Entrevista con Los Ovnis

El músico Armando Vázquez celebra el lanzamiento de su nuevo disco recordando los cafés cantantes, a los amigos y a los mamones.

La banda que hace más de 50 años plantó la primer semilla de la psicodelia en México está de regreso con el disco El Rock Desconocido de los Ovnis, un material que logró traer de vuelta a Armando al estudio. ¿Qué se necesitó para lograrlo? el encierro de una pandemia y una pedrada llamada “el rock está muerto”.

“Comenzó para mantenerme ocupado, tenía mucho tiempo libre y muchas ideas que quería bajar. Te digo, todo comenzó así, pero la verdad es que conforme íbamos avanzando con el disco se convirtió en un proyecto con otras intenciones. La idea de esta nueva música de Los Ovnis es una llamada de atención para no dejarnos vencer ante el Covid pero también a las nuevas modas. Escuchaba a muchos jóvenes decir que el rock estaba muerto y que ya no valía la pena, pero eso no es cierto. Lo que pasa más bien es que las nuevas bandas se rinden rápido y la quieren muy fácil, en esto hay que picar piedra y no solo para que te caiga el dinero y la fama, tienes que trabajar duro incluso para sonar bien, para que tu banda se acople y para que salgan las buenas ideas. Con este nuevo disco quiero poner el ejemplo de que si yo después de 50 años lo puedo lograr ellos también, nomás es cosa de que le sigan dando para que lleguen a la parte buena de las cosas”.

Tomando como punto de partida lo difícil que es el camino de una banda en México, sin importar el año o la época, Armando pudo recordar cómo fue que comenzaron Los Ovnis, bajo el nombre de Los Teddy Bears, y cuántos intentos fallidos hubo detrás de Hippies, el primer disco de psicodelia en México.

Mira, fíjate, desde que empezamos, desde que decidimos meternos en el rock & roll las cosas estaban difíciles. Desde los instrumentos fue un problema, pues mi papá no me iba a comprar una guitarra de 2000 pesos como a los Teen Tops, que eran niños ricos de Chapultepec, nosotros éramos de la Guerrero y le hacíamos como podíamos. Hasta guitarras hechizas nos hicimos en algún momento. Como te digo, nosotros le dimos y le dimos hasta que nos firmó Discos Orfeón como los Teddy Bears. Pero luego decidimos hacer rock y otra vez fue regresar a lo mismo, ahora nos íbamos a tocar a los cafés cantantes donde estaban los chamacos como nosotros. Me acuerdo que cobraban cinco pesos o diez ya con bebida, pero era jugo de naranja o café, no había alcohol. Pero bueno, a nosotros ni nos importaba el dinero, porque todo se iba a los instrumentos y los trajes. Lo que a nosotros nos importaba más era tocar bien, ser de los mejores, pues luego alternábamos con Los Sinners, Los Johnny Jets y Los Boppers, todos muy buenas bandas y todos traíamos pique.”

Cuando nos firma Discos Peers como Los Ovnis en el 65 los problemas no se acabaron, pues ahora lo que queríamos era hacer música original y no versiones en español pero el sello nomás quería que siguiéramos haciendo canciones como 'Enrique VIII' o 'Pequeña Ayuda de Mamá' que era de The Rolling Stones. Nosotros les dimos todo lo que querían, pues hasta sacamos tres discos en menos de un año, que fueron Los Ovnis, Somos Amantes y Napoleón XIV. Fue hasta que les dije a los de la disquera que íbamos a sacar un disco con canciones originales con ellos o sin ellos y así fue como salió Hippies, aunque nos hicieron meter un cover, yo solo les acepté 'Light My Fire' de The Doors. Entonces, mira, fueron ocho años para que por fin pudiéramos llegar al sonido que queríamos”.

