto a interpretar “Bajar avión”, tema dedicado a su mamá.

Con algunas fallas de sonido -que pronto se solucionaron- el cantante pudo deleitarnos con un cover de “Yo no nací para amar”, tema de Juan Gabriel al cual -como era de esperarse- le realizó unos divertidos cambios en la letra. Continuando con algunos buenos chistes que hicieron reír al público y algunas anécdotas de su infancia, nos presentó su nuevo sencillo “El río”, un melancólico tema que habla sobre el ciclo de la vida.

Acompañado de su banda, Negro y las Nieves de Enero, la agrupación nos demostró porque es tan interesante su música que resulta de una mezcla de boleros y música popular mexicana que me remonta a la década de los 70. Los presentes nos paraban de bailar al ritmo de temas como: “Un arpa descansa dentro de un piano de cola” y “Morena”.

Llenos de nostalgia y bajo la tenue iluminación del Foro Indie Rocks! los fanáticos comenzaron a corear “Solo sale de noche, pa’ apagarse la sed, va buscando venganza, tu sangre quiere beber”. El público quería “Vampiro”, y así fue. El tema fue interpretado de inmediato, por Negro, quien nos demostró a cada segundo esa pasión y entrega de sentimientos que desprende al cantar.

El entusiasmo del público era sorprendente, se notaba que habían esperado mucho para ese momento, se sabían las letras y las coreaban, por eso el cantante se notaba tan feliz y continuaba con sus chistes sobre la vida y los artistas. Fue él, quien mencionó de forma burlona que Ed Maverick debería de estar ahí también, para después reírse y decir “no se crean, es broma”.

Sinceramente, ya a estas alturas de la noche ya muchos nos encontrábamos con los sentimientos encontrados, yo sabía que era una noche llena de nostalgia, pero no sabía hasta qué punto llegaría ese sentimiento, hasta que Negrø comenzó a decir que tenía un par de sorpresas para todos los presentes.

“Cada día canto más y hablo menos” y “El pasado” eran sus sorpresas, efectivamente, un par de sencillos nunca antes escuchados, que serían interpretados por primera vez en vivo. El cantante comenzó explicando que formarán parte de su nueva producción discográfica, y continúo con un “Ojalá les gusten”.

Todos creíamos que las sorpresas ya habían terminado, pero no fue así, a la última hora el cantante decidió cambiar el setlist, improvisando unas canciones en acústico que todos los presentes se sabían. Solo faltó afinar la guitarra acústica para que comenzara a sonar “Ay, quiero iniciar una guerra, no es una guerra de a balazos, sino de besos tú conmigo”. Y así fue como la noche tomó un poco de color y se puso romántica, invitando a todos los presentes que abrazaran a su pareja y que cantaran juntos ese gran tema.

“Rápidamente tengo que explicar que esta canción no habla de asesinar a nadie, sino a un sentimiento. Hace referencia a cuando te mandan muy lejos, y todos los días la pasas mal esperando a que se acabe, que sí, eventualmente se acaba, pero la terminas pasando muy mal”.

De esa manera, Negrø presentó “He querido asesinarte”, uno de los temas más esperados de la noche, que fue interpretado -de igual forma- en acústico. “Debo confesar que muchas veces, he sentido un inmenso deseo de asesinarte, entrar hasta tu habitación mientras duermes y ahí en tu cama mil veces apuñalarte”. Que bueno que fue especificado que no habla de asesinar a nadie. El humor y el sentimiento del cantante fue lo que hizo que ese tema sonara como un auténtico bolero.

Para finalizar su acto, solo faltaba una canción, la más esperada y pedida de toda la noche, todos sabíamos que la presentación de Negro y las Nieves de Enero, iba a retumbar el recinto con ritmos populares originarios de Michoacán al ritmo de “El último recuerdo” y así fue, los presentes bailaron, y cantaron hasta el final. Sin embargo, aunque la banda se despidió, los presentes no dejaron que Negro se fuera; pidieron otra y otra tuvieron.

