TOP 10: Mujeres en el escenario

Fotografías Archivo Indie Rocks!

Roma no se hizo en un día, las mujeres tampoco.

En el arte, la mujer se considera la musa y la base exquisita de grandes obras; el cuerpo femenino ha sido el actor intelectual de pecados pasionales y obras únicas se han inspirado por el simple perfume de una dama cruzando por la calle. Así como suena, pareciera que el género femenino está puesto en un pedestal de cristal, custodiado como un tesoro invaluable; sin embargo, la realidad es otra y aunque ahora vemos una igualdad disfrazada en la sociedad, la situación no ha cambiado mucho.

A través de los años, algunas mujeres se han enfrentado a los altos mandos y han servido como lideresas de un movimiento que crece cada vez más. Para conmemorar el Día Internacional de la Mujer, les presentamos este top 10 de las presentaciones más memorables, según mi opinión, de mujeres poderosas que dejaron un buen sabor de boca con sus presentaciones y, de paso, grabaron grandes momentos en nuestra memoria, ¿Cuáles agregarían? ¿Cuáles quitarían?.

Grrrl Noise, Auditorio BlackBerry (2018)

Comenzamos con este festival hecho por mujeres y para mujeres, justo en el marco de este día tan especial para el género femenino: Grrrl Noise, que contó con mujeres talentosas vigentes como el cuarteto de Los Ángeles Warpaint, la mexa Girl Ultra, los hermanos Sotomayor liderados por Paulina, la banda emergente Best Coast y la experimentada Cat Power. Este evento se formó parte del primer fin de semana de actividades de los dos que tendrá el Women’s Weekend Citibanamex y albergó a casi 3,000 espectadores, que pacientes corearon a sus artistas favoritas.

Ceremonia 17, Foro Pegaso (2017)

Si pudiéramos calificar con una sola palabra lo que fue este festival sería sorprendente, pues desde que el cartel se anunció, vimos que grandes monstruos de los escenarios como Nicolas Jaar, M.I.A., James Blake y la propia Björk estarían en Toluca; la cosa parecía un sueño, que más tarde se convertiría en pesadilla. El relato después de la cancelación, por razones ajenas a los organizadores, era que el Centro Dinámico Pegaso no debía albergar más este festival; pero el hashtag horas después cambió a #CeremoniaenDomingo y por única ocasión, estos grandes talentos se presentaron en domingo; el día del Señor fue una locura y destacamos el show que la islandesa brindó, para dejar uno de los momentos más memorables en la quinta edición de Ceremonia.

Julieta Venegas, Teatro Metropólitan (2016)

Este majestuoso recinto ha albergado grandes presentaciones que hemos podido relatar en Indie Rocks! y en septiembre del año 2016, Julieta Venegas ofreció una presentación emotiva, llena de nostalgia por su material de antaño y agregó todos los ingredientes para hacerla inolvidable. Pocos días habían pasado después de la muerte de Juan Gabriel, y esta fue una buena oportunidad para hacerle un pequeño homenaje por parte de la Tijuanense. Con un recinto pletórico, la cantante se adueñó de su clásico acordeón y derrochó con sus éxitos y los temas de Algo sucede; su hija Simone y su sobrina subieron junto con otros pequeños a bailar con ella para el cierre de aquel concierto destacable.

Corona Capital 2016, Autódromo Hermanos Rodríguez (2016)

El 2016 fue un año lleno de caos total en el mundo; con crisis políticas generadas por la ola naranja del bronceado de Donald Trump y la separación de Gran Bretaña del continente europeo, la cosa parecía incontrolable. La música irremediablemente se empapa de cultura y el Corona Capital 2016 tenía esos tintes en su cartel; los artistas que se presentarían son grandes talentos que dejan con la boca abierta por su ostento frente al público. En aquella ocasión, artistas como LCD Soundsystem, la niña fresa del alternativo Lana Del Rey, la canadiense Grimes y uno de los nuevos, Bleached, hicieron sus apariciones bajo una tormenta eléctrica, que amenazaba con poner fin a la noche que terminó siendo mágica.

Francisca Valenzuela, Lunario del Auditorio Nacional (2014)

La cantante, escritora e instrumentista chilena promocionaba en Latam el tour de su tercera producción discográfica Tajo Abierto, un disco que habla de lo corpóreo y por momentos pareciese escrito por un cirujano; recordemos que Valenzuela se crió en la casa de padres estudiosos y que ella estaba rodeada de libros y música desde su infancia. Para su primera presentación en el Lunario, la nacida en San Francisco se enfundó en un look andrógino, usando un traje negro que, al paso de la noche fue perdiendo con sensualidad, hasta dejarla en una blusa blanca y pantalón negro simplista. Ese show tuvo como invitados a Los Bunkers, así como Ximena Sariñana y la argentina Daniela Spalla.

Ruidosa Fest, Centro Cultural de España en México (2016)

Continuando con la relevancia de Francisca Valenzuela en el movimiento feminista en la música, hablamos del festival de su autoría que en el 2016 llegó por primera vez a México; ese fue el Festival Ruidosa, que ofreció no solo los conciertos de grandes exponentes del género alternativo como Ximena Sariñana, Vanessa Zamora, Daniela Spalla, Planta Carnívora, Le Butcherettes y la propia Valenzuela, sino que contó también con paneles de discusión sobre el papel de las mujeres en la industria con Jessy Bulbo, Teri Gender Bender, Mon Laferte y ejecutivas como Olga Straffon de Arts & Crafts.

