Shannon and the Clams comparte “Year of the Spider”

Setentero y catártico, así suena el nuevo sencillo del cuarteto californiano.

Tras lanzar el mes pasado el sencillo "Midnight Wine”, la agrupación californiana de garage punk, Shannon and the Clams, estrena "Year of the Spider", la canción principal de su próximo álbum de estudio Year of the Spider.

Este nuevo anticipo de lo que será su sexto material de larga duración, llega con vibes de los años 70 y cuenta, a modo de catarsis creativa, las desagradables experiencias que la vocalista, Shannon Shaw, vivió durante los últimos dos años.

'Year of the Spider' es esencialmente la suma de mi 2019 y 2020. Un mirón me acechó durante meses y meses mientras mi padre se sometía a un tratamiento de radiación mientras las montañas a nuestro alrededor eran devastadas por incendios forestales. Fue un momento extremadamente intenso en mi vida y simplemente no pude sofocar el deseo desesperado de sentirme segura. Me volví realmente obsesiva y buscaba consuelo dondequiera que pudiera encontrarlo ", compartió Shaw en un comunicado de prensa.

El director Loren Risker, transformó la espeluznante experiencia de Shaw en un colorido y psicodélico video que acompaña el lanzamiento del sencillo. ¡Velo a continuación!

Year of the Spider fue producido por Dan Auerbach de The Black Keys y será publicado el 20 de agosto a través de su sello discográfico Easy Eye Sound. Ya puedes pre ordenarlo aquí.

Shannon and the Clams también han anunciado su regreso a los escenarios con una gira por Estados Unidos. Visita su página web para más información sobre el tour.

Feist interpretará música nueva en el Festival de Verano de Kampnagel

El evento se llevará a cabo en Hamburgo, Alemania del cuatro al 22 de agosto.

El verano de 2021 es el momento ideal para la cantante canadiense de regresar a los escenarios. Con un set de canciones inéditas, Feist se presentará en Festival Internacional de Verano de Kampnagel con una producción a la que ha llamado Multitudes. El evento busca una recuperación conjunta y segura de los conciertos en vivo, luego de un año pandémico que ha afectado al sector cultural.

Feist concibió Multitudes durante el confinamiento, y la escribió en compañía de los compositores Todd Dahlhoff y Amir Yaghmai. Su actuación durará 90 minutos y, de acuerdo con un comunicado, cuenta con un audio inmersivo de D&B Soundscape de 18 puntos.

La presentación explorará temas de "comunicación, graves consecuencias y optimismo elegido, empatía e individualismo, la muerte y la renuencia a madurar". Además, fue desarrollada por el diseñador Rob Sinclair, quien ha trabajado con David ByrnePeter Gabriel y Tame Impala.

Leslie Feist crea una producción íntima, radicalmente comunitaria y al revés que enturbia los roles entre la audiencia y el artista, el observador y el sujeto", se lee un comunicado de prensa.

 

View this post on Instagram

 

A post shared by feist (@feistmusic)

A principios de junio, Feist interpretó "It's a Good Life If You Don't Weaken" en los Premios Juno de Toronto. Mientras aguardamos la publicación de sus nuevas canciones, te recomendamos ver su actuación, a continuación.

¡Recuerda seguir a Indie Rocks! para más información!

Escucha el nuevo EP de Depresión Sonora

Un segundo material en la línea de lo delicado y lo estridente.

Marcos Crespo, artista detrás del proyecto de post pop y dream punk Depresión Sonora, ha publicado su segundo material corta duración, esta vez de la mano del sello madrileño Sonido Muchacho, ayudando al joven músico a entrar en una nueva etapa dentro de la escena europea.

Es así como tras el lanzamiento de los sencillos previos “Tú no me tienes que salvar”, “Gasolina y mechero” y “Apocalipsis Virtual” llega Historias Tristes para Dormir Bien. Producido por el mismo Crespo en colaboración con Bernardo Calvo, los españoles nos entregan un EP plagado de esa violencia dulce que ha caracterizado la carrera del artista desde sus inicios.

Abriendo con una caja de ritmos frenética que se mantiene más o menos presente a lo largo de toda la producción, melodías de bajo en la línea de la asfixia y un trabajo conjunto de guitarras, sintetizadores y voz que terminan envolviendo con una intensidad suave la atmósfera del lanzamiento, grabado casi enteramente desde la habitación del artista, Depresión Sonora logra un trabajo sólido después de la viralidad que alcanzase con su debut homónimo.

Te dejamos el tracklist del nuevo material ya disponible en todas las plataformas.

Depresión Sonora (Canciones tristes para dormir bien)

 

 

Sánchez1000 estrena video para su sencillo “Espiral”

Secuencias cinematográficas con toques de trap.

Recientemente el músico y productor mexicano Sánchez1000 liberó su álbum debut Hipergueto, una producción de siete pistas que cuentan diferentes tramas cinematográficas. Dentro de la producción se encuentra "Espiral", el último single de esta producción que envuelve sonidos de trap y pop para hablar de una relación. Finalmente el video que complementa la premisa de esta melodía llega en colaboración de la producción de Sin Retorno.

Filmado en Colima, el metraje fue realizado en 8mm por Adrián Escárpita quien logró capturar al intérprete en el mar mientras da un paseo contemplativo por la orilla de la playa. Andrés Treviño también intervino en la edición de este video que estremece al espectador y lo invita a un acto de contemplación.

'Espiral' es el último sencillo del disco. Es un video que grabamos en super 8 en la hidroeléctrica de Manzanillo y que fue una locura hacer. Gracias a Gallo por empujar los limites y a Cris Capetillo por el bello cartel estilo película de los 50", explicó Sánchez1000 a través de sus redes sociales.

No te contamos más y te invitamos a disfrutar de esta entrega:

Si aún no has escuchado Hipergueto de Sánchez1000 te invitamos a hacerlo para que de esta manera construyas todas las historias que guían a la producción. Checa el póster promocional que realizó la artista visual Cristina Capetillo:

Espiral

El universo catártico y espacial de Céres

La banda mexiquense arriba con una nueva producción que postula experimentación y “evolución constante”.

“Darle paso a los nuevos inicios, alejado de miedos y pensamientos existenciales”: El cuarteto oriundo de Toluca, Estado de México, presenta su tercer single “Frío”, extracto de su primer álbum de corta duración, producido por el vocalista de Reyno, Christian Jean, desde los estudios Rancho Sound Lab. 

Bajo un estandarte de synth y rock alternativo, Carlos Lucian, Omar Diaz, Alejandro Alvarez y Sergio Alcántara, fusionan sonidos sintéticos que fluyen entre vibraciones catárticas y colores nostálgicos. En este tema la banda ahonda en dudas existenciales y las penumbras mentales ocasionadas por los nuevos comienzos. 

Céres conjunta sintetizadores abrasadores, abiertos, reverberaciones espaciales, secuencias, guitarras acústicas y eléctricas que con sutileza embadurnan partes clave de la pista, además de una voz relajada y suave, que prosigue de una melodía pegadiza. Esto aunado a una estética vaporwave, con referencias sonoras de reconocidas agrupaciones como Zoé, Reyno, Rubytates, entre otros. 

Para este lanzamiento, la banda liberó un videoclip oficial dirigido por Pénelope Flores, bajo la producción de Rumorosa, en el que se retrata un viaje a la liberación emocional, con el protagonismo de una mujer que conduce de la ciudad a campo abierto.  

Previo a este sencillo, la agrupación compartió principios de abril, el track “Borde”, mismo que postula sintetizadores como una línea esencial dentro del universo sonoro de Céres, pues aborda elementos electrónicos que se funden junto a sus beats, guitarras y bajos; Además de su tema debut, “Visiones”, publicado en 2018. 

Desde inicios de su carrera, este conjunto ha colaborado con cineastas como Marcelo Quiñones (quien realizó la producción visual de su primer canción), y participado en eventos junto al chileno, Fármacos

Escucha lo nuevo de “Frío”, lo nuevo de Céres: 

The Killers y Bruce Springsteen liberan “Dustland”

Ya puedes escuchar en loop la colaboración que este par trajo para mejorarte la vida.

Bruce Springsteen aprovechó el confinamiento para trabajar con The Killers y recientemente anunció su colaboración bajo las siguientes palabras: "Somos Brandon y yo con la banda. Hemos hecho algo que saldrá pronto, en una semana más o menos", expresó Bruce Springsteen. Esos siete días quedaron atrás y ya puedes disfrutar de la creación.

"Dustland" es el nombre del tema que originalmente conoces como "A Dustland Fairytale", canción que se encuentra dentro de Day & Age (2008), un álbum que la banda oriunda de Las Vegas se ha encargado de hacer sonar una y otra vez dentro de nuestros oídos, pero esta vez le impregna un toque distinto y acogedor donde las voces de Brandon Flowers y Brice Springsteen se intercalan hasta convertirse en una sola.

Aquí puedes escucharla, solo dale play:

En la portada del nuevo sencillo podemos ver a ambos vocalistas entre tonos rojizos haciendo alusión a su estancia sobre un escenario, algo que en esta nueva normalidad donde los conciertos comienzan a regresar, es probable que veamos con nuestros propios ojos.

"Dustland" fue grabado por Ryan Kingmixeado por Ariel Rechtshaid, dándonos así un resultado bastante agradable que hasta ahora tiene a los escuchas divididos. Pero para nosotros la opinión más importante es la tuya, ¡cuéntanos qué te pareció!

The- Killers-2021

A 35 años del 'The Queen Is Dead' de The Smiths

Un vistazo merecido del caótico e insuperable disco de The Smiths.

Entre el ambicioso disco Eaten Alive de Diana Ross y el escandaloso True Blue de Madonna, un grupo de Manchester se levantó y sacudió las cosas en el Reino Unido y el resto de Europa. Celebramos los 35 años de The Queen Is Dead, un disco que marcó una década.

Cuando hablamos del mejor disco de The Smiths, sólo hay una respuesta correcta: The Queen Is Dead. Para la gran mayoría, el tercer álbum del grupo es el más destacado sencillamente porque presenta la combinación más elaborada y pulcra del enérgico sonido de Johnny Marr y el ingenio emotivo en las letras de Mozz. Sin embargo, este material es más que un conjunto de buenas canciones, es la unión de dos universos: el mundo que los rodeaba; y el mundo que cultivaron dentro.

El álbum, publicado en 1986, es en buena medida un retrato nebuloso del contexto político y social del Reino Unido, pues el lúgubre sonido se desenvolvió en un tiempo en el que las fábricas teñían de gris el cielo, el desempleo subía, había un ataque terrorista tras otro, y las políticas conservadoras de Margaret Thatcher solo alimentaban la rabia de los jóvenes. No obstante, eso no impidió que el disco también fuera el buzón de quejas y miserias de Morrissey, una contenedor obscuro donde guardó los recuerdos de la etapa más intensa de la banda.

Durante la creación del disco, la balsa de The Smiths se iba llenando de fisuras, al grado de no saber si llegarían a la otra orilla. El grupo hacía lo posible por funcionar sin su manager, Andy Rourke había sido brevemente despedido por sus problemas con las drogas, Morrissey vivía para pelearse con sus críticos y un Johnny Marr recién casado casi se mata por conducir en mal estado. Si eso no fuera suficiente, la banda se había involucrado en una disputa legal con Rough Trade, sello del que eran pilar y bastión.

Luego de retrasar por varios meses la grabación por problemas legales, Morrissey y compañía tomaron todos esos ingredientes: el dolor, la desilusión, la violencia y la impotencia, para convertirlo en un reclamo ácido y un contraataque fulminante.

Solo es cuestión de ver las 10 canciones del álbum: “Frankly Mr. Shankly” es un ataque a Geoff Travis, el dueño de Rough Trade; “Cemetary Gates” es la respuesta de Morrissey a todos los que criticaban su uso de citas literarias; y, “The Queen Is Dead” tiene como evidente objetivo a la monarquía británica, pero también a sus instituciones y dirigentes. Por otro lado, “Bigmouth Strike Again” completa la actitud abrasiva de The Smiths con frases como “I was only joking when I said I'd like to smash every tooth in your head”.

La otra cara de la moneda, el universo interno del grupo, es la entrega total a los dilemas emocionales, pues tenemos a Morrissey hundiéndose en el abismo de la soledad con “I Know It’s Over” o “Never Had No One Ever”. También, en esta parte del disco nos encontramos con los ejemplos de lo agridulce que puede ser la búsqueda del amor con “The Boy With The Thorn In His Side” y, por supuesto, “There is a Light That Never Goes Out”.

Si este es considerado el mejor disco de The Smiths, es porque es un material que abarca todo y retrata todo, como si fuera mural mexicano. La banda en un rincón se da gusto con venganzas personales y críticas mordaces, y en el centro hace un collage de emociones, relatos y personajes, que van desde la Reina de Inglaterra puesta en una guillotina, hasta una mujer grande abriendo los ojos de Morrissey. Es extraño, es confuso, pero a la vez, genial.

Tim Ayre — Modern Life

¿Viajes frustrados al ritmo de dream pop psicodélico?

La pandemia del COVID-19 vino a cambiar los planes de todos. Las industrias se paralizaron y tuvimos que permanecer en casa. La frustración y el agotamiento de estar confinados llegó más pronto de lo que esperábamos y hacer algo al respecto sonaba un poco complicado. Durante estos tiempos difíciles del otro lado del mundo, en Sidney, Australia, Tim Ayre empezó a trabajar sonidos que exploraran nuevos paisajes; el músico quería salir de su hogar y las circunstancias lo impedían pero la música le fue de gran ayuda.

Al finalizar su periodo con Tim & Jean -agrupación australiana con auge en 2008-, el músico emprendió su proyecto en solitario y desde hace un par de años ha estado experimentando con diferentes texturas y vibraciones producidas por los sintetizadores, las guitarras y la batería, mismos que implementa en Modern Life, su EP que llega vía Kitsuné Musique. Para este material el compositor se va de viaje en ondas dream pop con toques de psicodelia.

"Mexican Holiday" abre esta travesía musical. Es una pista que desde los primeros segundos te dice que será divertida y por supuesto, le hace honor a su nombre. Su colorida vibra hace referencia a la esencia de México y simula un trip muy psicodélico digno para relajarse y entender que no hay gravedad. Los sintetizadores hacen su función mientras la voz de Tim Ayre se funde entre el sonido de la batería y un solo de guitarra te hace latir con fuerza el corazón.

Posteriormente "Miami Drive" llega con un sonido mucho más calmo para contar la premisa de este material: viajar a distintos lugares a través de la música. A diferencia de México, la ciudad de Miami tiene una vibra totalmente diferente y el músico australiano lo traduce entre ondas cósmicas setenteras, con seductores solos y riffs suaves y fresquitos. Sobre el tema el intérprete comentó: “con la reciente falta de viajes, estuve escribiendo canciones que me hicieran pensar en estar en algún otro lugar".

Modern Life no solo se cuenta a través de las canciones, sino que refuerza su intención a través de los metrajes que realizó en colaboración con Ollie Birt, director visual de esta historia. El artista se las ingenió para que el cantante lograra viajar a distintas ciudades sin necesidad de salir de Australia.

A la mitad del EP aparece "So Long", un track brillante que aporta vida al alma y al corazón. Su carisma poco convencional convence al escucha de que siempre hay que ofrecerle una buena cara a la vida y permitir que esta fluya libremente. "La letra es una despedida a mi yo más joven y a las cosas del pasado que ya no tienen peso en mi vida”, explica Tim Ayre. Las influencias del cantante son vastas, van desde The Beatles, pasando por The Flaming Lips, hasta un The Beach Boys, agrupación de la cual tomó como referencia “Surf's Up”, para armar esta canción.

El final del disco se traduce como una parada pasajera que continuará con un divertido viaje repleto de miles de anécdotas. "Modern Life" tiene bases de música ambiental y aporta frescura con su carismático dream pop. Por su parte "California Dreamin'" muestra un destino lleno de misterio rompiendo un poco con los ritmos anteriormente presentados y aunque es diferente logra generar un final abierto.

En Modern Life, Tim Ayre te invita a pasear por distintos lugares con atmósferas particulares que no literalmente narran cómo son las ciudades anteriormente nombradas, sino que también juega con la metáfora de enfrentar distintas situaciones de la vida: dejar atrás el pasado, el inicio de algo nuevo y de los posibles caminos que pueden traer tus desiciones; todo narrado entre divertidas y animadas secuencias de dream pop, electrónica y toques de psicodelia.

Entrevista con Señor Kino

Una vorágine sonora.

Tras lanzar su tercer larga duración, Aurora Boreal, Señor Kino observa cada vez más cerca su momento para volver a pisar los escenarios. Al tiempo que la pandemia de la COVID-19 parece comenzar a desaparecer, la banda originaria de Hermosillo, Sonora se siente satisfecha de que su nuevo material por fin vea la luz.

Esta entrega muestra a una agrupación clavada con cada capa y mood que llega a explorar. Adoptando la situación global como una oportunidad para hacer las cosas de forma diferente, la agrupación le sacó jugo al tiempo en aislamiento, pese a verse obligados a posponer la fecha de estreno.

Este disco nosotros planeábamos lanzarlo en 2020, pero nos salimos corriendo del estudio, o sea, literal, nos dijeron que ya nos teníamos que ir y no pudimos terminar de grabarlo. Lo terminamos de grabar en contingencia, pues, estando ya encerrados en nuestras casas, entonces decidimos que saliera en 2021. Eso sirvió porque pudimos explorar las canciones más y escucharlas para ver qué queríamos meterles o cómo queríamos producirlas”, nos platicó Carolina Enríquez, bajista y corista del grupo.

El estreno del álbum vino acompañado del anuncio de su participación en Riot Fest 2021, festival a celebrarse en la ciudad de Chicago en septiembre. Aunque la noticia de compartir escenario con bandas como The Smashing Pumpkins, Pixies o Nine Inch Nails ha provocado entusiasmo en la banda, la sensación de que la pandemia llegue a su fin aún no logra digerirse.

“Se siente bien loco después de haber estado sentados todo un año en nuestro cuarto y después tocar al lado de The Smashing, Pixies, no sé, está bien loco. Aunque yo, en lo personal, no me siento que pueda agarrar mi bajo y subir a un escenario. Después de tanto tiempo, lo siento bien raro. Siento que la próxima vez que nos subamos a tocar, voy a estar conectando mi bajo pensando ‘¿en serio voy a tocar”’, admitió Caro.

Señor Kino es una banda que nació en los tiempos donde el Internet ya había establecido una plataforma solida para nuevos proyectos, la banda utilizó el medio de una forma emocionante, convirtiéndolo en una salida para su propuesta estética y mensaje visual, mientras lo aprovechaban para tener un canal directo con sus seguidores. Por otro lado, admiten que el Internet también ha provocado patrones negativos en la audiencia.

“El Internet siempre nos ha acompañado como banda. Empezamos haciéndonos un Bandcamp, después YouTube y así. Yo diría que es el espacio más importante para Señor Kino. Siento que nos ayudó mucho y ahora, después de la pandemia está como muy saturado y también ha hecho un poco de mal. La gente ahora espera una canción cada semana y se aburren muy rápido”, platicó Carolina.

Aurora Boreal es una travesía volátil que en el curso de 33 minutos explora capas, melodías disonantes, reverberaciones y sintetizadores alienados. La banda recordó que el tema principal detrás de las canciones es el caos y cómo se puede encontrar una luz al final del túnel.

Es justo la canción que da título a la placa que cierra la vorágine sonora del material. El track, lanzado como el último adelanto antes de la develación del LP, busca cerrar la historia de forma luminosa.

Quise hacer una canción que tuviera un lado más positivo, que justo no hablara solo de positividad, sino este lado bonito de ‘las cosas pueden solucionarse, las cosas pueden estar mejor”’, comentó Karl Neudert vocalista y escritor de la banda.

Casi como analogía a la situación mundial del 2021, la nueva entrega de Señor Kino funciona como un rayo de esperanza, que apunta a un mejor porvenir y, si todo sale bien, al regreso de la música en vivo como la conocíamos.

“Y justo esta canción ('Aurora Boreal') salió cuando se terminó el 2020 y ya estábamos un poco más tranquilos. Se sentía que ya se estaba terminando el desmadre del año pasado y sí, como dice Karl, las canciones del disco hablan de caos y ésta, que es el último track, de hecho habla de una esperanza, de encontrar el final del arcoíris”, añadió Carolina.

Yves Tumor está de regreso con “Jackie”

El sencillo llegó acompañado por una colaboración con un reconocido colectivo artístico.

Apenas se cumplió un año de Heaven to a Tortured Mind (Warp Records, 2020), último álbum de Yves Tumor, y ya hay nueva música del productor estadounidense. Se trata de “Jackie”, sencillo que llegó acompañado de un alucinante y psicodélico visual dirigido por el colectivo de arte Actual Objects. Prepárate para el viaje y dale play a continuación.

Nos encantó colaborar con Yves Tumor en ‘Jackie’, pues hemos sido grandes seguidores por años. Su trabajo siempre es muy adelantado y ha sido una gran inspiración para nosotros. ‘Jackie’ fue una oportunidad para nosotros de indagar en nuestra caja de herramientas y trabajar con nuestras técnicas más experimentales”, comenta Actual Objects.

Aún es muy pronto para saber si “Jackie” formará parte de un nuevo álbum o EP de Yves Tumor. Sin embargo, el productor ya ha confirmado su regreso a los escenarios con una gira en Estados Unidos, Reino Unido y Europa que iniciará en septiembre de 2021 y se extenderá hasta 2022. Más información en su sitio web.

Adicionalmente, Yves Tumor lanzó una nueva pieza de mercancía alusiva a “Jackie”. Se trata de una playera negra con el cuerpo de uno de los personajes protagonistas en el video. Adquiérela a través de Bandcamp.

YvesTumor_Jackie