Entre tantos nombres y anécdotas, Armando no solo recuerda el ascenso de Los Ovnis con Discos Peerles, también el músico nos confiesa cuál considera que fue el mejor momento de la agrupación, la decepción que lo llevó a regresar a terminar la carrera de arquitectura y las salpicaduras tras la separación del grupo.

“El mejor momento de la banda fue con Hippies, claro, es un disco del que estoy muy orgulloso y afortunadamente se pudo reeditar en el 2000 con los mismos Discos Peerles. Sin embargo, cuando sale ese disco en el 68 también ocurre la masacre de los estudiantes y a nosotros nos avisaron en la disquera que no nos iban a poner en la radio ni nada, porque el Presidente había vetado todo lo joven, todo lo rebelde. Eso me desmotivó mucho, eso y el ambiente deprimente que se sentía fueron las razones que me llevaron a dejar la banda y mejor terminar mi licenciatura. Pero me quedé con cosas muy buenas de esa época, como las competencias que teníamos con las bandas del norte como Johnny Jets que eran de Reynosa, también que mis compañeros pudieran inspirar a otros, como Ernesto de León, que estuvo con El Tri, o Three Souls in My Mind en esa época. A mí me da mucha pena ver que Alex Lora cuando le preguntan de sus influencias dice que Chuck Berry, que Little Richard, pero no se acuerde que Ernesto le abrió el mundo en cuanto a música, pero bueno, tampoco quiero sonar como un Javier Bátiz que según dice que inventó el blues en México.”

Ahora que Los Ovnis y Armando vuelven de lleno a la escena musical en México, el  músico dice sentirse muy optimista por el futuro de la banda, pero también por el futuro de la psicodelia en México.

“Cuando tocamos en el Foro Indie Rocks! sentí muchas cosas, en primera la emoción por ver a la gente entusiasmada y ver a tantos jóvenes, pero también me alegra ver que la gente ya es más alivianada con ciertos temas. Por ejemplo, a mí por muchos años me dio vergüenza decir que fumé marihuana, pero las cosas han cambiado mucho, y no puedes hacer un disco de psicodelia sin haber probado algunas cosas. Así que les vuelvo a decir que no se rindan, que el rock no está muerto porque tenemos mucho lugar para hacer y también para crecer”.

Entrevista con Fransia

Lenguaje musical y metafísico que se vierten en la expansión de un sentir de la humanidad.

FRANSIA es un dúo argentino conformado por Francisca Moreno Quintana e Ignacio Albini, quienes, a pesar de tener una historia breve, su emergencia en el mundo de la música pop hi-fi ha seducido a varios oídos con sus sonidos intensos que se entrelazan con audiovisuales que les dan vida a sus canciones.

En 2018, esta dupla lanzó su primer álbum homónimo, donde resaltan temas como “Aspen” y “Telepatía”, los cuales permiten sumergirnos en la creación de efectos sonoros con influencias en la música de los 80.

Ahora, con motivo del lanzamiento de su segundo álbum titulado Mundo Virtual, tuvimos una charla para Indie Rocks!

Tras unos días de poder conocer esta nueva fase de Fransia en donde los sentidos cósmicos y mágicos están a fuego alto, Francisca habló un poco sobre su sentir a partir de la develación del álbum y cómo ha sido el recibimiento de sus escuchas:

La verdad es algo muy movilizante sacar un disco, ya de por sí es como que quiero que alguien me despierte porque, no sé, estoy como soñando y procesando la información y creo que esto es un, todavía un camino largo de seguir recalibrando la data y procesando la información. Todos los días me despierto y recibo más mensajes de cariño y de amor. La verdad es que este disco salió hace menos de una semana y el recibimiento hasta ahora fue muy especial, muy afectuoso. Estoy soñando, viendo las estrellas…”

FRANSIA_Mundo Virtual_2021

Mundo Virtual como título premonitorio a la pandemia

Por otro lado, hay que mencionar que Mundo Virtual ya estaba sobre el tintero desde hace dos años, por lo que la pandemia no afectó directamente la creación de los tracks ni su producción como tal. Sin embargo, dado el contexto, Francisca comentó que el lanzamiento sí se aplazó de la fecha planeada en un inicio, pues a penas habían mostrado como single el tema que le da nombre al álbum “Mundo Virtual” cuando se declaró la pandemia mundial, casi como si el título hubiera sido premonitorio. Pero, como ya habían compuesto los ocho tracks, solo fue cuestión de afinar detalles de producción por medio de plataformas de comunicación y cada uno desde su estudio en casa.

