Beck hace remix de U2

Foto Olaf Heine

Escucha el giro que le dio Beck al más reciente single de U2.

Siguiendo con la era Songs of Experience, U2 ha compartido una nueva versión de la canción "Love Is Bigger Than Anything In Its Way". Este remix estuvo a cargo de Beck, quien ya había realizado la versión alternativa de “Lights of Home”.

El californiano logró hacer bailable uno de los tracks más conmovedores de la placa presentada el año pasadoEste remix no es casualidad, ya que Beck formó parte de la gira de los 30 años de The Joshua Tree como telonero y también ha demostrado su admiración a la legendaria banda.

Escucha la nueva mezcla:

El videoclip de la versión original de "Love Is Bigger Than Anything In Its Way" fue dirigido por David Mushegain, popular fotógrafo de la revista de moda Vogue. El visual documenta el estilo de vida de la cultura adolescente irlandesa con un enfoque igualitario.

El trabajo inicial era enfocado a la comunidad LGTBQ, pero el resultado fue más allá de lo que se buscaba. “La comunidad LGBTQ se compone por supuesto de personas que son LGBTQ, pero también incluye a amigos y familiares, por lo que realmente incluye a todos. Se trata de ser joven y expresarse, se trata de cómo todos tenemos amigos y parientes que se visten, se miran o se marcan de otra manera pero, como dice la canción, el amor es más grande que cualquier cosa en su camino", declaró el director.

Dale play a continuación:

Se lanza una campaña para liberar a Murdoc

Luego de ser remplazado por Ace, se inició una campaña para liberar a una pieza importante de Gorillaz.

Todos quedamos sorprendidos (bueno, no tanto) cuando nos dieron la noticia de que Murdoc se encuentra en prisión y que fue sustituido por Ace, líder de La Banda Gangrena de Las Chicas Superpoderosas.

Pues para los que preguntaban sobre el destino de Murdoc, ustedes podrán liberarlo. Se preguntarán cómo, pues se ha habilitado en la pagina de Gorillaz un apartado para darle libertad al controversial personaje.

Mediante distintas aplicaciones como Skype, Messenger, Amazon Echo y Kik, podrás contactarte con el también egocéntrico personaje quien te dará instrucciones desde la prisión. Da click para más detalles.

Hace unos días la agrupación dio a conocer más detalles de The Now Now , material que verá la luz el próximo 29 de junio. De este LP se han dado a conocer tres rolas: "Hollywood", "Humility" y "Lake Zurich". A diferencia de Humanz este material únicamente contará con dos colaboraciones: Snoop Dogg y George Benson.

Gorillaz, de igual manera, compartió el cartel de su festival Demon Dayz, el cual se llevará a cabo en la ciudad de Los Angeles. Los boletos se pondrán a la venta a partir del 8 de junio. El cartel estará compuesto por Erykah Badu, The Internet, DRAM, Ana Tijoux, entre otros.

 

A$AP Rocky — TESTING

Una obra de arte salida directamente de Harlem.

Hablar de la música de Rakim Mayers es un arma de doble filo, sobre todo si estás frente a alguien que conoce su trayectoria y ha escuchado sus raps desde hace tiempo. Por un lado existen los fans que aplaudirían todo lo que llevara el nombre de A$AP Rocky sin siquiera preguntarse si en realidad vale la pena; por el otro los críticos especializados que son capaces de darte una lista de 20 nombres de raperos que son infinitamente mejores que él detrás del micrófono. En cualquier caso lo mejor es quedarse callado y ponerse los audífonos para escuchar TESTING.

La carrera musical del "Pretty Flacko" es bastante peculiar y siempre ha estado aderezada de polémica ya sea por el contenido explícito de sus letras, lo comercial de su sonido (says who?) o el uso de drogas y las consecuencias que ha acarreado con muchos de los cercanos a Rocky (Rest In Peace Yams); pero si somos justos es necesario ir más allá de todo eso y eso se demuestra en el tercer LP del neoyorquino.