Descartes A Kant, Teatro de la Ciudad (2017)

Los ecos de la visita de Foo Fighters y Green Day todavía recorrían la CDMX; sin embargo, días después presencié uno de los conciertos mejor elaborados, que fue el de las Dolls de Jalisco. A principios de ese mismo año, la agrupación se había presentado en el Foro Indie Rocks! como parte del exitoso Circuito Indio, el cual apoyó a artistas emergentes a presentarse en los venues más importantes de ciudades como Pachuca, Toluca, Cuernavaca, entre otros. Para este show en el Teatro de la Ciudad, Descartes A Kant elaboró un concierto teatral con corte psicodélico, lleno de amor confuso y, aunque fue una presentación íntima, los asistentes las despidieron de pie.

Garbage & Blondie, Palacio de los Deportes (2017)

En agosto de ese año, dos agrupaciones con gran trayectoria y renombre en la escena del rock internacional decidieron hacer una sola presentación homogénea en el Rage and Rapture Tour, que los llevaría a presentarse en el Domo de Cobre y hacer un show inolvidable. Con una producción sobrada, el show tuvo visuales en exceso y las voces de Shirley Manson y Debbie Harry se compaginaron para crear una noche llena de nostalgia. Aquella noche, la gira del Rage and Rapture Tour llegó a su fin, por lo que ambas bandas coronaron estos gigs con presentaciones entrañables.

Björk, Auditorio Nacional (2017)

Comenzamos esta lista con aquel festival en el que la islandesa Björk se presentó en el 2017, cuya organización accidentada estuvo a nada de privar a los asistentes al Centro Dinámico Pegaso de una noche muy especial. Sin embargo, días antes de esta fatídica noche, esta maestra del arte visual nos brindó, en el Coloso de Reforma, una presentación que quedó solamente en el recuerdo. Y es que a pesar de vivir en la era de la tecnología, la cantante hizo el pedido expreso de prohibir los teléfonos celulares durante el concierto, para evitar desconcentrarse y desconcentrar a los demás tomando fotos o haciendo notas; en el escenario ella fue perfecta y cual TOC, cuido cada detalle para ofrecer no solo un concierto, sino una experiencia completa.

Natalia Lafourcade, Auditorio Nacional (2015)

Este recinto ha contado con grandes exponentes en su haber y la veracruzana Natalia Lafourcade vio, en el 2015, como la gloria estaba cerca, al abarrotar el recinto más importante de México en más de una ocasión, como parte de la promoción del multipremiado Hasta La Raíz, que la hiciera acreedora del Latín Grammy y me diera una satisfacción más a su trayectoria. Aquella noche, la talentosa cantante interpretó casi 30 canciones, incluidos sus más grandes éxitos y no se cansó de agradecer al público la calidez que le dieron. Con lágrimas en los ojos, se despidió y prometió enaltecer el nombre de México.

Belle and Sebastian — How to Solve Our Human Problems

Pienso, no desisto: la trilogía de Belle and Sebastian.

 

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How to Solve Our Human Problems, Pt. 1

La longevidad en la música está infravalorada; los grandes artistas en activo que comenzaron sus proyectos en el milenio pasado son reconocidos por su popularidad en sus campos. Por extraño que parezca, la banda indie pop Belle and Sebastian inició su aventura musical en 1996 y no muchos han oído hablar de ellos; su nombre deriva del libro francés para niños Belle et Sébastien y, a pesar de tener casi diez discos editados, siguen teniendo un estatus underground, sin el reconocimiento con el público reflejado en popularidad.

A finales del año pasado, lanzaron la primera parte de la trilogía de EPs How to Solve Our Human Problems, que son más un LP lanzado en tres pequeños canapés y cuya entidad estará completa el próximo 16 de febrero. Los 15 tracks están divididos en partes iguales y se lanzarán en diciembre, enero y febrero respectivamente; la razón, comenta el propio Stuart Murdock. “Es una manera de ayudar al público a digerir el material, a mantenerlos expectantes y no olvidarlo después de solo unos días”, una estrategia que parece estar funcionando.

Esta parte 1 fue lanzada el pasado 8 de diciembre y el primer sencillo es “We Were Beautiful”, una canción simple con cambios abruptos de ritmo que van y vienen; la que abre el disco de corta duración es “Sweet Dee Lee”, un track que, en seis minutos y medio, nos regala una melodía pausada y muy setentera, que trae de vuelta el sonido cómodo de The Beatles y expone los ritmos sintéticos in crescendo, para brindar un final inesperado. Complementan esta primera parte “The Girl Doesn’t Get It”, la balada “Fickle Season” y “Everything Is Now”, cuya versión instrumental tiene una secuela con lírica en la parte 3.

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 How to Solve Our Human Problems, Pt. 2

Con el albores del 2018, llegó la segunda parte de este compilado; la quincena de temas fue creada en seis estudios de grabación distintos y les tomó cerca de 18 meses para gestarse en su totalidad. Durante el proceso creativo de How to Solve Our Human Problems, el vocalista y líder de la banda Stuart Murdoch, experimentó el nacimiento de su primogénito y, algunas de estas canciones tienen los tintes de dicho periodo; este lapso de tiempo estuvo marcado por la paz y la tranquilidad, el proceso creativo tuvo distinciones y se eligió la naturalidad y la fluidez que la inspiración marcó en este ciclo.

