Camilo Séptimo comparte “Galáctica” ft. Francisca Valenzuela

Si no tenías un tema de amor para dedicar, ha llegado tu oportunidad.

No hay mejor manera de demostrar cariño a esa persona especial que con una canción, y aunque no seas una persona muy expresiva, “Galáctica” viene a resolver el problema. 

El cuarteto mexicano Camilo Séptimo liberó este amartelado tema en compañía de Francisca Valenzuela, a la par de un videoclip oficial.

El visual retrata, a través de distintos escenarios, al vocalista Manuel Coe y a la cantante chilena inmiscuidos en una historia de amor, sobre proyecciones espaciales y espacios oníricos. Fue producido por Autumn Leave FilmsFilmatronic, bajo la dirección de Juan de la Peña

Precedente a esta colaboración, la agrupación compartió a través de su canal de YouTube la grabación de su livestream “Órbita”,  un pasaje por su trayectoria musical junto a una serie de tres cortes documentales publicados el pasado 28 de febrero. Además, anunciaron vía redes sociales la venta de algunos props de su misma escenografía, que comprende de algunos cuadros y fotografías de la banda. 

Con la antesala de este último single, en noviembre del año pasado se presentó “Efímera”, su cuarto lanzamiento durante el 2020, el cual precede a “No Te Reconozco”, “Gris” y “Ecos”, sencillos que pueden pertenecer a su tercera producción discográfica después de “Navegantes” (2019). 

Escucha “Galáctica”, de Camilo Séptimo ft. Francisca Valenzuela

Silvana Estrada está de estreno con “Si Me Matan”

Historias que contamos por las mujeres que ya no pueden.

Recientemente conmemoramos un 8M más, nada que festejar ya que ser mujer en un país como México es bastante difícil. Silvana Estrada lo sabe y esta vez se encarga de dar voz a Mara Fernández, mujer de Cholula, Puebla que un día sumamente común de hace cuatro años se subió a un Uber y desafortunadamente nunca llegó a su destino. 

A raíz de este feminicidio que formó parte de los 11 que a diario se llevan a cabo en el país, se creó el hashtag #SiMeMatan, donde mujeres de todas las edades se sumaron para utilizarlo en redes sociales y hacer que Mara pudiera gritar lo que en su momento nadie escuchó y de lo que después culparon con especulaciones de su estilo de vida.

Me recorría la idea constante de estar siempre en peligro simplemente por hacer mi trabajo,si algo me pasa me parecía muy obvia la manera de burda y violenta con la que me culparían y me harían ver cómo una 'mala mujer' solo por seguir mis sueños y vivir de la manera en que yo considero honesta, feliz, apasionada y luminosa”.

Por ello, desde 2017 y hasta ahora, Silvana estuvo trabajando en este tema donde canta, grita, conjura y lucha por algo que es momento que cambie. Lo acompaña con un videoclip filmado en Proyecto Público PRIM, producido por Jimena Estibaliz y realizado por Edwin Erazo.

Te dejamos con este bonito tema de lucha, solo dale play:

 

Matt Berninger versiona a The Velvet Underground y otros

El vocalista de The National nos permite conocer sus influencias musicales desde el rock hasta la balada.

A principios de este año, Matt Berninger compartió su nueva canción titulada “Let It Be”, la cual anticipaba el estreno de una edición de lujo de Serpentine Prison (2020, Concord Records), su debut solista. Pues bien, dicho lanzamiento ha llegado y el cantautor estadounidense nos ha sorprendido con un nuevo tema original más cuatro covers.

Originamente, Serpentine Prison estaba planeado como un álbum de covers. Aunque Berninger desechó esta idea, no se quedó con ganas de versionar “European Son” de The Velvet Underground, “In Spite to Me” de Morphine, “Then You Can Tell Me Goodbye” de Bettye Swann y “Big Bird” de Eddie Floyd.

Además, en esta edición también aparece “Let It Be” más una nueva canción titulada “The End”. Esta melancólica balada fue escrita por Ben Lanz, colaborador de The National e integrante del grupo Beirut. Así mismo, contó con la participación en los coros de Gail Ann Dorsey, ex bajista de David Bowie. Escúchala a continuación.

Para celebrar este nuevo lanzamiento, Berninger ha anunciado que la edición especial de Serpentine Prison será impresa en un vinilo translucido color verde. También, añadió un nuevo diseño de playera a su tienda oficial, a la cual puedes acceder en este enlace. Escucha el álbum completo a continuación.

