Zoé en el Palacio de los Deportes

Las raíces de un imperio, Zoé en vivo.

Año 2007. La comediante estadounidense, Ellen Degeneres, triunfa como presentadora durante la 79a entrega de los premios Oscar, Britney Spears conmociona al mundo del espectáculo con su nuevo look a rape, Radiohead impone tendencia en la forma de adquirir música a través de internet y Zoé celebra una década de vida, ofreciendo su primera presentación en el Palacio de los Deportes.

Once años después, la agrupación mexicana regresó al domo de cobre para concluir la primera parte de la gira promocional de Aztlán. Un álbum lleno de referencias al antiguo imperio azteca, con el que la banda regresa a las raíces sonoras plasmadas en sus primeras entregas.

Fue así como el quinteto conformado por Jesús Báez, Ángel Mosqueda, Sergio Acosta, Rodrigo Guardiola y León Larregui hizo su arribo al escenario, acompañado por una cautivadora escenografía llena de luces y visuales que fueron el complemento perfecto durante la velada.

La penumbra se hacía presente y la agrupación nos llevaba de viaje a “Venus” con la interpretación de su primer tema. La velada cobraba un tono Azul lleno de melancolía y la banda nos recordaba que “No hay mal que dure”.

“Fue hace 11 años que estuvimos aquí”, comentaba Larregui al tiempo que el eco del recinto se tragaba sus palabras y el sonido del ukulele se hacía presente con “Últimos Días”.

Con el corazón abierto

La noche daba paso a “Nada”, uno de los primeros éxitos que de forma inmediata robaron los aplausos y el canto de los asistentes. El concierto tomaba un rumbo romántico, el escenario se llenaba de estrellas y la música de Zoé nos abrigaba con la calidez de sus letras. Fue así como comenzó a sonar el coro “te lo digo desde el alma, con el corazón abierto…” perteneciente a “Arullo de estrellas”.

La primera mitad de la velada fue completada por un desfile de éxitos conformado por “10 a.m.”, Paula", el estruendo generado con “Poli”, “Vía Láctea” y “Labios Rotos”.

No seremos políticamente correctos. Nuestro papel es ser críticos, hacer ruido y cuestionar”. “Estamos en un momento muy importante de manifestar el México que queremos” mencionó Larregui antes de interpretar Hielo y dar pie al primer encore de la noche.

El presente es el único momento seguro

El escenario se pintó de verde y tras unos minutos de espera la banda regresó con “Reptilectric”, “una puerta llena de símbolos y mensajes”. El ambiente llegó a su punto más alto con “Luna” y “No me destruyas”, antes de recordarnos que “estamos en un momento muy importante de manifestar el México que queremos” e invitarnos a soñar con un futuro lleno de esperanza, al ritmo de “Soñé”.

El segundo encore llegó, y con él, uno de los momentos más especiales de la noche, cuando los asistentes pedían su regreso a gritos y adornaban las gradas con las luces de sus celulares.

Ante aquella brillante postal, la banda regresó para “agradecer infinitamente por estos 21 años de amor” y recordarnos que “el presente es el único momento seguro", antes de regalarnos una impecable ejecución de “Clarividad”, llevarnos de viaje a otra dimensión y traernos de vuelta al ritmo de “Love”.

Entrevista con TOY

El Do It Yourself como centro de la inspiración musical.

TOY se formó en la década pasada como el intento de continuar con una producción sonora que no estuviese vinculada a la realidad musical inglesa del momento. Este 2018 la banda regresa a los escenarios a partir de una nueva composición musical que no se separa de sus ideales como banda.

“Creemos que la banda ocupa su propio espacio. Siempre hemos estado interesados en crear música que se vincule únicamente con nosotros. Realmente no nos interesa estar al tanto de las tendencias musicales o lo que es popular para la gente. No creemos que la gente piense que hacemos música como alguien más. De hecho, creemos que nadie en Inglaterra lo hace”.

El desarrollo musical siempre se encuentra ligado a las condiciones de la época en la cual surge la música. En el caso de TOY, esto no es la excepción y su música surge a través de un proceso de reconocimiento de su realidad trasladada a lo musical.