TESTING es uno de esos discos que tardan en digerirse, pero que quieres seguir escuchando. Me explico. Cuando escuchas por primera vez el álbum parece ser un material más en la discografía del artista, pero sabes que hay algo más, algo que no alcanzaste a escuchar a primer golpe… así que vuelves a escucharlo. Cuando reproduces de nuevo los 15 temas que conforman el álbum encuentras que no es un disco ordinario. Es un disco hecho por A$AP Rocky tal como lo quiso A$AP Rocky, el mismo fundador del A$AP Mob lo dice: “Siempre voy a hacer lo que yo quiera en lo que respecta a la música. Siento que solo hasta cierto punto tiene que importarte, es todo”. Y si partimos desde ahí todo tiene más de sentido. Musicalmente hablando, Rakim es único en el juego, es un artista al que no le da miedo explorar nuevos horizontes y jugar con sonidos que como rapper muchos pasarían por alto ¿recuerdan “Wild For The Night”? Aunado a esto la vida del nativo de Harlem es un ir y venir entre las calles más peligrosas del barrio y, dos minutos después, estar en una sesión de fotos con Louis Vuitton cubriéndolo de pies a cabeza para una portada en GQ. Todo esto es mero contexto para empezar a hablar de lo que nos tiene aquí.

El disco cuenta con las colaboraciones de artistas tan grandes como Moby, Lauryn Hill, FKA twigs, Frank Ocean, Kid Cudi y Skepta e incluso Puff Daddy y se jacta de una producción por la mano de pesos pesados de la industria como Boys Noize, el mismo Skepta y Héctor Delgado (miembro del A$AP Mob). La estructura musical se rompe cientos de veces, los beats suenan a jazz con secuenciadores 808 y soul mezclado con ambient. Un completo caos… ¿o no? No. La maestría con la que están armados los tracks y las letras con las que se cubren las bases lo hacen una obra de arte salida directamente de Harlem.

La bienvenida corre a cargo de “Distorted Records” un track que nos guiña desde los días del Live. Love. ASAP y que puede ser considerado el tema más predecible del rapero. Es una simple introducción. El segundo tema del álbum es un remix de su single “A$AP Forever” en el que la colaboración y producción de Moby se acompaña de las voces de T.I. y Kid Cudi. Sobre el sampleo del clásico de 1999 “Porcelain” por el mismo Moby. En la letra podemos escuchar una especie de himno para el crew de Rakim: I put A$AP on my tat (woo) I put New York on the map (woo) I put the gang on the flames (woo) They gon' remember the name.

“Tony Tone” habla acerca de como Rocky ignora los comentarios de quienes lo critican y lo atacan, nada nuevo. Pero aquí es donde encontramos una de las colabos más importantes del álbum, pues escuchamos a Sean Combs en los coros y los vocales que adornan el beat. En seguida llega “F**k Sleep” un corte muy interesante en el que FKA twigs se encarga de crear una atmósfera a través de su exquisita voz y en el que el propio Rocky nos da cuenta del recorrido hasta la cima desde que dormía en las calles y tenía que vender crack para sobrevivir. El tema es una amalgama perfecta entre la cantante británica y el MC neoyorquino.

Uno de los detalles que no pueden pasarse por alto es la exploración entre géneros y texturas que se palpa en el LP y es que si el sonido de este rapero se caracteriza por algo es por no seguir patrones. La manera en la que cada corte en el disco funciona por sí solo y al mismo tiempo se conecta con el track siguiente y con el anterior y con el primero siendo el último es formidable.

Ser nombrado como uno de los MCs más importantes de la historia del hip hop y considerado uno de los mejores liricistas de todos los tiempo no es algo fácil de pasar por alto si estás dentro de la escena y ese es parte del tema central en “OG Beeper”. Con ad-libs de BlocBoy JB, Myers habla de cómo toda su vida quiso ser rapero, al igual que cada uno de sus amigos de infancia, pero también confiesa que no fue algo sencillo de asimilar. “Praise the Lord (Da Shine)” y “CALLDROPS”, con feats de Skepta y Kodak Black respectivamente, resaltan por la elocuencia de las líricas y fácilmente podemos decir que la sencillez de su producción está pulcramente lograda: la primera con flautas sonando en sobre una caja de ritmos y la segunda son una guitarra melancólica y un repraise que vuelve el tema un oscuro pasaje en el disco. Pero sin duda el track más relevante del disco entero es “Purity” y lo es por varias razones: En el tema escuchamos a Frank Ocean rapear en un verso entero y a Lauryn Hill, quien además de ser autora del tema sampleado (“I’ve Gotta Find Peace of Mind”), cantar los coros. En suma, la musicalización es simplemente perfecta y la manera en la que las voces de Rocky, Frank y Lauryn conectan es un deleite que cierra con broche de oro un álbum que tenía que llegar tarde o temprano.