The Mars Volta lanzará las grabaciones originales de 'De-Loused in the Comatorium'

¿Estás listo para escuchar los registros de hace 20 años?

The Mars Volta se encuentra en el radar, y es que recientemente la dupla anunció que próximamente lanzará La Realidad de los Sueños, un boxset que además de incluir todos sus materiales discográficos registrará temas inéditos. El bundle estará disponible a partir del 23 de abril a través de Cloud Hill Records. Si deseas ordenarlo puedes hacerlo aquí.

Además de esa sorpresa, la agrupación prepara la publicación de las grabaciones originales de su álbum debut De-Loused in the Comatorium, lanzado durante la primera mitad del 2003. El material desconocido recibe el nombre de Landscape Tantrums y aunque será incluido en la Realidad de los Sueños, debido a la relevancia del contenido, Omar Rodríguez y Cedric Bixler prepararán su lanzamiento individual en digital para el próximo 23 de abril.

Según indicó The Mars Volta durante una entrevista, el material remonta a una época en la que aún no se asociaban con el productor Rick Rubin. Los temas ha sido conservados por más de 20 años y retratan un momento especial y lleno de buenos recuerdos.

Cualquiera que escuche estos temas podrá mirar a esa época y al alma de Omar. Es una parte central de la historia de la banda, las grabaciones demuestran lo mucho que la banda tenía que compartir, incluso después de su fundación", explicó Johan Scheerer de Cloud Hill Records en una entrevista para Rolling Stones.

De-Loused in the Comatorium fue un álbum en el que The Mars Volta experimentó con frenéticas secuencias y ritmos latinos, para contar la historia de una persona que abusaba de las drogas; uno de sus materiales mejor recibidos por la crítica. ¡Prepárate para escuchar Landscape Tantrums!

Escucha “Azul” de Zoé en voz de Meme del Real

Una versión colorida y con sintetizadores llega para uno de los clásicos de Aztlán.

Además de destacar por su participación en la agrupación Café Tacvba, Meme del Real ha trabajado en su proyecto solista por mucho tiempo, involucrando en el mismo su faceta como productor. No es novedad que su particular estilo busca jugar con texturas y colores que en conjunto generan un ambiente especial. Lo que sí sorprende con frecuencia, es la maestría con la que suele trabajar pistas para proyectos amigos, o en este caso, versionar un clásico. Como parte del segundo volumen de Reversiones, el álbum tributo a Zoé, el cantante comparte “Azul”.

Para el tema tomado de Aztlán (2018), el músico mexicano implementa elementos como el piano, guitarras y baterías que en conjunto, y gracias juego del ritmo, logra presentar una melodía compuesta por muchos sintetizadores.

El acercamiento a 'Azul' fue mantener el espíritu, la energía, el mensaje de la canción y desde dónde está gestada para llevarla a un lugar donde yo pudiese estar cómodo, sobre todo cantando (algo que, si bien he hecho, la voz no es mi instrumento natural) para poder compartir la emoción tanto de la canción como de lo que yo logre interpretar quedando satisfecho con el resultado", explicó el cantante en un comunicado de prensa.

En compañía, Meme del Real comparte un lyric video con elementos galácticos en tonos pastel y neón. Te lo compartimos a continuación para que lo disfrutes:

Así suena “Afelio”, lo nuevo de Sejo Hatori

Angustiosa frescura que llega del aislamiento.

Manolo Maass continúa conquistando los corazones de sus escuchas con música nueva proveniente de una sesión que realizó con Wet Baes en una cabaña alejada del mundo. Durante su estadía en el espacio, lograron producir cuatro temas que se verán compilados bajo el título de Ejercicios de Cabaña. A finales de enero, Sejo Hatori compartió "En Laberintos" y ahora sorprende con "Afelio", una dolorosa pieza que no dejarás de escuchar.

Estos ejercicios fueron grabados y producidos en 4 días en las afueras de la Ciudad de México, en Villa del Carbón, Edo. de Mex. Noviembre 2018. Nada fue re grabado o modificado", explicó el músico en sus redes sociales.

