The Specials anuncia nuevo disco luego de 20 años

La banda de ska The Specials ha dado a conocer que habrá un nuevo LP junto a su vocalista original.

Buenas noticias para los fieles seguidores de The Specials ya que la agrupación de origen británico ha anunciado su primer LP en 20 años. Pero eso no es todo, ya que también se ha dado a conocer que el vocalista original de la banda Terry Hall formará parte de este proyecto.

El LP estará bajo el nombre de Encore y será lanzado el próximo 1 de febrero de 2019. The Specials también incluirá a otros miembros originales como son Horace Panter (bajista) y Lynval Golding (guitarrista). La placa ya está disponible en pre-orden en CD (la cual será edición doble e incluirá The Best of The Specials Live) y vinilo.

Además de esto, se ha anunciado una gira en Reino Unido que iniciará el próximo año para promocionar dicho material. Esperemos que se anuncien más fechas y país que incluyan a México en su agenda.

Checa la portada y el tracklist a continuación:

Encore
1.-“Black Skinned Blue-Eyed Boys”
2.-“B.L.M.”
3.-“Vote For Me”
4.-“The Lunatics”
5.-“Breaking Point”
6.-“Blam Blam Fever”
7.-“10 Commandments”
8.-“Embarrassed By You”
9.-“The Life And Times (Of A Man Called Depression)”
10.-“We Sell Hope”

Blondie estrena EP

Blondie: Heart of Glass es el nombre del nuevo EP dela banda.

Blondie es una banda que se caracteriza por su versatilidad, ha experimentado con varios géneros a los largo de todos sus años de carrera, prueba de ello es la canción "Heart of Glass". Esta pasó por diversas modificaciones antes de llegar a ser la canción que conocemos ahora, es por eso que la banda neoyorquina ha decidido lanzar un EP narrando la historia del sencillo.

El EP se titula Blondie: Heart of Glass, y en el se habla acerca de la metamorfosis que sufrió esta iconica canción del grupo, pues se sometió desde cambios de nombre como “Once I Had A Love”“The Disco Song”, antes de llegar a ser "Heart of Glass", hasta cambios de ritmos, como la experimentanción con la balada y el reggae, pero ninguna convenció al grupo liderado por Debbie Harry

El EP está disponible desde el 26 de octubre, en formato vinilo de 12 pulgadas y en todas las plataformas digitales. Blondie: Heart of Glass está compuesto por seis canciones, de las cuales una es versión instrumental, una versión extendida, una mezcla hecha por DJ Shep Pettibone y más sorpresas.

Con el estreno de este nuevo material discográfico, Blondie sorprende con un box set BLONDIE: The Complete Studio Recordings 1975-1982, del cual aún no se han dado muchos detalles.

Escucha el nuevo EP de Blondie.

Exploded View — Obey

Obey: Una colección intima de extraños sueños y deliciosas experimentaciones.

En ocasiones omitimos que la música que escuchamos, así como todo lo que hacen las bandas, tiene la mayoría de las veces como principal objetivo la comercialización de lo que producen. Ósea, es un negocio y todo es un medio con el fin de generar dinero. Sin embargo, existen agrupaciones o artistas que verdaderamente ponen el fin económico en segundo plano, y simplemente están en “este camino”, para expresarse y comunicar de la forma más pura como seres humanos.

Tal es el caso de Anika, una periodista y poeta britano-alemana, que en la última década se ha enfocado a la música a través de diferentes identidades, entre las que se encuentra Exploded View, banda conformada por los mexicanos Hugo QuezadaMartin Thulin y Amon Melgarejo. Juntos, lanzaron un intricado álbum homónimo en 2016, y ahora nos deleitan con Obey (2018), material grabado en nuestro país.

Esta producción sobresale, ya que pese a ser una obra de autor y experimental, no raya en lo pretenciosa y se enfoca en verdaderamente componer música del corazón con una base aterrizada. Esta plataforma era el sonido previo de Anika, una exuberante mezcla de post-punk y rock avant garde. Así, este material nos ofrece un recorrido bastante ameno, pero al mismo tiempo que requiere un esfuerzo al oírlo para digerirlo correctamente. Da tanto como uno quiera proporcionar al escucharlo.

