A 45 años del 'Wish You Were Here' de Pink Floyd

Posted on septiembre 12, 2020 by -

¡Claro! Desearía que estuvieras aquí

Amigos perdidos en hoyos negros. Sonoros viajes con futuristas ecos. Melancólicas guitarras de incalificables armonías. Eufonías de históricas sentencias. El Wish You Were Here se asume como una atesorada producción. Precisa del insondable genio de Pink Floyd.

El noveno disco de estudio es colocado en los estantes ingleses un 12 de septiembre de 1975. Es producido por ellos mismos con la sobresaliente ingeniería del sonido en manos de Brian Humphries, quien asegura que sortearon largos días en el estudio, los Abbey Road, solo pensando. Acción que exhibe el intelecto camino del proceso creativo de David Gilmour, Roger Waters, Richard Wright y Nick Mason.

La pista uno del lado A abre con las partes I – V de "Shine On Your Crazy Diamond". La lucidez sonora queda expuesta con estas cinco harmoniosas raciones. La primera es un blues en sol menor brindado a la entronizada memoria de su ex compañero Syd Barret. “Es mi tributo a Syd y la expresión sincera de mi tristeza y admiración”1, revela Waters. Para Gilmour, “Evoca lo que Syd sentía por Roger, y coincide con lo que él siente”2.  La parte coral la interpretaron Venetta Fields y Carlena Williams, importadas y adaptadas al rigor del sello Motown Records, quedaron impresionadas por la rigurosa disciplina de Pink Floyd.

"Welcome To The Machine", es la segunda canción del álbum y cierra el lado A. Su crítica letra manifiesta la voraz capacidad de la industria discográfica y de la automatizada sociedad de consumo. El inicio de la pieza alude mecanizados sonidos de desesperanzadoras factorías. Con un sufrido lamento, Roger Waters declara, Ya te dijimos qué soñar. ¿Nosotros, vivimos nuestros sueños o los de alguien más? ¿Entramos o salimos de esa encubierta máquina?

El lado B del elepé inicia con "Have A Cigarre". Canción en voz de Roy Harper. La insatisfacción en los tonos vocales de Gilmour y Waters favorecieron la incorporación de Harper quien se encontraba grabando en la sala de al lado. En las sátiras líneas de la letra, de nueva cuenta surgen los clamores contra el sistema. Durante las sesiones de grabación la fotógrafa Jill Furmanovsky realizó históricas tomas3.

"Wish You Were Here". En sus añoradas notas gatea la pesadumbre y el duelo. En la agónica voz padecen yerros y penas. Tormentos de dos almas perdidas que se afligen con los mismos viejos miedos. El eterno amor perdido es tomado de la mano hacia el parque de las desolaciones. Esta obra del desaliento discurre entre desdichas e inquietudes. Concebida en una guitarra de doce cuerdas por Gilmour, esta pesarosa obra de lánguida letra, escrita por Roger, también está dedicada al desconsolado Syd Barret. Por nuestra cuenta, cada cual la hemos ofrendado a imposibles amores.

El disco cierra con las partes VI - IX de "Shine On Your Crazy Diamond". Desahuciados vientos anuncian la progresiva pieza de dolientes teclados a cargo Richard Wright. Los subsecuentes fragmentos revelan la fina hechura del cuarteto inglés.

En este período de grabaciones surge la relación con el caricaturista político Gerald Scarfe, quien daría una rotunda imagen con su obra, primero con el video que animó para "Welcome To The Machine", después en el mitológico largometraje The Wall.

Como la llameante portada Wish You Were Here es un incendiario disco de ardientes pasiones. Los surcos del vinilo mutan en inflamadas venas que giran exaltadas alrededor nuestro. Las sempiternas polifonías de Pink Floyd son la sangre de irreductibles vidas.

1, 2, 3 Crowley, J. (productor). Edginton, J. (director). (2011). Pink Floyd: The Story Of Wish You Were Here. Emp For Eagle Rock Entertainment LTD. 

 

A 20 años del ‘Relationship of Command’ de At The Drive-In

Posted on septiembre 12, 2020 by -

At The Drive-In, el combo que transformó los gritos eufóricos en canciones de rock.

