U.S. Girls estrena "Rosebud"

Por Elizabeth Zamora

Es el cuarto sencillo del próximo álbum de U.S. GirlsIn A Poem Unlimited y viene con video oficial.

"Rosebud" es la reciente canción que Remy anunció para este nuevo disco después de haber sacado "Mad As Hell""Velvet 4 Sale" y "Pearly Gates".

Meghan Remy, mejor conocida por su proyecto musical U.S. Girls lanzará a la venta el 16 de febrero su próxima producción discográfica In a Poem Unlimited que ya se puede preordenar a través de iTunes.

La canción escrita por Rich MorelRemy se estrenó junto con su videoclip, dirigido por Alex Kingsmill, editado por Meghan Remy y protagonizado por Max Turnbull.

El trama del clip se centra en la metafórica comparación entre un hombre y un ave que se encuentran alejados del mundo exterior y lo miran desde una jaula que ¿los protege?, mostrando como dentro del aviario algunas aves cantan y bailan la letra de una canción que habla sobre el regreso al pasado que no suelta sino aprieta.

Cuando el hombre decide tomar su ave y liberarla en el bosque es como si ambos salieran de su escondite y quisieran enfrentar al mundo, vivir fuera de la jaula y salir a la vida real.

Éste es el video de U.S. Girls, te lo dejamos para que lo cheques.

 

C. Tangana estrena "Still Rapping"

Dale play al freestyle que C. Tangana ha compartido con especial dedicatoria.

Luego de que C. Tangana diera una serie de presentaciones en la CDMX, nos ha sorprendido a todos compartiendo un track inédito que nos da indicios de que su más reciente producción Ídolo, pronto tendrá a su sucesor.

El tema en cuestión es "Still Rapping", una especie de freestyle que cuenta con la producción de Steve Lean y en la que el originario de España responde a sus detractores que han mencionado que se ha olvidado de sus orígenes al incursionar en géneros más comerciales.

Junto a la rola fue lanzado un visual grabado en Miami, bajo la dirección de Roger González, en el que podemos ver a Anton Álvarez caminando en algunas calles de esta paradisíaca ciudad presentadas con imágenes lo fi.

Dale play a continuación:

Hace unos días compartíamos que como parte de la promo de su LP debut C. Tangana dio a conocer el metraje para el sencillo “No te pegas” que –sorpresivamente– fue lanzada bajo una nueva versión realizada junto al cantante de R&B, A.Chal.

En entrevista con Indie Rocks! el cantante español, previo a su presentación en SALA, nos reveló por qué no cree en ídolos y qué piensa sobre el capitalismo que vive la industria musical actualmente:

MGMT estrena visual para "Me and Michael"

Un videoclip con tintes surrealistas promociona el nuevo sencillo del proyecto de Connecticut.

El cuarto material de estudio del proyecto liderado por Ben Goldwasser y Andrew VanWyngarden saldrá el próximo 9 de febrero bajo el gigantesco sello Columbia Records. Titulado Little Dark Age, posiciona a MGMT como uno de los regresos más esperados de este año. Ahora, el dúo nos deja escuchar un nuevo adelanto de nombre "Me and Michael", sucesor del lead single “Little Dark Age”, así como de “Hand It Over” y “When You Die”. Muchos fans ya habían escuchado el track en su debut en vivo, pero ahora lo tenemos en alta calidad y lo acompaña un video promocional.

La canción tiene sutiles sintetizadores y un pronunciado bajo que crean una atmósfera synth pop bastante agradable. Con pequeños tintes psych, tal vez este sea el LP más limpio y explorativo de MGMT. El visual dirigido por Joey Frank y Randy Maitland, relata la historia de cómo el dúo hurta una canción del grupo filipino True Faith. A partir de ello, el proyecto es el estelar de portadas de revista, presenta el material en un programa televisivo conducido por la muerte, y se lanza al estrellato. Todo termina con el juicio de MGMT y con un final bastante surreal. Como invitado especial, el actor Michael Buscemi participa en el trabajo.

