Joan Jett anuncia cómic de 'I Love Rock 'N Roll'

Posted on mayo 17, 2021 by -

Dos de los más icónicos álbumes de la cantante se convierten en una novela gráfica lanzada por Z2 Comics, con motivo de la celebración de su 40 aniversario.

Joan Jett es una de las mujeres más prolíficas en la historia del rock and roll, ya sea junto a The Runaways o en su carrera en solitario ha marcado un precedente en la historia de la música. En 1980 y 1981 publicó dos de sus discos más icónicos: Bad Reputation y I Love Rock 'N Roll, respectivamente, de los cuales se desprenden las ya clásicas canciones homónimas.

Ahora, de la mano de Z2 Comics y de artistas como Tara McPherson, Jett incursionará en el mundo de los cómics con Joan Jett and the Blackhearts- 40x40: Bad Reputation / I Love Rock n 'Roll, una publicación que retratará de manera visual dichos discos, dos de los mayores éxitos de la cantante.

Cuando comenzamos a trabajar con Z2 Comics en Joan Jett y Blackhearts 40 x 40 para el 40 aniversario de I Love Rock 'n' Roll y Bad Reputation, reflexionamos sobre todo el rechazo y la oposición que Joan enfrentó en la industria como una mujer con una guitarra, especialmente al comienzo de su carrera”, declaro Carianne Brinkman, presidenta del sello Blackheart, disquera propiedad de Joan Jett.

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El cómic junto a una edición especial en vinilo ya se encuentra disponible en la página oficial de Z2 Comics.

“Orwellian”, el regreso de Manic Street Preachers 

Posted on mayo 17, 2021 by -

Tras un largo periodo sin material, la agrupación galesa enuncia el primer adelanto de su nuevo disco.

El trío originario de Gales en Reino Unido, Manic Street Preachers, anuncia el lanzamiento de su próximo álbum The Ultra Vivid Lament, con su primer single “Orwellian”. El larga duración estará disponible este próximo 3 de septiembre vía Columbia Records / Sony. 

Reconocidos por su lírica inteligente, y habitualmente política o filosófica, la agrupación de brit pop y rock alternativo comparte sobre la temática de su track inicial: 

La canción trata sobre la batalla para reclamar significado, la eliminación del contexto dentro del debate, el sentido predominante de conflicto entre facciones, impulsado por plataformas digitales que conducen a un estado perpetuo de guerra cultural" menciona la banda a través de un comunicado. 

El disco conforma su regreso oficial desde la publicación de su más reciente producción Resistance is Futile (2018), el cual a diferencia de este nuevo contiene elementos que innovan su clásico sonido: un cambio de guitarras a piano. Además cuenta con la colaboración del productor e ingeniero de sonido, Dave Eringa (The Who), Julia Cumming de Sunflower Bean en el tema “The Secret He Had Missed”, y Mark Lanegan en “Blank Diary Entry”.

A través de una entrevista para Mojo Magazine, el bajista y escritor Nicky Wire, describió el LP como “un disco bastante sutil” y un sonido que asimila a “The Clash interpretando a Abba”. 

Escucha el primer single en tres años de Manic Street Preachers, “Orwellian”:

Manic Street Preachers The Ultra Vivid Lament

Tracklist de The Ultra Vivid Lament 

  1. “Still Snowing In Sapporo”
  2. “Orwellian”
  3. “The Secret He Had Missed”
  4. “Quest For Ancient Colour”
  5. “Don’t Let The Night Divide Us”
  6. “Diapause”
  7. “Complicated Illusions”
  8. “Into The Waves Of Love”
  9. “Blank Diary Entry”
  10. “Happy Bored Alone”
  11. “Afterending”

Entrevista con The Black Keys

Posted on mayo 17, 2021 by -

Sobre celebrar el blues y ser auténtico sin negar tus influencias; Conversación con Patrick Carney, baterista de The Black Keys.

Con 20 años de trayectoria, la agrupación con orígenes en Akron, Ohio se conserva como uno de los exponentes modernos  más importantes de esta rama del rock cargada de tanta emoción y melancolía denominada como blues. Si bien no llegaron a oídos masivos hasta el lanzamiento del álbum que todos conocemos por su impacto en el rock alternativo de los 2000 titulado Brothers (2010), este dúo tan poderoso conformado por Patrick Carney y Dan Auerbach llevaba alrededor de 10 años como un acto que se mantenía al margen de la cultura popular con un definitivo estatus de culto. 

Pero esto ya todos lo sabíamos y seguimos celebrando hasta el día de hoy con todas esas producciones, colaboraciones y proyectos alternos de parte de ambos integrantes que siguieron a partir de su ascenso a la popularidad. Y que además, los han llevado a mantenerse como unos de los gigantes de la cultura del rock alternativo en todo el mundo mientras siguen empujando y agregando valor al género que los vio crecer como lo demuestran con su más reciente álbum titulado Delta Kream.

En esta nueva entrega, podemos escuchar lo que esperarías de cualquier entrega de The Black Keys; un poderoso álbum haciendo homenaje a las raíces más crudas del rock agregando su propio y característico sazón. Sin embargo, no es un álbum común ya que se conforma por 12 interpretaciones de temas sacados directamente del movimiento de blues conocido como Mississippi hill country blues. Covers de grandes exponentes en los inicios del género como Big Joe Williams, Junior Kimbrough y John Lee Hooker.