Existe un momento en la adolescencia de la mayoría de personas en el que parece que todos los adultos están equivocados. ‘Yo nunca voy a ser como ellos’, te dices a ti mismo. Es el período de rebeldía en el que se tiene el pensamiento de querer ser diferente a los demás. Cuando piensas que un peinado o una forma de vestir es suficiente para no ser como el resto. Es también cuando descubres la música de bandas como At The Drive-In y sientes que alguien te escucha y de inmediato te identificas.

El quinteto surgido en Texas en 1994 tuvo que enfrentarse a varios cambios de alineación hasta que un par de años después consiguió la formación más estable de su breve pero prolífica existencia. Aunque lo más importante es el sonido que alcanzó. Siempre estuvo presente el punk enérgico con gritos emotivos que muestran que de verdad sienten lo que cantan. Al mismo tiempo, también se aprecia un gusto particular por las melodías que se quedan guardadas en el inconsciente.

La actitud de un cantante marca la diferencia

El reconocimiento no llegó de inmediato e inclusive durante sus primeros años era común que se presentarán frente a máximo diez personas en lugares sucios y insalubres. Tampoco ayudaba que sus integrantes provenían de familias con orígenes en México, Puerto Rico y Líbano. Pese a la atmósfera el conjunto siempre se entregaba como si estuviera en medio de un festival. En parte eso fue posible gracias a su cantante, Cedric Bixler-Zavala, quien cuenta con una potente voz y un gusto particular por vivir las presentaciones desde abajo de la tarima.

Durante la frontera de milenios el combo estaba en plena efervescencia y el punto máximo de su carrera lo alcanzó con la publicación de su tercer álbum el 12 de septiembre de 2000 a través de Grand Royal, filial de Capitol Records fundada por el trío neoyorquino Beastie Boys.

A través de 11 canciones se logra un trabajo completo y lleno de furia. La inicial “Arcarsenal” es una bomba de tiempo que explota a los primeros segundos de arrancar. Gracias a este material se le dio visibilidad al llamado post-hardcore que también tiene en Refused, Thursday y The Fall of Troy a otros de sus máximos exponentes.

La (breve) permanencia en la cúspide del estrellato

Por otra parte, el lanzamiento como sencillo de “One Armed Scissor" significó una de las decisiones más acertadas que se pudieron tomar. El tema es un resumen del combo gracias a su sonido que simula la erupción de un volcán y ante el que resulta imposible ser indiferente. Se necesita estar muerto para no mover al menos un poco los pies al ritmo de la batería. Aunque la letra contiene frases inconexas sin un significado real, es el sentimiento y la emotividad con la que se ejecuta lo que la vuelve única.

Con la composición mencionada el quinteto obtuvo notoriedad y por primera ocasión tuvo un video de alta rotación en MTV. Nada mal para cinco jóvenes que poco o nada tenían que ver con la música que prevalecía en el mainstream. Además ayudó para que el disco entrara en la lista de los más vendidos del año.

Dentro del LP también destaca una pieza por ser bastante distinta al resto. En "Invalid Litter Dept." se escucha un ritmo sereno y relajado que se acompaña de una letra con una fuerte protesta social. En ella los integrantes hacen referencia a los feminicidios ocurridos en Chihuahua, a tan solo unos kilómetros del sur de Estados Unidos. Es la canción más política en la discografía de la banda.

De igual forma, el trabajo alcanzó un sonido distintivo gracias a su productor, Ross Robinson, quien se convirtió en el cómplice ideal. Para entonces ya había trabajado con proyectos de diversos estilos pero donde predominan los gritos eufóricos como Slipknot, Sepultura y Machine Head. Además fue el responsable de conseguir a Iggy Pop para que colaborara como cantante invitado en "Rolodex Propaganda" y "Enfilade".

Caminos separados por diferencias musicales

Sería poco más de un año después de que el disco vio la luz que el conjunto decidió de manera abrupta separarse. Nunca hubo una explicación real de lo que ocurrió aunque fue notorio que para entonces existían diferentes intereses al interior del grupo. Mientras algunos integrantes querían que el siguiente álbum sonara al Santana de los años 70, otros se inclinaban por el Weezer de los noventa. Como resultado nacieron The Mars Volta y Sparta.

El tiempo se ha convertido en el mejor juez de At The Drive-In. Aunque el grupo vivió algunos momentos de éxito comercial, con cada año que transcurre su impacto es mayor. Ahora ya no se necesita ser un adolescente para disfrutar lo que alguna vez hicieron cinco individuos de distintos orígenes pero con una misma convicción.