MGMT empezará su tour mundial el próximo 2 de marzo en el Peabody Opera House en St. Louis, para después recorrer ciudades de Estados Unidos, y en el verano girar por Europa para presentarse en diversos festivales. La agrupación ha cosechado un cúmulo de fans bastante pronunciado en nuestro país, por lo que una visita en México este año con Little Dark Age suena muy probable. Recuerda que el disco contiene la participación de Ariel Pink y Connan Mockasin, por lo que será un obligado por escuchar en este 2018.

Monster Magnet estrena el video "Mindfucker"

Dale play a este videoclip donde el stoner rock hará que saques tu lado más salvaje.

Previo al estreno de su nuevo material discográfico, la banda de rock, Monster Magnet ha dado a conocer el clip del tema y lead single "Mindfucker", mismo nombre de lo que será su onceavo material de estudio y cuyo lanzamiento está previsto para el 23 de marzo.

En el audiovisual podemos ver a la agrupación tocando este poderoso tema en donde los riffs y algunos solos de guitarra son acompañados con un fondo lleno de llamas e imágenes psicodélicas, mismas que se adecuan a cada movimiento de esta banda originaria de Nueva Jersey.

Míralo a continuación y comenta en nuestras redes sociales:

Mindfucker será lanzado en varias presentaciones, mismas que ya están disponibles en la tienda de Napalm Records. De acuerdo a la disquera, este proyecto de la agrupación es "un paso adelante y un paso atrás al mismo tiempo a las raíces todopoderosas de la música beat". Puedes preordenarlo en el siguiente link.

Si no has visto la portada y el tracklist, te los dejamos a continuación:

Mindfucker

1.- "Rocket Freak"
2.- "Soul"
3.- "Mindfucker"
4.- "I'm God"
5.- "Drowning"
6.- "Ejection"
7.- "Want Some"
8.- "Brainwashed"
9.- "All Day Midnight"
10. "When the Hammer Comes Down"

Animal Collective comparte "In the Bleak Midwinter"

Por Elizabeth Zamora

La canción de Animal Collective es un cover de un villancico navideño y se grabó en 1999.

La banda estadounidense dio a conocer por medio de The O'Brien System, "In the Bleak Midwinter", una canción que tenía guardada por casi 20 años y que no había salido a la luz hasta ahora.

Geologist es el nombre artístico que utiliza Brian Ross Weitz, quien colabora en NTS, un programa de radio en línea que se lleva a cabo mensualmente y tiene el nombre de The O'Brien System. El mes pasado Avey Tare y Panda Bear, miembros de Animal Collective, interpretaron canciones de Sung Tongs, álbum del 2004.

Ahora con lo que sorprendieron fue con un cover de un villancico navideño titulado "In The Bleak Midwinter""A Christmas Carol" de la época de 1900, escrito por Christina Georgina Rossetti.

La canción originalmente se grabó durante las primeras sesiones para Campfire Song alrededor de 1999, tiene armonías de Avey Tare, Panda Bear y Deakin, quienes entonces conformaban el grupo.

"In The Bleak Midwinter" es un villancico basado en un poema de la poetisa inglesa Rossetti por lo que su interpretación no es fácil, su complejidad se basa en el metro que tiene la poesía.

Aquí te dejamos la canción perdida de la bóveda secreta de Animal Collective, chécalo y cuéntanos qué te pareció.

Beach Fossils le hace un cover a Yung Lean

Foto Bayonet Records

La canción "Agony" de Yung Lean fue versionada por Beach Fossils.

El año pasado, la banda de Brooklyn hizo su regreso con Somersault, su tercer álbum de estudio. Pero el grupo aún tiene una pesada agenda, ya que iniciará otra gira, la cual pasará por países de Asia y al parecer también por México y América Latina; además de que seguirá con los estrenos, como el de esta mañana, un cover a un tema de Yung Lean.

La canción que versionó Beach Fossils fue "Agony", sencillo que fue publicado originalmente en Stranger, disco que publicó el rapero a finales del 2017. Esta interpretación de los neoyorquinos es un trabajo muy peculiar, ya que mantienen ese estilo de psicodélia nostálgica y uniforme, pero mezclado con la esencia melancólica del músico sueco.