“Un buen cover es simplemente una canción que es una versión literal de una canción oscura o que no es tan apreciada como debería. También pienso que la clase de covers que son completas interpretaciones son bastante interesantes. En este momento he estado escuchando mucho la versión de Creedence Clearwater Revival de 'I Heard it Through the Grapevine' y yo pienso que es uno de los covers más perfectos y diría que es algo para aspirar como una banda de rock a la hora de tratar con covers”.

Algo interesante de este nuevo álbum producido por Patrick Carney y Dan Auerbach se basa en la espontaneidad con la cual se creó. Literalmente una sesión de jam entre los ya mencionados miembros de The Black Keys junto a músicos de renombre e importante trayectoria en el mundo del blues  como Eric Deaton, Kenny Brown, Sam Bacco y Ray Jacildo que dio frutos para un álbum completo.

“Bueno, claro que yo ya sabía que sería una sesión de jam así que ya íbamos preparados para grabar, tomamos algunos videos y fotos. Realmente no estábamos seguros de qué hacer con el resultado hasta que Chad Blake nos mandó las mezclas. Y ahí fue cuando fue bastante obvio que estas grabaciones deberían de lanzarse como un álbum que creíamos que podría interesarle a nuestros fans. Pero sí, el álbum fue de lo más espontáneo e improvisado. No hubo ninguna clase de ensayo y de hecho pasamos alrededor de 30 minutos grabando cada una de las canciones”.

Delta Kream representa un homenaje a uno de los movimientos más importantes del blues. Hecho por músicos más representativos del blues moderno para los amantes más dedicados del blues. 

Una manía popular que se tiene al respecto de este género con gran carga emocional e historia relacionada con sus orígenes es que tienes que haber sufrido de alguna forma para tener la habilidad de interpretarlo de forma correcta y es algo que se puede encontrar en distintos géneros. “Tienes que haber vivido ciertas experiencias o de lo contrario no eres digno de añadir a la cultura”, lo cual es bastante absurdo de pensar en tiempos modernos como menciona Patrick:

Yo se que la música se siente espiritual para mí. Me siento conectada a ella. Y yo sé que cuando la estoy tocando con Dan, Kenny y Eric es definitivamente el genuino blues… ¿Entiendes?.

Creo que es interesante cuando la gente dice cosas como no puedes ser, o tocar rock por esta razón u otra. Mick Jagger fue a la escuela de economía en Londres y siempre fue una persona refinada antes de ser una estrella de rock. Es lo mismo con el punk, cuando la mayoría de punks que conozco son personas de clase media alta. El primo de Dan Robert Quine es considerado como uno de los mejores guitarrista de punk y tiene un título de abogado de la Universidad de George Washington así que nunca sabes. En general no me parece bien estipular lo que puede hacer alguien sin importar su pasado. Para mí, básicamente tienes lo necesario para cantar interpretar el  blues si ya pasaste por tu adolescencia”.

Por otra parte, existen agrupaciones como Greta Van Fleet que reciben muchas críticas sobre todo por su falta de autenticidad mientras algunos lo celebrarán por regresar un sonido del blues que se había perdido por algunos años. Al final me parece un debate válido considerando que el contraste entre bandas como esa u otros exponentes del blues reconocidos por añadir al género como Jack White o los mismos The Black Keys, pero en estos casos es donde me parece adecuado aplicar la creencia de Patrick que se basa en que todos pueden tocar blues, o cualquier género sin importar quien seas. 

“La diferencia entre una banda que es percibida como un grupo con influencias claras y una banda percibida como poco auténtica es cuando puedes escuchar ciertas bandas o canciones en específico en su sonido, o los ves vestidos de cierta manera mientras siguen negando sus influencias.

En lo particular yo estoy fuertemente influenciado por el rock y todo lo que escucho termina por convertirse en influencia. Así como para 'Everlasting Light' sacamos inspiración en artistas como T-Rex y The Hollies. Y si me preguntas si la canción es una pieza auténtica no tengo ninguna duda".

Delta Kream es un álbum producido solamente por Patrick Carney y Dan Auerbach. Ambos son productos bastante capaces con distintos trabajos icónicos bajo su nombre. Ya sea para otras agrupaciones, o para producciones de su propia autoría. Sin embargo, es interesante reconocer todas las colaboraciones que incluso han logrado algunos de los trabajos más populares de la agrupación. 

Todos admiramos a figuras como las de Kevin Parker, en donde un solo par de oídos se encarga de componer, grabar y producir absolutamente todo. Sin embargo, también emocionan las colaboraciones entre dos o más personajes, pues en teoría debería de resultar en algo más diversificado. 

Un par de oídos externos es muy importante. Para Dan y yo es muchas veces más fácil hacerlo nosotros mismos.

Pero hay veces en las que estamos intentando empujarnos en una dirección diferente y un tercero como Danger Mouse lo fue es sumamente necesario porque un tercero no va a tomar ningún lado. Solamente escuchan y se aseguran de que todo sea sobre la música ya que no es algo personal para ellos. En general pienso que es muy peligroso ir a un estudio y no estar consciente de que lo que estás haciendo sea bueno o malo. Necesitas ser crítico”.

De cualquier forma, The Black Keys es una agrupación que mantiene el blues en nuestros tiempos modernos y sigue trabajando para celebrar la música en todas sus expresiones. Por lo pronto podemos disfrutar de Delta Kream, pero definitivamente se vendrá un álbum con música original, asegura Patrick.

A 10 años de 'A Propósito' de Babasónicos

Posted on mayo 17, 2021 by -

"Dejarse influenciar por el caos", se cumple una década de A Propósito, el décimo registro discográfico de Babasónicos.