A 25 años del 'One Hot Minute' de Red Hot Chili Peppers

Posted on septiembre 12, 2020 by -

Drogas, crisis y ‘un minuto caliente’ sin John Frusciante.

One Hot Minute, sexto álbum de estudio de Red Hot Chili Peppers, cumple 25 años al formar parte de una época que ni los mismos integrantes desean recordar. Cambios repentinos, adicción a la droga, crisis grupales y personales se reflejan en lo sucedido antes, durante y después de un álbum que no solo está compuesto por 13 canciones, sino que engloba el concepto de la ausencia a modo de declaración.

Dicen que para llegar a la cima tienes que tropezar muchas veces. En algunos casos, dichas caídas pueden ser estrepitosas. Antes de que el Californication (1999) rompiera esquemas y los consagrara como una de las bandas más importantes de rock alternativo de fines de siglo, Red Hot Chili Peppers tuvo un rápido ascenso de popularidad en sus producciones anteriores como fue con el Blood Sugar Sex Magik (1991). No obstante, esta fama afectó a uno de sus integrantes más representativos: John Frusciante.

Esto llegó muy pronto para el guitarrista, quien pasó de ser espectador de su grupo favorito a formar parte de él.  En 1992 y con dos álbumes trabajados, el músico decidió irse de la banda en medio de un tour y volver a casa para continuar experimentando con drogas fuertes a las cuales recurría frecuentemente.

"Todo sucedió o mejor, todo parecía estar sucediendo a la vez y no podía soportarlo", confesó el guitarrista  tiempo después. Tras una búsqueda de reemplazo, el baterista Chad Smith propuso a Dave Navarro, de la banda Jane 's Addiction. Al invitarlo a improvisar con RHCP, la propuesta se dio y, con ello, el cambio del sonido de la banda. La declaración ante la ausencia de John estaba propuesta, pero faltaba desarrollarla.

One Hot Minute (1995) o el ‘minuto caliente’, como se traduce el título al español, empezaba. Las grabaciones comenzaron en 1994 y, a su vez, la crisis del propio vocalista, Anthony Kiedis. Luego de cinco años sin consumir drogas, él recae y, con ello, las esperanzas de que el proceso de grabación se haga lo más rápido posible.

Las quejas de Dave al no entender el trabajo de la banda durante las sesiones también generan tensión e incomodidad. Trabajar con él no era lo mismo que con Frusciante. La ausencia se siente.

Una atmósfera lúgubre y melancólica se visibiliza desde la portada del álbum. Una muñeca con los ojos rojos nos recibe sonriente mientras ella toca el piano. Ella mira a una hada que toca la mandolina y que destella una luz que guía a la pianista quien continúa en su música a pesar de estar cegada por este momento ‘caliente’.

El contenido de sus canciones más representativas no se alejan de la temática mencionada líneas arriba. “Warped” es el tema con el que esta declaración a la ausencia inicia. La melodía recuerda, por momentos, a Jane 's Addiction. La voz de Anthony Kiedis da la impresión de encontrarse en una caja cerrada. Nos transporta al rock psicodélico, sin la intención de ponernos a mover como sucede con el funk que RHCP nos tiene acostumbrados. Pronto la potencia se asoma. Pese al cambio, el vocalista continúa en el trance. Esto cobra sentido si lo relacionamos a su dependencia a las drogas. "I'm pretending to be strong and free from my dependency/It 's warping me. (Estoy fingiendo ser fuerte y libre de mi dependencia / Me está deformando)" se sincera como parte de la letra.

“Aeroplane” es la excepción del álbum. Hay energía desde los primeros segundos a comparación de las 12 canciones que lo acompañan. Cabe destacar que ningún tema del One Hot Minute ha sido tocada en vivo después del tour del mismo nombre, solo “Aeroplane”, ya que es una época que ellos consideran oscura. Razones no le faltan.

“De todos nuestros discos, fue el que probablemente menos tocamos. No nos sentimos conectados con ese álbum, pero estamos muy orgullosos de él", señaló el baterista, Chad Smith, al ser preguntado por una fan. “Aeroplane”, a pesar de ser una canción alegre, se continúa hablando sobre la dependencia a las drogas de Anthony. “Había letras como: ‘Será mejor que alguien me abofetee antes de que empiece a oxidarme, antes de que empiece a descomponerse’. Eso es un grito de ayuda”, escribió en sus memorias.