Esto lo notamos desde el inicio con “Lullaby”, un interludio misterioso y ambiguo que da paso a “Open Road”, una dulce balada con delicados samples que te ayuda a visualizar corrientes de agua, llenándote de nostalgia. A continuación, sigue “Dark Stains”, una acelerada pieza con vibras techno, oscura e hipnótica. “Gone Tomorrow” es una colección auditiva de ecos disonantes, que se mezclan perfectamente para envolvernos entre claro oscuros. “Obey”, es una epopeya ruidosa y abrumadora pero que de alguna forma nos lleva de la mano hasta el final.

Hasta el momento la producción ofrece suficiente variedad y merece un aplauso, ya cuida tanto forma y fondo en cada una de las canciones. Como se muestra en “Sleepers” que da un giro total para convertirse en una canción pop con puntiagudas armonías. “Letting Go of Childhood Dreams” es minimalista y cautivante. Ya para ir cerrando, tenemos “Raven Raven”, cuyo puente y estructura nos recuerda a la también clásica “Yang Yang” de Anika. El material finaliza fuerte con “Come On Honey” con una explosión en la batería y bajo, así como con “Rant” que regresa a esa intensidad techno para incentivarnos a agitar todo el cuerpo.

En definitiva, Exploded View nos brinda un complejo disco que vale la pena escucharlo varias veces para desentrañar todas las texturas y sonidos. Y lo que es mejor aún, es que se presentará próximamente en un espectáculo en vivo que nos agasajará por completo, el próximo 15 de noviembre en el Foro Indie Rocks!.

HP Envy presenta: Entrevista con Clubz

Descubre los Destellos secretos en esta entrevista con Clubz.

Destellos, el nuevo material discográfico de Clubz tardó cuatro años en concretarse por completo. Durante este tiempo la banda dio a conocer “El Rollo”, “Popscuro” y “Áfrika”, las primeras canciones de este álbum con las que experimentaron y se mantuvieron vigentes en los medios de comunicación, festivales, conciertos y con sus seguidores a nivel internacional.

“Este disco es muy especial porque nos tomó mucho tiempo su realización, fueron muchas experiencias en distintos estudios de grabación que de cierta manera cierran un ciclo con el lanzamiento. Es un peso muy fuerte que traíamos cargando y que ya liberamos, nos pone muy contentos poder crear nueva música, desempolvarnos. Ya estamos empezando a hacer y producir cosas nueva música y a montar un show en vivo diferente a como lo hemos hecho antes”, confesó Coco.

A partir de Texturas (2014) se sintieron libres de componer canciones más rápido, pero no por eso de menor calidad, fue en ese momento donde comenzaron a experimentar en la producción de sus canciones mediante programas de música como GarageBand y Ableton Live para imprimirles su esencia y que el resultado fuera justo lo que ellos tenían en mente.

“Esta nueva manera de componer nos dio la oportunidad de basarnos en nuestras influencias musicales de los años ochenta como Talking Heads, Michael Jackson o Madonna y bandas contemporáneas como Justice, Daft Punk o Usher. Queríamos una mezcla del pasado con el presente y comenzamos a grabar en Los Ángeles pero no quedamos satisfechos así que comenzamos a hacerlas nosotros mismos”, dijo Coco.

Tener la libertad de hacer un disco ellos mismos, a su tiempo, componer y producir sus canciones como ellos lo imaginan les dio una perspectiva diferente a la que estaban acostumbrados con Texturas o Épocas a partir de las cuales dejaron material para lo que ahora es Destellos.

“Me tocó tomar clases de producción con nuestras canciones que eran tarea, así fue como salió 'El Rollo', la primera canción que lanzamos en que la mezcla fue hecha por nosotros. Ese fue un reto, una meta que cumplimos y que nos movió para hacer “Áfrika” y “Popscuro” en las que sí tuvimos ayuda de Erick con el que mezclamos Texturas, todas las demás fueron mezclas de nosotros y estamos muy contentos de que sea un disco transparente en cuanto a lo que somos”, argumentó Coco.

Para Clubz la producción e ingeniería son la base para conservar el sonido que quieren transmitir mediante su arte por lo que dedicaron la mayor parte del tiempo de la realización del disco para aprender y llevar a cabo todas sus ideas creativas de ahora en adelante.