En solitario -como al principio de la presentación- el cantautor interpretó “Amigos”, tema que después fusionó con “Bomba” de King África, con el cual demostró que es un tipo de lo más divertido, y que su carisma hace que su música sea vida. Esto lo noté, cuando bajó del escenario y se paró en la valla de metal y culminó su interpretación junto a los fanáticos, dejando en el aire unas partículas de energía súper especiales.

Pasaron 10 minutos, en lo que acomodaban de nuevo el escenario, para darle paso al acto final de la noche, y debo decir que el más esperado. Axel Catalán, se presentó en el escenario a las 23:00 H, asegurando que venía una hora de grandes éxitos, y así fue. Carismático el hombre, se quitó la playera y los fanáticos no tardaron en chiflarle y lanzarle unos cuantos piropos, a lo que el cantante respondía coquetamente porque hay que aclarar que cuando subió al escenario dejó en claro que ya estaba un poco ebrio.

En fin, después de su extendida presentación, inició con “Adiós”, tema con el que sabíamos que incluso nos íbamos a poner más tristes y nostálgicos el resto de la noche. Sin embargo, cuando se dispuso a interpretar “Perro viejo”, llegó otra vez Negro y juntos cantaron el tema, sonó increíble la fusión de las dos voces, la esencia de cada uno de ellos hizo que ese momento fuera muy emotivo para el público. Definitivamente todos coincidían en que sería un cierre perfecto. Catalán agradeció a Negrø por la participación recalcando su amistad de años, por venir del mismo lugar, Michoacán.

“Me lo he pasado de la verga desde el 26, la mayoría de escenarios no pintan muy bien. Ya estoy cansado, desvelado, sucio y algo mal cuidado, creo que me huelen fatal los pies. Van 15 días que estoy enfermo o 16, sigo insistiendo en levantarme a vivir también…” coreaban todos cuando sonó “Valer Verga” porque es verdad, quién no ha sentido que hay veces que tienes una mala racha y no sabes cuándo vas salir de ahí, un gran tema que ayuda a reflexionar sobre esa situación.

Un tema de su EP Perro viejo (2016) se hizo presente en la noche: “Bonita”, canción dedicada a una mujer especial. Continuando la velada con “Camisas”, tema de su más reciente producción Sinfuturo (2018).

El público se encontraba demasiado contento con la presentación de Axel Catalán, ya que al parecer, el hombre iba preparado a lo que el público quisiera escuchar esa noche. No había ningún setlist pegado en el piso, solo era él, más un grupo de personas que le gritaban títulos de algunos de sus éxitos. Así fue, como el cantante comenzó a complacer a cada uno de los asistentes con temas de todo su repertorio musical.

Siguiendo con las complacencias, interpretó “El fin”, y aunque aún no era el fin de la presentación se podía sentir ese nudo en la garganta que surge luego de escuchar sus letras tan sinceras que le cantan al desamor.

Indagando en los inicios del músico, interpretó un par de temas que, sinceramente, fueron una sorpresa para todos los presentes, ya que sonó “Mestizo” un tema que no encontramos en su plataforma digital, pero si en las curiosidades de YouTube. Este sencillo fue uno de los primeros que lanzo, y la verdad es que debe ser escuchado por todos.

Después de que Axel Catalán se perdió en su música y en el bonito momento que estaba viviendo, el tiempo se le fue tan de prisa que no se dio cuenta de que su presentación había llegado a su fin. Ya se le estaba presionando para que culminara, aunque el público no quería que se fuera, es por eso que el cantante comenzó a tocar los primeros acordes de “Maldito”, el tema con el que se despediría de todos..

Aunque no interactuo tanto con el público como los dos actos anteriores, debo decir que la que gente estuvo contenta con su presentación de principio a fin, siempre se les vio catando y conviviendo, disfrutando de un agradable momento.