“My Friends”, balada simpática que cumple con descubrir a los amigos del cantante de una manera sombría, es una de las favoritas de los seguidores de RHCP. Cuando la escuchamos, no podemos evitar pensar en lo que la banda, además de Anthony y John, estaba pasando. Flea afrontaba su proceso de divorcio, mientras que Chad estaba deprimido por la demora en terminar las grabaciones de este álbum.

Ese mismo año, 1994, uno de los amigos más queridos de Anthony fallece. Se trata de Kurt Cobain, líder de Nirvana. Como homenaje, Kiedis decide hablar del intérprete de “Smells Like Teen Spirit” en “Tearjerker”, canción que escribió apenas supo de su muerte. “Fue un golpe emocional, y todos lo sentimos (...). De alguna forma rara, él era amado, simpático e inofensivo”, afirmó tiempo después.

Más allá de las drogas, la crisis y la salida repentina de Frusciante, One Hot Minute también llega a un punto de inflexión en cuanto a su composición, debido a que Flea asume, por primera vez, el rol de cantante principal en “Pea”. “Transcending” y “Deep Kick” también tienen la esencia del bajista, ya que él se encargó de las letras. La ausencia de Anthony por su drogodependencia se vuelve más evidente.

Después de casi dos años de grabaciones, One Hot Minute salió el 1 de septiembre de 1995 como sucesora del exitoso Blood Sugar Sex Magik (1991). El disco llegó a ser certificado como oro y doble platino, pero no superó el nivel de ventas de su antecesor ni tuvo una respuesta positiva de los críticos de música. El tour comenzó a solo días de lanzar el material. Este paso también fue clave para la relación banda - nuevo guitarrista, puesto que él comenzaba a cansarse de la rutina, señales que acabarían en julio del 1997, cuando Navarro ofrece su último concierto con ellos. Meses después, en abril de 1998, Flea y Anthony lo despiden tras llegar drogado y desorientado a las primeras sesiones del álbum sucesor.

Dave aparecía tarde y era imposible comunicarse con él (...). La cosa salió fatal, porque Dave estaba drogadísimo, y aunque sabía que no había manera de que el grupo funcionase así, verbalmente la realidad le jodió lo que no estaba escrito", manifestó Kiedis en sus memorias. El grupo vuelve a entrar en crisis, pero, esta vez, había un plan en marcha desde enero de aquel año, cuando volvieron a hablar con la pieza clave y la gran ausencia en este ‘minuto caliente’: John Frusciante.

Han pasado 25 años desde que One Hot Minute salió a la luz en medio de las historias y experiencias oscuras de cada uno de los integrantes de Red Hot Chili Peppers. Esta escena lúgubre valora al álbum como íntimo, único y atractivo en la historia de la banda, sobre todo, si se conoce lo que hubo detrás de su concepción. Fue una declaración a la ausencia, donde los recuerdos y momentos malos se vuelven breves, de tensión, como minutos. En ellos evocan a los demonios que acechan a cada uno.

A 40 años de 'Scary Monsters (And Super Creeps)' de David Bowie

Posted on septiembre 12, 2020 by -

¿Por qué Tony Visconti describe Scary Monsters (And Super Creeps) como el Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band de David Bowie?

“Siluetas y sombras. Observa la revolución”. Una vez más: Las palabras de David Bowie funcionaron como instrucción para entender las entrañas de lugares que encarnaron la esencia de la primera mitad de los 80: Las calles aledañas a Covent Garden y The Power Station. 

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A pesar de no encontrarse en la exclusiva y rigurosa lista de Steve Strange (Visage), el 1 de julio de 1980 David Bowie, Edward Bell, Bob Geldof y Paula Yates visitaron el Blitz Club en búsqueda de quienes -dos días después- acompañarían a Pierrot y Major Tom en la grabación de “Ashes to Ashes”. Además de una de las fotografías más memorables de la carrera de Tommy Crowley, la presencia del Duque fue un giro en la carrera de Pam Hogg y un regalo para los DJs a cargo (en especial Rusty Egan). Para todos los que nos encontramos al otro lado del hemisferio (y del siglo), lo único que queda es imaginar el momento a partir de la exaltación de Douglas Booth en Worried About The Boy (2010)

