Tei Shi presenta su nuevo sencillo “Die 4 Ur Love”

La artista canadiense-colombiana Tei Shi, comparte nueva música con el lanzamiento de "Die 4 Ur Love".

Valerie Teicher Barbosa, mejor conocida como Tei Shi, ha lanzado un nuevo sencillo que lleva por nombre "Die 4 Ur Love". Esta es la primera muestra musical que la cantante comparte desde el estreno de su segundo material de larga duración, La Linda (2019).

La canción es mucho más rápida y bailable que los sencillos del ya mencionado material. La forma repetitiva en la que la estrofa principal del coro entra nuestro cerebro y nos hace recordar inevitablemente a temas pertenecientes al compositor de R&B y hip hop The-Dream.

Tei Shi
Durante una entrevista para una reconocida revista musical extranjera, Tei Shei explicó que el sencillo trata de transmitir las emociones que se producen cuando experimentamos una pérdida o un cambio que jamás imaginamos podría ocurrir, cambiando ineludiblemente la percepción que teníamos de nuestro mundo hasta ese momento.

Es una canción sobre el fin del mundo como lo conoces. Sobre perder a alguien o algo que nunca supiste que podías perder, y luego, de repente, tu realidad cambia. Todas las cosas que habrías hecho, o dicho, el amor que podrías haber dado, y estar dispuesto a morir por ello”.

La cantante también comentó en esta entrevista, que escribió el nuevo tema, justo después de la fiesta de fin de año del pasado 2019, pues extrañamente se sentía inundada de una sensación de fatalidad inminente y oscuridad que ahora se siente surrealista debido a la forma en la que se ha desarrollado la vida en los primeros meses del presente año.

Escucha el nuevo tema aquí abajo:

Matt Bellamy de Muse libera “Tomorrow's World”

El frontman de Muse debuta un single que creó durante la cuarentena. 

Este confinamiento ha traído muchas cosas malas, pero también ha sido un buen momento para que los músicos exploren con más instrumentos, empiecen a producir de distinta manera, y sobretodo ha servido para que compongan muchas nuevas canciones. Ahora es Matt Bellamy, el líder de Muse, quien se suma a este listado de artistas que se encuentra componiendo en medio de este confinamiento. 

A través de su Instagram el músico británico anunció el estreno de su nuevo single, "Tomorrow's World" el cual, ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales en compañía de un video lyrics que el músico creó desde el jardín de su casa durante un atardecer. En el metraje podemos ver al cantante interpretar la canción en compañía de su mascota. Da play para escucharla a continuación:

"Esta canción captura mi estado de ánimo y mis sentimientos mientras estoy encerrado. He recordado lo que realmente importa en la vida y he descubierto un creciente optimismo, aprecio y esperanza para el futuro. El título de la canción viene de un viejo programa de la BBC llamado Tomorrow's World, que vi de niño en los años 80. Todo parece bastante encantador, reconfortante e ingenuo en retrospectiva y me recuerda que ninguno de nosotros sabe realmente lo que nos depara el futuro." expresó Matt Bellamy

"Tomorrow's World" es un tema sencillo a piano, pero bastante conmovedor que habla sobre las alegrías del mañana, sobre lo fuerte que es tu cuerpo y tu mente. Sabemos que el mundo está pasando por una fuerte crisis y lo único que nos reconforta es música inspiradora como esta canción. Muchas personas piensan en el futuro y se preocupan por él, pero en esta letra, el líder de Muse nos incita a reflexionar y tranquilizarnos.

 

St. Vincent interpreta “The Eddy” para Netflix

La cantante St. Vincent, interpreta una melodía al ritmo de jazz para el soundtrack de The Eddy.

Hoy a través de Netflix se estrenó el nuevo proyecto visual de Damien Chazelle (director de La La Land). Se trata de The Eddy una miniserie que relatará acontecimientos en un club de jazz parisino. Este audiovisual además de traer una interesante propuesta visual promete cautivar a los televidentes sonoramente con el soundtrack en la voz de un puñado de artistas como: St. Vincent.