Cayendo en una crítica lacónica y simplona podemos decir que el álbum no está a la altura del material más icónico y conciso del rapper de Harlem: Live. Love. ASAP, pero la realidad es que ni siquiera podemos ponerlos en el mismo nivel. Este disco es una prueba más de la relevancia de A$AP Rocky en la industria musical ya no solo como MC sino como un músico consagrado.

Entrevista con Dorian

Dorian: justicia de la mano de Zoé.

Hace unas semanas, un periódico español llamó a Zoé "los Vetusta Morla mexicanos". Me pareció incorrecto, no porque la calidad de ambas bandas no se pueda comparar. Tampoco porque su sonido no sea similar. La razón de mi incredulidad era simple: ¿acaso este reportero no había escuchado a Dorian? De haberlo hecho, pensé, el titular debió decir: “Zoé, los Dorian mexicanos”.

“Conocimos a Zoé hace unos 10 años en un café en Coyoacán y de inmediato conectamos. Cuando los escuchamos nos impresionó la cantidad de puntos musicales y líricos en los que coincidíamos, en ese momento sabíamos que teníamos que trabajar juntos”, comentó al respecto Marc, vocalista y guitarrista de Dorian.

Si se preguntan por qué este tema es relevante en este momento, es porque Dorian acaba de estrenar “Duele”, un sencillo que incluye a nada más y nada menos que a León Larregui, vocalista de Zoé.

“En cuanto terminamos la canción nos dimos cuenta que era la ideal para concretar una colaboración con León. Se la mandamos y le dio su estilo que era lo que estábamos buscando ya que si bien no participó en la letra, su voz y estilo le dio un toque especial al grado que cuando la interpretó en vivo, su parte la cantó con su particular forma de fraseo”, explicó Marc.

“Duele” forma parte de Justicia Universal el nuevo disco de Dorian  que se estrenó el 25 de mayo. “A nuestro parecer es el mejor disco que hemos hecho. Nos encontramos en un momento de madurez, tanto artística como personalmente. Este hecho logró que creáramos un mejor material, ya que sabemos lo que somos, conocemos nuestro estilo y desde ahí comenzamos a experimentar, es una mejor manera de evolucionar”.

Este nuevo disco llega en un muy buen momento para la banda ya que en estos días se encuentra de gira precisamente con Zoé por Estados Unidos, experiencia que traerán a México en los próximos meses.

“Es una gran oportunidad, sobretodo la parte mexicana ya que llegaremos a ciudades a las que normalmente no tenemos acceso y eso es importante para crecer nuestro público aquí. Además, la gente en la República Mexicana no tiene mucho acceso a actos en vivo como lo son las grandes ciudades, eso hace que el público sea más agradecido, aunque también más difícil de convencer. Es un reto distinto”.

Hablando de retos, Dorian se acaba de embarcar en uno que puede ser parteaguas para su carrera en nuestro país. El próximo 25 de octubre tocará en El Plaza Condesa, uno de los foros más importantes, sobretodo a la hora de querer dar un salto hacia un público masivo.

“Sabemos de la importancia de esa fecha para nuestra carrera. Normalmente no hacemos fechas solos aunque acabamos de hacer un Lunario, en el cual se agotaron los boletos desde varios días antes, eso nos dio mucha confianza a la hora de enfrentar este nuevo reto y confiamos en que será una experiencia similar”.

Como buena banda de rock, Dorian gusta de saborear los procesos de cada disco que lanza, así que por el momento su mente solo se encuentra en Justicia Universal“Es muy pronto para pensar en el futuro. Es cierto que el proceso creativo no se acaba y que incluso dejamos muy buenas canciones fuera de este material, pero queremos disfrutarlo ya que enserio creo que es nuestro mejor trabajo y queremos saborearlo y darle toda la vida posible”, concluyó Marc.

Princess Nokia cancela su participación en la Semana IR!

La cantante argumentó que realizará labores humanitarias en su nación de origen.

Princess Nokia canceló su participación en la Semana Indie Rocks! a un día de realizarse. La cantante emitió un comunicado en su cuenta de Instagram explicando los motivos por los que no visitaría nuestro país:

💚 thank u for you love support and understanding.

Una publicación compartida por Princess Nokia (@princessnokia) el

La cancelación se dio de último momento sin avisarnos a nosotros, a su agente y su managment.  En Indie Rocks! estamos comprometidos con la escena independiente para dar difusión y presentar nuevas propuestas a nuestros lectores.