...O leer hasta el cansancio los testimonios de Christos Tolera 

Gran parte del éxito de la trilogía de Berlín fue gracias a los -entonces- 18 meses de fiesta en el Blitz. Tal y como lo relatan Chris Sullivan y Graham Smith en We Can Be Heroes: London Clubland 1976-1984 (2012), las noches de 1979 y 1980 estuvieron ambientadas por el modelaje hammer horror y el furor de las y los adolescentes (en su mayoría, de sectores privilegiados) al escuchar mezclas entre Blondie, Landscape, Magazine, Roxy Music, Magic Orchestra, Joy Division y hits que posicionaron a Bowie como una de las figuras favoritas de la televisión estadounidense y japonesa: “Always Crashing in the Same Car”, “Be My Wife”, “Sound and Vision” y “Boys Keep Swinging”.  

Put the blame on VCR:

Bowie prometió a sus candidatos (Judith Frankland, Darla-Jane, Steve Strange, Elise Brazier y Richard Sharah) un extra al ver sus rostros en un videoclip que -para 1999- sería incluido en una de las listas más importantes de MTV.  Mientras Natasha Korniloff confeccionaba el traje de Pierrot, el artista ofreció £50,000 a Blitz Kids

Al ocupar los primeros lugares de popularidad en el Reino Unido, “Ashes to Ashes” fue identificada como la canción de referencia y descripción en Scary Monsters (And Super Creeps), ya que no solo destacó por su alusión a Danny Kaye, los destellos new wave y la participación de músicos de renombre (entre ellos Carlos Alomar, Chuck Hammer y Robert Fripp), sino por la compresión comercial de David Bowie. Aunque los portales en Internet difieren en la cantidad total de la producción de este audiovisual (algunos calculan £500,000 y otros £2,500,000), su particularidad es clara: “Ashes to Ashes” (también) pasó a la historia por su (excesivo) valor monetario. A principios de los 80 el costo promedio de los videos musicales era entre £10,000 y £100,000. 

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Sin duda: El camaleón aprendió a leer las directrices de la industria musical como pocos, de ahí que Alan B. Krueger no exagere en sugerir “la teoría Bowie” a las y los artistas pop actuales. Para la fecha de lanzamiento de Scary Monsters (And Super Creeps), David Bowie ya había entendido (y sacado ventaja) a lo que se refería The Buggles (y lo que algunos productores  se negaron a aceptar): Video Killed The Radio Star

...Or ,eventually, will kill the radio star

Bowie y David Mallet no tuvieron que esperar a la primera emisión de MTV (agosto de 1981) para comprender, materializar y monetizar el videoclip como una herramienta para la promoción de los singles. Fueron testigos (cercanos) del caso experimental de “Bohemian Rhapsody” en 1975 y de la atención que se podía recibir tras la censura por parte de la BBC. Además del conservadurismo (y homofobia) de la sociedad, con “John I’m Only Dancing” el dúo constató uno de los giros del marketing musical que -26 años más tarde- llevaría a MTV a 265.8 millones de hogares: La venta de música a través de las pantallas. “Por supuesto que es efectivo que mis canciones se repitan 20 veces al día en la televisión; mi música no es para la radio”, sostuvo el músico. 

Bajo una visión de negocio, con el talento de Khandi Alexander en la coreografía y la alusión al trabajo de The Kinks (1966), “Fashion” (cuya producción tomó alrededor de 11 horas) se convirtió en el segundo single de Scary Monsters (And Super Creeps), parte del soundtrack de películas como Clueless (1995) y en los planes de Bowie para sustituir la gira promocional por un contrato con una licorería japonesa. Aunque “Crystal Japan” (1979) es una de las canciones menos valoradas del álbum (o, al menos desde la perspectiva de Chuck Hammer) dejó claro la ruta en la que se dirigió Bowie durante las últimas dos décadas del siglo XX.

Por supuesto: David Bowie no contemplaba que el éxito de esta pieza también se construiría a partir de los señalamientos televisivos en los que se enfatizaba el “plagio accidental” de Nine Inch Nails en el décimo track de The Downward Spiral (1994): “A Warm Place”. 