Cada álbum de Babasónicos guarda una historia en específico y tiene esa magia de ser una especie de reflejo de lo que es el la música y la sociedad latinoamericana de su respectiva época. Entonces podemos comprender a la agrupación liderada por Adrián Dárgelos como una de las más cambiantes y revolucionarias en todo el umbral de la música hispana, con una de las discografías más extensas e interesantes. Diez años atrás se refrescó esa postura con la salida de A Propósito, el décimo registro inédito en su trayectoria.

El disco ya tenía una gran expectativa incluso antes de ser lanzado, sería el primer material de la banda luego de tres años de espera y posterior a la muerte de su primer bajista, Gabriel Manelli. El mismo Adrián llegó a dar testimonio de que lo que se buscaba en Mucho, su anterior grabación, era hacer algo más corto y práctico, e incluso un tanto deprimente por el mismo hecho de la condición de Gabo. Con A Propósito fue todo lo contrario y Babasónicos optó por el cinismo y la búsqueda de nuevos horizontes musicales frente a una era tecnológica que sería el inicio de lo que conocemos ahora como streaming.

Este álbum tuvo como asistentes en producción a Rafa Arcaute, un genio en producción que ha trabajado durante su carrera con Luis Alberto Spinetta, Calle 13 en Entren Los Que Quieran, Andrés Calamaro, Illya Kuryaki & The Valderramas y recientemente con C.Tangana y Omar Apollo para la canción "Te Olvidaste", así como Nathy Peluso en su más reciente trabajo discográfico llamado Calambre. El otro asistente fue Martín Bosa, ex integrante de Attaque 77 y La Franela, quien también hizo grandes trabajos de producción junto a Banda de Turistas, La Beriso, Los Piojos y Las Pastillas del Abuelo.

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Glamour de sobra y rock en alta definición.

A Propósito es un álbum que tiene muchos climas, estos pueden tornarse empoderados y agresivos en algunas pistas, en otras se siente una atmósfera de balada y finalmente existen canciones para bailar, con acercamientos al electro y lo tropical. Lo que también se puede recalcar es lo completo que llega a ser, ya que entre las bases de batería y las voces de Adrián siempre hay sintetizadores, secuencias o guitarras poniendo adornos, por lo que existen pocos descansos.

"Flora y Fauno" aparece como un tema icónico que se nutre a base de arreglos progresivos y cambios de ritmo que dejan una sensación de misterio. "Ahora déjame que me engañe a mí mismo, entiendo que no soy de fiar" es una de las frases más puntuales para comprender la irreverencia pero también la madurez de la banda en este registro.

El poderío de la banda para hacer rock distorsionado e himnos acompañados por poderosos riffs de los primero álbumes de la banda regresa con "Fiesta Popular", una canción crítica a las clases altas, que invita a "dejarte influenciar por el caos". La intención de la banda en no hacer canciones lineales y buscar pasajes divertidos recuerda por momentos a Jessico, un disco que salió diez años atrás.

Hay canciones dentro de A Propósito que pueden ser muy suaves, y que incluso tienen todo el sello clásico que la agrupación construyó en esos años. "Tormento", "Ideas", "El Pupilo" y "Chisme de Zorro" muestran esa clásica dinámica de la banda que tiene arreglos de guitarra espaciados, baterías muy coherentes y una sensación latente de drama y vida nocturna.

Otras canciones como "Pulpito" y "Barranca Abajo" ofrecen muchos sonidos novedosos que eran reflejo de una banda que además de tener un sello característico, se adaptaba a las tendencias de mezcolanza musical que trajo la década. En el caso de la primer canción enfocado directamente al electro y con referencias latinas, con percusiones impresionantes y sintetizadores por demás intensos, así como filtros y delay's a lo largo del tema. "Barranca Abajo" es mucho más suave, se implementan baterías artificiales que complementan un ritmo a bosa nova, con una letra seductora.

Otra característica importante que tuvo A Propósito fueron un par de hits involuntarios, "Deshoras" y "En Privado". El primero tuvo mayor magnitud aunque para la banda era uno de los más sencillos en todo el disco, y es que a pesar de eso se volvió uno de los temas legendarios de Babasónicos gracias a los coloridos arreglos de guitarra y bajo, sumándole la letra que es casi un himno con ese "hasta el punto mismo de odiarte y sonreír a la vez".

"En Privado" tuvo elementos muy parecidos, solo que tenía un clima más poético y de algún modo más conflictivo. A continuación un pequeño fragmento.

Pusiste la miradapor algún lugar algo fuera de mi alcance
De lejos me hiciste la seña de algo confuso, lo que los dos suponemos
Perdamos algo juntos, por lo menos, ya y festejemos el acuerdo
Pasa que sos tan hermosa y yo estoy hechizado
Y esto no tiene remedio"

El robo al banco y el viaje del "Muñeco de Haití".

La pieza clave de A Propósito es "Muñeco de Haití", un tema progresivo de más de nueve minutos que está dividido en tres partes, la homónima, "El Sultán" y "Jaula". La mezcla de elementos mas diferentes choques que cambian la dinámica y estructura genera una obra dance potente, donde Babasónicos muestra toda su experiencia y el gran acervo musical que maneja. La historia de esta canción es un poco ambigua, y se podría interpretar como el viaje de un muñeco desde las costas del país centroamericano hasta el abrumador calor de Acapulco en México.

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Dentro de lo audiovisual la trama si que fue completamente distinta, ya que la banda aprovechó para hacer uno de los videoclips más ambiciosos de su carrera. La primera parte en "Muñeco de Haití" consiste en un robo a un gran banco, donde las armas en realidad son las abejas.