“Lo subjetivo importa para la mayoría de las creaciones musicales. Cuando nosotros escribimos de forma individual, todas las condiciones sobre el Sistema en el que vivimos se reflejan dentro de nuestras creaciones. Nos encanta la música que se liga a una gama de sentimientos profundos y cuando la tocamos lo podemos sentir. Al final lo que buscamos es que la gente sienta lo mismo que nosotros cuando nos escuchan”.

El surgimiento del grupo en 2010 se dio a partir de que tres ex miembros de la recién desintegrada banda Joe Lean & The Jing Jang Jong decidieron continuar con la creación musical e integraron a dos miembros más para consolidar el sonido que tenían pensado. Su formación fue catalogada por prensa británica como el surgimiento de un supergrupo debido a las influencias sonoras que parecían tener desde el shoegaze.

“Nos estamos seguros si el llamarnos supergrupo sea lo adecuado. Todos en la banda podemos tocar todos los instrumentos y todos somos parte del proceso de componer canciones y creemos en la autosuficiencia musical cuando creamos nuestra propia música. ¿Eso nos hace ‘súper’? No lo sé. La única banda que nos gusta del shoegaze es My Bloody Valentine y no nos hemos adentrado en el género para poder considerarnos parte de ese movimiento”.

Happy In The Hollow es el nuevo LP que la banda británica estrenará en 2019. Manteniendo sus bases sonoras, este álbum ha sido completamente producido por la banda y manteniendo el espíritu DIY.

“De inicio a fin el disco nunca se ha alejado de nuestras manos. En él se encuentra toda nuestra visión sobre escribir, grabar y después mezclar música. Colectivamente se ha convertido en nuestro disco favorito por lo que representa, además es la producción en el cual hemos sido totalmente libres. Esta nueva producción nos ha llevado a seguir el camino que queremos y para nosotros esa es la idea de evolucionar naturalmente. No vamos a modificar por completo nuestras creaciones musicales solo porque es cool o ¿si lo haremos?”.

Fue en el Corona Capital 2013 cuando la banda se presentó por primera vez en el país. Si bien, poco público fue el que atendió al show en aquella ocasión, la banda se llevó una grata experiencia al encontrarse por primera vez con el público mexicano.

“Tuvimos un momento increíble cuando fuimos a tocar a México. Los fans en el país son, sin duda, el mejor público con el que hemos interactuado. Esperamos pronto regresar para ofrecer una experiencia completa a todos nuestros fans”.

Esperemos que en 2019 la banda ofrezca un concierto en la ciudad de México para escuchar sus nuevas canciones.

 

Boy Harsher en Normandie

Oscuridad a cargo de Boy Harsher.

La noche dejó salir su lado más oscuro. Con tan solo rodear el foro Normandie la larga fila, teñida de negro, daba la bienvenida a todos los que estaban ansiosos de formar parte del ritual donde el encargado de poseer los cuerpos era el dúo Boy Harsher.

Después de una pequeña espera, Adam 12, miembro de She Wants Revenge, nos recibía mientras dejábamos de lado las chamarras dispuestos a entregarle nuestro espíritu a la pista de baile. Su set que jugaba con la dualidad entre gruesos beats de hip hop y sonidos oscuros con temas de She Past Away y Lebanon Hanover entre otros. Una apuesta arriesgada y muy pocas veces vista en este tipo de shows donde la oscuridad reina, pero Adam controlaba de tal forma el ambiente que nadie dejó de bailar y no se contenían los gritos de emoción cuando hacía un poco de scratch porque sí. Además de mostrar su dominio con los tempos, resaltó su maestría en la mezcla con vinilos.

Pasando la medianoche, como un ritual en medio de una poderosa luz roja, Augustus Muller y Jae Matthews hicieron presencia sobre el escenario. Boy Harsher está lleno de pasión y cada uno de sus temas está bastante cuidado, por lo que no sorprende que optaran por un inicio suave, creando un momento de comunión entre estos dos entes que se mostraban frente a nosotros. El atmosférico sonido de la flauta rompió el silencio y dejó salir los primeros acordes sintetizados que dieron comienzo a su show. Seguido de un largo aplauso al escuchar de la voz de Jae al anunciar su felicidad de estar por primera vez en nuestro país.