Annie Clark, interpreta el tema que le da el nombre a la serie “The Eddy”, una composición sutil y atrevida que logra seducir al escucha desde las primeras líneas. Con esta canción aseguramos que la voz de la ganadora del Premio Grammy no está encasillada en ningún género. Da play a continuación para escuchar la interpretación:

Todas las melodías para el soundtrack de The Eddy fueron compuestas por Glen Ballard y Randy Kerber. Asimismo podemos encontrar dentro de las interpretaciones a músicos como Jorja Smith, Julia Harriman, Amandla Stenberg y Andre Holland, estos últimos también fungen como parte del reparto de la historia. Te compartimos la banda sonora completa a continuación:

 

Desde la publicación de su álbum MASSEDUCTION (2017), no se había vuelto a escuchar nada nuevo por parte de St. Vincent y vaya que ha sorprendido una vez más a sus fanáticos con esta aparición en la serie. Hace unos días la cantante apareció en su Instagram con una guitarra acústica e interpretó con cover de "Dancing Days" de Led Zeppelin.

A propósito, la intérprete de "Los Angeless" compartió su nuevo proyecto Shower Sessions, un podcast en el que entrevistará a diversos músicos desde la intimidad de un baño nada común. Si aún no has visto ninguno de estos episodios puedes encontrarlos todos en el YouTube de Progressive Insurance.

 

Una lesión particular pone a Brian May en el hospital

Afortunadamente Brian May se encuentra mucho mejor.

Con tanto tiempo libre, el ocio nos está carcomiendo; nos sugieren que nos acerquemos al arte, la música, la cocina y actividades recreativas simples que se puedan hacer desde casa. Respetando la cuarentena, el guitarrista Brian May siguió estos consejos y ha impartido clases gratis de guitarra a los fans, de manera virtual, para apoyar a la comunidad a sobrellevar este enclaustro. Ahora, May se encontraba en casa haciendo una actividad tan extrema como... jardinería, que lo llevó a estar hospitalizado por unos días.

El propio Brian compartió la noticia a través de su Instagram, en un vídeo POV (desde su punto de vista), donde se le ve siendo ingresado al hospital. Además, en la publicación, una foto anexa del guitarrista usando un cubrebocas, lo que presentaba sospechas, pero al pie de la foto se leía "No, no es el virus, no se me pegó, gracias a Dios".

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Reality check ! For me. No - the Virus didn’t get me yet - thank God. Hope you’re all keeping extra-safe out there. A decision to relax controls doesn’t suddenly make the danger go away. But me ?? Yes, I’ve been quiet. Reason ? As well as getting over-stretched and harassed by too many demands ... I managed to rip my Gluteus Maximus to shreds in a moment of over-enthusiastic gardening. So suddenly I find myself in a hospital getting scanned to find out exactly how much I’ve actually damaged myself. Turns out I did a thorough job - this is a couple of days ago - and I won’t be able to walk for a while ... or sleep, without a lot of assistance, because the pain is relentless. So, folks ... I need to go dark for a while, getting some complete rest, at home. Please, please don’t send me sympathy - I just need some healing silence for a while. I’ll be back - but I need the complete break. OK ? Thanks. Take care out there. Bri

Una publicación compartida de Brian Harold May (@brianmayforreal) el

Él mismo explica lo sucedido. "Así como mi trasero ha sido molestado por demandas y sobre trabajado, de alguna manera lo estiré de más en una sesión extrema de jardinería en casa y me lastimé el gluteus maximus (glúteo mayor). De repente, me vi en el hospital haciéndome análisis para evaluar el daño que me había hecho".

Aunque la lesión puede ser blanco de muchas burlas, la lesión tan particular de Brian May no tiene nada de gracioso, pues ahora deberá guardar reposo y aseguró que se alejará para recuperarse en paz, pues "el dolor es incontrolable, hasta para dormir" . Adiós clases gratis de guitarra.