Para "El Sultán", que es una canción un poco más relajada y elegante, los ladrones ceden el protagonismo al dueño del banco, quien está en su hogar traumatizado, con delirios de persecución y una declaración pendiente. En la correspondencia recibe un misterioso video.

"Jaula" ya se torna por completo experimental, es una canción electro donde las percusiones vuelven a brillar y una letra repetitiva define la intención de la banda. El dueño del banco reproduce la cinta y se encuentra a los ladrones celebrando con el dinero y haciendo una burla humillante, lo que hace creer que en realidad no era por el dinero, sino con el afán de provocar, de reírse en la cara de él.

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A Propósito se podría definir como eso, una burla al sistema, al dinero, a los parámetros de las relaciones que a veces suelen ser absurdos y a la gente desentendida que desde una esfera pretende vivir, sin ser consiente de lo que ocurre en el mundo. Fue estrenado el 17 de mayo de 2011 a través de Universal Music, te invitamos a bailar una obra que parece atemporal a diez años de haber visto el mundo por primera vez.

Weezer — Van Weezer

Posted on mayo 17, 2021 by -

Sonidos de antaño para sacudir la melena en 2021 con Weezer.

Ser seguidor de Weezer a lo largo de los años es una especie de reto pues nunca sabes qué giro van a tomar en el siguiente disco. Simplemente en lo que va del 2021 la banda californiana encabezada por el nerd favorito del rock, Rivers Cuomo, ha lanzado dos discos muy diferentes entre sí.

El más reciente material de Weezer requiere un poco de contexto, se trata de un tributo a los héroes de la guitarra de Cuomo y a la vez es una colección de canciones que tenían la intención de debutar en medio de su gira colectiva al lado de Green Day y de Fall Out Boy, pero la pandemia terminó cambiando sus planes y en lugar de sacar Van Weezer el año pasado como estaba previsto, decidieron posponer su salida y enfocarse en lanzar y promocionar un álbum menos rockero y más enfocado en el pop barroco que resultó en OK Human, el cual salió a la luz en enero.

El álbum Van Weezer fue producido por Suzy Shinn (Fall Out Boy, Panic! At the Disco) y, como su título lo sugiere, el sonido toma influencia de bandas de hard rock ochentero como Van Halen, no es la primera vez que Weezer toma la ruta de los guitarrazos estruendosos pues Maladroit de 2002 fue la primera declaración de las inclinaciones metaleras de la banda.

“The End of the Game” fue la primera probada que tuvimos y, fiel a su promesa de sacudir melenas, arranca con un sonido de tapping de guitarra (método popularizado por el recientemente difunto Eddie Van Halen a quien apropiadamente fue dedicado el disco), así como también un pesado riff reminiscente al clásico “Panama”. Siguiendo en la línea de los tributos, quizás el segundo más evidente lo encontramos en el tema “Blue Dream”, el cual toma como base “Crazy Train” de Ozzy Osbourne con la icónica guitarra de Randy Rhoads.

A pesar de aprovechar la oportunidad para enfatizar el virtuosismo guitarrístico de Cuomo junto con el lado más feroz de la sección rítmica a cargo de Brian Bell, Patrick Wilson y Scott Shriner, los típicos trucos de Weezer siguen ahí: las canciones sobre ser un inadaptado o las canciones sobre chicas. Se suman esta vez a la ecuación múltiples odas al rock and roll con referencias aquí y allá a sus estrellas de antaño que los rockeros de hueso colorado identificarán. Todo sin dejar de lado los ganchos pegajosos que nunca faltan en un disco suyo.

“Hero” es un tema destacado aquí, muy ad hoc a la época en la que vivimos, se trata de una invitación a abrazar tu individualidad y ser tu propio héroe. También resulta una llamada a la esperanza en medio de la pandemia pues en el video musical -donde hicieron partícipes a sus fans- encontramos una emotiva dedicatoria al personal médico, de salubridad y a todos los que hicieron posible sobrellevar y superar la contingencia por la pandemia de COVID-19.

Más adelante, “Beginning of the End” nos sacude en medio de un escenario apocalíptico (probablemente porque fue hecha para la banda sonora de Bill and Ted Face the Music). En “1 More Hit” las cosas se ponen un poco más oscuras con algunos de los riffs más “malvados” que han hecho, esta vez para presentar una imagen de la adicción y de la autodestrucción que conlleva.

Las dos últimas canciones del álbum apuntan en una dirección más positiva, en “She Needs Me” el frontman canta sobre el amor de su vida y la forma en que se complementan mutuamente. En un giro inesperado, “Precious Metal Girl” cierra el disco a manera de un dulce tema acústico donde describe a una chica que representa todos los clichés de la época de las melenas ochenteras con exceso de spray fijador y también de las chaquetas de cuero con parches.

No describiría Van Weezer precisamente como un disco de heavy metal, más bien entra dentro de la categoría de power pop. La agrupación estadounidense nos ha dado a lo largo de quince discos una amplia paleta sonora, esto no siempre equivale a una buena recepción por parte de la crítica y de los fans, pero habla de versatilidad y deseos de salir de la zona de confort, digamos que Weezer nunca hace el mismo disco dos veces.

Este quizás no será uno de los discos esenciales de la banda y tampoco un momento estelar en la lírica de Cuomo, pero es una entrada bienvenida en su discografía. Treinta minutos de riffs potentes, shredding, energía, diversión y nostalgia que seguro sonarán explosivos en vivo.

Día Mundial del Internet: la adaptación de una industria

Posted on mayo 17, 2021 by -

Músicos e Internet.