Destellos suena a música hecha por nosotros. Aquí no hay de que alguien más le metió mano al sonido aunque sí hay mucha gente que participó en arreglos o cosas que necesitábamos para abrir nuestra mente o a tener más ideas pero la mezcla es 100% hecha por nosotros”, mencionó Coco.

En esta época digital en donde las plataformas digitales de streaming están a la orden del día muchos nos preguntamos si el lanzamiento de los producciones musicales físicas sigue siendo un negocio para los artistas y las disqueras. Para Clubz es una inversión desinteresada que ayuda a darle un extra a sus seguidores para que le sean fieles al proyecto completo y para que los vinilos pasen a ser una pieza de arte objeto que se pueda conservar a través del tiempo.

Destellos va a salir físicamente en vinilo por nuestra disquera de Francia que ya lo tiene casi listo, solo falta el arte que acabamos de mandar para que lo terminen. Aquí en Latinoamérica lo sacamos con Buen Día Records con quienes sacamos Texturas. Ya lo quiero tener, siento que es un disco que se va a antojar mucho tener”, dijo Coco.

Lo que los inspiró a realizar todas sus canciones fue la pasión y el amor que le tienen a la música, a los recuerdos de sus primeros acercamientos en la infancia, a lo que escuchaban con sus papás o en diferentes épocas de su vida y que al día de hoy recuerdan con emoción y como un motor para crear un sonido propio y fiel a ellos mismos.

“Lo que me inspiró musicalmente hablando fue los discos que escuchaba de pequeño en las tiendas o las canciones que grababa en casetes como “Billie Jean” o “Like A Virgin” de Madonna. Ahora al tener el control de la producción empezamos a retomar estos discos, recuerdo perfecto que cuando escuché “Thriller” en vinilo con oídos de productor y empecé a toparme con sorpresas que me hicieron entender por qué ese disco tuvo ese alcance”, contó Coco.

La realización de Destellos fue un reto superado para Orlando y Coco en el que aprendieron a escuchar con oídos de productores, a diseccionar las canciones y a implementar este conocimiento en sus propias canciones. En conclusión esta producción musical fluyó casi sin esfuerzo junto con las colaboraciones en las que se le dio el lado femenino que se requería para obtener el resultado final.

“Las colaboraciones salieron de manera orgánica, eran parte de la búsqueda para lograr este sonido. Hay canciones que interpretadas por nosotros no se sentían natural así que nos encontramos con distintas artistas como Ela Minus, Buscabulla y Girl Ultra”, comentó Coco.

Para terminar esta entrevista Coco recomendó que cuando escuches Destellos lo reproduzcas completo de principio a fin, con audífonos para que descubran una serie de secretos escondidos y de ser posible que sea en vinilo para que disfrutes de cada arreglo e instrumento, en conclusión para que obtengas por completo la experiencia que envuelve el sonido de Clubz.

Lee este y más contenidos de Indie Rocks! en una Envy x360.

#SeguimosReinventando

Earthless + Mars Red Sky en SALA

Fotos Jaime Fernandez

Un cósmico ritual para celebrar a los muertos.

En ocasiones cuando eres una pequeña productora, que apuesta todo lo que tienes por amor a la música, ciertas complicaciones suelen aparecer: retraso en horarios, logística en general, fallas en el audio y mínimos detalles, casi siempre con solución casi inmediata, que con experiencia van mejorando y previniéndose en cada ocasión. Es aquí donde KILL PILL KLVB entra, un equipo de trabajo que se ha encargado por dos años de ofrecernos shows con música potente. Que no le importa arriesgarse en traer bandas como 1000mods o James Leg. Que le gusta el ruido y quiere traer proyectos que en ocasiones era casi impensable creer que vendrían a México. Uno de esos contados grupos de trabajo que lo da todo para presentarnos una experiencia completa en cada espectáculo. De aplaudir que dejen el corazón en su trabajo.

Y como hay que reconocer y ovacionar su ímpetu, también hay que recalcar algunas mejoras que podrían tomar en cuenta. La primera fueron los 40 minutos de espera para abrir puertas, donde gran parte del público se estaba desesperando y congelando por la fría ráfaga de viento que inundó la ciudad el pasado sábado. La segunda que no entiendo muy bien cómo o por qué pasó, fue la integración de una banda argentina que tocó por 10 minutos y terminó en un parpadeo su presentación. Tal vez otra de sus apuestas, pero el poco público que pudo ver su show nunca conectó con el proyecto, y hasta en algunas pláticas se llegó a escuchar la supuesta cancelación de The Cavernarios para cubrirlos. Aún así, todo seguía su curso y la noche prometía bastante buena música. Y no, por fortuna nadie canceló y todos se presentaron de acuerdo al itinerario.

La noche podría decirse que empezó pasadas las 21 H., momento en la que “El Patas” y “El Warpig” se subieron al escenario para poner música con sus ya clásicos DJ sets. Los afamados locutores de radio son muy conocidos desde hace años por su incursión en Reactor, además de pertenecer a Black Overdrive y Lost Acapulco respectivamente. En las bocinas del lugar sonaron desde “Lay Down” de Priestess hasta clásicos de Deep Purple, mucha música que en ocasiones te transportan a una época de tu vida. Que son un flashback de la música con la cual creciste y forjaste tu gusto musical. Muy buen setlist, aunque faltó un poco más de audio para empezar a calentar al público.

Cuando la música grabada y mezclada dio fin, The Cavernarios tomó por asalto el escenario y los cuatro integrantes comenzaron con una fugaz afinación. Aquí hay que aplaudir otro acierto de los organizadores: cómo decoraron el escenario. Es cierto, así como llaman a su evento “Las noches de Halloween”, no se desapegan de la celebración de Día de Muertos y podías ver en algunos sectores de las tarimas una linda decoración de nuestras tradiciones. Muy ad hoc para proyectar lo que es México y su cultura.

The Cavernarios Kill Pill KLVB Jaime Fernandez

Regresando a la agrupación mexicana, los cuatro neandertales ya son un referente en la escena mexicana. Con su fusión de garage, fuzz y surf el público coreaba sus clásicos que datan desde principios del milenio. “El mono”, “No quiero cambiar” y “Motorama” hacían a todos los asistentes mover el pie, la cabeza o el esqueleto. Ya quedó atrás esa injusta reclusión de Danny Lobo, todo como una mala experiencia y una muestra de nuestro carente sistema judicial. Ahora The Cavernarios demuestra que siguen vivos, que tienen un excelente sonido en directo y que su esencia primitiva tiene muchas ganas de seguir pudriendo cerebros. El bajista, sobrenatural.

Con 40 minutos de música cavernícola que sacaba nuestra alma aborigen a flote, llegaba el turno de uno de los proyectos que más me ha sorprendido en el último año: Mars Red Sky. Aquí hay que recalcar otro punto, en Europa están naciendo bandas de stoner y desert rock que tienen muchísimo potencial. No necesitaron el árido desierto californiano para surgir, alaban esos riffs ralentizados, fuertes y crudos que caracterizan el género. Lo adecuaron y se adueñaron de uno de los sonidos más underground y de culto que han existido.

El trío de Bordeaux lleva 11 años en activo, y ya son conocedores de cómo manejar al público, pero se notaban bastante sorprendidos por el recibimiento de los mexicanos, ya que era su primera visita a nuestro país. Todos son unas bestias, Julien Pras podría parecer todo excepto un brutal guitarrista de stoner, que tiene una melodiosa e hipnótica voz. Mientras que Jimmy Kinast y Mathieu Gazeau sí podrían ubicarse entre el clásico estereotipo. Pero la música no es para etiquetar, ni para saber si tu estilo como persona engancha en un género. Se trata de saber qué puedes hacer con un instrumento en las manos y en el cómo puedes proyectar sentimientos y emociones por medio de música.

Mars Red Sky es intratable. Una colosal y violenta saga de riffs que te volaban el cráneo y te destruían tus oídos. Pero además también son un viaje espacial y psicodélico que te expulsaban de la órbita. Una de las mejores bandas que he podido ver este año. Con un set que recorrió “The Light Beyond”, “Apex III”, “Marble Sky” y “Strong Reflection”, el trío de igual forma presentó una canción inédita. Nada que reclamar, un set perfecto que culminó en una tremenda ovación. Los integrantes celebraban con ademanes de sorpresa, ahora saben que pueden regresar a México en cualquier ocasión. Nos gusta la música distorsionada y entre más alto suene, mejor.

Mars Red Sky Kill Pill KLVB Jaime Fernandez

Y es cierto, las fallas ya habían sido olvidadas y la música de nueva cuenta había curado todo, como debe de hacerlo, ahora solo faltaba el plato fuerte: Earthless. ¿Hubo setlist? Claro, se tocaron seis canciones y se cerró con un cover, pero el ruido nunca terminaba, nunca. Isaiah Mitchell, Mike Eginton y Mario Rubalcaba son algo en verdad muy especial, llevan al público a no dejar de moverse por hora y media sin descanso. Solos de guitarra de 10 minutos, una conexión tremenda como banda e improvisaciones prodigiosas. Ver a Earthless en directo es como estar frente a una banda de jazz. Todos en su propio Universo, tocando como unos locos desenfrenados.

Primero apareció From The Ages con “Uluru Rock”, pero el proyecto californiano se enfocó en su Black Heaven lanzado este año, interpretando el tema que le da título al material, “Volt Rush” y “Electric Flame”, todas extendidas y con más arreglos de los que se pudo escuchar en grabación. Es un poco de la magia que hace a Earthless único, que los integrantes destrozan sus canciones en vivo y las llevan muy lejos. Explotan un minuto para convertirlo en cinco, no les interesa si existe un tiempo límite, les importa crear y crear más. Para cerrar la épica noche, el alma de Jimi Hendrix fue sustraída de entre los muertos y sonó el clásico “Purple Haze”. No puedo imaginar mejor encore ni nadie que podría interpretar el tema con tal maestría como Earthless.

Es bueno asistir a esta clase de eventos y que existan productoras que se interesen por su público. Sabemos que la lucha monopólica es gigantesca, pero siempre que surgen estos grupos de trabajo y amigos que hacen las cosas con amor, se agradece de corazón. Esperemos muchísimo más de KILL PILL KLVB, lo tienen todo para convertirse en un referente de la escena nacional. El sábado celebramos a los muertos prematuramente, pero volvimos a recordar que el rock nunca muere.

Yelle en el Foro Indie Rocks!

Fotos Bere Rivera

¿Acaso es posible dejar de bailar en un concierto de Yelle?

Después de tres años de ausencia, la banda francesa Yelle regresó a México para presentar su Tour Club Party en la Ciudad de México, Monterrey y Guadalajara. Las expectativas eran altas para la primera presentación que se llevaría a cabo en el Foro Indie Rocks! mientras la gente comenzaba a llenar poco a poco el recinto para recibir a la agrupación.

Poco después de las 21 H, apareció el grupo francés Paprika Kinski, que se mostró emocionado por estar presente de nueva cuenta en México. La sensualidad y los beats comenzaron a hacer efecto, las parejas presentes bailaban entre ellas y aplaudían frenéticas a la agrupación liberada por Amandine Nokia, quien bromeaba con los asistentes diciendo que si en ese momento no la seguían en redes sociales Yelle no se presentaría.

Eran las 10:30 H. cuando los gritos de los asistentes anunciaban la presencia del acto principal. Yelle apareció con un atuendo entallado color púrpura que resaltaba su figura ante la mirada atónita de los espectadores. La fiesta comenzó con "Ici & Maintenant (Here & Now)", desatando los pasos de baile de varios espectadores desde el primer acorde pero fue con "Je Veux Te Voir" que los asistentes enloquecieron convirtiendo el lugar en una gran pista de baile.

Los temas "À cause des garçons", "Que veux-tu", "Roméo", "Comme un enfant" y "Safari Disco Club" retumbaron en el lugar. La agrupación francesa no dejaba a nadie indiferente, resultaba imposible no mover el cuerpo al ritmo de la música.

El grupo se veía emocionado por la reacción del público, quienes no dejaban de corear y aplaudir durante las canciones. La banda francesa no paraba de interactuar con los asistentes quienes cada vez elevaban más los niveles de euforia en el recinto contagiando hasta los más escépticos.

Entre besos y sonrisas, Yelle agradecía a los asistentes por su baile y amor, mientras que DJ Grand Marnier también dirigía palabras de incredulidad hacía el ambiente que se vivía e incluso aprovecharon para grabar las reacciones de la audiencia.

Finalmente había llegado la hora de terminar la fiesta, a lo que Yelle se despidió diciendo “Muchas gracias, México, te quiero mucho”, enloqueciendo aún más al público quien gritó por varios minutos emocionado “otra, otra…”.

Top 5 con los mejores tracks de la semana

Te compartimos este top con los mejores 5 nuevos tracks de la semana en este Top Indie Rocks!.

Mucha música se ha estrenado en este 2018, releases y sorpresas de los proyectos que recomendamos para tu oídos, pero nuestro equipo editorial hizo una selección muy especial para el top 5 de los mejores tracks de la semana del 22 al 28 de octubre de 2018. Aquí encontrarás diferentes géneros y ritmos que te pueden acompañar durante el fin de semana. Hay canciones como “Blood and Rockets” de The Lennon Claypool Delirium, banda conformada por Sean Lennon Les Claypool, quienes anunciaron que se publicará su segundo álbum de estudio, South Of Reality, el 22 de febrero del próximo año a través del sello discográfico ATO Records; “Freelance” de Toro y Moi que será incluido en su próxima placa llamada Outer Peace, la cual verá la luz el próximo 18 de enero de 2019 bajo el sello Carpark Records; “Siete” de Nicola Cruz, un corte de 5:47 minutos, lleno de percusiones, instrumentos de viento, influencias andinas y sonidos latinos. Escúchalo a continuación; “Hollow Days” de Twin Shadow, en el que busca explorar nuevos ritmos como la bachata, aunque no ha dejado de lado los temas country; y muchos más.

Escúchalos a continuación y no olvides decirnos cuál es tu favorito en nuestras redes sociales:

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Él Mató a un Policía Motorizado en SALA

Fotos Paola Baltazar

Bajo luces palpitantes y emotivas: Él mató a un Policía Motorizado.

En el escenario la banda argentina comenzó el recital con su honestidad musical por delante. Santiago Motorizado (voz y bajo) con su particular mueca para alcanzar las notas más altas, como si estuviera a punto de llorar, con los pliegues de los labios hacia abajo y la boca abierta, arrancó bien en su sitio, liderando al resto del equipo: Doctora Muerte (batería), Pantro Puto (guitarra), Niño Elefante (guitarra), Chatrán Chatrán (teclados) y el no tan nuevo integrante: Lalito (percusiones).

Las primeras tres canciones: “El magnetismo”, “La síntesis O'Konor” y “La noche eterna” (estás dos últimas de su más reciente disco) salieron tibias y fueron minutos lentos, como si la bestia sonora tardara en despertar. Y es que lo sabemos, un concierto se compone de la banda, el público y el lugar donde estas dos partes se encuentran. Por un lado, fueron necesarios varios minutos para que la banda entrara en calor; el público, se confirmó, en su mayoría está compuesto por nuevos seguidores que conocen bien el más reciente LP La síntesis O’Konor, pero que en canciones como “Terrorismo en la copa del mundo” se apagan, no solo porque son temas desconocidos, sino porque es un sonido distinto al Él Mató que están acostumbrados. Y SALA, que uno no termina por entender si es un acierto que la pista tenga escalones largos, porque sí, permite que todos vean bien, pero resulta difícil bailar –uno de los objetivos que el público tiene al ver en vivo un grupo de rock–.

En el cuarto tema, “El baile de la colina”, ya público y banda entraban en sintonía. Las guitarras distorsionadas, sello de la casa, lograron tejer un puente con las ganas más profundas de bailar (como se pudo) y la voz de Santiago, que mejoró. El juego de luces, sencillo pero bien armado, fue clave para complementar las emociones nacidas en la música y en las letras. Luces que acompañaban ciertos ritmos precisos, como se mostraron en “Día de los muertos”, pero también en “Amigo piedra” y “Chica de oro”.

La canción más coreada fue “El tesoro”, tema en el que la banda no aflojó. Él Mató ya estaba bien metido en su mundo, siempre con la intención de dejar entrar a todo aquel que asistió a verlos. Aquí ya sonaban a un conjunto experimentado pero siempre en constante búsqueda. Pasadas 15 canciones, la bestia musical, el espíritu punk y el talento de cada integrante, llevaban rato palpitando bajo esas luces. En “Mujeres bellas y fuertes” incluso hubo una sorpresa para sus más expertos seguidores, pues Santiago, que a veces cargaba su bajo como a un peluche y otras como a un rifle, hizo sutiles cambios al fraseo para entregar uno de los temas más redondos.

Se fueron a un descanso con sonido de sirenas, ahí, manteniendo la tensión que habían logrado no de manera fácil. Volvieron al escenario en la línea de seguir entregando todo, y en “Fuego” fueron brutales las percusiones de Lalito, bien colocadas, necesarias para seguir con aire puro el recital. Él Mató erizaba la piel de los asistentes.

23 canciones en total, que incluyeron un tema nuevo y un final bien emotivo desde “Más o menos bien”, que dice: “desconocido, espero tus problemas se acaben, y así volver a la senda del bien. Desconocido, dobla tu energía en partes iguales  y todo va a estar más o menos bien”. Fueron el resultado de otro concierto de una de las bandas más importantes del rock en español de los últimos años. En su recital le costó pero palpitó llena de vida, bajo esas luces blancas, rojas y azules que no se apagaron.

Nuevo disco de Swervedriver

Foto: Steve Gullick

Swervedriver confirma todos los detalles de Future Ruins, su siguiente álbum.

En 2015, la banda de Oxford volvió con I Wasn't Born To Lose You, su primer disco en 17 años. A pesar de las buenas criticas de su último material, muchos pensaron que no habría un sucesor por la falta de difusión. Sin embargo, el grupo ha sorprendido a todos sus fans con el anuncio de un nuevo disco.

Swervedriver ya tiene planes para el próximo año con Future Ruins, su quinto álbum de estudio, que saldrá el 25 de enero del 2019 a través del sello discográfico independiente Dangerbird Records. Esta será la primera vez que el grupo trabaja con la disquera californiana.

Junto al anuncio, la banda compartió un adelanto con "Mary Winter", tema que abre el disco. El track relata la historia de un hombre espacial que trata de recordar como es la vida en realidad, pues ha permanecido demasiado tiempo en la nada.

Esto fue lo que dijo el vocalista de Swervedriver, Adam Franklin, sobre su regreso a los estudios. "Me encanta estar de vuelta con la banda. Estamos tocando en lugares que no habíamos visitado en mucho tiempo o en lugares nuevos, como Singapur, donde había niños de 20 años y están cantando las nuevas canciones. No queremos ser la banda que toca sus viejos éxitos. Estamos contentos de tener un montón de nuevas canciones".

Tracklist de Future Ruins:

  1. "Mary Winter"
  2. "The Lonely Crowd Fades in the Air"
  3. "Future Ruins"
  4. "Theeascending"
  5. "Drone Lover"
  6. "Spiked Flower"
  7. "Everybody’s Going Somewhere & No-One’s Going Anywhere"
  8. "Golden Remedy"
  9. "Good Times Are So Hard to Follow"
  10. "Radio-Silent"

Empress Of estrena el video "I Don't Even Smoke Weed"

Nuevo disco de Empress Of y  audiovisual de “I Don’t Even Smoke Weed”.

Hace unos días la talentosa artista Lorely Rodriguez, mejor conocida como Empress Of, lanzó su nuevo álbum titulado Us, el cual fue compuesto en completa intimidad, durante un mes en el que vivió en solitario con sus nuevas canciones, buscando los mejores acordes para cada una. Unos días antes del estreno la cantante decidió lanzar como single “I Don’t Even Smoke Weed”, el día de hoy estrena su video.

“I Don’t Even Smoke Weed”, habla acerca del amor y las luchas que deben hacerse contra la vulnerabilidad y la duda de la que muchas veces nos volvemos víctimas. Es una melodía pop llena de intensidad y fuerza, que logra hacerte sentir alguien nuevo después de escucharla.

El audiovisual fue dirigido por ella misma, inicia con Empress Of en el centro de una habitación ambientada con colores vibrantes, comienza a cantar y llena la sala con su sola presencia. Entre sensuales danzas poco a poco en el lugar se pueden distinguir diversas personas que bailan entre ellas. Entre escenas alternativas las personas aparecen y desaparecen para darle protagonismo a la artista.

¡Mira este video!

“I Don’t Even Smoke Weed” ha sido alabado por la critica. “Lorely Rodriguez ha creado un universo brillante y fácil para existir, y cada uno de nosotros salimos del otro lado sintiéndonos renovados”, según Noisey. “Una clase magistral de composición pop”, ha escrito Rolling Stone, y The Guardian dijo. “Electro-pop flexible y silenciosamente devastador que está lleno de carácter”.