Pasadas las 12:00 H, las luces se apagan y el Foro Indie Rocks!, abre sus puertas para despedir a todos los fanáticos de Arroba Nat, Negrø, y Axel Catalán, dejándonos a todos con un buen sabor de boca con tan buenos actos, buena organización y por haber logrado que todos abriéramos un poco nuestro corazón y le cantaremos al desamor y nos echáramos unas lloraditas.

Quede sorprendida de escuchar a tres grandes talentos de la industria musical mexicana que debo confesar, en vivo suenan mucho mejor. Cada uno de ellos merece ser escuchado y tener más reconocimiento.

A$AP Rocky reaparece en el Real Street Festival

Checa parte del show que ofreció A$AP Rocky durante el Real Street Festival en Anaheim.

Tras estar casi un mes en una prisión de Suecia, A$AP Rocky fue liberado el pasado 2 de agosto y de inmediato voló a Estados Unidos, sitio en el que subió de nueva cuenta a un escenario. Esto fue como parte del Real Street Festival en la ciudad de Anaheim.

El rapero ofreció un set en el que contó con Tyler, The Creator, A$AP Ferg, YG y Juicy J como invitados, con quien interpretó algunos tracks. Además, durante su participación, A$AP habló sobre lo que vivió en una prisión de Suecia hace algunas semanas en donde un fiscal pidió hasta seis meses de cárcel. Esto ocurrió después de que Rakim Mayers—nombre real del rapero— fue enjuiciado por violencia durante una pelea en la capital, Estocolmo el pasado 30 junio.

"Saben lo feliz que estoy de estar aquí ahora mismo, pero quiero decir esto. Cuando estuve fuera, lo que experimenté fue una locura. Fue una experiencia aterradora y humillante, pero estoy aquí ahora mismo. Dios es bueno. La gente que ni siquiera me conoce sintió simpatía. La gente rezaba por mí, eso me animó cuando estaba bajo. No puedo agradecerles lo suficiente, eso fue una locura. El hip hop nunca se vio tan fuerte juntos", declaró en medio del show.

Aquí te dejamos una parte del show:

Recuerda que A$AP Rocky visitará México y formará parte de Hellow Festival el próximo 24 de agosto.

Cashmere Cat presenta 'Princess Catgirl', su nuevo álbum

Con el video de “EMOTIONS”, su más reciente single, Cashmere Cat presenta a Princess Catgirl.

Magnus August Høiberg, el DJ y productor noruego conocido como Cashmere Cat, anuncia nuevo álbum con el lanzamiento de “EMOTIONS”, single a través del cual presenta a Princess Catgirl, el nuevo personaje virtual que le da nombre a su nuevo material.

El video está dirigido por Jake Schreier y captura la versión animada de Margaret Qualley actriz y bailarina que realizó la coreografía e interpretó a Princess Catgirl. La animación estuvo a cargo de Juan Zavala y Matt Connolly, el segundo animó para Nickelodeon durante varios años. La actriz Margaret Qualley, además de interpretar a este personaje y nueva faceta de Cashmere Cat, ha aparecido en la serie de HBO, The Leftovers y enDeath Note, además aparecerá en la nueva película de Tarantino, Once Upon A Time... In Hollywood.

El video de “EMOTIONS” muestra a Princess Catgirl, bailando sola románticamente en un bosque. El tema contrasta con el video porque visualmente todo parece salir de un cuento de hadas, el baile, el personaje, los colores, todo es adorable y pretende insertarte en un mundo mágico de ensueño... mismo que termina rompiéndose cuando salimos de esa animación y vemos a Qualley bailando frente a una pantalla verde con Høiberg.

 En Twitter, Cashmere Cat, dijo ser muy penoso y siempre estar buscando la manera de mantenerse en la anonimidad,  Princess Catgirl, será la nueva cara de su música y dice hacerlo sentir más cómodo que nunca. La fecha de estreno del álbum será el 20 de septiembre de este año, y será una continuación del primer álbum de estudio del DJ, 9, lanzado en 2017 con colaboraciones de artistas como Kanye West, Halsey, The Weeknd, FKA twigs, Ariana Grande y Ty Dolla $ign, entre otros.