“La música no es sólo sónica, sino social”, y es bien sabido que la música juega un papel de relevancia dentro de las distintas culturas en el mundo. Conecta a distintas sociedades y por medio de ésta se puede conocer costumbres de diferentes lugares a través del oído del compositor. En una canción se mezclan un sinfín de emociones que pueden servir como un impulso, motivación o como una pausa; puede ser la cura o la tragedia para muchos; tiene el dominio de traer miles de flashbacks a la memoria o simplemente escuchar composiciones para tener la mente en blanco. El poder de la música sobre los humanos va más allá de lo que alguien podría imaginarse.

El Día Mundial del Internet fue promovido por la Asociación de Usuarios de Internet e Internet Social en 2005. Con su llegada muchas industrias fueron beneficiadas a partir de las facilidades que empezó a brindar.  Respecto al mundo de la música, ésta cambió de manera significativa con el Internet. También, ha sido objeto de diversos cambios que van desde la creación, distribución y la manera de escuchar; con la amplificación y su transmisión de una cultura a otra, el Internet y la tecnología han cambiado la manera del cómo y el dónde escuchar la música en la actualidad. Antes de que pudiese ser grabada y reproducida en cualquier momento, el oído de las personas estaba “entrenado” para captar lo que se tocaba en ese preciso momento, ahora, se tiene la facilidad de poder escuchar la “canción favorita” en el lugar y momento que sea.

El surgimiento de los componentes electrónicos modifica los dispositivos de ejecución, grabación y transmisión de la música”. Así se comenzaron a expandir los canales o formatos de transmisión de la música, lo cual llevó poco a poco a un consumo masivo gracias al Internet.

Con el inicio de la era de la digitalización también comenzaron a cambiar los procesos de reproducción musical y manipulación del sonido. A partir de los años 70 y con la creación del MIDI (Musical Instrument Digital Interface) la modificación en el sonido fue notoria; los sintetizadores pasaron a ser computadoras que son capaces de crear un sin número de sonidos para después dar paso al uso de softwares que hoy en día son muy utilizados. El Internet ha hecho que un logaritmo pueda crear una canción y con otras herramientas en el ámbito comercial se pueda convertir en un éxito.

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A finales de los 90, el músico, compositor y productor David Bowie predijo la manera en cómo el Internet dominaría las formas de creación, consumo y distribución musical, y, aunque para ese entonces era algo “descabellado” y dicho por un músico de rock, lo que él platearía no estuvo ni un poco lejos de lo que hoy en día es la relación del Internet con la música y en general en la vida diaria de cada una de las personas:

Creo que el potencial de lo que el Internet le hará a la sociedad, para bien y para mal, es inimaginable… estimulante y terrorífico”, David Bowie mencionó esto en el año de 1999, imaginando desde ese entonces el poder que el Internet y la tecnología tendrían no sólo sobre la música, sino también sobre la gente.

En la actualidad se puede producir, grabar y editar desde una computadora en cualquier parte del planeta, sin necesidad de estar dentro de un estudio de grabación. Muchas veces estos procesos pueden hacer que la música suene bien, pero ser arma de dos filos. La manera de distribuir la música cambió por completo, dejando de lado los vinilos, casetes y los CDs; su almacenamiento pasó de un estante a un teléfono celular.

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En el año 2020 y en lo que va de este año, el Internet se convirtió en una poderosa herramienta, y no significa que antes no lo haya sido, pero no había sido tan usada y aprovechada al máximo como en el año que marcó al mundo con la pandemia de COVID-19. Gracias al Internet muchos músicos siguieron compartiendo su música y trabajando en nuevas producciones. Muchas bandas presentaron conciertos en la modalidad de streaming la cual podía ser vista desde extremo a extremo en el planeta tierra. La expansión musical creció a gran escala a partir de los ahora ya “cotidianos” streaming, y esto no hubiese sido posible sin un medio de transmisión masivo como lo es el Internet. Algunos festivales musicales de renombre en México y el mundo también están tomando estas formas de distribución musical y las personas están aceptando este consumo. Las modalidades streaming han llegado para quedarse, al igual que el conocer a la banda o artista favorito de manera virtual.

En resumen, el Internet fue una invención que llegó a cambiar la música en todos sus aspectos dejando cosas malas, pero, también cosas buenas y hoy en día su uso está expandido en todo el mundo. No se sabe cómo vaya a ser la música dentro algunos años con la creación de nuevas plataformas digitales, conciertos online, etcétera, pero sí será algo a lo que la humanidad tendrá que adaptarse.

Entrevista con Javier Blake

Posted on mayo 17, 2021 by -

La virtud de un hombre que le habla con franqueza al mundo. 

Si escuchamos el nombre de Javier Blake inmediatamente lo relacionamos con División Minúscula. Entendible, lleva más 20 años de carrera junto a la banda, sin embargo, el músico es mucho más que este proyecto que arrancó con el corazón hace tiempo. Es un ser humano sensible, creativo y lleno de buenas virtudes; mismas que con el pasar del tiempo, le han invitado a trabajar en su proyecto solitario, su faceta más transparente hasta el momento. 

Desde hace dos años, el cantautor arrancó la producción de En Tiempos de lo Extraño, su primer álbum de estudio que bien podría definirse como: un espacio perfecto para todos aquellos que se encuentran perdidos y buscan un poco de motivación. La realización y el lanzamiento del LP tomaron su tiempo, la razón: tenía que llegar en el momento indicado. 