Externamos nuestra tristeza al toparnos con personas que no toman en serio el esfuerzo de los promotores y en especial a los seguidores. En un momento se darán los detalles de lo que ocurrirá con los boletos adquiridos.

Les dejamos el comunicado para que se enteren de lo que realmente pasó:

Primavera Sound 2018

Fotos Cortesía Primavera Sound

Uno de los festivales más importantes del mundo: Primavera Sound.

El Primavera Sound es el festival más importante del mundo. Al menos así parecería si se piensa en la cantidad de actos que éste a logrado poner sobre un escenario. Talentos nacionales e internacionales emergentes, grupos consagrados, pero sobre todo, leyendas que en su momento hubiera parecido imposible ver en vivo. Pixies dio su primer concierto en más de una década en el Primavera Sound de 2004. Fue ahí también en donde se presenció el regreso de Pavement a los escenarios en 2010. El 2014 marcó la reunión de Slowdive después de 20 años de estar separados. En 2016, fue a través de vinilos edición limitada que se podían conseguir únicamente en los stands del Primavera Sound, que escuchamos música nueva de Arcade Fire; que posteriormente se presentó sin previo aviso en uno de los escenarios escondidos del festival.

Conforme pasan los años, cada edición rompe récord en asistencias y en la cantidad de bandas que desfilan entre los escenarios del Parc del Fòrum en Barcelona. Este año, tras los rumores de música nueva de Spiritualized, el Primavera Sound dio la oportunidad a sus asistentes de presenciar algo irrepetible: Jason Pierce y compañía interpretando sus canciones junto a un coro y una orquesta. Si cruzamos los dedos, quizá este momento sea el parteaguas de una gira que traiga a los ingleses a nuestro país.

Una vez terminado dicho espectáculo, las actividades del primer día continuaron con un entrañable show de Belle & Sebastian –que incluyó a gente bailando sobre el escenario como ya es costumbre– y algunos DJ sets (Mount Kimbie o Four Tet) alrededor de la ciudad para los que necesitaban empezar la fiesta desde temprano. Sin embargo, el festival arrancó de manera oficial el jueves, con la actuación de bandas como Hinds, Vagabon, (Sandy) Alex G o The Twilight Sad, que tocaron bajo los rayos del sol mientras el parque comenzaba a llenarse.

En Barcelona anochece pasadas las 20 H., y fue durante esa momento que se presentó The War on Drugs. Debido a la longitud de sus canciones, lograron un set de apenas nueve temas. Aún así, quizá nada se compare con escuchar “Strangest Thing” junto al mar, viendo el atardecer. Al terminar este concierto, la gente empezó a correr hacia donde Björk daría una presentación digna de un cuento de hadas: con un bosque sobre el escenario, en el cual criaturas fantásticas interpretaron canciones de su más reciente material y clásicos como “Human Behavior”.

La noche aún era joven y las actividades continuaron con la solemnidad de Nick Cave & the Bad Seeds y la energía de Fever Ray, seguidos por los actos electrónicos de la noche: Chvrches, Four Tet con un set en vivo y DJ Koze, quien marcó el final de las actividades del jueves.

Los días posteriores la dinámica fue similar: a partir de las 17 o 18 H., la gente apenas comenzaba a llegar para ver a las primeras bandas del festival. En el segundo día, la atención se la llevaron los españoles El Último Vecino y La Bien Querida. Cada uno logró reunir a públicos pequeños, pero que corearon al pie de la letra todas sus canciones. Más tarde se subió al escenario The Breeders para complacer a los espectadores con canciones de su nuevo material, así como los clásicos “Cannonball” y “Gigantic”. Waxahatchee, Rhye, Mogwai, Father John Misty y The National, fueron algunas de las bandas que tocaron conforme avanzaba la tarde, y una vez entrada la noche, fue momento de ver a Superorganism. La aún adolescente Orono Noguchi, quien encabeza a este organismo de ocho personas, fue la encargada de animar al público a que bailara y brincara al ritmo de las canciones de su álbum debut, acompañados de visuales atascados, bailarinas y coristas.