 

Porter en el Teatro Metropólitan

Porter: Máquinas en el escenario.

Hace una semana, Porter anunció que los boletos para su presentación en el Teatro Metropólitan estaban agotados. Ayer, la banda tapatía demostró el porqué del sold out, en una noche llena de furor en la que los fans disfrutaron de la presentación oficial de Las Batallas, la más reciente producción discográfica del cuarteto liderado por David Velasco.

Antes. A las 21:00 H y durante 25 minutos, Señor Kino, quinteto sonorense de surf punk integrado por Karl, Ramsés, Sofia, Carolina y Erubiel cautiva a los presentes con su sonido fresco con apenas cuatro canciones, siendo “Portal de colores” la primera de ellas. Mientras tanto, el público sigue llegando, al tiempo que todas las luces se apagan y solo quedan las del escenario. “Elesdí”, “Mamón” y un tema nuevo completan la colorida presentación de Karl y compañía.

El inicio del ciclo. Pasadas las 21:40 H, la música de fondo se corta, las luces se apagan y la emoción por ver a la banda principal aumenta. Parece que es momento de ver a Porter. Sin embargo, un presentador con cero carisma aparece para decir que es la segunda llamada. Dos minutos (eternos) después, regresa para agregar “Tengo con ustedes a los hombres máquina”. El telón negro se abre y David Velasco, Diego Rangel (Bacter), Víctor Valverde (Villor) y Fernando de la Huerta (Medusa), los cuatro vestidos de negro y conectados a un tubo que los hace parecer robots, comienzan a tocar la hipnotizante “Hombre máquina”. Cada integrante tiene de frente un pad de batería, como en el lyric video de dicha canción. Kraftwerk estaría orgulloso.

“¿Qué dice mi México querido?”, pregunta David al finalizar el primer tema, para seguir con otra joya perteneciente a Las Batallas: “Chesko”. Al terminar, Luis Mejía, el baterista de apoyo de la banda, realiza un breve pero atractivo solo de batería. “Cuervos” no pudo tener mejor antesala.

David hace una pausa para decir: “Esta rola va para los que se adelantaron y están allá arriba”. Mi mente inmediatamente piensa en un ser querido: mi abuelita. El intro lacerante de “Himno Eterno” lo hace aún más doloroso. Se supone que vengo a disfrutar, no a llorar. “Raro, no entiendo por qué ya no estás aquí, ya no eres físico, nunca pensé que no estarías aquí”. Piel erizada y lágrimas a flor de piel.

Después del momento nostálgico, la histórica “Rincón Yucateco”, de su disco antecesor Moctezuma aparece en el setlist. Para la siguiente pieza, unas luces blancas caen sobre la figura de David. ¿La razón? La mística “¿Qué es el amor?”. “Cuxillo”, uno de los mejores temas del 2017 no podía faltar en esta gran noche, así como “Bandera”, el primer sencillo de Las Batallas, antes de que David dijera: “¿Cómo van, Metropólitan? ¡Qué chido estar aquí otra vez, muchas gracias!” y le diera paso a “Konnichiwa”.

Al término de “M Bosque”, David se lleva ambas manos a su boca y envía besos a los presentes. La multitud grita y agradece el gesto. La bipolar “Cuando lloro”, la cual combina un sonido orgánico de guitarra que se transforma en una parte digital con sintetizadores, sin perder la magia del track es la siguiente de la noche.

Los miembros de la banda abandonan el escenario y el presentador del principio reaparece para pedirle a los asistentes que saquen sus máscaras inspiradas en la portada de Las Batallas, las cuales, desde antes del evento se encontraban en los portavasos de las butacas. Ante la poca, casi nula respuesta del público, la realidad es que fue tiempo suficiente para que los músicos cambiaran de vestuario, pues todos regresaron con un outfit más cómodo, David, por ejemplo, con un poncho negro.