“La idea ya la tenía yo desde hace años, queriendo tener este espacio en dónde publicar mis canciones de una manera libre, sin ataduras. El disco lo terminamos de grabar a finales de 2019 con la idea de poder lanzarlo a principios del 2020, pero se atraviesa la pandemia y se cambian los planes. Todo tiene su lugar y su espacio y a veces uno se frustra con los cambios de planes y eso es parte de lo normal, de la vida cotidiana, sin embargo este disco lo que a mi me pone es: las cosas pasan de alguna manera por algo. El arte, la música y todo, van y se acomodan en el momento en el que tienen que estar perfectamente, y eso fue algo que yo descubrí con cada lanzamiento que iba haciendo y ahora que saco el disco completo creo que a la gente le toma un sentido diferente; se cierra el círculo de todo el concepto que yo quería proponer”.  

En Tiempos de lo Extraño es un material con texturas cálidas que te abrazan para decirte “no estás solo”, y de la misma manera te invitan a perseguir nuevos horizontes más esperanzadores. Las composiciones son directas y con una intención: demostrar que todos los humanos sienten y experimentan situaciones que no siempre van a ser favorables. Los sonidos te remontan a lugares y momentos muy específicos con esa chispa vintage con la que cuentan cada una de las melodías. 

“El sonido del disco de alguna manera afloraba muchas influencias que yo he tenido a lo largo de mi vida, música que yo he escuchado desde que era niño y cuando adolescente con el MTV de los 80 y 90, luego teniendo mi banda de punk rock. Son 40 años de influencias que de alguna manera con División Minúscula muchas veces no podía manifestar porque ellos tienen un sonido muy específico. Por más que experimentamos y vamos cambiando, el perfil de la banda sigue estando en un carril muy definido. A la hora de trabajar con Pipe Ceballos -productor, vimos que tenemos un gusto muy particular por la música clásica de todo género. La primera opción era acercarnos a un sonido más retro, porque quería mostrar ese gusto. No soy un chavo de 20 años, entonces quería ubicarme en mi edad y en mi estado. Mi estilo de escribir es muy identificado. A mí me gusta trabajar las letras con mucho cuidado y que cada cosa que yo esté diciendo en una canción fleche el corazón de la gente que lo está escuchando”. 

Lo retro, lo romántico y la fortuna de seguir tu instinto.

El retraso de este material ayudó a que Javier Blake trabajara a la par en la parte visual que complementa su LP, un hilo de ideas, desarrollo de personajes y exploración en los más mínimos detalles de cada canción. El músico quería continuar con su proyecto conceptual que más que centrarse en experiencias personales, ofrece un lado más real de su persona. 

En el disco abordo muchos temas que yo escribí como una especie de autoayuda. Hay temas que te dicen que dejes de cargar lo que ya no te sirve, deja de ser esa persona que no quieres ser, no tengas miedo, ve a donde tú quieras, a donde puedas ser feliz. Tienes que encontrar tu lugar dentro de todo lo que nos rodea. Sacarlo en un tiempo como el que vivimos el año pasado, creo que hizo que mucha gente conectara con eso. Darse cuenta que no están solos, que todos pasamos por lo mismo. Muchos artistas se cubren de mostrar ese lado, pero creo que es momento de ser vulnerables y mostrarnos como somos. Eran canciones que yo había escrito antes pero que de alguna manera cobraban sentido cuando las sacaba. A eso había que sumarle que lo visual tenía que tener el mismo efecto, que no fuera simplemente un video de cualquier levantada de imágenes, quería que lo visual representara mucho a la canción. Era darle continuidad a las historias de las canciones. Se trata de seguir tu instinto, de ser tú, de ser libre y ser honesto. Al final del día eso te resulta”. 

El cantante define En Tiempos de lo Extraño como “un disco hecho con mucho amor”, que desde que se estaba grabando se definió su destino. Tanto el productor como el músico apostaron por lanzar el disco en un formato de vinilo con el objetivo de reforzar la calidez y la intención con la que había sido producido; un lanzamiento poco común sobre todo en el escena musical de México. 

“Desde que estábamos grabando el disco dijimos Pipe y yo ‘esto lo tenemos que grabar en vinilo, aunque sean 20 copias, no importa’. Casi todo lo trabajamos con equipo de forma análoga para poder tener ese sonido, que tuviera esa calidez, que tuviera ese sentimiento. Cuando mandamos a hacer los vinilos investigamos con tiendas, distribuidoras de discos, bandas y artistas cuántas copias se vendían, entonces al final decidimos que mandar hacer 300 era un número bueno. Todas se vendieron en menos de dos horas. México no es un país que consuma tanto vinilo, y eso me dice que no solamente les gusta mi música, sino, que quieren ser parte de lo que estoy haciendo y eso se siente bien padre”. 

Javier Blake confesó que ya mandaron hacer el segundo tiraje y con fortuna, estará disponible dentro de un par de meses. Mientras eso sucede, podremos disfrutar de su música totalmente en vivo gracias a los showcases que ofrecerá en acústico a lo largo de la República. Actos que declaran una forma de empezar a desarrollar su proyecto en solitario y conectar con sus fanáticos. 

“Siempre trato de hacer una gira pequeña en acústico y sí me hubiera gustado hacerlo en esta ocasión con banda completa, pero así se dio la oportunidad. Con esto la gente se va a dar cuenta de cómo nacen las canciones. Son shows que trato de mantenerlos muy íntimos, platicar con la gente, darles esa versión de cómo comienzan las cosas. Estoy muy contento”.

 

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Trees Speak estrena videoclip para “Elements of Matter”

Posted on mayo 16, 2021 by -

Un trance de experimentación minimalista y neo psicodelia.