Hey! Put a bullet in my brain:

A mediados de septiembre de 1980, Bowie otorgó una entrevista a Rolling Stone y compartió lo siguiente: “Quiero más y más. Estoy listo para renunciar a las ventas y a los registros. Quiero mantenerme en el tipo de música que en realidad quiero hacer”. Otras de las razones por las que no salió de gira con Scary Monsters (And Super Creeps) fueron su estelar en The Elephant Man y su divorcio, mismo que retrató en una canción cuyo título aludió a una campaña publicitaria de Kellogg’s. 

She asked me to stay and I stole her room

She asked for my love and I gave her a dangerous mind

Después de deambular entre Suiza, Londres y Nueva York, el músico tomó un respiro de la prensa y decidió que su decimocuarto álbum abarcaría el consejo de John Lennon y  las preguntas que demandaba el público: ¿Qué pasaba con Angie y Duncan?, ¿A qué se refería Tony Visconti con la producción de un “segundo Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”?, ¿Cómo le era posible trabajar cuando Roy Bittan tocaba el piano en la siguiente habitación?, ¿Era el fin  de su (turbulenta) relación con RCA?, ¿Por qué grabar en un estudio cercano al Fashion Institute of Technology en el que decenas de adolescentes soñaban con la figura de Ziggy Stardust?, ¿No buscaba privacidad?

No es secreto que Scary Monsters (And Super Creeps) es la placa favorita de Visconti. La preferencia deriva del trabajo de Chuck Hammer en los sintetizadores, la adopción de un estilo tan único como el guitarchitecture,  la capacidad para adaptar canciones que Bowie escribió a principios de su carrera (“It’s Not Game” y “Scream Like a Baby”) y la reverberación de  hits como “Heroes” (“Teenage Wild Life”).

Pese a las críticas favorables que recibió el álbum, durante las primeras semanas de octubre de 1980, Bowie acudió a Sean Mayes para expresar su insatisfacción. “Pensaba que había fracasado”, detalló. Quizá, en ese entonces, el narrar su entorno familiar y la confrontación de los miedos propios no era lo suficientemente “subversivo”; lo personal no daba crédito a lo que había trabajado con sus alter egos: You’d better not mess with Major Tom. 

Por fortuna, una década después, Bowie recordó las palabras de Lennon y en una charla con Musician expresó las razones por las que Scary Monsters (And Super Creeps) es el material discográfico favorito de Visconti y del público que -como Marilyn Manson- lo conocimos por algún video de MTV: Es una purga, la erradicación de sentimientos que nos hacen sentir incomodidad y la reconciliación de nuestro pasado con los futuros que deseamos. 

Sale a la luz un compilado de remixes de Daft Punk en vinilo

Posted on septiembre 11, 2020 by -

El sello argentino Music Brokers, ha puesto en circulación un compilado donde es posible escuchar remixes de Franz Ferdinand, Giorgio Moroder y The Micronauts hechos por Daft Punk.

En la primer semana de septiembre ha salido a la venta The Many Faces Of Daft Punk: A Journey Through The Inner World Of Daft Punk, un material recopilatorio de influencias y remixes del famoso dúo frances. Este fue publicado por el sello argentino Music Brokers, y aunque no cuente aún con el respaldo de la agrupación ya está agotado.

Es posible encontrar este material en formato de dos vinilos, así como un triple CD, los cuales vienen con vivos en amarillo y gris. Si bien, por ahora se encuentran agotados, podrás adquirir próximamente el tuyo dando clic aquí. Las remezclas rescatadas incluyen versiones de "Take Me Out" de Franz Ferdinand, "Get Funky Get Down" de The Micronauts e incluso "The Chase 2011" de Giorgio Moroder. Puedes escuchar un poco de este compilado dando clic en su portada.

The many faces of daft punk_portada

Además, este material incluye a otras referencias que han influenciado a Daft Punk a lo largo de su carrera, de donde destacan Oliver Cheatham, The Whispers y Space.

Este lanzamiento forma parte de una serie de compilados lanzados por Music Brokers, la cual lleva por nombre The Many Faces y tiene como objetivo hacer ver una vertiente poco conocida de artistas legendarios. Todo esto para conocer una faceta reinventada sobre los artistas en cuestión. De hecho cuenta con 40 títulos, donde destacan bandas como AC/DC, The Cure, Iron Maiden o Depeche Mode.

Joni Mitchell lanzará compilado con material inédito

Posted on septiembre 11, 2020 by -

Próximamente, la emblemática compositora canadiense lanzará una serie de archivos con los que podremos conocer a fondo su carrera artística.