El nombre de la trilogía de EPs vino del libro del monje budista Geste Kelsang Gyatso; el escrito, que tiene el mismo nombre que este álbum, fue la inspiración para Murdoch, quien encontró en este texto la respuesta a todas sus dudas existenciales. La obra amplía los conceptos básicos de la espiritualidad humana y las emociones modernas, temática principal que, de manera casi accidental, se nota en los EPs de la banda originaria de Glasgow.

Recién vista la luz apenas el pasado 19 de enero, esta secuela contiene cinco temas misteriosos que contienen momentos inesperados, como la colaboración vocal de la violinista de la banda Sarah Martin en “The Same Star”, la extravagante “Cornflakes” como antesala de “A Plague On Other Boys” y la destacada de esta segunda parte “I’ll Be Your Pilot”; dicha historia cuenta que este track tuvo como inspiración a la famosa obra del francés Antoine de Saint-Exupéry, El Principito, y está dedicada al vástago de Stuart Murdoch; la que abre esta segunda parte del compilado es la alegre “Show Me The Sun”.

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How to Solve Our Human Problems, Pt. 3

La tercera y última parte del disco comenzó a circular en el mercado el 16 de febrero y cuenta con cinco temas que muestran introspección de la banda y, sobre todo, de Murdoch en esta nueva etapa. La temática de las canciones sigue siendo la misma, la cohesión entre los tracks se genera por el folk acústico que caracteriza a los británicos y conocemos, por fin, la segunda parte de “Everything Is Now”, cuya versión instrumental se presentó en la parte 1 de How to Solve Our Human Problems.

El primer tema en este lanzamiento es “Poor Boy”, un tema cuya constante es la filosofía de la interconexión personal como camino obligatorio a la felicidad; “Everything Is Now (Part Two)” es la canción que define al álbum y es considerada la más representativa, aunque parezca nunca tener fin. En “Too Many Tears” el ritmo es pausado, “There Is An Everlasting Song” da el preludio para “Best Friend”, que muestra la colaboración de Murdoch con Carla Easton.

Lo interesante del mundo al que se enfrentó Stuart Murdoch es que logró plasmarlo en la quincena de tracks mono temáticos; el arte de este álbum incluyó a los fans que acudieron a la convocatoria que la agrupación hizo en Londres, para la cual aparecieron 80 seguidores de la banda, quienes formaron parte de la portada y el diseño basado en How to Solve Our Human Problems, Pt. 3.

Discwoman: Beats femeninos

Foto Erez Avissar/ Weird Magic

Foto Facebook Discwoman

Potentes y sin miedo.

La feminidad es una cualidad casi siempre relacionada con lo físico y que deja un poco de lado las características psicológicas o morales. En estas épocas en que los conceptos son un poco extremistas, los valores y la naturaleza de una mujer –muchas veces– refieren a lo delicado y sexy. Me parece importante empezar a ser incluyente y que una mujer pueda ser sexy y delicada, pero exitosa y decidida, que sea tomada en cuenta en campos que en algún momento fueron exclusivos de los hombres sin perder su identidad femenina y llena de coquetería, ya sea en la oficina, en la política o en la música, por mencionar algunas áreas.

Y llegaron…

Discwoman es una plataforma y agencia de booking con base en Nueva York y fundada por Frankie Hutchinson, Emma Burgess-Olson y Christine Tran. Tiene el objetivo de reunir y dar espacio al talento femenino en la música electrónica.

Este colectivo es relativamente nuevo, pero con una base muy sólida e ideas firmes. Empezó en septiembre del 2014 con un festival de dos días en el Bossa Nova Civic Club en Brooklyn, con un gran cartel que buscaba empoderar a las mujeres dejándoles el mando para llevar la corriente de muchas horas de beats.

A lo largo de este casi año y medio de trabajo, el proyecto ha recorrido 10 ciudades y ha logrado sumar un increíble historial de 160 mujeres que tienen el fin de hacer bailar al público por todo el mundo. Discwoman tiene en su  catálogo oficial a Volvox, Umfang, Bearcat y HD, exponentes que han paseado por lugares como Philadelphia, Puerto Rico, Boston y Toronto, y que en este 2016, llegaron a la Ciudad de México.

Foto Erez Avissar/ Weird Magic

“Mexican” chicas

La primera fiesta de Discwoman en la Ciudad de México duró dos días y llegó gracias a la iniciativa de Derré Tidá y Mucha Muchacha. La primera fecha, el 8 de enero, empezó con un par de workshops con entraba libre en el Hotel 333, ubicado en la colonia Roma, donde EsamiPau y Demian Licht compartieron un poco sobre CDjs y producción, para dejar que el día avanzara sin darse cuenta de que la primera fiesta llegaba.