La agrupación con base en Tucson, Arizona, conformada por los hermanos Diaz ha compartido en sus canales oficiales el videoclip para “Elements of Matter”, primer sencillo rumbo a lo que será Posthuman, tercer álbum en la carrera del proyecto firmado por la Soul Jazz Records, próximo a ver la luz este 25 de julio.

Entre sutiles arreglos de sintetizador fundiéndose al ruido de las percusiones y líneas de bajo que marcan el ritmo del track, el sonido avant garde de Trees Speak se hace cada vez más presente con el pasar de los compases, llegando a ese mood hipnótico minimalista característico de la banda.

El video, realizado en colaboración con el artista inglés Charlie Elms, nos muestra a base de animaciones psicodélicas un viaje de transfiguraciones visuales que acompañan perfectamente el mood de la composición, avanzando de manera estroboscópica entre distorsiones analógicas y colores eléctricos que resaltan con el estilo texturizado del artista.

El videoclip forma parte de una serie de adelantos que el proyecto ha compartido rumbo al nuevo lanzamiento, contando con tres teasers y un video oficial más para “Chamber of Frequencies”.

Te dejamos el tracklist y preorder ya disponible para este nuevo material.

Trees Speak (Posthuman Cover)

  1. “Double Slit”
  2. “Glass”
  3. “Chamber of Frequencies”
  4. “Divided Light”
  5. “Elements of Matter”
  6. “Magic Transistor”
  7. “Scheinwelt”
  8. “PostHuman”
  9. “Synthesis”
  10. “X Zeit”
  11. “Incandescent Sun”
  12. “Healing Rods”
  13. “Steckdose”
  14. “Amnesia Transmitter”
  15. “Quantize Humanize”
  16. “Gläserner Mensch”
  17. “Machine Vision”
  18. “Hidden Machine”

 

A 55 años del ‘Pet Sounds’ de The Beach Boys

Posted on mayo 16, 2021 by -

Pop orquestal, armonías vocales y locura protagonizan uno de los álbumes que cambiaron al mundo.

La música siempre es un reflejo de la época en que fue compuesta. Desde el blues que fue un retrato del trato inhumano recibido por los afroamericanos en Estados Unidos hasta el punk y su conexión con los períodos de hambruna y crisis económica. De igual forma, un conjunto como The Beach Boys solo se entiende en uno de los momentos históricos de mayor plenitud y bonanza. Cuando no existían prisas ni la posibilidad de capturar todo en la pantalla de un teléfono, un conjunto de jóvenes tomó por sorpresa al mundo.

Al finalizar la Segunda Guerra Mundial hubo incertidumbre en el planeta para también fue el nacimiento de los baby boomers. En específico en California se gestó un período de paz en donde todo era diversión y asistir los fines de semana a la playa. Existían trabajos bien remunerados y se instauró el modelo de la familia americana tradicional. 

Fue en ese contexto que un adolescente Brian Wilson le propuso a sus hermanos Dennis y Carl formar una banda musical. Para ese entonces el rock & roll era una novedad así que resultó natural elegir el camino iniciado pocos años antes por Chuck Berry y Elvis Presley.

De inmediato el combo llamó la atención por su estilo amigable al oído. Mientras que uno de sus rasgos distintivos fue incorporar los coros como parte central de sus canciones. En parte fue una herencia del gospel y los coros religiosos.

El ritmo de trabajo de The Beach Boys implicaba publicar hasta tres discos por año hasta que Brian, en un momento de genialidad o locura, decidió llevar su música un paso más adelante. Ya gozaba de éxito y sus piezas se escuchaban en todas las estaciones de radio del país pero sabía que era momento de crear un álbum en toda la extensión del término y no solo canciones sueltas.

La idea llegó de forma involuntaria al escuchar el Rubber Soul de The Beatles y prometerse a sí mismo que haría un trabajo que superaría al del cuarteto de Liverpool. Por su parte, sintió que era momento de cantar sobre cosas más profundas que ir a surfear y salir a pasear en dragsters. Mientras que también quedó fascinado con la idea de que el estudio de grabación era un instrumento más.

Para la concepción de lo que se pensó que sería el trabajo más ambicioso en la historia de la música fueron necesarios nueve meses de concepción. Fue concebido casi en su totalidad por Brian y el creador de jingles para la televisión Tony Asher. Nadie sabía lo que se podía esperar hasta que el resultado final llegó a las tiendas el 16 de mayo de 1966. Una portada con los integrantes del grupo alimentando a unas cabras no fue particularmente una buena idea pero todo cambió en cuanto el mundo escuchó lo que había dentro.

Desde el primer instante Pet Sounds quedó marcado como uno de los trabajos más arriesgados en la historia de la música. Su variedad de sonidos es tan amplia como una orquesta pero además maneja temas tan profundos como la filosofía. Al escucharlo se abre la mente y comienza un viaje introspectivo del que puedes jamás regresar.

Aunque se mantienen los coros amigables y los juegos de voces lo primero que llama la atención es la amplia variedad de instrumentos utilizados. Más allá de las guitarras, el bajo y la batería también hay acordeones, saxofones, chelos, clarinetes, clavicordios, timbales, mandolinas ukeleles y pianos. Inclusive se añadieron sonidos callejeros cotidianos como silbatos y ladridos de perros. Antes solo Les Baxter, Martin Denny y Juan García Esquivel habían llegado a ese nivel.

La primera de las 13 piezas que aparecen es “Wouldn't It Be Nice", un canto a la vida lleno de alegría y optimismo. Las armonías vocales son el complemento ideal con el que se consigue un bálsamo para el alma. La bienvenida dura poco más de dos minutos y es apenas un adelanto de todo lo que viene. El ambiente nunca decae y uno de los puntos más altos llega con “God Only Knows” que pese al título no se inclina hacia la religión sino que habla sobre la espiritualidad y la forma en que se deben superar todas las despedidas.

Por su parte, la experimentación con distintos instrumentos llega a su clímax en "I Just Wasn't Made For These Times" en donde se escucha un electro-theremin, después bautizado como tannerin en honor a su inventor, Paul Tanner. Se trata de una versión casera y americana que quiso competir con el soviético theremin. El experimento se repetiría meses después con la grabación del sencillo “Good Vibrations” que no aparece en este álbum.

Aunque muchos dudaban sobre el recibimiento que tendría el LP por mostrar una combinación nunca antes escuchada de sonidos, de inmediato se posicionó dentro de los primeros lugares de popularidad. Pero no solo cambió al público en general sino que también inspiró a Paul McCartney y John Lennon para crear algo todavía mejor con The Beatles. El resultado de esta amigable disputa se publicaría al año siguiente y se trata del Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. Como parte de las vuelta de la vida, el trabajo más ambicioso de 1966 generó el trabajo más ambicioso de 1967.

A más de medio siglo de distancia la obra cumbre de The Beach Boys se mantiene sólida y vigente. No ha perdido ni un gramo de vitalidad porque su legado se mantiene en los músicos de todas las generaciones que se acercan y la escuchan por primera vez. Desde entonces se ha entendido la importancia que tiene el estudio de grabación en cualquier obra musical.

Rodrigo y Gabriela en livestream

Posted on mayo 15, 2021 by -

Un reset energético a cargo de las guitarras de Rodrigo y Gabriela.

Durante el último año los conciertos online han sido un salvavidas en las oscuras y mortíferas aguas de la pandemia, a través de la música en vivo nos han permitido dar un respiro de las terribles noticias que a diario escuchamos, del estrés del Home Office y la monotonía de una cuarentena que parece no terminar para volver a brincar y a bailar al ritmo de nuestras bandas favoritas, aunque sea desde la sala de nuestra casa.

Esto fue precisamente lo que la dupla mexicana Rodrigo y Gabriela nos brindó la noche de ayer (14 de mayo), un reset energético, una catarsis que nos liberó de la rutina de la semana a través de un setlist de 12 canciones que recorre sus 20 años de carrera con temas que van desde su álbum homónimo del 2006 hasta Mettavolution.

El evento tuvo lugar en el escenario virtual de Dreamstage, en donde poco después de las 20:00 H, Rodrigo Sánchez y Gabriela Quintero aparecieron empuñando sus guitarras, en vivo desde su estudio de Ixtapa Zihuatanejo, un místico lugar que Gabriela describió durante la transmisión como “una cápsula sin tiempo en donde tocamos todos los días para conectar con el universo”. 

Los músicos dieron la bienvenida al público con "Enter The Field", una reinterpretación de la canción de Anoushka Shankar, hija del virtuoso sitarista Ravi Shankar, que fue presentada por primera vez en Lumbini Sessions a principios del 2021. 

Rodrigo y Gabriela concierto 2_2021

A este tema le siguieron las interpretaciones de "Krotona Days" y "Electric Soul", pertenecientes a  su aclamado proyecto Mettavolution, con el cual Rodrigo y Gabriela hicieron historia en el 2019, al convertirse en los primeros mexicanos en ser galardonados con el Grammy a Mejor Álbum Instrumental Contemporáneo.

Más adelante, el dúo viajó al pasado con la guitarra aflamencada de "Diablo Rojo", haciendo gala de su indiscutible maestría en los instrumentos de cuerdas, y continuaron con el rock progresivo de "11:11", una pieza inspirada en las guitarras de David Gilmour en su paso por Pink Floyd , desatando una ola de nostalgia entre los usuarios del chat en vivo que comenzaron a manifestar su cariño hacia estas canciones. Después llegaron "Witness Tree" y "Cumbé", también de Mettavolution, dándole un toque un tanto psicodélico al concierto con visuales caleidoscópicos que reemplazaron el fondo blanco del estudio.

Rodrigo y Gabriela concierto_2021

En la última parte de la presentación, el dúo tocó el infaltable tributo al lutier Antonio de Torres Jurado con "The Soundmaker" y continuaron con las poderosas melodías de "Savitri", "Hanuman" y el clásico "Tamacún", dejando para el final a "Mettavolution", que cerró la transmisión con estridentes riffs de rock pesado.

Gracias a Dreamstage, es genial que este espacio exista para los músicos y a todos los que están viendo esto ¡mucho amor para ustedes! Manténganse sanos, esperamos poder verlos en persona pronto", se despidieron afectuosamente los músicos. 

Si bien el streaming contó con algunas fallas técnicas y, además, no pudimos escuchar los nuevos lanzamientos de su Jazz EP publicado este 7 de mayo, la banda nos regaló justo lo que necesitábamos para relajarnos este fin de semana: un concierto lleno de temas que invitan al cuerpo a soltarse, a moverse, a ser libre y feliz a pesar de los tiempos difíciles que corren.

Si no te fue posible participar en la transmisión de anoche o simplemente quieres revivir la experiencia del concierto, podrás usar tu boleto por segunda ocasión el día de hoy (sábado 15 de mayo) en punto de las 20:00 H GMT / 21:00 H CEST en la plataforma de Dreamstage.