Roberta Joan Anderson, mejor conocida como Joni Mitchell, es una de las artistas más importantes del siglo 20. Con su música y poesía, ha logrado inspirar a decenas de cantantes, bandas y compositoras. Es por eso que, recientemente anunció que lanzará a la venta Archivos de Joni Mitchell, un compilado que reúne grabaciones inéditas de su carrera, mostrando la evolución y el impacto de su música a lo largo de las décadas.

El primer volumen titulado Los primeros años (1963-1967), tiene un costo de 64,98 dólares (aproximadamente 1,400 pesos mexicanos) y saldrá a la venta el 30 de octubre, mientras tanto puedes pre ordenarlo, aquí. Como adelanto, Joni nos comparte una grabación del sencillo “House of the Rising Sun”, hecha en 1963 cuando ella tenía 19 años. Dale play, a continuación.

No debería ser tan snob en contra de las primeras cosas hechas. Muchas de estas canciones, simplemente las perdí. Cayeron. Solo existen en estas grabaciones. Durante mucho tiempo me rebelé al decir  'nunca fui cantante de folk'. Me enojaba que me pusieran esa etiqueta. No pensaba que fuera una buena descripción de lo que era. Y luego escuché y ... fue hermoso. Me hizo perdonar mis comienzos. Y me dí cuenta de que... ¡era una cantante de folk!".

La primera entrega, cuenta con cinco discos de casi seis horas de duración, con grabaciones caseras, en vivo y de radio hechas durante el periodo previo a su álbum debut. Incluye 29 composiciones originales y un folleto de 40 páginas con una serie de fotos nunca antes vistas. Además, el escritor y cineasta Cameron Crowe también participó con algunas notas.

Hace un par de días, para celebrar el anuncio de está vasta colección musical, la cantante de ahora 76 años abrió su cuenta oficial de Facebook, Twitter e Instagram. 

 

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“Nuestra Historia”, el nuevo sencillo de Humboldt

Posted on septiembre 11, 2020 by -

La agrupación chilena, Humboldt, arranca una nueva etapa en su carrera con un liberador sencillo para recordarte que aún estás a tiempo de reescribir tu historia.

Luego de más de un año del lanzamiento de su más reciente producción discográfica, Atlas, la agrupación de La Quinta Región en Chile, Humboldt presenta nueva música. "Nuestra Historia" es el inicio de una nueva etapa para la agrupación, que de la mano con Orbita Records sacará a la luz próximamente una serie de sencillos en los próximos meses.

"Nuestra Historia" es una canción llena de energía, donde la agrupación se arriesga a buscar nuevos horizontes sonoros. Esto gracias al uso de una gama interesante de sintetizadores, así como un beat alegre, el cual es acompañado de un poderoso bajo, que con su presencia llena de colores y ritmo este tema.

Este tema te sumerge en una fiesta, donde luego de haber pasado un mal rato entiendes que lo mejor es continuar. Más que ver los problemas como una situación complicada, Humboldt te invita a encontrar una nueva oportunidad para darle un giro a tu historia y reescribirla.

¿Qué pasa con este mundo que hace rato se está yendo al carajo? Vivimos una pandemia, nos tenemos que enfrentar a nosotros mismos. En Chile tenemos la oportunidad de reescribir una nueva historia”, señala la agrupación sobre la situación social en su país y el acercamiento con la canción.

Te invitamos a disfrutar "Nuestra Historia" a continuación.

Humboldt presentará una serie de sencillos en los próximos meses más que ser un trabajo ligado, la agrupación apostará próximamente por crear canciones con las que se sientan libres de transmitir su música con libertad. Te invitamos a seguirles la pista en Indie Rocks!

La Bestia Radio comienza transmisiones

Posted on septiembre 11, 2020 by -

La estación ofrecerá "música basura para oídos finos las 24 horas del día los siente días de la semana".

La Bestia Music Inc., conglomerado conformado por salas de ensayo, estudios de grabación, producción y un sello discográfico, extiende su plataforma de servicios musicales con La Bestia Radio, una nueva emisora por Internet con sede en la Ciudad de México.

Esta estación comenzó transmisiones recientemente durante los primeros días del mes de septiembre, anunciando su programación en redes sociales bajo el eslogan "música basura para oídos finos las 24 horas del día los siente días de la semana" con un divertido video animado que puedes ver a continuación.