Después, entrando a Salón Paraíso Tropical, un lugar en el Centro Histórico, ya todo era lassers, mosaicos bicolor y una atmósfera oscura, pero con mucha energía. Así empezó el festejo con talento nacional, en el que la primera en aparecer fue Janice, quien forma parte de Zombies in Miami, después siguieron Ninna Sonik y Demian Licht, para dar paso al talento internacional, y posterior al turno de Umfang llegó la cabeza de la noche The Black Madonna, quien llevó la noche al punto más alto para ceder la energía a Volvox y terminar un momento de intercambio de vibras inundadas de techno, con un ambiente femenino que ayudaba a que todos nos sintiéramos cómodos, a que todo fluyera y se moviera a un mismo ritmo con aires de estar todos en el mismo mood y explotar en la misma sintonía.

El segundo día fue un ambiente tempranero, en un lugar al aire libre entre mesas de madera, plantas y foquitos que iban destacando conforme avanzaba la tarde. Esta etapa iba un poco más hacia lo tropical, con Puma abriendo el escenario como marco perfecto para recuperarse de la noche anterior, para luego pasar la estafeta a EsamiPau, quien se ha convertido en una de las representantes más importantes de la escena electrónica-tropical nacional, y que al final abrió camino al segundo combo de invitadas internacionales: HD, Bearcat y Riobamba.

#GirlPower

Tras venir a México y dejar esa marca tan fuerte de lo que un colectivo femenino necesita y quiere, podemos darnos cuenta de que las integrantes de Discwoman han formado un equipo que busca quitar etiquetas negativas en cuanto al mundo feminista, y que, asimismo, intenta dar lugar a mujeres que son madres, profesionistas o amas de casa, pero que pueden, de la misma manera, estar interesadas por la tecnología, los sintetizadores, los sonidos y la fiesta.

Sin duda Discwoman es una plataforma que abre el panorama y demuestra cómo va tomando fuerza el #girlpower en nuestro país.

Visita el proyecto en:

Facebook / Twitter / Página oficial

 

Entrevista con Gaby Moreno

Foto Facebook Gaby Moreno

Una artista completa.

Gaby Moreno es una cantante y compositora guatemalteca, cuyo estilo musical trata de cambiar el panorama de la escena musical latinoamericana uniendo su influencia del jazz, soul y blues, con estilos como el bolero, la balada y el pop. Su talento la ha llevado a colaborar con artistas como Hugh Laurie y Jonny P; estar de gira con Tracy Chapman, Ani DiFranco y Calexico, así como ganar un Grammy Latino a Mejor Nuevo Artista. Gaby Moreno regresó a nuestro país –después de un exitoso concierto en el Lunario del Auditorio Nacional– para presentarse junto a otros magníficos músicos en Celebrating David Bowie, en lo que fue algo nunca antes visto en México.

El amor por la música venía en las venas de Gaby Moreno. Según me contó. “Desde pequeña comencé a cantar, al menos así me cuenta mi mamá, que me escuchaba cantar todo el tiempo y en Guatemala comencé a cantar profesionalmente desde los nueve años. Siempre he tenido esa inquietud por estar en un escenario, me sentía cómoda cantando a un público, entonces le decía a mi mamá ‘cuando sea grande quiero ser cantante’”. Su estilo musical se ha ido formando desde que era pequeña cuando. “Por las calles de Nueva York vi a una señora cantando un género que nunca en mi vida había escuchado y que en verdad me cautivó, le pregunté qué música era y me dijo blues. Le dije a mi mamá que me llevara a una tienda de discos, y en Guatemala me encerraba en mi cuarto y me ponía a escucharlos horas y horas”. De esta manera la música de artistas jazz como Billie Holiday, Ella Fitzgerald, rock de los sesenta como The Beatles, música de Latinoamérica que se hacia en los años 30 y 40, como el trío Los Panchos y Chavela Vargas. “Resulta en mi estilo, cuando creo mi propia música trato que tenga un poquito de esos elementos”, confesó.

Con su disco Ilusión, la cantautora trabajó con el productor Gabe Roth. “Lo elegí porque él usa un equipo analógico. Lo que hice fue grabar todo en vivo, no hubo ediciones, ni correcciones, por eso me parece un disco muy honesto y real. Hay mucho espacio, las canciones no están tan agrupadas, definitivamente lo hace muy distinto a [mi disco] anterior Postales. Hay algunos errores que tal vez solo si eres músico escuchas, lo más importante para mí era que el sentimiento y la emoción de la canción hablarán por sí mismo”, comentó. Este álbum la llevó a estar nominada en los Grammy americanos, por Mejor Disco Pop Latino y ganar un Grammy Latino a Mejor Nuevo Artista, sobre su experiencia nos dijo. “Fue un momento muy surreal para mí, porque es algo que desde pequeña uno desea, tener ese tipo de reconocimientos. Representó algo increíble para mi carrera, es una motivación para seguir adelante trabajando duro y también representa un poco de presión para seguir poniéndole todo el empeño a tu trabajo”.

Foto Facebook Gaby Moreno

David Bowie es uno de las mayores influencias de Gaby Montero –“Fue algo impresionante para mí poder descubrir toda su música y me inspiró mucho a la hora de componer mis temas”–, por lo que pertenecer a Celebrating David Bowie le llena de  mucho orgullo. De acuerdo con Moreno todo comenzó en enero de 2016, unas semanas después de que falleciera David Bowie. "un amigo músico de Los Angeles me llamó para que me uniera a un concierto que estaba organizando para rendirle tributo [a David Bowie], se reunieron muchos artistas locales de Los Angeles, pero también llegaron algunos más reconocidos; el cantante Seal, el actor Gary Oldman, y se convirtió en un concierto muy especial, generó mucho interés para hacerlo nuevamente, fuimos a San Francisco al mes, luego fuimos a Londres, a Tokio, a Sidney”.