Nuestros cuerpos se volvieron uno, la comunión se dio de forma natural entre las paredes de concreto de este recinto que, por sus características nos dieron el mejor sentimiento para escuchar a este dúo. Incluso el sonido fue más nítido que en algunas otras presentaciones y la potencia del dark wave mantenía los brazos y las botas en alto. Durante casi una hora, pudimos disfrutar de temas de Country Girl, y por supuesto el EP Lesser Man, que los posicionó de inmediato como favoritos del público.

Un pequeño silencio invadió las paredes de Normandie, el final de este show se presentía y con esto las ansias de escuchar la canción por la que probablemente muchos estábamos ahí y con la que conocieron a este grupo, “Pain”. Al escuchar sus primeros acordes, la catarsis explotó; los cuerpos se sacudían más que nunca y se entregaban al seductor sonido de esta pieza. Con una sensualidad desbordante y la fuerza de los bajos este tema dejó a todos más que satisfechos.

Esta noche fue un recorrido que fluctuó entre la velocidad y las atmósferas hipnotizantes y profundas de temas como su nuevo sencillo “Face the Fire” donde puedes perderte y soñar con otros mundos posibles. Boy Harsher dio una buena presentación, gustó y llenó las expectativas de todos sus fans, por lo que no dudamos que estén de regreso pronto, pero que vamos a extrañar en el festival Cloak And Dagger, que por algunos problemas tuvo que ser pasado al mes de marzo.

Hercules & Love Affair en El Plaza

Un affair que no se consumó.

Luego de media hora de un abridor notoriamente improvisado –y no anunciado–, Andy Butler subió al booth a las 21:53 H. “Nuevamente estoy aquí, you are in my heart Mexico” dijo el productor y advirtió que aquel show sería distinto.

La música comenzó a sonar, segundos después la voz de Anohni ayudó a identificar que se trataba de una versión distinta de “Time Will”, track que 10 años atrás funcionó también para la apertura de su debut homónimo Hercules & Love Affair. En seguida entraron a escena la artista queer Love Bailey y el coreógrafo Julio Marcelino, quienes durante todo el set se encargaron de cubrir con sus prendas escarlata cada centímetro del escenario.

El beat –que no paró en ningún momento– se desnudó poco a poco para dar entrada a los vocales Mashrou’ Leila en “Are You Still Certain?”. En este instante mi mente solo pensaba en la ausencia de Rouge Mary y Gustaph, cantantes con los que Andy ha toureado los últimos cuatro años.

Para “I Try to Talk to You”, Butler incrustó en la armonía algunos fragmentos del principio de la canción original, sin embargo la mayoría de la gente notó que era ese tema hasta que empezó la grabación de la voz de John Grant. Algo faltaba, pero yo no estaba seguro que me disgustara del todo.

De un momento a otro, los visuales se volvieron casi estroboscópicos para dar inicio a los característicos violines de “Painted Eyes” –y hablo solo de los violines porque el track no tenía la estructura original–. Luego de seguir con “Raise Me Up” hubo una breve pausa.

“Dame un poquito de tus corazones para estas personas”, haciendo referencia a los bailarines que tampoco pararon. Andy Butler aprovechó este intermedio para disculparse por la previa cancelación del show. “Este año no es muy fácil para mi pero 2019 is gonna be fucking big”, además anunció que se encuentra trabajando en un nuevo proyecto con personas aún por dar a conocer.

El segundo bloque musical nonstop estuvo integrado por canciones como “My House”, “Do You Feel The Same?”, “You Belong”, “My Offence” y “Blind”. Tras hacer otra pausa para hacer un chiste que involucró su decepción al enterarse que el Patrick Miller no abre en sábado, continuó con “Controller” y finalizar la noche con “Omnion”.