Las potentes “Palapa”, “Tzunami” son las elegidas antes de la clásica e infaltable “Espiral”, la más coreada, gritada y aplaudida, sin duda. Pero la euforia no paró ahí, pues “Pájaros”, una de las favoritas del nuevo material mantiene las emociones a tope. Al culminar, la porra a Porter inunda al Metropólitan y cómo no, si “La China” encanta a todos.

Pasan las 23:00 H y el “Muchas gracias, México” de David Velasco es la señal de que el final se acerca. Sin embargo, hay tiempo para una más: “Huitzil”. El track termina, las luces se encienden, el público no entiende nada. “Faltan un buen”, declara uno, “Sí, falta ‘Host of a Ghost’, responde otro.

Dos minutos más tarde, el encore lo marcan “Arcade” y “Para ya”, las últimas que faltaban para completar el ciclo de Las Batallas. “Mis queridos amigos, esperamos haber dado un poquito de lo que nos dan, los queremos un chingo”, manifiesta David. ¿Adiós, vaqueros? No, “Murciélago” es la definitiva. Ni modo, tocaron más de dos horas, pero no tocaron “Host of a Ghost”, Dios da, Dios quita.

Luego de 20 canciones, David arroja su poncho al público, poniendo punto final a una noche mágica, prehispánica e industrial. Porter demuestra porqué es una de las mejores bandas de rock mexicano y lo viene evidenciando desde 2015, año en el que lanzaron Moctezuma, considerado uno de los mejores discos de rock mexicano de la última década y el mejor de su carrera. Las Batallas está un escalón o quizá dos abajo, lo claro es que es un álbum que en vivo dio prueba de que los tapatíos son unas máquinas en el escenario.

C.R.O en el Foro Indie Rocks!

Trap "Bardero" en el Foro Indie Rocks! de la CDMX.

El Foro Indie Rocks! recibió a C.R.O, uno de los actos más representativos del trap argentino en una noche llena de beats intensos, Auto-Tune y letras agresivas.

El show comenzó con Bardero$, el dueto conformado por C.R.O y Homero El Mero Mero. Juntos pusieron a brincar a absolutamente todos los presentes en el foro que se encontraba a tres cuartos de capacidad. El dúo recorrió temas de su disco Llevame así como varios de los singles que lo han posicionado como  uno de los actos más importantes de Argentina.

Sin pausas hubo un momento que C.R.O dejó el escenario para dejárselo a su compañero Homero El Mero Mero que se aventó varios temas en solitario que culminaron en un cántico del público “Homero, hermano, ya eres mexicano”, a lo que el argentino respondió con un saludo efusivo y un agradecimiento que se veía venía desde el corazón.

Una vez terminada su presentación, y otra vez sin pausas, C.R.O regresó al escenario para interpretar temas de su otro crew #ModoDiablo que comparte con Neo Pistea y Duki, y que es el colectivo más importante del trap argentino. Estos temas fueron de los más coreados de la noche, sobre todo “A.L.A.S.” y “Tumbando el club”.

Una vez terminada su presentación, muchos comenzaron a abandonar el Foro dejando al cerrador, C-Kan, con la responsabilidad de terminar la noche con mucho menos público, sin embargo eso no castigó su set, el cual fue intenso por decir algo, lleno de canciones que fueron coreadas por aquellos que se quedaron a su presentación. Esto deja un sabor semi amargo porque se trata de uno de los mejores raperos de México y duele ver sus shows sin un público que lo avale.

Trap en vivo

Es difícil describir lo que se siente estar en un show de trap, sobre todo si es underground. Los bajos intensos, los coros fuertes, el público entregado y brincando sin parar, por momentos parece más un concierto punk, y quizás así lo sea a lo mejor el trap está retomando lo que el punk inició hace 40 años.