Celebrating David Bowie aclaró. “No es un tributo, porque es con los músicos originales de David Bowie, es algo sumamente especial el poder revivir su música tal cual se escuchaba en vivo con músicos de distintas fases de su carrera. Por ejemplo, el pianista Mike Garson estuvo con él desde el disco de Aladdin Sane, desde el primer concierto que David Bowie dio en Estados Unidos, hasta el último”. La intérprete es la única latina dentro de este proyecto, al respecto señaló. “Es muy bonito poder decir que soy la única latina, sino también la única mujer que está en la banda, estoy cantando junto a estos músicos maravillosos, y junto a cantantes que admiro mucho, viene el corista de The Rolling Stones, Bernard Fowler; Joe Sumner, el hijo de Sting, y pues se siente muy lindo el poder ser parte de esta celebración”.

La importancia de un artista no solo radica en su talento, creatividad y capacidad de estar renovándose; sino también en su calidad humana. Gaby Moreno es un ejemplo de esto, ha realizado dos campañas con la organización PETA. “La primera fue para pedirle a la gente que no compre mascotas, sino que las adopte, debido a la sobrepoblación de perros y gatos, más en nuestros países en Latinoamérica. La segunda campaña era para promover el veganismo, yo soy vegana no solo mejora mi salud, sino también para poder aportar al medio ambiente”, explicó. Así mismo participó con un cover de la canción “Smiles”, original de Charles Chaplin, para el documental The Cove. De acuerdo con la cantante. “En el momento en el que sale la canción, están explicando la sonrisa que parecen tener los delfines, y es muy lindo pero a la vez muy triste, porque esos delfines están en cautiverio y  por dentro están destrozados. Ver el documental me hizo cambiar mi perspectiva hacia los parques acuáticos, te hace ver que lo que tú creías tan inocente, es algo muy malo que le hacen a los animales”. Y agregó. “Con la música puedes hacer llegar tantos mensajes, que para mí es una dicha decir que a través de la música pueda cambiar la manera de pensar de alguien para el bien”.

“Estoy por lanzar un nuevo disco este año, lo que te puedo adelantar es que es un disco hecho con arreglos para orquesta sinfónica y es algo totalmente ambicioso, nunca antes había hecho un proyecto así y estoy muy emocionada de lanzarlo y que la gente lo pueda escuchar”, concluyó.

Historias de éxito para celebrar a la mujer

Fotografías Archivo Indie Rocks!

La música femenina como inspiración cotidiana.

Latinoamérica es reconocida por tener artistas femeninas independientes de gran renombre. Mujeres como la activista Andrea Echeverri, la tijuanense Julieta Venegas, las chilenas Francisca Valenzuela, Javiera Mena y Camila Moreno nos han acompañado en el soundtrack de nuestras vidas. A propósito del mes de la mujer, queremos exponer la historia de aquellas que han establecido la pauta de la música independiente en México.

La melancolía simplista del norte: Carla Morrison

Nacida en Tecate, BC, Carla Morrison tuvo un comienzo incierto en Estados Unidos con Babaluca hasta que se armó de cojones para perseguir, paradójicamente, su sueño mexicano. En 2009, viviendo ya en México, lanzó Aprendiendo a aprender, seguido de Mientras tú dormías, producido por Natalia Lafourcade.

Morrison comenzó su ascenso en 2011 cuando trabajó con Juan Manuel Torreblanca para crear Déjenme llorar, uno de los mejores álbumes del indie pop mexicano de los últimos tiempos. Este álbum la llevó de gira con Enjambre por grandes escenarios incluido el Palacio de los Deportes y le valió dos Latin Grammy. Después, la cantante promocionó Amor supremo y tras el avasallador éxito, no pone freno y sigue apuntando a lo más alto.

Identidad desconocida: la verdadera vocación de la Sariñana

Ximena Sariñana parecía tener un futuro asegurado en la actuación al venir de una familia reconocida en el séptimo arte y la televisión. Si bien acumuló un bagaje importante como actriz, la audacia de Sariñana la llevó a Berklee y Fermatta para tratar de abrirse paso en la música con Feliz No Cumpleaños. Hizo sus primeros shows pagados en bares de jazz con tan solo 15 años.

Debutó con Mediocre y tuvo nominaciones a los Grammy además de colaboraciones con artistas como Miguel Bosé y presentaciones en Coachella, LAMC, Lollapalooza, Corona Capital y Vive Latino. A pesar de tener el Síndrome de Asperger (trastorno social), la tapatía no se conforma y toma riesgos. Cuando era reconocida como cantante en México, se aventuró en Estados Unidos para hacer su material homónimo totalmente en inglés. Su tercer disco, No todo lo puedes dar, la llevó por EU, Colombia y en México, alcanzó dos Metropólitan en menos de seis meses, ambos agotados. Parece que la apuesta está dando frutos y habrá mucho de Ximena por delante.

 Legión andina: la invasión emocional de Mon Laferte

“El que no arriesga, no gana”, es un refrán mexicano que es casi una ley aplicable a la carrera de la chilena Monserrat Bustamante a.k.a. Mon Laferte, quien decidió dejar la seguridad de su hogar y una aparente fama autodestructiva en Mystica Girls para radicar en México permanentemente casi como azar del destino.