En estos últimos temas –a excepción de “Blind”– fue notorio que la gran mayoría de la audiencia no estaba conectando con estas “nuevas versiones”. Aunque no se tratara de un DJ set de sus propios éxitos, la manera en cómo fueron programados los tracks para armar cada canción –más la falta de Rouge Mary y Gustaph– hizo que el mood estuviera muy alejado de un live.

Si este fue tu primer concierto de Hercules & Love Affair, probablemente quedaste satisfecho, pero la decepción es innegable para aquellos que hemos podido disfrutar al menos una de las previas ocasiones en que este proyecto nos ha visitado. El amorío de aquella noche nos dejó con ganas de más.

 

Cocó Cecé en el Lunario

La noche de Cocó Cecé.

La artista de Ciudad Juárez ha trabajado arduamente en estos últimos años, y esta fecha en el Lunario es sinónimo de cosechar el trabajo hasta ahora sembrado. La cantante se ha ganado un lugar en la escena con base a trabajo y honestidad, tiene una sólida base de fans que se dieron cita al show para abrazarla y cantar con ella.

Mientras todo se preparaba, el coloso de reforma estaba listo para albergar el enésimo concierto de Luis Miguel, playeras de Luisito Rey y nostalgia inundaban el lugar, pero atrás del Auditorio Nacional, la vibra era diferente. Cocó Cecé le habla a una generación reciente, con mucho ánimo y entregada a su artista, un evento para todas las edades que registró una buena entrada.

A las 20:15 H. empezó todo, Super Tigre la banda de San Luis Potosí fue la encargada de calentar el ambiente. Con un set corto pero bien ejecutado, dejó todo listo para que los colombianos de TELEBIT se apoderaran del entarimado, los de Bogotá representaron el primer platillo fuerte de la noche.

Después de un largo intro, la banda soltó “Somos coyotes” arrancando el alarido del respetable. Si bien Cocó era el plato fuerte de la noche, el grupo fue muy bien recibido. También sonó “Amuleto”, “Ley de gravedad” y “Ciegos corazones” –tal vez la canción más coreada de su show–. Fue un acto en vivo contundente, con mucho punch, por momentos bailable y por momentos muy introspectivo, TELEBIT satisfizo las expectativas. Al final interpretó “Meridianos” y “Entre piedras y carbón” dejando el ambiente en su punto.

El momento de Cocó Cecé había llegado y arrancó gritos desde que puso un pie en el escenario, donde lucía acompañada de seis músicos que amalgamaron muy bien. Las primeras palabras que expresó fueron de agradecimiento y un “lo logramos ya estamos aquí”. Escribiría que la cantante le habla a su público como si los conociera, pero en realidad sí los conoce. “Muchos de los que están aquí los conocí en el metro”, expresó sin poder evitar sonreír mientras contemplaba cada rincón del respetable.  

La capacidad vocal y su fuerza de interpretación no están en discusión, pero observarlo en un escenario como ese fue conmovedor. “Amor en la Metrópoli” fue la canción con la dio la bienvenida, también sonó “Todo para mí”, “Niki” y “Bestias de Ciudad” donde el performance lo completaron unos bailarines vestidos de rosa y verde fluorescente.

El público cantó todo y cada que podía le deba muestras de amor a la artista, quien aprovechaba para entablar pequeñas conversaciones, dando aires de un concierto pequeño e íntimo.

Para interpretar “Para dos” invitó a escenario a Mau de Costera, además de aprovechar y estrenar “Tamaño Nuclear” que explicó, trata sobre la fuerza que te dan los amigos en los malos momentos. En “Todo para mí” quedó sola en el escenario para tocarla sola con su guitarra, y llegó una de las más esperadas y ovacionadas, “Marginado”

También expresó que uno de sus planes es hacer una expo con todos los dibujos que le han regalado con la presencia de psicólogos para quien necesite ayuda se pueda llevar un buen consejo. Además habló del suicidio y lo importante y bello que es poder vivir. Así dio paso al cierre con “Supuestos” terminando en un discreto llanto, y darle un fin conmovedor a la noche, donde todos salieron más que satisfechos.