Nathan Fake — Blizzards

El viaje futurista de Nathan Fake llegará al centro de tu mente con sus enérgicas vibraciones.

Suele pasar algo con las canciones emocionantes, después de oírlas en tus auriculares y llenar tu cuerpo de energía solo puedes imaginarte cómo sonarán en vivo. La intención de Nathan Fake es algo parecida en cada entrega que realiza. Ya que desde 2003 el artista y productor se ha encargado de llevar la fuerza de los conciertos en vivo a sus materiales.

Con una propuesta sonora bastante amplia y honesta es que podemos ubicar la música de Nathan Fake. Esto por que el artista se ha enfocado en crear una experiencia en vivo acorde a lo que presenta en cada disco. Es por ello que la sensación al escuchar su nuevo álbum Blizzards es de querer estar saltando junto a miles de personas dentro de un concierto.

En cada entrega el artista se arriesga a cosas nuevas, busca reinventarse, y esta ocasión no fue distinto. Primero que nada, la producción del disco corrió por sus manos, él se encargó de la edición y producción. Además un gran porcentaje de las canciones fueron grabadas en una toma. Esto con la necesidad de reflejar el dinamismo de la propuesta en vivo del británico.

"Cry Me a Blizzard" marca el comienzo del disco. Es un inicio tenso donde los ritmos sincopados crean bastante drama en combinación con los sintetizadores. Es en "Tbilisi" donde hay una explosión de energía y donde podemos comenzar a escuchar juegos de sintetizadores muy bien ordenados.

Para "Pentiamonds" el artista baja el ritmo, creando una atmósfera tranquila y avisando de la profundidad de este álbum. Esta sensación de calma se distorsiona con "Stepping Stone", uno de los temas más potentes del disco, donde vuelve a explotar la música y los sintetizadores tienen sonidos robotizados y futuristas.

La erosión del sonido

Cercanos a la mitad del disco, Nathan Fake presenta un método para hacer canciones llamado "Erosion Of Sound". Este consiste en ir agregado de a poco elementos sobre un sample hasta llegar a un punto cumbre, acto que es muy visible en "Ezekiel", "North Brink" y "Vectra", canciones que no son tan intensas, pero muestran bastantes texturas en su desarrollo.

En este punto, Blizzards se ha vuelto un viaje de introspectiva, donde los sintetizadores y las cajas de ritmo llevan la pauta para ir rápido o lento. "Firmament" y "Torch Song" son ejemplos de eso. Por momentos los matices son bajos y contemplativos, en otros son distorsionados y explosivos, los sonidos de animales permiten descansar un poco previo a la parte final.

"Eris & Dysnomia" comienza un cierre potente, donde podemos encontrar una resolución a toda la tensión creada en un inicio. Este final es más fluido y festivo, donde la montaña de emociones continúa a la alza. Finalmente en "Vitesse" termina este viaje, seguramente estamos en el futuro luego de escuchar una canción que simula el descansar de una máquina.

Como una buena película, Blizzards resuelve las emociones generadas pero te deja intrigas para volver a analizarlo. La sonoridad refleja una enorme calidad de recursos que Nathan Fake tiene a la mano dentro de su experiencia y destreza para implementar sonidos.

Disfruta del viaje al futuro, las vibraciones y la tensión de Blizzards a continuación. Este disco está disponible desde el 3 de abril a través de Cambria Instruments.

Entrevista con Sparks

Hermanos que son músicos, guionistas y verdaderos oráculos.

"Una banda adelantada a su tiempo" es usualmente una idea exagerada. Sin embargo, viendo el sendero que han trazado los hermanos Mael, podemos identificar varios momentos en los que estuvieron un paso adelante en la historia: Sparks se anticipó al new wave y al synth pop, encontró nuevas fórmulas mezclando elementos de rock y ópera, y le dio un nuevo sentido al chamber pop. 

Ahora, la banda originaria de Los Ángeles le da la bienvenida a una nueva década con nuevos y emocionantes planes: un nuevo disco, su primer película película y un documental para celebrar casi medio siglo de existencia.