La viñamarina es todo expresión, sentimientos y emociones. Una canción suya puede sentirse, dedicarse, reírse o llorarse. No hay géneros musicales para ella y experimenta a placer. Su primer disco Desechable, le ganó adeptos en su país y fue una fuerte carta de presentación a su llegada acá; Tornasol fue el segundo y la ayudó a subir un escalón pero fue Mon Laferte Vol. 1, el que la puso en el pedestal y la llevó a la popularidad y al Vive Latino 2015. ¿Qué esperar de ella? El Mon Laferte Vol. 2 y las presentaciones del Mon La Fruta Tour junto al excéntrico Caloncho.

La metamorfosis de Denise Gutiérrez

Parece que fue ayer cuando escuchábamos a la tímida vocalista de Hello Seahorse! interpretar ese geeky rock en “Cassette”. Ahí se vislumbraba la versatilidad de la nacida en Van Nuys interpretando “Lost Cause Heart”, de su primer EP ...And the Jellyfish Parade con un sonido orgánico y nada pretencioso. Nadie imaginaría que detrás de aquella niña callada con lentes gruesos estaba el rostro de una de las voces más potentes y estéticas que se hubiesen escuchado.

Desde entonces muchas cosas han pasado; Denise Gutiérrez dejó atrás a Lo Blondo, cambió su imagen y ganó en confianza, tuvo un sinfín de colaboraciones, destacando el MTV Unplugged de Zoé, su participación con Alondra de la Parra, Ely Guerra y Natalia Lafourcade en la celebración del Bicentenario mexicano e “Impacto” con Enjambre. La soprano está en el mejor momento de su carrera pues ha ganado reconocimiento y popularidad, además de tener look increíble que le otorga presencia en el escenario; es el vivo ejemplo de constancia, dedicación, disciplina y trabajo duro, la clave del éxito para Hello Seahorse!.

La que no olvida sus raíces: Natalia Lafourcade

Cuando hablamos de mujeres exitosas en México, Natalia Lafourcade es una referente. Aunque nació en la Ciudad de México, se mudó a Veracruz donde desarrolló gustos exquisitos por la música tradicional mexicana. Como preadolescente, regresó a estudiar a Fermatta, donde conoció a Ximena Sariñana y Juan Manuel Torreblanca, con quienes comenzaría una entrañable amistad.

Tras varios intentos fallidos de incursionar en la música, finalmente lanzó su disco homónimo que incluía “En el 2000” y “Busca un problema”. Además de este álbum multi premiado también formó parte del soundtrack de Amarte duele y Niñas mal de Fernando Sariñana y Temporada de patos de Fernando Eimbcke.

Lafourcade ha apoyado a estas mujeres con colaboraciones y producciones, lo que demuestra su compañerismo. Es una humanitaria que brinda apoyo a distintas fundaciones y organiza eventos de caridad para diversas causas. ¿Qué es una mujer con poder si no lo comparte?

Proyectos femeninos emergentes: Torres

Foto: Ashley Connor

El amor, el odio y la ira que coexisten en una mujer.

Las mujeres somos distintas a los hombres, por supuesto, y son esas múltiples diferencias las que nos complementan y engrandecen como humanidad. Más allá de los genitales, las mujeres nos distinguimos por la manera en que vivimos nuestras emociones y sentimientos, y por cómo lo manifestamos. Cada uno tiene su encanto, pero las del sexo femenino solemos desgarrarnos las entrañas para sacar todo lo que nos pudre y carcome por dentro.

Torres es un gran ejemplo de entrega y pasión. Mackenzie Scott, es la persona detrás de este proyecto que tuvo su origen en Nashville 2012, mientras cursaba el último año de la universidad. Con dulzura es capaz de tocar temas amargos, y con la sola compañía de una guitarra, Torres, puede iluminar, electrizar, inundar, y colapsar un espacio, un corazón y una mente, al llevarte de la mano a través de sus historias, hasta el punto en que se entrelazan con las tuyas, y la música cumple su fin: nuevas historias cobran vida, las heridas quedan expuestas, y se construyen los sueños.

Su nombre artístico es herencia de su abuelo. Un apellido fue el mejor recuerdo que Torres pudo conservar tras haber sufrido el deceso de uno de los personajes más importantes de su vida. Fuerte y vulnerable, esta compositora ha sabido aprovechar las contradicciones de su humanidad y hacerlas música.

Adoptada a los 3 años, y criada en una familia católica de Georgia, Estados Unidos, el primer acercamiento de Torres con la música fue en el coro de la iglesia en donde comenzó a tocar el piano y la flauta. No obstante, fue hasta que cursaba la preparatoria cuando se dio cuenta que podía cantar, gracias a que tomó un papel en la obra El Fantasma de la Ópera.

Foto Ashley Connor

Su primer álbum Torres (2013) fue grabado en cinco días en Tennessee, y fue muy bien recibido por la crítica gracias a su honesta y poderosa fuerza en la composición e interpretación. Con un arrojo, introversión y urgencia similar a la de PJ Harvey, Torres dio sus primeros pasos por caminos ya recorridos por grandes leyendas femeninas, con la misma fuerza que sus predecesoras.