Entrevista con Bengala

Ni regreso, ni despedida.

Bengala nunca se fue y tampoco regresó con “Déjala ir”, el sencillo con video que nos dio a conocer hace poco y con el que –con cariño y admiración– le recordó a sus seguidores momentos clave en alguna época de su vida. Para marcar este nuevo comienzo, la banda nos platicó sobre sus planes, proyectos y sobre por qué decidió pausar un proyecto que ahora retomará y dejará fluir de manera natural.

“Nunca estuvimos seguros de nuestra situación, solo dejamos de tocar un día, sabíamos que musicalmente no estábamos en un momento ideal para continuar. Necesitábamos algo nuevo pero no estábamos listos para el proceso de producción, empezar a grabar y lo que implica. Nos dimos un break y decidimos no decir nada porque no estábamos seguros de desintegrarnos, realmente”, dijo Marcos Zavala.

Lanzar sencillos poco a poco hasta tener el disco completo, ésta es la forma en la que se difunde la música en la actualidad, en la que se completan los discos poco a poco. Aunque para Bengala esta forma de trabajar no es nueva,  siempre se manejó así para dar a conocer su música y ahora le quedó como anillo al dedo porque tendrá todo el tiempo necesario para componer siéndole fiel a su sonido y a que los sencillos se den libremente hasta que podamos ver y escuchar el resultado final.

“Desde los primeros discos no había sido tan natural la realización de la música como ahora, pensamos mucho las cosas y ahorita fluye bastante bien, lo hemos estado haciendo sin prisas y realmente la razón por la que estamos juntos otra vez fue por la música. Empezamos a extrañar todo por lo que habíamos trabajado en esos años y ahora tenemos ideas más frescas”, comentó Marcos Zavala.

No cabe duda de que el tiempo cambia a las personas pero también al sonido de las bandas, es por ello que les preguntamos qué pasará con la esencia de la banda, tomando en cuenta que la industria ha evolucionado bastante desde su último disco.

“En cuanto al sonido estamos retomando lo que hacíamos al principio. En los tres discos que tenemos siempre fue diferente: el primero, era mucho jammin' en el ensayo, después empezamos a producir los demos en la computadora, para el tercer disco cada quien hacía sus canciones y al final las juntábamos. Ahorita es una mezcla de estos procesos pero al natural, trabajo en equipo, estamos todos participando sobre todo el proceso y dejando que fluya, muy libre de influencias a diferencia de cuando éramos jóvenes”, mencionó Marcos Zavala.

En esta década, en la que Bengala estuvo un poco ausente y en la que la escena de la música se ha transformado por las facilidades que se tienen gracias a las nuevas tecnologías como plataformas musicales, redes sociales y demás proyectos que apoyan y fomentan nuevas propuestas musicales nos preguntamos cómo es su manera de trabajar, de adaptarse al cambio y cómo esto los ha beneficiado, o no en la creación y difusión de su música.

“Ayuda mucho, sobre todo a las bandas como nosotros que con una computadora pueden hacer discos en su casa aunque no tengan la misma calidad que en un estudio, pero cumplen con un propósito esencial que es mostrar la música de una banda. Al final, cambiarán los formatos de la música o la manera en la que llega a nuestros oídos pero confío en que es natural y va a beneficiar a todos. Ahora hay más bandas, más medios, más lugares. Ya no nos podemos quejar de que no hay lugares en dónde tocar porque ahora más que nunca hay muchos festivales, mucho movimiento”, argumentó Amauri Sepúlveda.

Cuando nos enteramos del nuevo sencillo de la banda nos preguntamos si pronto nos sorprendería con el lanzamiento de un disco nuevo pero todo era un rumor, ahora sabemos que todo se irá dando y que cuando tengamos el material completo será porque se cerró otro ciclo en la historia de Bengala y se habrán ido las dudas sobre su regreso y despedida.