A finales del 2019, Sparks anunció el lanzamiento de su álbum A Steady Drip, Drip, Drip. Ahora, a tan solo días de la fecha de publicación y con varios adelantos ya disponibles, muchos consideran que esta podría ser una de las mejores etapas del grupo.

Nuestras intenciones nunca han ido más allá de lo que queremos expresar, pero siempre es bueno saber que a la gente le gusta tu música, que le gusta lo que haces. Nosotros seguimos haciendo música porque aún hay cosas que nos inspiran, hay cosas que queremos decir, y tal vez ese es el secreto, pues cuando una idea te apasiona es más fácil que hagas las cosas bien y que todo funcione", nos comenta Russell Mael

El nuevo disco de la banda pone la mirada satírica y extravagante de los hermanos Mael sobre los tiempos que estamos viviendo y las crisis existenciales que acompañan el avance de la modernidad. Sin embargo, algunos fans han descrito algunas de las canciones como parte de su soundtrack de la cuarentena. 

"La idea de este disco fue algo inesperada. Ron y yo nos pusimos a hablar sobre las cosas que estábamos viviendo, cosas que el tiempo nos ha hecho pensar que son normales, pero que si observamos con detenimiento te das cuenta que el mundo, y todo lo que conocíamos, ha cambiado. Esa era la idea inicial, aunque todos son libres de darle su propio sentido, sobre todo en estos momentos".

Pero un nuevo disco no es el único plan de Sparks, también los hermanos Mael están muy cerca de ver su primer guión en la pantalla grande. Con dirección de Leos Carax y con Adam Driver y Marion Cotillard como protagonistas. 

"Estamos fascinados con lo que se ha hecho con 'Annette'. Leos es un gran director, es único. También nos encantó tener a Marion Cotillard y a Adam Driver. Él se ha convertido en una gran estrella y estamos muy agradecidos con que se uniera al proyecto. De hecho, para Adam fue algo difícil, pues nunca había hecho algo así. Estoy seguro de que la gente se va a sorprender con su papel y en general con la película". 

También, Sparks está por sacar un documental dirigido por el cineasta Edgar Wright. "Jamás nos pasó por la cabeza hacer un documental, de hecho fue Edgar quien nos presentó la idea. No sabíamos que le gustaba tanto nuestra música. Él se encargó casi de todo, es su visión sobre la banda. Creo que lo único que puedo decir es que tiene invitados que fueron una gran sorpresa y que hay varias imágenes de nuestra visita a México y el show de Corona Capital. Ese concierto fue una experiencia muy especial y queríamos tenerla en el documental".

Por último, Russell Mael nos compartió su experiencia en cuarentena y lo que piensa que pasará con el mundo luego de esta crisis. 

"Trató de mantener mi mente ocupada, creo que eso es lo mejor para la salud mental. Pero también he pensado mucho en lo que pasará cuando esto acabe. Durante todas estas semanas, hemos visto grandes actos de solidaridad, pero también nuestra mirada se ha transformado, vemos problemas donde pensamos que no los había y nos cuestionamos más. Todo esto me ha hecho creer que estamos en un momento de cambio, una etapa para que los humanos sean más humanos".

Austra — HiRUDiN

HiRUDiN: Las sanguijuelas emocionales y las relaciones destructivas en un pop incierto.

El hirudin o hirudina es una sustancia que segregan cierto tipo de sanguijuelas también conocidas como “hirudíneos”. A estos animales babosos, viscosos y de aspecto asqueroso, se les da un uso medicinal, la sustancia que producen se emplea como un anticoagulante. Los bichos lo usan de forma natural para que la sangre de su “víctima” no se coagule y ellos puedan continuar alimentándose. En las relaciones entre individuos también pueden existir sanguijuelas adheridas a la piel, a la mente, al alma, succionando lo mejor del otro, acabándolo mientras ellos extienden sus latidos. Con un poco de imaginación les podemos encontrar un uso medicinal a estos vínculos, ayudan a autodescubrirnos en muchas facetas, desde el daño que podemos crear o el límite que podemos tolerar. Una experiencia que funciona como anticoagulante emocional para que podamos seguir existiendo, aprendiendo de los “errores”. El cuarto álbum de Austra que se titula como el anticoagulante, HiRUDiN, está construido abiertamente a partir de historias sobre una relación malsana que terminó en ruptura. 