La noche del viernes presentó dos sorpresas: por una lado, se confirmó que por segunda ocasión desde su presentación del 2015, Ride tocaría en el festival. Sin embargo, esto fue en uno de los escenarios escondidos –en donde se presentó Arcade Fire en 2016– que no son de fácil acceso para todo el público debido a su aforo limitado. Por otra parte, se anunció la cancelación de Migos debido a un problema que tuvieron con su vuelo. Sin embargo, la excelente organización del festival se dio a conocer en este momento de crisis. De boca en boca, se corrió el rumor de que Los Planetas se presentarían en la madrugada. Antes de la medianoche, se confirmó que ellos llenarían el espacio de los hip hoperos, y fue así como un enorme grupo de fanáticos españoles se dirigieron hacia el escenario principal para acompañar a Jota a corear todas las canciones. Al menos para las personas que estuvimos ahí, la presentación de Migos no fue tan extrañada. Charlotte Gainsbourg, Haim, Cigarettes After Sex, Tyler, The Creator, Ty Segall y The Black Madonna, fueron algunos de los actos encargados en cerrar las actividades del viernes.

Con la poca energía que resta después de dos jornadas de festival, algunas personas lograron despertar para presenciar a Kyle Dixon y a Michael Stein interpretar las canciones de Stranger Things, en un auditorio cerrado completamente oscuro, iluminado únicamente por luces neón. Fue así como inició el último día del Primavera Sound. Por otro lado, en el Parc de Fòrum, las actividades las abrieron Montero, Car Seat Headrest y Rex Orange County. Así como Ariel Pink y más tarde, Belly. Pero el verdadero highlight del sábado, fue la presencia de Serge Gainsbourg a través de Jane Birkin, quien se subió al escenario para interpretar las canciones de su pareja, acompañada de una orquesta de 50 músicos. Fue un momento sumamente conmovedor digno de unas cuantas lágrimas. Una vez finalizada esta presentación, algunos corrieron a ver a Slowdive, otros a Lykke Li o a Grizzly Bear. Pero la gran mayoría, estaba a la espera de uno de los headliners del festival: Lorde.

En punto de las 10:30 H, la neozelandesa conquistó a los españoles con un espectáculo de ensueño. Visuales y bailarines acompañaron todo el Melodrama encapsulado dentro de sus canciones. Una hora después, iniciaba quizá el momento más esperado para algunos: Arctic Monkeys. Parecía que las casi 200 mil personas que fueron al festival se concentraron en ese mismo escenario, que retumbaba con canciones como “Do I Wanna Know” o “I Bet You Look Good on the Dance Floor”.

A$AP Rocky, Beach House, Public Service Broadcasting y Lindstrøm, fueron de los últimos actos en presentarse en el festival. Así como Skepta, quien confirmó para reemplazar la cancelación de Migos del día anterior. Sin embargo, la verdadera clausura del Primavera Sound se dio con un set de DJ Coco, quien acostumbra crear toda una fiesta para los asistentes del festival cada año.

Para aquellos que se rehusaban a aceptar que había terminado el festival, se dieron algunos conciertos externos alrededor de la ciudad el domingo por la noche. Ariel Pink, Kero Kero Bonito o Joe Goddard siguieron llevando la música por las calles de Barcelona. Y así, en esta decimoctava edición, se demostró que el Primavera Sound es uno de los festivales más importantes del mundo. No solo se trata de una celebración de la música en España, es también un indicio de lo que se estará escuchando en los próximos años y, sobre todo, de las bandas que tienen la posibilidad de pisar nuestro país en el futuro.

Spiritualized anuncia nueva música

Un mensaje que pareciera venir de una galaxia lejana a cargo de Spiritualized.

Recientemente, la banda inglesa de rock espacial, Spiritualized, publicó un extraño mensaje a través de su pagina oficial y sus redes sociales durante el pasado fin de semana. Se trata de un audiovisual de 17 segundos de duración que muestra, en un fondo color anaranjado, puntos y lineas blancas acompañadas de un sonido que en conjunto crean un mensaje codificado en clave morse.

Los fans de la banda se dieron a la tarea de descifrar este mensaje para darse cuenta que decía "A Perfect Miracle" y aparentemente es una canción que el sexteto ha estado tocando en sus presentaciones durante los últimos años.

Tal parece que este mensaje anuncia el lanzamiento de un nuevo material a cargo de Spiritualized. De ser así, representaría el regreso de la banda a los estudios de grabación después de seis años de haberse estrenado el álbum Sweet Heart Sweet Light del 2012.

Hace un par de años, el vocalista de Spiritualized, Jason Spaceman Pierce advirtió durante una entrevista que el próximo álbum de la banda podría ser el último y aclaró que el motivo de la demora en sacar el álbum se debe a que la banda está preparando algo mejor a lo que fue Ladies and Gentlemen.

Mira el misterioso mensaje aquí.