“Por suerte trabajar con Nacho, que es mi dupla, mi coequiper en este proyecto, es un placer, nos llevamos fabuloso, tenemos una relación de mucha confianza y es como que ya, ehm, no sé cómo explicarlo… Fluye y sabemos lo que queremos a la hora de producir. Nacho siempre es más el que inicia, yo meto mucha mano en todo lo que es la producción y es como que Nacho también confía mucho en mí y yo confío mucho en él. Entonces no tenemos un tira y afloje, es como que ya nos comunicamos por telepatía casi. Así que no fue para nada difícil.”

 

Mundo Virtual sin duda es un álbum que va más allá de lo sonoro, pues también se conecta con lo visual. Esto se ha logrado a través de una serie de ocho capítulos que podemos consultar en las cuentas oficiales del dúo en YouTube e Instagram. Dichos capítulos, como los denominan ellos, son videos explicativos que amplían el mensaje de cada canción y que son una suerte de manifiesto o como una ópera por la forma en la que se entrelazan. La idea de llevar los temas a una serie de clips surgió posteriormente a la composición del disco, pues comenta Francisca que, ella ya había escrito algunos ensayos para sacar los videos mes a mes, y que, a pesar de que las personas no lo entenderían en su momento, la finalidad de hacerlo de esta manera es que el álbum se expanda, y a la hora de tener el álbum completo, se puedan conectar cada uno de los puntos y se pueda vivir toda la experiencia que implica Mundo Virtual.

“Es un mensaje a través de ocho canciones, ocho letras, pero también desde lo visual es de los capítulos, a mí me interesa que ahora la gente entienda que yo puedo escuchar una canción de Mundo Virtual y también puedo ir a YouTube o Instagram y ver el capítulo que amplía el mensaje detrás de esa canción.”

Puedes checar el primer capítulo aquí abajo:

El concepto detrás de lo físico y metafísico

En principio, lo que podemos escuchar en el trabajo más reciente de Fransia es una mezcla de sonidos que se expanden y se combinan con una serie de versos introspectivos, que de forma inminente nos hacen cuestionarnos cuál es el trasfondo del mensaje que nos brinda el LP. A su vez, aborda dos planos que conllevan lo físico, que corresponde a todo lo palpable y también, lo metafísico, que busca la respuesta de las percepciones en una forma más astral. Por ello, Francisca comentó que para ella, más que una dualidad, es algo que converge entre sí.

“Primero, que es parte de lo que soy, cualquier persona que me conoce sabe que esto es el universo que yo elegí como umbral de percepciones, es el universo que a mí me rodea, de lo que hablo, mi red o mis personas saben que yo hablo de estos temas. Y segundo, que al contrario, más que dualidad, sí me parece un desafío, es un gran desafío el que estoy enfrentando porque, lo digo con total humildad, porque esto es todavía un tipo de intento, pero es unir el mundo pop con el mundo metafísico, o de la magia, el mundo de la música pop con el de la magia, eso es, yo lo veo como un desafío, pero lo vivo de una manera muy natural también, y muy fácil porque es lo que me sale como expresión digamos. Y también lo veo como bajar un rayo de luz como en un momento difícil que estamos atravesando como humanidad a través de la música, pero también a través de un mensaje. Así que, en ese caso, bueno, así es como yo lo vivo.”