“Sí estamos preparando un nuevo disco, tenemos varias canciones pero queremos seguir componiendo hasta tener las mejores y grabar en bloques, como “Déjala Ir” que la grabamos junto con otro tema. Ahorita estamos grabando tres más y la idea es sacar otro sencillo para al final lanzar el disco. No sé cuantos sencillos sacaremos antes del disco completo pero ya estamos cerca”, argumentó Marcos Zavala.

“Lo que nos gusta de esta nueva forma de trabajar es que antes nos tardábamos un año en componer las canciones, otro en grabarlo, otro en tocarlo y ahora tenemos la ventaja de ir canción por canción. “Déjala Ir” es una canción relativamente nueva y nos da la oportunidad de hablar de ella mientras todavía estamos emocionados. Antes pasaba demasiado tiempo y para entonces ya no nos representaba, es una de las cosas positivas que tiene ir lanzando de canción en canción”, aclaró Amauri Sepúlveda.

En cuanto a la realización de las canciones las están haciendo como se debe, en equipo, esperamos que esto tenga como resultado un material bien trabajado y con un sonido consolidado. La producción y sus reuniones las hacen desde hace un año en Topetitud Estudio donde dicen todo ha surgido bien, con naturalidad y con muchas ganas de hacer nueva música.

Milo empezó a escuchar los demos y le gustó la idea de sumarse al proyecto, nosotros no teníamos claro nada. Era estar ensayando hasta que todo tomara forma y creo que es la mejor forma por la que optamos en nuestra carrera. Antes todo lo teníamos que planear, ahora optamos por solo hacer música y así de está dando, queremos que así siga”, mencionó Marcos Zavala.

Se anunció su participación en el festival Vive Latino 2019, en donde la banda se ha presentado cinco veces antes, ahora va por la sexta pero aún hay sorpresas y especulaciones sobre lo que nos presentará ese día, aunque de lo que sí están seguros es que le apostarán a lo nuevo.

“Queremos mostrar en el show una parte más rockera, más energética. Acabamos el bloque pasado de la banda tocando mucha balada, muy lento y muy clavado. Ahora tenemos ganas de tocar rock and roll y echar relajo, en cada Vive Latino hemos hecho un cover, tal vez hagamos eso, tal vez invitemos a alguien pero va a estar buenísimo porque hace mucho no tocamos ahí y esta es muestra sexta presentación en el festival. Es como nuestra casa”, Amauri Sepúlveda.

En la actualidad los videos son tan esenciales para las bandas como las canciones y Bengala lo sabe, tal es el caso de su nuevo sencillo para el que hizo un video al mero estilo del DIY, en el que no se necesitó de grandes producciones para realizar un producto audiovisual natural e interesante que expresa la esencia de la banda.

“Ahora estamos en una mejor posición, tenemos más control, estamos más contentos con eso, estamos decidiendo todo por nuestra cuenta y es mucho más agradable y productivo regresar a un esquema de trabajo más independiente y moderno, como se trabaja ahora. Poner en práctica todo lo que aprendimos de trabajar con gente muy talentosa como la que conocemos y nos está saliendo bien”, mencionó Marcos Zavala.

Ahora Bengala se siente con más ganas de crear música nueva y más auténtica de la que se hacía con una disquera y un gran equipo de producción por lo tanto el tiempo será el que determine la cantidad de canciones y tocadas que tendremos con la banda de vuelta en los escenarios que seguro no marcará ni un debut, ni una despedida sino un hasta siempre.

Adiós Pete Shelley, duro golpe para el punk

Foto por Kevin Cummins

Se confirma el fallecimiento de Pete Shelley, vocalista de Buzzcocks.

El líder de la agrupación británica, uno de los pilares del movimiento punk en el Reino Unido, nos ha dejado el día de hoy a la edad de 63 años tras un ataque al corazón fulminante. La noticia ha tomado por sorpresa a muchos ya que a principios de este año dio varias presentaciones con la banda, en una gira que incluso lo llevó a visitar nuestro país bajo el marco del Festival Marvin.