Pulso GNP 2018

Pulso GNP se posiciona como único en el área.

Mi momento favorito de este festival se dio cerca de la 1:00 am del domingo 3 de mayo. MGMT acababa de tocar “Kids”, así que la gran mayoría de la gente que había esperado a verlos se comenzó a ir. El público iba perdiendo volumen cual paciente desangrándose, y en eso comenzaron a tocar “Siberian Breaks”, una majestuosa pieza psicodélica de 12 minutos con la que cerraron su concierto de una hora.

El lugar en el que estaba ahora dejaba ver perfecto hacia el escenario sin que una cabeza con rulos me tapara a Andrew VanWyngarden. Ya no había tantos borrachos tropezándose con vasos a mi alrededor y salpicando cerveza en los zapatos de mi novia. No tenía que hacer ninguna fila para que las voces etéreas y los bajos retumbantes produjeran un escalofrío tras otro sobre mi piel empanizada con tierra. De alguna manera, se sentía como que todas las cosas horripilantes que había experimentado durante las últimas 12 horas habían valido la pena solo por ese momento.

Corte a la 13:00 H del sábado 2 de Junio. Estoy en un uber con algunos amigos y creemos que salimos bastante temprano, por lo que llegar al festival será sencillo y podremos ver a Vanavara y a Cnvs calentar los dos escenarios principales. Apenas tomamos el puente que conecta Bernardo Quintana con el Anillo Vial Fray Junípero Serra (una vialidad de 3 carriles que es el único acceso al sitio del festival) y nos vemos atorados en un gran embotellamiento.

"Es que hubo un accidente más adelante", nos dice la conductora del uber tratando de ofrecer una especie de consuelo, pero esa información la sacó de waze. Pasa como media hora y algunas personas optan por bajarse de sus coches y caminar. Eventualmente llegamos a la entrada del festival y, para nuestra sorpresa, no hay ningún accidente, solo mucha gente que quiere hacer lo mismo al mismo tiempo y una logística que dejó mucho que desear.

Afortunadamente, ya estando ahí el acceso es bastante rapido. Todavía alcanzamos a ver los últimos momentos de Cnvs. El audio no es lo mejor. Escucho a un cuate con una playera que dice “CNVS” explicarle a una amiga que no dejaron entrar al Ing. de sonido que traía la banda a la cabina donde está la consola, así que no pueden hacer mucho. Esto, supongo, sucede también con cada banda que tocó antes de Zoé, por que en general el audio era empastado. El bombo tronaba a momentos y era fácil creer que las bandas no tenían bajista salvo por el hecho de que siempre había alguien con un bajo parado sobre el escenario.



Claro, esta sutileza no impide que la gente se comience a ambientar. Había gente que coreaba las canciones de Costera, luego de Caloncho, Jarabe de Palo, Technicolor Fabrics, y División Minúscula, incluso si solo estaban caminando tratando de escapar del sol, formados para comprar comida o cerveza, o recostados en alguna sombra sobre el poco pasto sintético que había.

El pasto ciertamente era mejor que la grava que permeaba la gran parte del espacio donde se llevaron a cabo las pulsaciones. Pero incluso a los que habían conseguido alguno de los competidos espacios de pasto con sombra (¡o quizás hasta una mesa!), les llegaba el polvo y tierra de la grava cuando el viento soplaba. Nada como formarte 30 minutos por una cerveza para saber que te la estás bebiendo con un poco de tierra.

Y eso nos lleva al tema de las filas. Alguien tuvo la brillante idea de aplicar el viejo sistema cashless, que es algo así como el sistema de boletitos que tenían en las kermés de la primaria pero con una pulsera electrónica. Eso implica que si quieres comer o beber, primero tienes que formarte20 minutos para insertar dinero en tu pulsera. Una vez que has adoptado la moneda local y quieres comida, otros 20 minutos. ¿Quieres una cerveza con eso? 30 minutos. ¿Quieres ir al baño después? Buena suerte.  

Después todo mejoró. El audio de Zoé era prístino y la asistencia no se vio diezmada pese a todo lo anterior. Ya entrada la noche completa, no quedaba mucho más que dejarte llevar. Porter ayudó a hacerlo con un set que tenía un buen balance de material nuevo y viejo. Vi a una chava que estaba tan extasiada cantando “Espiral” mientras salía del baño que no notó los vasos de plástico en el suelo y casi se da un sentón al resbalarse con uno de ellos. Luego solo se rió y siguió cantando. Si bien la gente se queja siempre de la organización, no podemos decir mucho si no nos molestamos en tirar la basura en alguno de los numerosos botes que estaban distribuidos sobre el viejo aeropuerto.