Según se indicó en un comunicado de prensa, "Afelio" fue una de las primeras melodías en realizarse, aunque tardó más de cuatro años en lograrse el resultado final. La pista resuena y expresa angustia en texturas frescas. Da play a continuación para escucharla:

Wet Baes, quien continúa promocionando su EP Cosmovidencias 03 (2020), ha trabajado con Sejo Hatori en la producción de su sencillos “Gitana” y “Miel”. Ejercicios Cabaña prevé llegar durante el primer semestre de este 2021 vía Bludot Recordings. A propósito, el intérprete dio a conocer que pronto presentará un compilado junto a Patricio Dávila (Mylko).

SejoHatori_Afelio

Sigue al pendiente de Indie Rocks! para más novedades.

Ultraísta comparte 'Sister', su EP de remixes

Selecciones láser para una noche alumbrada por la luna llena.

Laura Bettinson, Nigel Godrich y Joey Waronker liberaron el año pasado su segundo álbum de estudio Sister (2020); una producción compleja ambientada por un rock experimental. A un año de su publicación, Ultraísta decidió lanzar al mercado un EP de remixes para su LP, aunque en esta producción únicamente se tomaron tres de los nueve temas que componen al disco dándole un toque refrescante y cósmico.

Los remixes corrieron a cargo de proyectos amigos de México y Reino Unido, como Zero 7 quien trabajó "Mariella", mientras que Portico Quartet y Eland Cooper versionaron cada uno a su manera "Anybody". Finalmente una interpretación para "Tin King" llega por parte de Harvey Causon y otra por Grenda. Todos los talentos plasmaron su particular estilo convirtiendo las pistas en suaves encuentros ideales para disfrutarlos durante una gran noche iluminada por la luna llena.

En Sister, Ultraísta trabajó durante muchos años en sesiones de improvisación que Nigel Godrich capturó posteriormente en su estudio de Londres. El resultado es cósmico, brillante y cinematográfico. El año pasado, la banda aprovechó para compartir una serie de remixes para "Ordinary Boy" curados por Floating Points, Crate Classics, The Cinematic Orchestra y más. Da play a continuación para disfrutar de este EP:

Entrevista con SODA Infinito

En medio del caos, SODA Infinito reinventa la manera de hacer tributo y aprovecha los tiempos de encierro para tomar vuelo.

El ritual de los conciertos es algo que no se olvida. Esas vibraciones que llegaban a los pies y detonaban a la cabeza aún están presentes en los fans de los en vivo, así como la impresión de estar rodeado de miles de personas que sentían la música con la misma emoción que tu. Los integrantes de SODA Infinito si que saben acerca de toda esa emoción nocturna e inagotable, que una pandemia cortó de tajo, pero que a través de la reinvención y la adaptación han podido reavivar la experiencia durante 2020.

Pablo Estrella, Frank Guerrero y Santiago Izquierdo comenzaron en 2016 una aventura llamada Soda Eterno en Ecuador, misma que era liderada por Daniel Sais, ex tecladista de Soda Stereo y un ícono de la música argentina que colaboró con Serú Girán, Particio Rey y Sus Redonditos de Ricota, entre otros. En 2018 perdió la vida y el proyecto pudo continuar sin él hasta finales de 2019, teniendo cerca de 14 giras en México y con presencia en distintas latitudes de Latinoamérica.

En 2020 comienza una pandemia que cortaría de manera definitiva los conciertos en vivo, y el tridente decide contactar a Juan Hernández para realizar algunas reversiones en formato remoto. Juan contaba con un historial importante como vocalista en el máximo nivel dentro de Argentina, así que su adaptación para hacer "Avenida Alcorta" y "La Ciudad de la Furia" fue casi inmediata.

Más que proceso fue un desafío, no solo por el hecho de no vernos. Todos nos tuvimos que armar para grabar en casa, para congeniar, charlar cuestiones y demás. Si bien, los chicos venían tocando juntos, el proceso conmigo fue bastante desafiante. Se logró una forma de trabajo que dio muchísimos resultados", expresa Juan.

"Fue todo en un momento mundial jodido, pero fue un desafío lindo donde logramos la aceptación y el cariño de la gente. Es lindo porque trabajamos áreas que no cubríamos comúnmente. Pudimos congeniar a la distancia y eso es importante porque no nos conocemos con Juan", señala Pablo.

El recibimiento por parte de seguidores de los anteriores proyectos de los integrantes de SODA Infinito fue una pauta importante para comenzar a hacer más y más lanzamientos, al grado de hoy día tener más de 31 sencillos que rinden homenaje a la trayectoria de la legendaria banda argentina y a la de Gustavo Cerati. Lo más interesante de todo este proceso de aceptación es que la agrupación nunca ha compartido escenario, y pese a ser una de las principales fuentes de ingresos de bandas de este corte, no ha sido una opción el mundo de los en vivos, pero tampoco una limitante.