 

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La Bestia Radio ofrece una nueva plataforma para aquellos quienes desean descubrir nuevas propuestas musicales o incluso para los músicos independientes que deseen dar a conocer sus proyectos, mismos que tendrán diversos espacios 24/7 para sonar en esta dirección web. Y no solo eso, pues los programas también tendrán una dosis de humor, opinión y clásicos musicales de antaño que no pueden faltar en nuestras playlist.

Algunos de los shows que podrás sintonizar son La Hora de la Bestia, Chingue su Madre Radio, Anti-Tude, Monkey Bee Radio, La Cruda Realidad, Fuego Nuevo, Meme FM y Plano, entre otros. Así que ya sabes, visita las redes sociales y el sitio web de La Bestia Radio y La Bestia Music Inc. para más detalles y unirte a la comunidad de este nuevo medio.

 

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Major Lazer estrena junto a Mr Eazi “Oh My Gawd”

Posted on septiembre 11, 2020 by -

Nicki Minaj y K4mo colaboran en esta nueva entrega.

El grupo de música estadounidense fue llamado por el cantante Mr Eazi para la creación de la pieza central de su nuevo EP Something Else, el cual prevé llegar en octubre vía Mad Decent Records. A esta colaboración también se sumó la cantante trinitense, Nicki Minaj y la cantante británica, K4mo, quienes en conjunto presentan "Oh My Gawd".

La manera en la que fluye la energía en esta pieza, es brutal. Los beats por momentos son suaves, aunque luego rompen en una explosión sonora que te incita de inmediato a querer bailar. La fusión del afrobeat y el dancehall son evidentes; mientras que las voces de todos los participantes logran una entrega fresca y llena de matices. Sobre la colaboración, Mr Eazi comentó que realizarla fue una completa locura.

Este disco fue muy divertido de hacer. Es una locura cómo pasó de ser una intro de K4mo en el estudio con Fred Again, para que después Diplo hiciera lo suyo. Walshy me dijo que era un completo desastre. Hacer esto ha sido un viaje realmente largo que ha tomado como dos años de preparación y no puedo esperar a presentarlo en mi próximo festival", expresó el cantante.

Para acompañar el lanzamiento Mr Eazi y Major Lazer comparte el video oficial de "Oh My Gawd", el cual muestra a una pareja ser seducida por la frescura del baile. Disfruta a continuación del metraje realizado por Alexx Adjei y baila entre mansiones y luces neón.

En lo que va del año, Major Lazer ha compartido algunos remixes de proyectos amigos, mismos que presentará el próximo 13 de septiembre durante su festival en Twitch. Puedes consultar más información sobre el evento a través de sus redes sociales. Por su parte, Nicki Minaj trabajó recientemente la colaboración del tema "Expensive" junto a Ty Dolla $ign.

Tash Sultana comparte “Beyond The Pine”

Posted on septiembre 11, 2020 by -

Sultana comparte la conexión que ha generado tras encontrar la calma y estabilidad personal.

Tash Sultana compartió "Beyond The Pine" extracto de su próximo álbum Terra Firma, material que estará disponible este año a través de Lonely Lands Records y Sony Music Entertainment Australia.

Este nuevo tema de Tash repite la formula de juntar a Matt Corby y Dann Hume para componer en su estudio ubicado en Melbourne, Australia, mientras nos transmiten el nivel de conexión que puede crearse cuando llega la persona ideal a tu vida.

Un afrontamiento un poco más lento y más suave a un mensaje desde el interior. Esta canción se trata sobre encontrar consuelo en la naturaleza y darte cuenta de la profundidad de tu relación cuando encuentras a la persona adecuada", señaló Tash en un comunicado.

Pese al caótico año que ha resultado ser el 2020, Tash Sultana se ha mantenido bastante activa y en un momento creativo alto, pues ha seguido lanzando música nueva mientras trabaja en su segundo álbum. Ya que, previamente la cantante de Melbourne reveló dos adelantos de Terra Firma: "Pretty Lady" y "Greed".

Para reforzar el lanzamiento de "Beyond The Pine" Sultana ya presentó el tema en televisión a través del programa The Late Show With Stephen Colbert, checa la presentación aquí.

Escucha el tema a continuación.