El álbum más íntimo del núcleo del proyecto canadiense, Katie Stelmanis, es el más incierto, en el que su pop robusto y artístico pierde sentido al deambular en ambientes aleatorios. El trayecto de la compositora ha sido de mudanzas. “Me he mudado seis veces en los últimos cinco años”, nos cuenta en “How Did You Know?”. Los cambios han sido en diferentes ámbitos; de ubicación, Canadá, México, España, Inglaterra; de integrantes, con una alineación que ha ido cambiando en los cuatro álbumes y dos EPs que ha publicado; y de sonido, del dark wave al new wave, del synth pop al dance pop. En la última entrega el sonido se diluye en un art - pop que ella trabaja con ahínco pero que deja de lado lo mejor que tenía, una propuesta efectiva de pop sobre el que giraba todo el álbum, en donde la voz se sumergía en ritmos interesantes, en percusiones atractivas y en sintetizadores dinámicos. Si en Future Politics el concepto musical potenciaba el concepto temático, en HiRUDiN, la música introspectiva en la mayoría de los tema arrastra a las letras al olvido. 

“Anywayz”, “Your Family”, “Risk It” y “I Am Not Waiting” son canciones en donde esa búsqueda de introspección engrana con la instrumentación y la composición de un alma herida. En “Your Family” expresa el miedo de reconocer ante la familia de su pareja que tienen una relación homosexual. Lo brillante no solo es la profundidad en líneas elementales, sino la composición. En poco menos de dos minutos, la voz de Stelmanis es una sanguijuela que se clava en la piel hasta exprimir las inseguridades, las palabras luchan contra sí, se enciman las sílabas; la base es un sintentizador vibratorio que se mueve como las ondas que se forman en el agua, en capas y pausadas. “Risk It”, nuevamente la voz, ese instrumento de Austra que persigue, que acosa, que inquieta, un agudo deformado en el coro. Ansiedad en extremo. “No me arriesgaría, me siento avergonzada, me siento culpable de buscarte sin fin”. Los sonidos electrónicos y las percusiones constantes del coro quedan en un segundo plano.

Hay dos aciertos en este proyecto, el primero es la búsqueda de la composición más allá de los géneros. Ningún álbum se parece a otro. El segundo, es ambicionar un sonido más rico en elementos; si al principio eran líneas electrónicas elementales y una potente batería, ahora es difícil reconocer el entramado sonoro. No hay un dominio de algún instrumento, no podríamos reconocer el sonido a partir del bajo o la batería. Lo que persigue su creadora es el sentimiento. La voz que es lo más constante se muestra distinta, ya sea atacando, quebrando, extendiendo o introduciéndose en la canción. En los mejores momentos potencia al tema. “I Am Not Waiting”, por ejemplo. Un dance pop que pasa intrascendente en su primer minuto, hasta el coro, cuando la voz comienza a prolongarse fantasmalmente impulsada por el bajo y una línea de synth.

HiRUDiN es un anticoagulante de poca potencia, lo que prometía ser uno de los álbumes mejor logrados de Austra partir de los sencillos publicados, resultó ser un trabajo por debajo de su debut, la contundencia se pierde en lo “artístico”, en temas intrascendentes y poco atractivos como “All I Wanted”, “It’s Amazing” o “Messiah”, sin contar que dos son transiciones de menos de un minuto. Nos queda el relato, la apertura de su mundo interno, la reflexión sobre aquellas sanguijuelas que succionan nuestra sangre, se llevan nuestras emociones y nos dejan malheridos...