La importancia de Pete Shelley y de Buzzcocks es difícil de explicar. La banda es el indiscutible tercer grande del punk, un eslabón perdido entre el sonido agresivo de los Sex Pistols y el atractivo carisma de The Clash, y eso se lo debemos en gran parte a las vocales descompuestas de Shelley.

El grupo se abrió paso con una perfecta combinación de punk y letras pop, con temas que hablaban de amor, corazones rotos y golpes de nostalgia. A su modo, los Ramones estaban haciendo algo parecido, pero los británicos lo llevaron a un nuevo nivel con Shelley mostrando verdadera desesperación y suplicio en canciones como "What do I Get?" y "Ever Fallen in Love?".

La clave en el trabajo de Pete Shelley y Buzzcocks fueron sus influencias. A pesar de que él nació, como muchos de sus colegas, en una familia obrera, nunca fue alguien que buscara ser una voz política y se inclinó más por trabajar canciones con una naturaleza cerca a la de The Kinks, The Who y Small Faces, pero adaptándolas bajo es espíritu transgresor que vivían.

Su muerte no solo anuncia la disolución de una banda legendaria, también marca el inicio del fin de la vieja guardia del punk. El tiempo no se detiene y los sobrevivientes de la primera ola del punk, genios y pioneros de su momento, se van despidiendo.

San Pascualito Rey y The Chamanas en el Lunario

Todo nos trajo hasta hoy: la última noche de Otaola con San Pascualito Rey.

La velada nostálgica inició con los chihuahuenses The Chamanas que, a través de su indie pop con toques folk, agradecieron la invitación a los pascuales quienes fueron recibidos entre aplausos y gritos por parte del ansioso público que ya los esperaba.

El último concierto en el que Alex Otaola tocaría con San Pascualito Rey se convirtió en una despedida, en donde el turno de cantar, llorar y hacer catarsis fue para los fans así como para con el muy querido guitarrista. "No te vayas cabrón, quédate", gritaban los presentes mientras un ambiente desgarrador dentro de los corazones de la banda comenzaba a descender en el Lunario del Auditorio Nacional, incluso antes de los pascuales iniciarán el emotivo recital.

Con un setlist especialmente seleccionado por Alex Otaola para su último concierto como guitarrista de San Pascualito Rey, la agrupación fundada en el lejano 2000 arrancó la noche con "Comezón" seguida de "Todo se cae" y "Enemigo", mientras que "Olvídate de mi", track incluido en su segunda placa titulada Deshabitado (2007), transportó a sus incansables seguidores –y no seguidores– al pasado. Sus inconfundibles líricas rezaban "olvídate de todo lo que yo te di, me vas a lastimar aquí, me vas a lastimar aquí". "Nunca me cansaré de este momento cabrones", dijo un sonriente Pascual Reyes al termino de la rola.

Más tarde durante el intermedio, algo que casi nunca se ve en el Lunario, aparecieron entre el público los Trombotones, los primeros invitados de la velada, para amenizar la espera del set acústico que vendría instantes después.

Luego de unos minutos, cubrieron el escenario con una fina manta traslúcida donde se proyectaban luces en forma de sol de color verde y amarillo. Así interpretaron algunos temas acústicos como "Si pudieras ver", "Arde el pecho", con Luca Ortega como invitado especial.

"Solares", "Caminito" y "Carne abierta" marcaron momentos mágicos y nostálgicos en lo que fue el último show de San Pascualito Rey con Alex Otaola, uno de los mejores guitarristas de México y América Latina, quien lucía un semblante repleto de sentimientos encontrados, nostalgia, tristeza, pero a su vez mucha entrega a la música que ha sido parte de la ultima década de su vida. 

"Es fenomenal, lo único que les puedo decir es que sufro, sufro, sufro", dijo Otaola al público antes de continuar con "Sin precaución", "Así es el amor", "En la oscuridad", y el clásico moderno del rock en español "Te voy a dormir". Una de las rolas más esperadas del show fue "Si te vas" que, junto a Jairo Zavala mejor conocido como Depedro, emocionó incluso hasta las lágrimas a la audiencia.