Asimismo, uno de los temas a relucir dentro de esta red que se teje con los capítulos visuales es “Amor Perfecto”, un track que se enfoca en la forma en que percibimos las cosas y la existencia de un método adecuado de cambiar nuestra percepción desde una forma física en particular. “Cuando nosotros cambiamos la forma de percibir la realidad, esa realidad cambia”.

Esta idea se plasma en el capítulo cuatro “Amor y Milagros”, donde Francisca habla de bajar al punto cero o frecuencia cero, que es el campo de las posibilidades mágicas y donde todos nuestros pensamientos, percepciones y nuestra realidad se calibran. Esto da pauta a trabajar en nuestros sentimientos y todo aquello que irradiamos, para poder transformarse en lo que manifestamos dentro de lo que llamamos el “mundo real”.

La confianza es un factor clave en lo que es el campo punto cero o la quinta dimensión y tiene que ver con la confianza en nosotros, con la confianza en los demás, con la confianza en el universo, en tu 'yo' superior, en los ángeles, en tu doble cuántico, en lo que a vos te sirva como información. Pero confiar en que hay un plan perfecto para cada uno de nosotros y en que estamos siendo guiados y acompañados en esta vida.”

La historia detrás de “Salto Cuántico”

Esta canción conforma un significado que también está conectado con la importancia de confiar en nosotros mismos, y sobre el salto que estamos dando como humanidad. Además, está acompañada de un videoclip dirigido por Úrsula Benavides, que reúne elementos que vemos en el universo de Fransia y que refleja la experiencia de la canción.

“Se le llama salto cuántico porque pasamos de la tercera a la quinta dimensión, salteándonos la cuarta. Y después, bueno, desde un lado más personal, yo creo que salto cuántico es como un mantra que repite ‘no tengo que apagar la luz’, es una afirmación en mí misma mientras estoy brillando en la oscuridad o lo que eso significa para mí. Y es como una auto conversación, es como un loop mental que después da conclusión en el estribillo. Eso es salto cuántico para mí.”

Por otra parte, la artista también nos compartió que ha sido una gran desilusión no poder tocar en vivo su nuevo disco, pues no han tenido la oportunidad de presentarlo en la forma que quisieran. Sin embargo, se mantienen optimistas para que, dentro de este año puedan establecer conexiones y calibrar un show para poder tocarlo en vivo. De la misma manera, comentó Francisca que considera que los conciertos de Fransia son una experiencia mágica, que conlleva un intercambio de energía muy especial, y que realmente necesita de ese contacto e intercambio.

Sin duda la pandemia generada por el coronavirus ha pausado un sinfín de conciertos de forma presencial, pero lo más importante es el optimismo en cómo lo maneja cada artista. Y, en este caso, Francisca reveló que tienen muchas sorpresas para sus fans y seguidores. No se trata precisamente de un show en streaming, pero sí de algo virtual para poder mover su más reciente álbum. A su vez, planean lanzar nuevos visuales que acompañen a sus canciones con sesiones filmadas de maneras distintas.

No tienen planes de lanzar música nueva, pero tienen algunas cosas en el tintero, aunque no están seguros de qué rumbo tomará exactamente. No obstante, asegura la artista que eso se dará de forma natural, pero el sonido de Fransia seguirá estando presente.

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Rostam — Changephobia

Abrazar el cambio, disfrutar el sax.

Productor extraordinario, colaborador de corazón y creador de éxitos. Rostam Batmanglij lleva sorprendiéndonos con su originalidad desde hace más de 10 años. En su segunda entrega, se separa de las cuerdas para esta vez mezclar percusiones vagamente tribales con algo inesperado: jazz. En entrevista, Rostam nos contó que Changephobia es un disco hecho sin presiones, sin preocupaciones y sin miedos. Este álbum se trata de abrazar el cambio. Y el cambio más notable es el uso de saxofón ejecutado por el gran Henry Salomon.