Cut Copy presenta la canción “Love Is All We Share”

Luego de tres años sin nueva música, por fin regresa Cut Copy con un alucinante sencillo.

Fue en 2017 la última vez que tuvimos nueva música de Cut Copy, esto con el lanzamiento de su disco Haiku From Zero. Pero recientemente la agrupación de Australia reaparece con "Love Is All We Share", tema que significa una nueva cara frente al futuro.

Para este nuevo tema la agrupación se desprende de los ritmos bailables y crea una experiencia contemplativa y atmosférica. El uso de pocos elementos es notorio, ya que con sofisticados sintetizadores y una batería suave es como se mueve la canción.

'Love Is All We Share' fue escrita hace un año sobre las ansiedades de los tiempos futuros imaginados, a medida que la tecnología se vuelve más absorbente. Pero a la luz de los acontecimientos recientes, la canción adquirió un significado misterioso. Ahora, con nuestro futuro inmediato incierto y las personas en todo el mundo autoaisladas, 'amar' más que nunca, se siente como una de las mejores cosas que podemos compartir", señaló David Whitford.

Es una canción emocionante y llena de pasión. Este tema te recuerda que es fácil sentir el amor dentro de ti, solo hay que poner atención.

Te invitamos a ver el video musical dirigido por Takeshi Murata, donde la intención es que la canción tome un rol meditativo con las burbujas como representación de la sensibilidad humana. Dale play aquí abajo.

Cut Copy se encuentra preparando su regreso con un nuevo disco y tour para la segunda mitad del año, te invitamos a seguirle la pista en Indie Rocks!.

A 50 años del 'Let It Be' de The Beatles

Let It Be… ¿Desnudo o vestido?

¿Por qué me dejas parado aquí? Dime cuál es el camino. "The Long and Winding Road", languidece con estas afligidas líneas que ensombrecerían un azaroso presagio en las agrestes veredas que predestinados caminaban John, Paul, George y Ringo.    

El último disco de estudio lanzado al mercado por The Beatles, Let it Be, estuvo en los británicos estantes el 8 de mayo de 1970 e inició sesiones de grabación en 1969, antes que el Abbey Road, portada de peatonal imagen que auguraba los diversos caminos que la banda tomaría meses después, al cruce con Grove End. 

Antes del definitivo y lacrado título de Let it Be, tuvo el primigenio nombre de Get Back, sesiones que serían acompañadas por una inseparable filmación que devendría en un íntimo documental del mismo nombre. La grupal resolución fue lanzarlos simultáneamente.

Las entonces nombradas Get Back Sessions tuvieron dos períodos. Los primeros acalorados ensayos se realizaron en los fríos estudios Twickenham del 2 al 14 de enero de 1969¹. Tras subsecuentes fricciones que evolucionarían en la disolución de la banda, surge el primer temporal rompimiento, del año, George Harrison abandona al grupo el 10 de enero². Para conciliar su regreso se acuerda mudar la base sónica. Los cuatro impetuosos reinician el 21 en los célebres Apple Studios, propiedad del cuarteto de Liverpool. El 31 concluyen sesiones y rodaje³

En estricto sentido productor, este es el disco más controversial de The Beatles. Cansados de sí mismos, con extenuantes 29 horas de cinta grabadas⁴, por primera vez no intervienen en las determinantes mezclas. Encargan al ingeniero de sonido Glyn Johns, realice la faena. Entusiasmado prepara dos apasionadas versiones, ambas desechadas⁵. Mientras la post producción fílmica concluía su infinita labor, The Fab Four retoman en abril el estudio para dar forma al Abbey Road, terminado en agosto y puesto a la venta en septiembre. Se resuelve que el disco aún designado Get Back deberá incluir el mismo listado de canciones que el del documental. En enero de 1970 ofrecen una tercera oportunidad a Glyn, no sería la vencida⁶. El 23 de marzo, con la venia de Harrison y Lennon, el productor Phil Spector se hace cargo de la edición y mezcla finales. El 9 de abril Paul telefonea a John haciéndole saber que dejará la banda⁸. El 10 de abril, en el Daily Mirror, anuncia su separación de The Beatles. El 17 de ese mes saldría a la venta el primer disco solista de McCartney. Ninguneado por el hartazgo y con un nuevo nombre, el 8 de mayo suena en los hogares británicos el Let it Be. El 13 se llevó a cabo la premiere mundial del documental en Nueva York¹⁰.