Todos y cada uno de los asistentes sentían más una despedida que un concierto, un "hasta luego" que los transportaba a otro ambiente, incluso atrás se escuchaban murmullos que decían: "¡pónganle las golondrinas!", "¡no nos dejes cabrón!".

Todo llegaba al final y era momento de pasar el estandarte guitarrístico a alguien más. Alex Otaola tomó el micrófono y voceó: "Pedí que en algún momento de la noche estuviéramos los seis juntos en el escenario, por favor denle un gran aplauso a Vicente Jáuregui", a quien recibieron agridulcemente. Como símbolo del momento, materializaron la sabrosura instrumental cha-cha de "Bailón", el canto a la desesperanza amorosa de la desgarradora "Nos tragamos" del Sufro, Sufro, Sufro (2003) y la energía nostálgica e interpretativa de "Todo nos trajo hasta aquí""Fin del mundo" fue última canción del set que culminó una de las páginas más fructíferas del rock nacional para el gran guitarrista Alex Otaola con San Pascualito Rey.

White Lies estrena “Finish Lines”

Escucha un nuevo adelanto del próximo álbum de White Lies.

El nuevo álbum de White Lies está cada vez más cerca. Tras compartir los primeros adelantos, la banda estrenó un tercer sencillo, a cargo del tema “Finish Lines”.

Se trata de un corte de 4:45 minutos, en el que la agrupación pone punto final al dolor generado tras una separación. De acuerdo a la banda, se trata de “una de las canciones favoritas que hayamos escrito”.

Junto al nuevo sencillo, la agrupación compartió un lyric video en tonos azul y amarillo, para que los seguidores practiquen antes de su próxima visita a El Plaza Condesa. Disfrútalo a continuación.

Finish Lines” se une a la lista de tracks que podremos escuchar en Five, placa editada por PIAS y sucesora de Friends, misma con la que el trío inglés estará celebrando sus primeros 10 años de carrera.

Anteriormente tuvimos la oportunidad de escuchar los sencillos “Time To Give” y Believe It, cuyo videoclip, filmado en la ciudad de Tijuana, corrió a cargo del director mexicano, David Pablos.

Las letras de estos sencillos, junto a las del resto de la entrega, serán incluidas en un libro edición limitada que contendrá la versión Braille de cada tema. Un lanzamiento especial y único en su tipo, limitado a 500 copias firmadas y elaborado junto al Instituto Nacional Real de Invidentes.

White Lies braile 2

 

Carrion Kids comparte video para “My Katana”

La banda de punk mexicana, Carrion Kids se pone sangrienta en su nuevo visual.

Una niña que recorre la Ciudad de México buscando víctimas para rebanar con su nuevo y filoso juguete es la protagonista del video de "My Katana", el más reciente video de Carrion Kids.

"My Katana" relata la historia de una niña ninja encomendada con la misión de asesinar a los miembros de la banda. La canción aborda la constante búsqueda de aquello que se encuentra más allá de lo visible cortando el velo de lo evidente con una katana.

Fue grabado en agosto de este año, usando como locación el Desierto de los Leones, así como el estudio de la banda. Fue dirigido por la alemana Jasmina Hirschl, con fotografía de Angel Sanchéz y protagonizado por Inés "Katana" Magallanes, así como por los miembros de la banda.

Con el sencillo, la banda cierra el ciclo de su segundo album, Animal Deluxe, con este material apuntaron a un sonido más pesado. Fue producido por Maurizio Terrracina de Zurdok y grabado en Testa Estudio de Guanajuato. Actualmente se encuentran trabajando en su próxima placa, la cual espera ver la luz el próximo año. Mira el video para “My Katana” a continuación.

Carrion Kids es una banda formada en 2015 y que puede definirse como punk/garage con tintes de grunge y shoegaze. Entre sus influencias podemos encontrar a bandas como Pixies, Dinosaur Jr., The LIbertines y Black Lips.

Para promocionar su proyecto, la banda ha estado girando sin para por México y Sudamérica con participaciones en festivales como el Festival Marvin 2018 y Burger Revolution Colombia.