Por su parte, Sprinter (2015), la segunda producción discográfica de la artista se alejó de los tintes folk, inclinándose más a los sonidos orgánicos del rock. Sin miedo a ser juzgada, la artista continúa la narrativa de su vida, de sus errores y de sus tormentos. Una carga de ira que es aliviada a través de guitarras angustiantes y ritmos catárticos.

En octubre del año pasado, Torres realizó su tercer lanzamiento, Three Futures, en el que muestra su madurez como compositora, al igual que como cantante. En esta ocasión, McKenzie utilizó su talento para hablar no solo desde su perspectiva, sino hasta llegar a interpretar el papel de Dios, al tiempo que llevó su voz a los límites de la intensidad y la fragilidad.

Y aunque aún no ha tenido la oportunidad de pisar escenarios como el Coachella que tanto anhela, Torres ha tenido la oportunidad de compartir escenarios con Garbage y Brandi Carlile. Tal vez aún queda un camino largo en la lucha por la equidad y la igualdad de género, pero cada vez cobran más fuerza las mujeres que no temen hacer lo que más les gusta, decir lo que les da la gana, y no permitir que nadie les condicione su manera de existir en este mundo.

TOP: Las portadas más notables de NME

Adiós, NME (impreso).

Esta mañana, una de las revistas más iconicas y más vendidas en el Reino Unido, acaba de anunciar el final de su edición impresa. Esto tras publicar sin falta por 66 años, lo que la hace una de las revistas más importantes en la historia de la música, un proyecto que vio el nacimiento y la caída de cientos de géneros y agrupaciones. Es por esto que te presentamos un top de las mejores portadas de la NME.

10. Viola Beach

En febrero del 2016, el prometedor cuarteto de Cheshire sufrió un accidente en su autobús, durante su gira por Suecia. En el choque, todos sus integrantes y Craig Tarry, el manager de esta banda en ascenso, murieron al instante. El suceso fue una de las tragedias que dejaron a la industria británica en shock, pero también fueron recordados y homenajeados por diferentes artistas y con esta portada de NME.

9. David Bowie

En 2013, unas semanas después de que el fallecido músico británico publicara el disco The Next Day, la revista sacó esta increíble portada que muestra el rostro de Bowie cubierto por una máscara, pero intensificando sus rasgos más característicos, como el cabello café claro oscuro y su pupila dilatada. Sin duda una de las portadas más peculiares y recordadas del cantante.

 

8. The White Stripes

¿Recuerdan cuando el dúo estadounidense declaró que eran hermanos? Bueno, NME con su entrevista exclusiva del 2001 dio a conocer la verdad entre la relación de Meg y Jack White. Esta fue una de las ediciones más polémicas de la revista, ya que en lugar de aclarar la situación de la banda, solo creó más confusión y rumores entre sus seguidores.

 

7. Pulp

En 1994 el grupo de Sheffield lanzó su cuarto álbum de estudio, His n' Hers, por lo que su líder y vocalista Jarvis Cocker apareció en la portada de NME junto a la comediante y actriz Jo Brand. El resultado fue una imagen que hacía alusión a "Do You Remember the First Time?", uno de los sencillos promocionales del disco y tal vez el tema más sobresaliente de ese material.

6. The Libertines

Los londinenses regresaron en 2003 después de que Pete Doherty cumpliera una sentencia de dos meses en la prisión de Wandsworth por robo a casa habitación, cargo que obtuvo por allanar el departamento de Carl Barat. Esta portada no solo anunció el regreso del grupo, sino que mostró una renovada hermandad entre los dos músicos.

5. Joy Division

Tras la muerte de su líder y vocalista Ian Curtis en 1980, la revista NME compartió esta peculiar portada. Lo que hizo tan icónica esta imagen, fue el luto evidente y la esencia que definía el género que los llevó a la fama. También, la mirada de Curtis, así como la pose de sus otros integrantes, tenía un carácter simbolista sorprendente.

4. Elastica, Radiohead y Suede

Esta portada, al igual que la de Pulp, salió en 1994. Este impreso conmemora una edición más de los NME Awards, en el que las agrupaciones britpop, así como la en ese entonces banda en ascenso Radiohead, fueron de los ganadores más sobresalientes. La edición se convirtió en una de las publicaciones más insólitas años después por la fama que logró Thom Yorke y su grupo.


3. The Stone Roses

Para celebrar los 20 años de su magnífico álbum debut, los de Manchester fueron invitados a estar en una de las portadas de la revista, sin saber que se convertiría en una de las más aclamadas de su historia. Lo admirable de esta foto fue la enorme producción que se requirió, así como la impecable representación de lo que fue la banda, su movimiento y los noventa en general.

2. Blur y Oasis

Hay un tono gracioso en esta portada, ya que alude a un clásico afiche de box y con un título que llamaba la disputa de ambas bandas como el campeonato británico de pesos pesados. Pero su historia es lo que le da un puesto tan alto en este top, ya que la revista fue una de las principales culpables y promotoras de la guerra del britpop.

1. Amy Winehouse

En 2011, a la edad de 27 años, perdimos a la atormentada cantante británica. Este fue uno de los sucesos más tristes para la industria de aquel país, no solo por su corta edad, sino por ser el orgullo de la escena pop en el Reino Unido y una de las mejores voces que se han visto en los últimos 20 años. La portada de NME fue sencilla, no había mucho que decir más que recordarla con una mezcla de alegría y tristeza.