Con cinco sencillos previos al lanzamiento del álbum, ya teníamos una idea de lo que sería la experiencia completa. No obstante, de la manera más traviesa, Rostam escondió la verdadera esencia del disco, dando a conocer las piezas más digeribles, las menos complicadas, aquellas con un mood de buena vibra. “4Runner”, un pop básico (en el mejor sentido) en el que casi escuchas la sonrisa de Rostam al cantar, “From the back of “From The Back Of A Cab” y “The kids we knew” son sencillas, melodías simples, pero a la vez íntimas.

Un atisbo de la verdadera naturaleza del disco está en “Changephobia” en la que comenzamos a escuchar la gloria del sax, deseando que estuviera en primer plano y que no fuera solo un adorno en la canción. Después está “Unfold you”, deliciosa muestra de la sensualidad del saxofón en un ambiente de calma y cero pretensiones.

En territorio desconocido encontramos “Kinney”, en donde el sax compite por la atención contra unas percusiones caóticas faltas de elocuencia. Le sigue “Bio18”, que podría ser considerada la joya del álbum, con el balance exacto entre piano, percusión y voz, con un coro sí repetitivo pero no cansado. Cabe mencionar que entre ellas, la transición es increíble. Están conectadas por un hilo delicado. Admirable.

Carecen de importancia las siguientes tres canciones. “Interlude”, “To communicate” y “Next thing”, parecen relleno. Lamentablemente no aportan mucho más que sonidos aleatorios que parecen solo agregados porque tal vez aislados suenan bien.

No obstante, se rescata el final. “Starlight” sugiere un sueño, un ambiente de canción de cuna para desplegar una letra esperanzadora de agradecimiento y admiración a la compañía de alguien que se siente como una bocanada de aire fresco. Justo lo que se siente después de la monotonía previa.

Si bien la propuesta general es única y muy diferente a Half-Life, por momentos Changephobia aburre y se refiere a sí misma. Por ejemplo, “Starlight” termina siendo demasiado parecida a “Unfold you”. Entre todo, Changephobia muestra evolución, conectando con sonidos que creímos olvidados, pero que vale la pena revisitar.

El giro relajado, moderno y juvenil de Surfeadores Rosa

La juventud quiteña va en tabla de surf y está de rosado.

Si tuviéramos que encontrar un sinónimo de Surfeadores Rosa seguramente hallaríamos en el diccionario algunas palabras como relajación, serenidad, diversión, entre otras; pues estas melodías poseen un antídoto desconocido con el que seguramente podrías despreocuparte, sentarte en un lugar cómodo y simplemente proponerte pasar un buen rato (eso o hacerte codependiente). 

Recientemente, la agrupación sudamericana publicó su más reciente material discográfico titulado Cometas, un EP con cuatro canciones grabadas, producidas y masterizadas por el colectivo El Arkade, mismas que sincronizan el surf, el pop y el rock como insignias principales dentro de este postulado musical. 

En septiembre del año pasado, liberaron “El Azul”, el primer extracto del álbum que comprende de una balada low tempo, que juega con voces conjuntas, riffs de guitarras simples, oleadas de nota abierta y una extraña melancolía que invade pero incita a repetir los casi cuatro minutos de canción. “Esta canción relata el sentimiento de extrañar a alguien, esa sensación agridulce de la espera que se condensa al ver al horizonte”, describen en redes sociales. 

Posteriormente presentaron su segundo single “El incendio”, que por otro lado evoca más energía y además es interpretada por una de las tres voces presentes en toda la producción. Con esta canción reafirman “los aires modernos y relajados que caracterizan a la banda”, puesto que contienen diversos cambios y caídas suaves, junto a la participación vocal de casi todos los miembros del conjunto. 

Es así como este EP se completa con los temas “Dieciséis.” y “Te Veo Pasar”, los cuales de manera continua postulan versatilidad dentro su propio género e imprimen ese aire juvenil que se promete. 

Desde su formación en 2016, Surfeadores Rosa ha pasado del surf rock instrumental, con su EP debut homónimo, a una amalgama pop que pretende clavarse en tu cabeza. 

Sander Siegers comparte “Soñar”

Un guiño dulce de pop fresco y bicultural.

La construcción de un hogar es uno de los primeros pilares emocionales sobre los que se sustenta nuestro mundo interno, define nuestro pasado y la forma en que vemos el futuro, brindándonos una base de la cual partir para poder empezar a encontrarnos. Cuando nuestro hogar se ve dividido de manera tan clara el impulso de unificación surge dentro nuestro y se ve retratado en la voz de cantautores como Sander Siegers.

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Con raíces en México y Holanda, el músico se ha permeado toda su vida de este choque cultural entre ambos países, dotándole de una sensibilidad única al momento de componer, logrando definir el mood indie pop en el que el mitad neerlandés nos sumerge con el resonar de cada acorde.

 

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Ayudado de Wubbo y Chris, primos de Siegers, ha logrado colocar en plataformas el sencillo “Soñar”, lanzado de manera independiente a mediados de mayo, regalándonos una serie de melodías claras junto a arreglos sutiles de instrumentación cálida. Con influencias redondas de proyectos como Camilo Séptimo, John Mayer, Keane o The Killers.

“Hablo sobre la dificultad entre vivir soñando y vivir en la realidad. Una situación universal en la que expreso mi sentir, guiándome por el amor más puro que pueda encontrar.” Expresó el artista sobre “Soñar”.

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El track fue acompañado de un videoclip oficial en el que podemos observar al mismo Siegers rodeado de elementos suburbanos minimalistas, resaltando las sensaciones de cercanía y sencillez envueltas en un vibrante amarillo eléctrico despedido de las intenciones musicales del proyecto.

Fenna Frei, onírico electro pop que te hará soñar en otras realidades

"Fruto de una aurora boreal, un romance vikingo y estrellas del norte".

Una noche de 2020 en Buenos Aires, Argentina, Candela Cibrián se encontraba en su hogar. Afuera, en la calle: incertidumbre, confusión, dolor... De repente, el sonido de algunos aplausos se hizo presente. "Venían del bar de la esquina de casa y se filtraban por mi balcón", describe Candela. Para ella —que desde los 10 años ha encontrado su lugar idóneo en los escenarios— dicha expresión le produjo tremenda nostalgia. Era la primera vez, en muchos años, que la música en vivo estaba ausente debido a una pandemia.

Tiempos difíciles producen las más delicadas y reflexivas obras. Es así que, con piano y a capela, Candela compusó en solitario la canción "Sin Miradas", inspirándose solamente en aquellos murmullos sonoros.

Los tres minutos y medio que dura sencillo no solo son el registro de un experiencia meláncolica, sino que representan la tenue transición conceptual de una artista que comenzó su carrera experimentando con la electrónica, y que ahora se sitúa en el dream pop, sin cerrar la puerta a futuros cambios.

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Foto por Maxi Bottoli.

Candela es mejor conocida por su proyecto Fenna Frei. Bajo dicho nombre, en 2017 publicó su álbum debut titulado Fuente Nocturna y, desde entonces, ha compartido varios sencillos, así como un epé llamado Exilios (2020).

Cabe mencionar que, Candela también se dedica a la actuación, producción musical y de voces, ayudando así a artistas como Daniela Milagros, Agathe Cipres, Camil Camil y Jared Southard. Por otra parte, se ha destacado por ser militante feminista en Red Multisonora y jurado de los Premios Gardel.

En el caso de "Sin Miradas", la canción fue grabada en su estudio personal y coproducida con Santiago Iezzi; además, es la primera vez que se muestra con tan solo un piano, una guitarra y su voz.

Al respecto, Candela menciona que este nuevo lanzamiento surgió de "la necesidad de mostrarme más desnuda, vulnerable y sincera; no sumar nada que no sea necesario". Si bien, sus anteriores trabajos se caracterizan por el uso de sintetizadores y elementos experimentales que invitan al baile, la constante en sus diversas facetas es el aura misteriosa que envuelve a su propuesta.

Con tanto desmoronándose alrededor, el 2020 fue un año difícil para seguir creyendo que valía la pena invertir toneladas de esfuerzo en una idea propia. Temblaron todas mis estructuras y me entregué al pensamiento y a la transformación, dejando a Fenna Frei en stand by.

De todo ese momento nació ‘Sin miradas’ es de lo más despojado que hemos producido hasta ahora y personalmente estaba necesitando componer canciones que se defiendan por sí solas”.

Candela Cibrián describe a su proyecto como "fruto de una aurora boreal, un romance vikingo y estrellas del norte", elementos que podrás indentifcar en las letras de las canciones "Aurora", "Frío" o "Trigo", por ejemplo.

La gama de sensaciones que emana su trabajo es amplia y muy atractiva, por lo cual te recomendamos sumergirte en su propuesta, pues su versatilidad sonora no pasará desapercibida. Todo su trabajo lo encuentras en plataformas de streaming, así como en Bandcamp.

Sin más, disfruta de "Sin Miradas", a continuación.

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Se proclama el 4 de junio como el día de Rise Against 

Y no solo eso, casualmente ese mismo día presentan su nueva producción discográfica.

¿Te imaginas que se proclame un día en tu honor? Aquí no quebramos ilusiones, pero seamos sinceros, es posible que esto no te pase a menos que seas un cuarteto estadounidense de hardcore melódico oriundo de Chicago, Estados Unidos.  

Como anillo al dedo, la agrupación fue honorada por la alcalde de Chicago Illinois, Lori Elaine Lightfoot, quien proclamó el 4 de junio como el Rise Against Day,  mismo día del lanzamiento de su noveno álbum de estudio Nowhere Generation. Y por si fuera poco, Tim McIlrath (voz principal, guitarra rítmica), Zach Blair (guitarra líder), Joe Principe (bajo) y Brandon Barnes (batería, percusión) celebrarán con un showcase en la tienda de discos Reckless Records, en la misma ciudad. 

El vocalista tocará un set de canciones acústica a las primeras 50 afortunadas personas en comprar dicho larga duración, mientras que los demás miembros de la banda firmarán discos. 

El pasado 31 de mayo Rise Against publicó su más reciente sencillo “Talking to Ourselves”, el cual se acompaña de un videoclip dirigido por Brian Roettinger que se compone de un poderoso performance a la luz de viejos televisores que los rodean. Como antesala a esta entrega, la banda también liberó “Broken Dreams, Inc.”, “Nowhere Generation” y “Numbers”.

Celebra este día conmemorativo el próximo 4 de junio y escucha su nuevo LP Nowhere Generation

Escucha “PASSION”, nuevo sencillo de Dancing Strangers

Seducción y baile con influencia punk.

Desde el norte de México, llega una ola oscura de baile y distorsión para encender las noches de neón. Dancing Strangers, dueto mexicano de coldwave basado en Tijuana, acaba de estrenar su sencillo “PASSION”. Con éste, los integrantes Astronauta Jackson y Eric Curiel introducen una nueva fase en la carrera de este proyecto musical.

Ruido, distorsión, muchos sintetizadores y guitarras punk conforman la mezcla que encontrarás en “PASSION”. Las vocales entrecortadas, al más puro estilo de Alan Vega y Suicide, coronan la vibra de este sencillo. Ya puedes adquirirlo en Bandcamp y escucharlo a continuación.

Dancing Strangers debutó en 2012 como un proyecto que permitiera a Jackson y Eric Curiel (también guitarrista de Shantelle), explorar influencias como el krautrock, el post punk y el art rock. Esta mezcla ecléctica de sonidos los ha llevado a compartir escenario con Peter Hook and the Light, Indian Jewelry y Thieves Like Us y otros grupos.

La carrera de este dueto se conforma por los EP Lost in Lust y SHATTERED MIRRORS, que exploran la vertiente más oscura del coldwave y sonidos similares. No olvides seguir a Dancing Strangers en Instagram y Spotify para que no te pierdas ninguno de sus estrenos.

No te pierdas el IG Live de Silver Rose en Indie Rocks!

¡Agenda la fecha! Silver Rose estará en el IG Live de Indie Rocks! el martes 2 de junio.

Carla Sariñana, o mejor conocida como Silver Rose, presentó su álbum debut como solista titulado Las Distancias el año pasado. Las siete canciones que lo conforman resultaron ser un cúmulo de sonidos pop, shoegaze y psicodelia; todo guiado por las transformaciones personales y musicales de la compositora mexicana. Recientemente, Carla también impulsó y colaboró en la iniciativa del compilado Espacios Vacios Vol. 1. Además, inauguró Amaneceres, una serie de videoclips organizada por Amazon Music en la que interpretó el single principal de su disco.

Como te habrás dado cuenta, los proyectos de Silver Rose se mantienen en constante movimiento. Así que, si quieres saber qué otros planes tiene en mente para este 2021, te invitamos a ser parte de la conversación que Indie Rocks! tendrá con ella el próximo 2 de junio en punto de las 17:00 H. La plática será conducida por María Letona, quien recibirá todas tus preguntas, saludos y buenas vibras. ¡No te lo pierdas!

 

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Las Distancias fue publicado vía el sello Panoram. Para su realización, Silver Rose trabajó con el productor Felipe Ceballos, y contó con la ayuda de los músicos  Johann DaccarettSergio Acosta de ZoéDan ZlotnikLuke Paquin (guitarrista de Hot Hot Heat y de Tashaki Miyaki), Efrén BarónDemián GálvezBrandon Welchez y Javier Blake

Si aún no lo has escuchado, te recomendamos hacerlo mientras lees la reseña de Indie Rocks! en el siguiente enlace.

Anímate a ser parte de la conversación con Silver Rose, y recuerda seguirnos en redes sociales para más información.

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LUMP comparte el sencillo “Climb Every Wall”

Un track inspirado en el pensamiento filosófico de Slavoj Žižek.

Tras su regreso con "Animal" el mes pasado, LUMP, el dúo compuesto por Laura Marling y Mike Lindsay de Tunng, comparte "Climb Every Wall", el segundo adelanto de su próximo álbum. 

De acuerdo con Marling, este nuevo track fue inspirado por un film del filósofo esloveno Slavoj Žižek:

Había visto una película llamada The Perverts Guide to Ideology sobre cómo la ideología está entretejida en el cine de Hollywood, y había un poco sobre cómo en los países comunistas cortaron la canción 'Climb Every Mountain' de Sound of Music porque es una ideología demasiado personal e individualista, así que ahí es donde obtuve el título ”, compartió la cantautora en un comunicado de prensa.

El nuevo sencillo está acompañada de un video grabado y editado por Tamsin Topolski y Mora Laming. ¡Velo a continuación! 

Animal, el segundo álbum de estudio de la agrupación saldrá a la venta el 30 de julio a través de Partisan / Chrysalis. Marling ha revelado recientemente que gran parte de su inspiración para este nuevo material vino de su nuevo interés por el psicoanálisis:

Estaba tomando el tren y me había preparado poniendo un glosario de palabras en la parte posterior de mi cuaderno. Palabras ordinarias que se usan de manera diferente dentro del psicoanálisis, como 'objeto' y 'maestro'; Sentí que necesitaba algo para basar la letra. Me gusta la idea de que el psicoanálisis intente investigar las rutas del deseo ”, explicó la cantautora.

LUMP promocionará Animal a través de una gira por Reino Unido que se llevará a cabo en agosto y septiembre de este año. Para más información sobre el tour, da click aquí para consultar el sitio web de la banda.

No olvides que "Climb Every Wall" ya se encuentra disponible en plataformas digitales.