Se dice que había cerca de 40,000 personas en este festival. La multitud que se reunió para Café Tacvba me hace pensar que sí estábamos cerca de ese número. Con una producción de primera y una vibra que es pura alegría, los "muchachos" de Ciudad Satélite tenían a todos contentos con “Las Flores”, “Chilanga Banda”, “Eres”, en fin…  éxito tras éxito.

Todo se empezó a vaciar una vez que acabaron y la carretera volvió a ser un estacionamiento. Sé de personas que, al no encontrar ningún medio de transporte de vuelta a la ciudad, tuvieron que recurrir a llamar a un amigo o familiar valiente que viniera por ellos. Los que no contaron con este personaje heroico, de plano solo caminaron en una carretera sin banqueta, o esperaron en el frío por horas a que la demanda bajara.

De vuelta adentro, un pequeño mar de devotos disfrutó a The Vaccines, mientras otros esperaban pacientes a MGMT frente al otro escenario. Solo empezaron 20 minutos tarde, como cada banda después de Elsa y Elmar realmente. Abrieron con “She Works Out Too Much” y VanWyngarden estaba pedaleando sobre una bicicleta estacionaria todo el tiempo, con un gatorade en la mano.



Si bien he tocado bastantes puntos negativos sobre este festival, cabe decir que nunca había habido nada así en Querétaro. Ver a MGMT y a The Vaccines a unos minutos de la Plaza de Armas es algo con lo que nadie se atrevía a soñar hace 5 años. El Indio Emergente de 2012 había sido un intento fallido de algo así; un festival de música masivo que reúna un cartel nacional con artistas internacionales, y nunca pasó de la primera edición.

En cambio, creo que el Pulso GNP fue un éxito. El principal problema con los festivales de música alternativa en Querétaro siempre era la asistencia. Ahora han superado ese tema a través del cartel. Resolviendo todos los bemoles, creo que puede haber Pulso en el bajío para muchos años más.

Snow Patrol — Wildness

Manteniendo la calma en la locura.

“La vida no es justa”, todos hemos oído esta frase cliché más de una vez y, aunque muchas veces le restamos importancia, encierra un significado profundo, pero no necesariamente negativo.

En realidad, esta frase simplemente quiere decir que, así como hay momentos buenos en la vida, también habrá momentos difíciles y que hay que encontrar la forma de disfrutar y proseguir aún en dichos sucesos.

A la misma conclusión parece haber llegado Gary Lightbody, vocalista y guitarrista de Snow Patrol, quien tras siete años sin estrenar material y después de superar varios bloqueos mentales, finalmente nos entrega Wildness, el séptimo álbum de estudio de los irlandeses.

Esta placa, no solo mantiene la melancolía característica de Snow Patrol, sino que la explota al grado que con los primeros acordes de “Life On Earth”, sencillo que abre el material, inmediatamente comienzas a sentirte nostálgico y a meditar tu vida.

En general, este disco tiene una base acústica acompañada de percusiones e instrumentos electrónicos ocasionales, además de una serie de ritmos cambiantes, al igual que los tonos de voz.

El rock alternativo que distinguió a la banda en Final Straw, Eyes Open  o Songs for Polarbears queda un poco de lado y las letras cobran más fuerza que nunca. Los temas van desde darse cuenta de que cada quien tiene su propia batalla en “Empress”, hasta reflexiones sobre envejecer o la vida y la muerte como en “Soon” o “Life and Death”.

Destacan “Don’t Give In”, por su inicio desgarrador y su coro inspirador incitándote a no rendirte; “A Dark Switch”, por su ritmo de guitarras, la presencia de otros instrumentos de cuerda y sus letras sobre aceptar la oscuridad que cada uno posee; “What If This Is All The Love You Ever Get?”, por el toque que le da el piano y la atmósfera en la que te envuelve; y “A Youth Written In Fire”, la canción perfecta para recordar, con un sonido que por momentos recuerda a One Republic y Coldplay, y frases pegajosas como “Remember the first time we got high?”, “Remember the first time that we kissed?” y “This isn’t like the first time anymore”.

En resumen, Snow Patrol no decepciona después de siete años esperando nueva música por su parte, aunque sí se aleja del sonido que le conocíamos, a excepción de mantener la melancolía que siempre los ha distinguido.