33 años después, por aguardada iniciativa de Sir Paul, Let it Be es remezclado una vez más, el resultado, Let it Be… Naked, las mismas dieciséis pistas con arraigados y removidos tratamientos.  

Las entonces nombradas Get Back Sessions, ejecutadas hace más de medio siglo, ofrecerían definitorios sucesos. El 30 de enero de 1969, es la fecha del último rememorado concierto del cuarteto de Liverpool, el recapitulado espectáculo tuvo como audiencia a fortuitos peatones de la calle Savile Row, en el número tres, en la azotea de los Apple Studios, The Beatles, fastuosos, se mostraban públicamente por última vez como banda. Perpetuarían entre otras canciones, "Get Back", "Don´t let Me Down" y "I´ve Got a Feeling", incluidas en el Let it Be. En esta tríada de composiciones, el versado órgano de Billy Preston curte los rocanroleros sonidos de los fabulosos cuatro. Diversos arreglos colmaron estas sesiones, entre ellas, "Bésame mucho"¹¹.

Algunas de las obras que eternamente surcarán los vinilos de este disco, son, "Two of Us", surgida de una fijación infantil de Linda McCartney¹² que Paul transformó como letra de canción. "Across the Universe", nace tras una discusión de Lennon con su primera esposa¹³, Cynthia Powell. Harrison, autor de "I Me Mine", describe que el carácter de la pieza versa sobre el yo egoísta¹⁴. Y Let it Be, inspirada en la madre de Paul McCartney, de nombre Mary, quien murió de cáncer cuando él tenía catorce años¹⁵.

   Con la infortunada mano perdida. La suerte no solo estaba echada, padecía y flaqueaba resignada a su fatal destino. The Beatles apartaban, entre sí la chispa y, estaban por emprender el largo y sinuoso camino, solos.

 

 

Notas:
¹ The Beatles Bible. 
², ³ The Beatles Bible.
⁴, ⁸, ⁹, ¹², ¹³, ¹⁴ Badman, K. (2009) The Beatles: Off The Record 2 – The Drea mis Over: Off the Record. Omnibus Press, London. 
The Beatles Bible.
⁶, ⁷ The Beatles Bible
¹⁰ The Beatles Bible.
¹¹ The Beatles Bible.
¹⁵ James, C. (2020, 13 de abril) The sad story behind The Beatles`Let It Be.

 

Top 5 con los mejores tracks de la semana

Te compartimos esta selección de los mejores 5 nuevos tracks de la semana en este Top Indie Rocks!

Este 2020 llega con mucha nueva música, releases y sorpresas de los proyectos que recomendamos para tu oídos, pero nuestro equipo editorial hizo una selección muy especial para el top 5 de los mejores tracks de la semana del 4 al 10 de mayo del 2020. Aquí encontrarás diferentes géneros y ritmos que te pueden acompañar durante el fin de semana.

Estos días difíciles y desolados tuvimos canciones como “Hero” de Weezer, su nueva canción en la que manda un mensaje de agradecimiento a todos el personal que ha dado frente a la pandemia del coronavirus; "Nydia" de Buscabulla, una nueva canción que está inspirada en la actriz y cantante neoyorquina de los años 70, Nydia Caro. Personalidad que desde joven trabajó y se volvió un referente artístico en Puerto Rico, tierra originaria del dúo; "A Hero's Death" del nuevo material discográfico de Fontaines D.C., un tema que muestra un sonido oscuro y entretenido con sus arreglos de voces y guitarras en conjunto; y mucho, mucho más.

Escucha estos y muchos otros en nuestra nueva playlist de novedades.

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