 

The Volture estrena sencillo: "Amanecer"

El proyecto liderado por Mauricio Terracina compartió el primer single oficial de su próximo material de larga duración.

Hace unos meses, The Volture compartía “L’antica e vera Saggezza” como un previo de lo que podría ser Metanoia. Pero ahora, el proyecto nacional estrenó el primer sencillo oficial de la producción titulado como "Amanecer". En este segundo corte, la agrupación retoma tintes más poderosos, con un redundante riff en las guitarras y un sintetizador que tiene apariciones repentinas para respaldar el tema.

En esta ocasión Mauricio Terracina canta en español, con una letra que narra la historia de un hombre buscando salvar su amor, en un mundo donde convive con humanos mortales e inmortales. Y con estas dos primeras canciones, se denota que la producción tendrá diversos cambios de ritmo y hasta de género. Explorando en diversas brechas sonoras que consoliden la carrera de The Volture. Escucha a continuación "Amanecer":

Metanoia no tiene una fecha oficial de salida, pero se sabe que será estrenado en el segundo trimestre del año en curso, por lo que pronto podríamos tener otro sencillo en puerta o más noticias oficiales. Según The Volture, el LP es una respuesta para un mundo psicótico y decadente, además de ser una declaración de guerra, una burla a íconos falsos y sueños rancios y abaratados.

The Volture se presentará el día de hoy en Departamento a las 22:00 H.. Aquí el evento de Facebook. Sus estridentes actos en vivo con la nueva alineación, los ha catapultado como uno de las bandas a seguir muy de cerca en este 2018. Además, podría darse que con la salida del nuevo disco, se anuncie una extensa gira promocional y más público tenga la oportunidad de adentrarse en su increíble propuesta.

35 aniversario de "Blue Monday" de New Order

Foto de Kevin Cummins

El día de hoy se conmemoran los 35 años de vida de uno de los más grandes temas de la agrupación británica.

Corría el año de 1983, Depeche Mode lanzaba al mercado Construction Time Againdentro del cual se escucharía por primera vez "Everything Counts"; The Clash estaba a punto del colapso y las peleas entre sus integrantes eran caóticas; Duran Duran se encontraba en la cima del mundo liderando los charts de Estados Unidos y Reino Unido; Tears for Fears estaba en pleno apogeo, y claro, New Order creaba una leyenda: "Blue Monday".

En ocasiones, la historia nos ha enseñado que la grandeza se origina por medio de errores, de fallas en el sistema y de no seguir el camino marcado. Gillian Gilbert ensayaba un nuevo tema con New Order cuando perdió el ritmo de la melodía y su teclado fue a destiempo del redoble de bombo de Stephen Morris. Dicha variación en el tempo creó un himno atemporal, que aún sigue sonando en cualquier bar a las 3:00 AM cuando el ambiente está en su máximo punto de ebullición, y que puede levantar una ola de manos en los festivales más grandes del mundo. Las letras corrieron a cargo de Bernard Sumner, y Peter Hook constituía uno de los bajos más conmemorados de los 80.

La canción (llamada así por el deprimente tercer lunes de enero), es uno de los más grandes temas de New Order, y el preámbulo para después consagrarse como una leyenda. Además, "Blue Monday" se publicó cuando el synth pop daba sus primeros pasos, por lo que la mezcla de esta esencia futurista con las influencias de Joy Division dieron como resultado un single atípico, sin estructura convencional e imposible de escuchar sin que se te contagie su ritmo.

"Blue Monday" no solo es una de las canciones que ilumina cualquier desastroso inicio de semana, sino que son los cimientos de un género, que revolucionó a la industria musical y que originó instituciones sonoras. Cierto, Joy Division tuvo una repercusión gigantesca en el post punk, pero New Order fue la escuela del new wave y synth pop.

How does it feel to treat me like you do?

Nuevo tema de The Messthetics

Foto Antonia Tricaricio

The Messthetics da señales de vida con "Quantum Path", su segundo sencillo.

Hace varias semanas dos de los integrantes de Fugazi anunciaron este nuevo grupo, los pormenores de su primer álbum de estudio y un tema titulado "Serpent Tongue". Como ya era hora de escuchar más del cuarteto, la banda ha compartido su siguiente adelanto, a solo días de que se publique su material debut.

El reciente estreno de The Messthetics se llama "Quantum Path", una canción que al igual que su predecesora, muestra un sonido experimental con algunos atisbos de punk y fuertemente influenciado por el hard rock de la década de los setenta. Además, volvemos a ver las impresionantes capacidades del guitarrista Anthony Pirog, quien ha sobresalido en ambos sencillos. Cabe mencionar que con este track, el grupo se aleja cada vez más de la sombra de Fugazi, aunque se mantienen en géneros parecidos.

Este tema ya no contó con la participación del baterista de The Smashing Punpkins, Jimmy Chamberlin, quien se está preparando para salir de gira con la banda de Chicago y probablemente esté trabajando en el nuevo material de la banda, del cual aún no se han confirmado detalles.

El disco de The Messthetics estará disponible a partir del próximo 23 de marzo, a través del sello discográfico Dischord Records.

Puedes escuchar "Quantum Path" justo aquí: