Gorillaz en el Palacio de los Deportes

Fotos Cynthia Flores

Gorillaz: Mexillaz, un amor correspondido.

Desde la tarde anterior al concierto comenzaron a surgir en las redes sociales pruebas fotográficas del paso de Damon Albarn y compañía por la Ciudad de México. Selfies afuera del Condesa DF, videos de la banda en los pasillos de la Arena México antes de disfrutar de un poco de lucha libre, mariachis, más selfies con fans... Los mexicanos son un público particularmente fanático de la agrupación británica y al parecer el amor es correspondido.

Sin embargo: la banda no había tocado en estas tierras en solitario desde el 2002. ¡16 años! Eso sí, Albarn vino con su proyecto de solista en 2014 para tocar en el Corona Capital y en 2017 fue visto paseando en distintos puntos de la ciudad como el ya mencionado Condesa DF y las trajineras de Xochimilco. Después, Gorillaz tocó en el Vive Latino de este mismo año para promocionar Humanz. Así, en agosto terminó la espera por el ansiado concierto, cuando la banda de personajes ficticios anunció a través de un video de mariachis tocando “On Melancholy Hill” que volvía al extinto DF para cerrar la gira Then Now Now World Tour.  La emoción no se hizo esperar. Este sería el último concierto de la banda en lo que en entrevista, Albarn anunció como un receso de 10 años. ¿Será?

Llegó el día y desde el inicio todo fue memorable. Alrededor de 20 o 22 mil personas comenzaron a llegar al Palacio de los Deportes, que para las 21 H. ya estaba abarrotado. Había padres con hijos pequeños en hombros, papás con hijos pre adolescentes, muchos treintañeros que crecieron escuchando “Clint Eastwood”, uno que otro miembro de la generación Z y celebridades como Leonardo de Lozanne (también acompañado de dos de sus hijos).

Para arrancar el ambiente, Jupiter & Okwess International agrupación del Congo hizo lo suyo y poco a poco sedujo a todos los asistentes con sus ritmos: las cabezas de la audiencia comenzaron a bailar de derecha a izquierda, mientras sus piernas seguían cada compás y sus rostros se iluminaban con sonrisas empáticas. Además, cuando el vocalista presentó a cada miembro del grupo, éstos  recibieron gritos y aplausos dignos de destacar para una banda telonera.

A las 21:30 H. en punto el escenario se pintó de verde mientras la palabra hola –en inglés y escrita en rosa– daba la bienvenida al show de Gorillaz que arrancó con “M1 A1”, seguida de “Tranz”. Para saludar, Albarn dijo “Buenas Noches” en español y agradeció a todos por estar ahí. También sonaron, “Last Living Souls”, “Tomorrow Comes Today”, “Every Planet We Reach is Dead”, “Magic City”. En algún punto, de la noche, mientras entonaba “19-200”Albarn se hizo de una bandera de México que rescató del público y jugó con ella con orgullo para luego dejarla colgando en la bolsa de su pantalón, en el cual también guardó lo que parecía ser un collar o rosario obsequiado por un fan.

 

 

Los aplausos incrementaban cada que Albarn cambiaba de instrumento, presentaba a uno de sus invitados –como De la Soul, Bootie Brown y Jamie Principle– o hacía señas para pedir que la gente bailara. Frente a su piano volvió a agradecer y destacó lo especial que era el público mexicano, apasionado, entregado. Damon parecía verdaderamente conmovido, al igual que cuando comenzó a sonar “On Melancholy Hill” e hizo una sonrisa pícara al ver la reacción de la gente –aunque suene a cliché– literalmente entregada a la música.

Entre las más aplaudidas, destacaron, obvio, las super coreadas “Feel Good Inc.”, y “Clint Eastwood”, la bellísima “Plastic Beach”, y la casi de culto “Latin Simone” (que formó parte del encore y contó con la participación de Abel Virelles González).

En total fueron 27 canciones las que hicieron a miles de personas bailar (por momentos se sentía que temblaba el piso, y por qué no, si nuestro festejo de un gol en México se plasmó en la escala de Richter, seguro nuestro amor por Gorillaz también) y así entre agradecimientos para quienes son su familia luego de dos años de gira, nostalgia, peticiones de aplausos para sus colaboradores en el escenario, visuales increíbles y apariciones vía video de personajes como Jack Black, Gorillaz y México volvieron a declararse amor mutuo. Ojalá no pasen 10 años para que una noche como esta se repita. Mientras tanto, una certeza: Damon Albarn es EL ÍCONO de más de una generación.

Gene Gallagher ya tiene una banda

Con Grimmo, Gene buscará seguir los pasos de su padre, Liam Gallagher.

Es común que, cuando los hijos de músicos forman sus propios proyectos, las cosas no siempre resulta bien. Pero hay algunos casos, como el de Sean Lennon o Rufus Wainwright, en los que logran conseguir su propia audiencia y alejarse de las sombras de sus padres.

Los hijos de los Gallagher parecen bastante prudentes y ninguno se ha arriesgado a incursionar en la música, hasta ahora, ya que Gene, el menor de la familia, ha anunciado la creación de su banda. Esto se hizo a través de la cuenta de Instragram del joven, donde compartió una foto del grupo.

 

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La agrupación de Gene se llama Grimmo y está conformada por sus amigos Cody Grimaldi y Alf Carroll. Al parecer, Gene es el vocalista y guitarrista de este proyecto.

Debemos recordar que el año pasado su padre Liam Gallagher dijo que Gene estaba desesperado por formar una banda y que, aunque jamás lo ha escuchado cantar, tiene el estilo y la actitud para lograr algo interesante, además confesó que su hijo es muy bueno con la guitarra.

Por su parte, Lennon Gallagher, hermanastro de Gene, se dedica al modelaje. Su hermanastra y primogénita de Liam, Molly, a penas se está uniendo a la familia.

Bryan Ferry sacará nuevo disco

Con Bitter-Sweet, Bryan Ferry vuelve a sacar su amor por el jazz.

El mítico líder de Roxy Music ha estado alejado de los estudios por un buen rato; su último disco, Avonmore, salió en noviembre del 2014. Sin embargo, parece que el interprete ha encontrado nueva inspiración y está por publicar su decimosexto álbum de estudio.

Lo nuevo de Bryan Ferry llevará el título de Bitter-Sweet y saldrá el próximo 30 de noviembre a través del sello discográfico BMG Records. Este llama la atención porque saldrá bajo el nombre de él y su orquesta, tal y como lo hizo con el disco The Jazz Age.

Cabe recordar que el músico participó en la banda sonora de Babylon Berlín, serie de Netflix que salió el año pasado y que aborda la historia de un inspector de policía que investiga a una red de pornografía en 1929. Algunas de las canciones de este soundtrack vienen en el nuevo disco de Ferry.

Las demás canciones de Bitter-Sweet son reinterpretaciones de algunos tracks de Roxy Music y otras de la carrera de solista de Bryan Ferry.

Puedes escuchar la canción principal justo aquí:

Tracklist de Bitter-Sweet:

1. "Alphaville"
2. "Reason Or Rhyme"
3. "Sign Of The Times"
4. "New Town"
5. "Limbo"
6. "Bitter-Sweet"
7. "Dance Away"
8. "Zamba"
9. "Sea Breezes"
10. "While My Heart Is Still Beating"
11. "Bitters End"
12. "Chance Meeting"
13. "Boys And Girls"

¡Nuevo álbum de Thom Yorke para 2019!

Los deseos de no incluir la política en su discurso musical dan lugar a que el Brexit, la corrupción del gobierno británico y la apatía social ante la coyuntura sean los pilares del próximo material discográfico de Thom Yorke.

El pasado domingo 21 de octubre el diario español El Mundo publicó la charla entre Pablo Gil y el intérprete de "A Brain in a Bottle". Además de los flashbacks de su autoexigencia y la frustración en los primeros años de Radiohead, Yorke declaró que se encuentra trabajando en un nuevo álbum para 2019.

Con el reciente estreno de Suspiria y su participación en el soundtrack de ocho películas, las y los entusiastas de Thom Yorke pueden coincidir con el músico en que "está loco porque no sabe parar". Si bien el líder de Radiohead no ha decidido la fecha de lanzamiento ni el número de canciones, se pueden hacer expectativas a través de claves como tener a Nigel Godrich en la producción, guiarse por ejes políticos y por construirse en un proceso creativo improvisado que dio como resultado sonidos y efectos electrónicos. "Ha sido una forma muy rara de hacer un disco, lo que hace que sea muy emocionante" afirmó.

Al señalar al Brexit, las acciones del gobierno de Reino Unido y la postura de conformismo hacia el "Sí, obvio hay corrupción en las decisiones políticas" como parte de un espectáculo terrible, Yorke declaró que por mucho que quiera distanciarse del clima político "todo se dirige a eso". El interés por cantar sobre el mundo de hoy –regreso de los gobiernos de ultraderecha, casos de corrupción, olas de violencia y crisis de credibilidad en las instituciones– ha caracterizado la trayectoria musical del músico. A finales de los años 90 catalizó la rabia ante el mandato de George W. Bush con el entone colectivo de "Derriba al gobierno. Ellos no hablan por nosotros" en "No Surprises" y este año –a través de los versos de "Has Ended"– mantuvo su rechazo a los fascistas. Además de alargar su historial de declaraciones políticas –basta recordar sus comentarios hacia Tony Blair y David Cameron– el próximo material discográfico apunta a demostrar que, como bien expresó en 2017,  nuestra generación creció con la política y encuentra en la música una forma de expresar la indignación.

 

 

Nuevo box set de Elvis Presley

La edición de aniversario del '68 Comeback Special trae grandes sorpresas para los fans de Elvis.

A finales de la década de los años sesenta, uno de los momentos clave en la carrera de "El Rey" fue su regreso a la televisión, ya que pasó siete años concentrado en su trabajo como actor de cine. Están a punto de cumplirse 50 años de ese momento y es por eso que saldrá un box set especial con grabaciones del evento.

Aunque el especial se llama Singer Presents... Elvis, siempre se mencionó como el '68 Comeback Especial, y ese es el nombre que llevará la caja, compuesta por 5 CDs y 2 discos de Blu-ray y que saldrá el próximo 30 de noviembre.

Elvis Presley
1968 Come Back Special
**I.V.

Esto fue lo que dijo D.J. Fontana, antiguo baterista de Presley e integrante de la banda de apoyo, The Wrecking Crew. “Elvis casi nunca estaba nervioso, pero sí lo estuvo en ese momento. Tocamos un par de canciones y se fue al cabo de un rato, y la cosa resultó bien. Él había estado fuera de la mirada pública durante un buen tiempo”.

El box set de Elvis Presley también incluirá un libro de 80 páginas con fotografías y varias entrevistas, además de un doble LP con todas las canciones del álbum compilatorio The King in the Ring, que fue lanzado a principios de año en el Record Store Day.

You Me At Six — VI

Del rock al pop en 10 canciones.

You Me At Six: ¿es rock?, ¿es pop?, ¿es una letra desgarradora ahogada en guitarrazos y sintetizadores con beats bailables? En su última entrega, titulada simplemente VI, la banda británica desafía los géneros y los mezcla sin perder una sola oportunidad para crear algo completamente diferente a lo que hubiéramos esperado.

VI comienza con “Fast Forward” y una potencia rockera que recita “When you feel the fire is gone, I’ll pour some gasoline on”. Esta es la única muestra de actitud retadora, pues después, solo encontramos letras cursis sobre un vacío emocional de madurez adolescente.

Sin embargo, estas letras obvias sobre desamor y el camino a encontrarse a sí mismo están cubiertas de beats divertidos y cadencias bailables totalmente disfrutables en la superficie. “Straight to My Head” podría ser algo arriesgado de Imagine Dragons: romántica y pegajosa. Mientras que “Back Again” tiene un puente de guitarra tan ligero y accesible que asegura mínimo un movimiento de cabeza.

“3 AM” puede pasar desapercibida en este disco al bajar el ritmo a comparación de las demás canciones. Sin embargo, al aislarla, es todo un hit. Por otro lado, si bien el rock brilla por su ausencia, el bajo se destaca en el inicio de “I O U”, aportando una apreciable sorpresa a pop que envuelve a todas las piezas. Y “Danger”, con una energía incansable, despierta hasta al más apático.

Vale la pena escuchar VI por dos razones: es refrescante y audaz. You Me At Six nunca ha temido aventurarse a diversificar las influencias y sonidos en sus entregas, esta es la perfecta evidencia. Al parecer, para ellos no se trata de tener un sonido característico, la voz de Josh Franceschi basta, sino de experimentar y probar cosas nuevas sin prejuicios y sin descartar ninguna posibilidad.

Corona Capital 2018: Entrevista con San Fermin

San Fermin: el vínculo entre lo clásico y lo popular.

Se cree que la música clásica y la música popular se cuecen aparte, pero para Ellis Ludwig-Leone fue un proceso natural el entrelazar elementos de ambas, y dejarse llevar por su pasión de compositor. Así nació San Fermin en 2013, como consecuencia de las inquietudes de un artista explorando sus capacidades. Con dos EPs y tres álbumes de estudios, los de Brooklyn despiertan cada vez más interés diferentes públicos, tal como el mexicano.

Con motivo de su próxima presentación en el Festival Corona Capital, Indie Rocks! platicó con el líder de la banda, quien habló de los pros y contras de ser parte de una agrupación, de su desarrollo como compositor, así como de la influencia de Trump en su último disco.

San Fermin es una banda compuesta por ocho integrantes, en la cual, siete músicos ejecutan la música que Leone compone en solitario. Así es, San Fermin solo se reúne para ensayar, grabar, mezclar, y salir de gira. Aunque parezca extraño, este modus operandi no es extraño para Leone, pues como compositor clásico, esa ha sido su forma de trabajar desde hace varios años: escribir para que una orquesta ejecute. Sin embargo, el músico reconoce que el ser una banda de tantos miembros a veces complica las cosas. "Es un poco difícil, porque ya sabes, el dinero se reduce más cuando es para ocho personas, que cuando es para dos o tres, y cuando vamos de gira es más complicado porque también es el staff. Pero tener tantas personas también nos ayuda adaptarnos más fácilmente a las situaciones como cuando alguien está enfermo o lastimado". Además, el artista confesó que con los años la amistad ha crecido, y hoy en día la agrupación es como una familia.

Por otro lado, el músico de conservatorio compartió que a pesar de su formación clásica, géneros como el rock y el pop siempre han sido parte de su vida. "Siempre he amado el rock y el pop, pero también me gusta escribir música para instrumentos musicales, eso es lo que estudié. Pero no fue hasta mi último año de universidad en que empecé a pensar que podría juntar ambas cosas. Incluso cuando terminé de escribir el primer álbum (San Fermin), no pensé que tendría una banda; pensé que solo sería un disco que subiría a internet, y tal vez haría un CD, pero solo eso. Así que ha sido una gran sorpresa y un gran placer".

A pesar de que Leone, cuenta con una larga trayectoria como compositor, la lírica fue un tema que no exploró hasta San Fermin (2013), y recuerda que lo más sencillo para él fue recurrir a personajes ficticios para poder contar historias personales. "Da mucho miedo abrirte al tipo de escrutinio que viene de estar en un banda. En mi primer y segundo álbum, aún no tenía mucho tiempo como letrista, era muy joven, y no estaba seguro sobre qué quería escribir, así que me ayudó pensar en las personas cantando temas de personajes que no fueran yo". Asimismo, el artista comentó que no lee la reseñas de su música, y que únicamente se asegura de que sus discos le gusten a sus amigos cercanos.

Belong (2017), la última producción de San Fermin es un álbum en el que Leone perdió el miedo a escribir desde lo personal, y se aventuró a hablar de temas que hoy cobran popularidad entre las sociedades del mundo: la ansiedad. No obstante, la ansiedad es una problemática emocional presente en la vida de la mayoría de las personas pero que, por tabúes, durante muchos años se mantuvo lejos de los reflectores. Como una forma de liberación y un trabajo de honestidad, el músico se atrevió a hablar de las luchas que enfrenta en su día a día. "Ahora me siento más seguro al escribir canciones. Me siento mejor escribiendo desde mi propia perspectiva, porque puedo decir lo que quiero sin ser tan melodramático", expresó el artista.

Aunque Leone manifestó que el escribir sobre su vida le ha aportado una visión diferente sobre sus circunstancias, destacó que la música jamás podrá reemplazar a la terapia tradicional. "Dudo en hablar de la música como terapia verdadera, porque definitivamente no lo es, no es algo en donde realmente estés enfrentando los problemas. Sin embargo, me he sorprendido en cómo el proceso de escribir álbumes ha cambiado mi punto de vista sobre las cosas. En mi primer disco escribí sobre el miedo a crecer y estar inseguro de quien quería ser. Cuando terminé ese álbum sabía quién quería ser. Quería ser músico. Así, en el disco más reciente escribí sobre la ansiedad, y aunque no he curado ese tema, me siento más seguro hablando ello".

Recordando, con cierta nostalgia, y consternado todavía, Leone dice que el proceso de post producción del álbum fue una montaña rusa de emociones, y preocupación por su país. "Cuando terminamos de grabar el álbum, volé a Los Ángeles a mezclarlo. Esa fue la noche de las elecciones presidenciales. Cuando tomé el vuelo no sabría quién ganaría, y cuando aterricé, Trump había ganado. Eso fue sorprendente para mí, la banda, y casi todos con los que trabajo. Al día siguiente teníamos que ir al estudio a tratar de mezclar, y todos estaban deprimidos. Fue muy duro empezar a trabajar. Realmente se capturó esa esencia en todo el proceso de mezcla, y hoy todavía recuerdo ese momento agridulce, extraño, y difícil para nuestro país".

A pesar de las circunstancias y desavenencias políticas, San Fermin continúa la promoción de Belong, con su primer visita a nuestro país. De acuerdo con Leone, México no le es un país desconocido, pues ha visitado la Península de Yucatán en varias ocasiones gracias a que su mamá es pintora y retrata a la gente que bucea en los cenotes. No obstante, se encuentra nervioso y emocionado por descubrir el misterio que esconde la emblemática Ciudad de México y su gente. "Estoy un poco nervioso. Todos quieren conocer ese lugar, pero lo más importante es que no quiero fallarle a nuestros fans que han estado esperando años para que vayamos".

Bob Moses — Battle Lines

Battle Lines: Es electrónica, cachonda, pero con una dosis de ternura.

11 canciones conforman Battle Lines, el nuevo álbum del dueto canadiense Bob Moses. El viaje arranca con los coros de “Heaven Only Knows” que reza: "Sacrificar toda tu vida, las cabezas cuelgan pesadas cuando hay sangre en la línea. Está justificado, no preguntes por qué. Porque el cielo solo sabe”, y precisamente solo el cielo sabe a cuántas otras canciones nos recuerda este tema pegajoso, bien producido y bailable, es tan bueno como genérico y mejora justo al final en que las percusiones y los beats se atascan a niveles de Nine Inch Nails (toda proporción guardada).

“Battle Lines”, la canción que da nombre al disco es un poco más oscura, con melodías de piano constantes y riffs de guitarra hacia el final. Aquí, Howie suena más sensual, y sus palabras parecen hacerse más arrastradas con cada letra que entona, dando más protagonismo al sonido que a la letra. Para finalizar, el solo de guitarra mantiene el sex appeal de este tema que es uno de los memorables del disco. “Back Down” es más alegre, casi como salida de un anuncio de autos, o del top 10 de una estación de radio comercial. Es divertida y pegajosa con su coro que repite “Never coming back”, pero resulta un tanto predecible, y quizá el efecto no se desgastaría tanto si no durara más de cuatro minutos.

“Eye for an Eye” tiene instantes en que la voz de Tom Howie acompañada de un piano recuerda los momentos melodramáticos de Keane, Coldplay pre Viva la Vida o hasta Robbie Williams cerca de Escapology. En un inicio tiene una nostalgia tipo pop británico y su coro de lamentos “don't pretend you are innocent” antojan cantarla como himno romántico de estadio. Parece nacida para un videoclip en que el vocalista cante con un cuello de tortuga negro mientras la cámara le hace un close up.

El coro de “The Only Thing We Know” muta de una suerte de amenaza/ruego a un beat que progresa para dejar el pop meloso y pasar a lo bailable, luego a lo triste. El contrapunto del resto de la instrumentación con el piano y las palabras de Tom lo hacen hipnotizante, pues gracias a su repetición hace que el escucha entre en una suerte de trance, como un engranaje que sigue avanzando, mostrando una nueva capa cada vez. “Nothing But You” tiene una vibra de pop noventero, que también coquetea con sintetizadores ochenteros. En ella, la distorsión da nuevos matices a la voz del proyecto. Su energía es de esperanza y el resultado es muy radiable.

Por su parte “Enough to Believe” cuenta con una introducción casi cinematográfica que sería perfecta para los créditos de alguna serie de Netflix. Luego muta, sumando velocidad a su ritmo mientras la voz de Howie se mantiene en su compás y canta por momentos arrastrando las palabras de una manera que, de nuevo, lo que menos importa es lo que dice sino la forma en que suena. Este es uno de los momentos interesantes del álbum, pues se aleja un poco del resto de los temas y logra texturas sonoras interesantes. También destaca “Listen to Me” en la que el bajo toma mayor protagonismo. Esta canción se antoja particularmente para algún remix que llene las pistas de baile.

Al inicio de “Selling Me Sympathy” da la sensación de ya haber escuchado el tema en el mismo disco, pero luego se diferencia con un tono más oscuro y una letra cliché: “Don´t say too much, I´ve heard it all before”. Sin embargo, a pesar de sus lugares comunes, tiene uno de los coros más memorables del disco. Más completa es “Don't Hold Back” que tiene un beat que resume la esencia de Bob Moses y tiene más sex appeal que el resto del material. Es electrónica, cachonda, pero con una dosis de ternura y coros sencillamente pegajosos, que invitan a no detenerse y bailar.

Para finalizar “Fallen From Arms” mantiene la nota melancólica con su piano eléctrico (probablemente sea la más nostálgica del disco), pero no llega a la sofisticación de otros proyectos como Beach House o The xx. Eso sí, la voz de Howie alcanza notas que resultan muy agradables y dan ganas de escucharlo cantar en más géneros.

Así, Battle Lines es un álbum cuya mayor virtud es el deseo de sus creadores de experimentar. Sin embargo, resulta menos divertido que su predecesor y por momentos se reduce a indie/electro pop genérico; está bien como música de fondo o para escuchar una canción de forma independiente del disco, pues en conjunto resulta un tanto aburrido. Su fórmula de indie cansa rápido y sus momentos electrónicos no siempre alcanzan el nivel de, por ejemplo, “Tearing Me Up” de Days Gone By. Aún así, el disco agradará a sus fanáticos y los mantendrá en la mira como un proyecto que seguir. Eso sí, la fórmula, sin alterar, difícilmente alcanza para un disco más.

Sonic Youth subastará sus instrumentos

Foto Jason Squires

La icónica banda neoyorkina anunció la venta de sus instrumentos a través de una subasta en línea.

El pasado 18 de octubre se cumplieron 30 años de uno de los álbumes más representativos de Sonic Youth: Daydream Nation. Como parte de la celebración, la banda decidió hacer una propuesta poco inusual, poniendo en venta parte del equipo que los acompañó a lo largo de su trayectoria.

Los instrumentos no poseerán un precio fijo pues serán puestos en subasta y podrán ser adquiridos a través de Reverb, sitio en línea especializado en la compra-venta de equipos musicales.

La subasta dará inicio el próximo 30 de octubre y el catálogo contará con más de 200 instrumentos entre los que se incluyen distintos juegos de guitarras, teclados, bajos y pedales, pertenecientes a Thurston Moore, Lee Ranaldo y Kim Gordon.

Por si esto fuera poco, la agrupación también habilitó una tienda en línea donde podrás adquirir rarezas como vinilos de prueba, ediciones especiales de álbumes, carteles y fotografías.

Esta no es la primera vez que una banda decide hacer una subasta a través de esta plataforma pues, apenas un mes atrás, Dave Grohl anunció una subasta de artículos de Foo Fighters.

Estos son algunos de los productos que se podrán adquirir a través de la subasta en linea de Sonic Youth.

Película de John Lennon y Yoko Ono

La historia de amor de una de las parejas más icónicas de la música, llegará a la pantalla grande.

La música siempre ha estado plagada de historias de amor. Ya sea por su intensidad, la polémica alrededor de la relación o sus múltiples escándalos, existen algunas que han logrado sobresalir del resto, quedando grabadas en nuestra memoria.

Muy pronto podremos conocer más acerca de una de estas historias, protagonizada por John Lennon y Yoko Ono, cuyas memorias de pareja llegarán a la pantalla grande, a través de una película biográfica.

Fue a inicios de este mismo año cuando la artista japonesa dio a conocer sus planes de realizar una película biográfica en torno a su relación con el músico inglés, confirmando a Michael de Luca como productor de la cinta.

Aún se desconoce el título con el que será estrenado, pero se sabe que estará dirigida por el reconocido productor estadounidense, Jean-Marc Vallée y será coproducida por la pareja del icónico ex Beatle, de acuerdo con el sitio Deadline.

El guión correrá a cargo del novelista Anthony McCarten, quien también participó en el desarrollo dramático de Bohemian Rhapsody, película biográfica de Queen y su vocalista, Feddie Mercury.

El filme –aún sin fecha de estreno– llegará a las salas de cine a través de Universal Pictures.

John Lennon, Yoko Ono