Wildness, como su nombre lo indica y las letras nos confirman, es una serie de reflexiones y experiencias sobre la vida, que nos invita a la locura de ser positivos, pero no positivos radicales, sino esa clase de salvajes positivos que, a pesar de conocer las partes malas de la vida, continúan disfrutándola y encontrándole la magia.

Entrevista con Silvana Estrada

Foto Sofía López Bravo

Una voz poderosa y pasional: Silvana Estrada.

Hay raíces que están destinadas a seguir un mismo camino, para Silvana Estrada la música sería el suyo. Al tener padres músicos la sorpresa hubiera sido que decidiera dedicarse a las leyes o a la medicina.  Silvana comenzó a formar su camino en Xalapa, Veracruz, pero la búsqueda de su sonido la llevó a emigrar a ciudades como Nueva York y ahora establecerse en la Ciudad de México.

“Mis papas son músicos clásicos y se fueron a Italia de lauderos, por lo que crecí rodeada de mucha música latinoamericana y mi decisión de ser músico fue muy natural. Comencé a estudiar en la Universidad de Veracruz y me mantuve ahí por dos años, pero sentí que no era lo que yo estaba buscando, lo que yo necesitaba era estar en un escenario tocando, y en los salones de clases sentía que el tiempo se me escapaba”.

La voz de esta cantante quería ser escuchada y teniendo en mente que en las artes un papel no refleja el talento y mucho menos se solicita antes de pararse sobre un escenario, Silvana dejó la carrera y se aventuró a conocer los sonidos de Europa. “En Xalapa no existe como tal una escena de world music o jazz, no hay bares ni lugares que se dediquen solo a estos géneros musicales, hay muchos espacios que se abren sí, pero en su mayoría se dedican a la música indie. Yo no tenía un lugar en donde me encontrara con el sonido que quería, y tampoco me sentía a gusto en los salones de clases, por eso la dejé, creo que la mejor escuela es la calle y así es como logré trabajar con Charlie Hunter”.

Lo sagrado, el primer disco de estudio de Silvana fue lanzado en 2017 y cuenta con la colaboración de Charlie y La ciudad de las flores (Alex Lozano y Octavio Álvarez), su sonido está cargado de jazz, riffs que muestran la maestría de Hunter y toques tradicionales que deleitan a los oídos por su cuidado. Pero lo más destacable de estos 10 temas es la voz de Silvana que eriza la piel y deja escuchar en cada línea la gran pasión y entrega que esta cantante le pone a sus composiciones.

“La literatura es algo que me llena, es uno de mis grandes motores cuando estoy super cansada a las cinco de la mañana y me pide seguir, porque hay algo que decir. En especial la literatura es de gran inspiración en mi vida, por eso trato que mis letras sean poesía musicalizada, más que una canción con un coro repetitivo o fácil de aprender, busco que mis temas tengan esa pasión tan natural y fuerte que tiene la literatura”.

Silvana ya está en proceso de publicar su siguiente álbum y "Te guardo", el primer sencillo que ya ha sido lanzado, está lleno de melancolía y recuerdos, porque todos llevamos dentro una historia que siempre vale la pena recordar. “'Te guardo', para mí fue un proceso de sanación, es un bálsamo, la música para mí y todas las canciones de este disco lo son. Es un álbum que surge de canciones dolorosas, de un amor que me dejó muy marcada. Sí hay letras con mucha esperanza, pero también con mucho dolor por el proceso de cuidarme y sanar, para con el tiempo recordar cada momento de una forma ligera y ver como después de contar lo que fue esta historia, puedo comenzar un nuevo ciclo”.

“Te guardo” tiene un sentido muy humano, cada frase se siente en las venas, por lo que los comentarios de gratitud e identificación le han llegado sin parar a esta cantante, que no puede sentirse más agradecida con todo el público que la escucha.

“Ha sido muy impactante para mí ver todos los comentarios hermosos que me mandan tanto las personas que ya me seguían y los que con este tema empiezan a conocer mi carrera, son frases que me hacen bien y me motivan a cada día mejorar”.

La voz de Silvana es poderosa y pasional, se deja llevar por el viento hasta llegar a los oídos correctos. Con apenas 21 años de edad, ya ha pisado grandes escenarios en diferentes países, y ha colaborado con grandes artistas como la también veracruzana Natalia Lafourcade, por lo que no podemos esperar por escuchar completo su siguiente material.