Por otra parte, la creación de contenido y la interacción en diferentes redes sociales ha sido la fuente para generar un crecimiento importante. Frank es el encargado de la dirección ejecutiva, y afirma que ha sido un proceso de arduo trabajo, pero que pese a ello, no ha sido complicado de sobrellevar.

La calidad escénica y una experiencia auditiva auténtica son las apuestas.

Pese a que aún no son posibles los eventos masivos en la mayoría de países latinos a raíz de la pandemia, SODA Infinito alista todo para poder comenzar una gira lo antes posible. La propuesta sonora de esta banda va más allá de hacer hacer una serie de covers del legendario tridente argentino. Más bien, el proyecto ha buscado desde siempre plasmar parte de sus sentimientos dentro de cada canción sin perder la esencia original, lo cual brinda un resultado alucinante, que les ha bastado para presentarse (como Soda Eterno) en venues como el Pepsi Center WTC o el Teatro Diana, en Jalisco.

No buscamos copiar a Soda Stereo, sino poner nuestra sonoridad sin que se pierda la esencia. Gracias a la experiencia, las influencias y demás es que podemos realizar este trabajo. Siempre se plasma la emoción y el sentimiento que le ponemos a las cosas, siempre hay una parte nuestra. En vivo lo hacemos con mucho cariño, y como Daniel quería 'Hacer Soda como sonaría ahora', un poco más cercano al indie rock y con herramientas actuales", expresa Pablo.

Además de lo auditivo, el conjunto se ha enfocado en la creación de una puesta en escena bajo un formato teatral, mismo que está complementado por una paleta de colores y una serie de videos y backs que harán creer a los futuros asistentes que presenciaron una obra de teatro, o un formato libre de la imagen de Soda como fue el Cirque du Soleil.

Es cuestión de tiempo para que Pablo, Frank y Santiago conozcan a Juan en persona, esto con motivo de seguir en labores creativas. La gente que ha trabajado junto al proyecto de Soda Eterno también está a la expectativa de las novedades de acuerdo a la pandemia, y por el momento la primer actuación que estaría confirmada sería en Zacatecas para el mes de abril a través de un autoconcierto entre los días 12 y 14. Además, en paralelo se están gestionando fechas locales en Ecuador y de ser posible algunas visitas a Argentina, donde el mundo de los conciertos ha vuelto a avanzar de a poco.

Mientras tanto, SODA Infinito continua con la promoción de canciones a través de servidores de streaming, estas son mezcladas y producidas por el mismo guitarrista, Pablo Estrellas. Dentro de poco saldrá a la luz una reversión de "Té para Tres" como uno de los nuevos avances. Puedes conocer más acerca de sus lanzamientos a través de sus redes sociales.

Por una esencia que jamás se pierde.

La huella que ha dejado Soda Stereo en el umbral de la historia del rock latino es imborrable. Para un buen porcentaje de agrupaciones dentro del continente representa una influencia directa y su trascendencia ha llegado a nuevas generaciones. Tal impacto es muy importante para SODA Infinito, ya que consideran que es un "deber cultural" preservar esa esencia que al momento, gracias a diferentes mecanismos ha perdurado.

Lo más gratificante es ver a la gente contemporánea a la música de Soda y otros más jóvenes disfrutar la música. Recuerdo haber visto en el Teatro Diana a familias con las playeras de la banda cantarse las canciones de arriba a abajo, y eran padres de familia junto a hijos de diez a doce años", expresa Pablo como testimonio de anteriores giras.

El funcionamiento de la agrupación ha sido muy fluido, ya que la afinidad que se ha desarrollado permite que cada elemento pueda sentirse pleno y sin limitantes. Santiago Izquierdo señala que a pesar de no haberse conocido con Juan, lograron hacer mediante un trabajo minucioso un concierto en streaming en octubre de 2020 con una recopilación de canciones y grabaciones que dieron un formato atípico.

Los tres integrantes de Ecuador ensayan juntos, ellos mandan las bases a Juan para que se puedan entablar ideas, y que de esta manera las canciones se vuelvan contundentes. Cabe señalar el talento de cada uno para hacer pistas que nunca pierden el nivel de calidad ni emoción.

Más allá del punto comercial, SODA Infinito es el resultado de colegas que se han vuelto amigos, y además de la música, la idea de compartir es fundamental para crear un trabajo que, desde sus inicios ha reflejado una buena onda increíble y una química peculiar que va fuera de seguir líneas para expresarse, cada uno puede ser uno mismo y eso se ha reflejado a través de sus lives en diferentes redes sociales.

Te invitamos a seguir las novedades de SODA Infinito en sus redes sociales, así como estar atento a sus primeras pisadas por tierras nacionales. El cuarteto ya está listo para poder comenzar, y espera que esta nueva etapa en sus vidas sea tan emocionante como las anteriores, bajo nuevos retos, que se van asumiendo con éxito uno a uno.

Siempre intentamos estar al más alto nivel, procuramos que sea una experiencia que te acerque a la nostalgia. Creemos que todo va por ahí, eso es lo que hemos preparado e intentamos que el sonido sea lo mejor posible siempre".

Kings Of Leon — When You See Yourself

Encontrar recuerdos en el camino y volver a casa cargado de amor, Kings Of Leon le apuesta a la sobriedad y a los largos ambientes sonoros en When You See Yourself.

Lejos ha quedado el Kings Of Leon con estética suave de Walls, y un poco más atrás la banda de historias nocturnas y guitarras afiladas de Mechanical Bull. Esa agrupación que no tenía que moverse mucho en el escenario para hacer saltar a la gente en  los Lollapalooza o Corona Capital está lejos de su forma y hay que admitirlo, ni siquiera mencionar al estridente cuarteto que coqueteaba con el punk a finales de los dos miles. No es malo si pensamos en la madurez que representa en diferentes sentidos When You See Yourself, su octavo corte a través de Sony Music con RCA Records.

A When You See Yourself se le puede apreciar desde diferentes ópticas. La primera, desde la visión de aquellos esnobs que están a la expectativa de que cualquier nuevo disco que aparezca en el mercado sea un Ok Computer de sus tiempos. Esos que pretenden evaluar únicamente el sonido y dejan del lado el discurso, que les aburren las letras si no son de trap, y que si no hay sintetizadores y elementos super avanzados, entonces no es un buen disco.

Por otra parte, este álbum aún cumple con la función de ser un puente brillante entre el pop, el indie y el folk con el que los escuchas ajenos (que hoy día son muchos) pueden acercarse al rock de una manera amigable y también bajo una visión positiva y un tanto dramática. Eso es resultado de la madurez de Kings Of Leon, que de la mano del alumno de Brian Eno, Markus Dravs, apuesta por las letras y un prolífico ordenamiento en producción, que da como resultado una obra pulcra y acorde a una nueva etapa que ya no busca reventar las radios.

La relevancia y el renombre del cuarteto de Tennesse basta para que un sello transnacional aún confíe en su propuesta, pese a que se hace añeja. Al escuchar When You See Yourself está claro que ningún tema va a sonar de manera contundente en Tik Tok, tampoco formará parte de esas cápsulas que aparecen en Instagram TV sobre minimalismo digital. Tal vez, como ha pasado antes, la respuesta promocional será salir de fondo en las secciones promocionales de ESPN o algún formato consolidado, donde la gente mayor de 30 años diga "Hey, esto tiene ritmo", pero hasta ahí. El asunto se vuelve más disonante a los tiempos modernos cuando recordamos que son cuatro hombres blancos haciendo rock.

Kings Of Leon_2020

Sobre el hogar, aquellas noches que ya fueron pero aún se sienten, y la extraña devoción en tiempos de apatía.

Como se mencionó anteriormente, el punto más impactante de When You See Yourself son sus líricas. La agrupación presenta un nuevo nivel en cuanto a estructuras y narrativas que permiten ofrecer diversos panoramas sobre el enamoramiento y las persecuciones que hacemos para encontrarnos con nuestros sueños e ideales.

Kings Of Leon la tiene clara, y nosotros, que ya nos parecen largos los discos de más de 35 minutos, no tanto. Pero en cada metáfora e historia de este nuevo álbum se pueden percibir diferentes sentimientos, mismos que revocan a la identificación y, por supuesto, a lo emocional. "Los placeres de la vida te escupirán en medio de la carretera" como base de "When You See Yourself, Are You Far Away", así como "No es que esta ciudad te liberará, cuanto más miras, menos ves" de "100,000 People" sin duda acaparan la atención.

La búsqueda infinita de ese algo que nunca sabemos que es, y que casi nunca encontramos pero lo definimos como amor es parte de toda la trama sonora del álbum. "Stormy Wheater" forma parte de esas aventuras que parecen peligrosas y dañinas, pero al mismo tiempo son épicas y se tienen que vivir. Por otra parte, el álbum progresa hacia la narrativa del tiempo y lo fácil que es perderlo en temas como "A Wave", "Golden Restless Age" y "Time In Disguise", donde las historias que narra Caleb Followill son un vistazo atrás y parten como un buen consejo para tirar tu ritmo y tu atención en lo que vale la pena.

De manera curiosa, esa devoción del enamoramiento aparece en la parte final de When You See Yourself. La sumisión ante el amor y el ser intensos en cada latido parece algo lejano en pleno 2021 donde estamos todos distanciados en lo emocional. Por ende, "Supermarket", "Claire & Eddie" y "Echoing" representan el punto más alto y auténtico en todo el disco. Son temas que a través de una honestidad romántica se pueden disfrutar y ¿Por qué no?, ser motivo de impulso para volar con el cariño y la responsabilidad afectiva como banderas.

"Fairytale" remata con los contundentes "Te amaré hasta que acabe el día" y "el sol encontrará su lugar para brillar", bajo la esperanza de que el tiempo pueda sanarnos y al mismo tiempo nos haga encontrar las respuestas de lo que nos limita, solo hay que ser pacientes y al mismo tiempo intensos.

Caleb Followill

La elegancia sonora, un camino valiente.

When You See Yourself tiene un ambiente domesticado, es un disco relajado donde la pragmática de la banda es ofrecer sonidos reconfortantes y al mismo tiempo dignos de apreciación, más que de sorpresa y energía. El tema inicial, en compañía de "100,000 Pepole", "Supermarket", "Claire & Eddie" y "Fairytale" apuestan por arreglos de guitarra cinematográficos y órganos livianos, así como pianos y guitarras acústicas.

Otros temas como "The Bandit", "Stormy Wheater", "A Wave" y "Golden Restless Age" tienen bajos juguetones, mismos que se empalman con arreglos de voz un poco más agresivos y una dinámica sonora que parece colorida y te invita a mover la cabeza en cualquier instancia. Sin duda tendrán presencia en la mega gira que les espera para la segunda mitad de año, si es posible.

Solo en algunos momentos, como es el caso de "Time In Disguise" y "Echoing", Kings Of Leon se deja seducir por las distorsiones y los crujientes solos de guitarra. El frenesí tiene su espacio y es aprovechado de manera sabia, como un latido de una banda que sabe a donde se mueve, sabe ser tranquila pero al mismo tiempo sabe morder y rasguñar.

When You See Yourself es una cara nueva de Kings Of Leon, tal vez una que no pasará a la historia, pero si es una bastante honesta y genuina. Te invitamos a disfrutar de este álbum a continuación.

Escucha “Súper Luz”, lo nuevo de Bird Fantasma

Destellos sólidos de punk.

Cada vez se encuentra más cerca el lanzamiento de El Retorno de Igloo Volante, el nuevo EP de Bird Fantasma que llegará próximamente a través de Discos Panoram. Previo al estreno, el músico comparte su nuevo y destellante sencillo: "Súper Luz".

A diferencia de sus entregas anteriores con "Parachute" y "Otro Lugar", donde Miguel Insignares señalaba la manera de fluir ante la pandemia, el nuevo single deja al espectador una interpretación abierta para poder experimentar y fluir a través de las texturas y sonidos influenciados en el punk.

Podría ser sobre un exorcismo al miedo o una balada sci-surf de amor propio. Cada día pienso que habla de algo diferente. Es una canción muy sencilla que desnuda un poco el sonido de Bird. Es la canción mas pop del EP", explicó Miguel Insignares en un comunicado de prensa.

El estreno cuenta con un video musical dirigido por Vic Montufar quien muestra al cantante interpretando la canción en un cuarto que pronto se comienza a pintar de colores y distorsiones. Te lo compartimos a continuación para que lo disfrutes:

Según indicó Bird Fantasma, El Retorno de Igloo Volante tiene un concepto que se centra en los misterios que abundan en el planeta y los seres que lo habitan. Entérate de más novedades a través de las redes sociales del cantante.