El cover, que también viene acompañado de un video, fue revelado a través de la cuenta de YouTube de Bayonet Records (Frankie Cosmos, Red Sea), sello discográfico basado en Brooklyn y propiedad de uno de los integrantes de Beach Fossils, Dustin Payseur y su esposa, Katie García.

El video presenta una distinta gama de colores y un estilo lo fi, parecido al de una grabación VHS. Todo el metraje es un recorrido por las calles de lo que parece ser Queens, enfocando elementos como semáforos y señales para los peatones, creando una atmósfera citadina y confusa.

Puedes escuchar ambas versiones de "Agony" justo aquí:

 

The Beatles estrenará documental este año

Foto de Paul Saltzman

El icónico cuarteto de Liverpool tendrá un trabajo fílmico que conmemorará el 50 aniversario de su visita a la India.

En 1968, The Beatles viajaron a Rishikesh, en el norte de la India, para asistir a una sesión de entrenamiento avanzado de Meditación Trascendental en el ashram de Maharishi Mahesh Yogi. Dicha experiencia fue una de las más productivas en la historia de la banda, pues compusieron alrededor de 18 canciones que integraron en The White Album, Abbey Road y en algunos proyectos en solitario.

El viaje será registrado en un documental denominado The Beatles in India, que se estrenará según Screen Daily, a finales del 2018. La película es en realidad la realización de un viaje de toda la vida del cineasta Paul Saltzman –autor de los libros  The Beatles in Rishikesh y The Beatles in Indien: Fotografien von 1968–, que estaba buscando su propio camino hacia la iluminación cuando se encontró con la agrupación en Asia. Saltzman terminó tomando fotos personales de la banda, y como parte del proceso detrás de The Beatles in India, decidió regresar al país donde todo comenzó.

"La idea de un documental de The Beatles en la India ha estado conmigo desde mediados de los 90. Por pura coincidencia, o tal vez fue el destino, tres personas distintas me pusieron en contacto con Paul a principios del año pasado", señala el productor del trabajo, Reynold D'Silva. "Resultó que había albergado la idea por más tiempo que yo. Después de nuestra primera llamada telefónica, nos pusimos en camino para producir la película juntos".

El filme también incluirá fotografías jamas vistas, entrevistas a profundidad con el mítico cuarteto, y como la visita al país asiático afectó su creatividad artística previo a la grabación de The White Album. No existe una fecha de lanzamiento concisa, pero medios cercanos a la producción arrojan que será en el próximo otoño. Mientras eso pasa, te dejamos con "Mother Nature's Son", tema inspirado en una conferencia que dio el Maharishi:

Entrevista con Ariel Pink

Foto Grant Singer

Ariel Pink, la música y Bobby Jameson.

Ariel Pink no es una mente fácil de entender, la combinación entre su extrovertida personalidad y la versatilidad de su música —que abarca géneros como el lo fi, rock, hypnagogic pop, chillwave, synth goth y rock and roll—, envueltos en una vibra experimental y un estilo DIY, trazan un complejo mapa de sus distintas facetas difícil de leer. Ariel Pink regresará a nuestro país para presentarse en Bahidorá y transportarnos a ese mundo bizarro y kitsch del que es parte, en lo que espera sea un “ambiente muy muy  agradable”.

Dedicated to Bobby Jameson —su reciente disco— se siente como un back in the day, ambientado por un sonido dream pop (Feels Like Heaven), punk (Revenge of the Iceman), funk (Acting) y psychodelic country (Another Weekend), pero sobre todo destaca un sentimiento de libertad e intimidad. “Quería grabar música, así que lo hice. Me gusta hacer música todo el tiempo, el disco no necesariamente muestra lo que estaba pensando. Si tuviera la oportunidad nunca publicaría nada, solo grabaría la música”, comentó Ariel al respecto.

Después de quedar conmovido por la historia de Bobby Jameson —que el mismo artista publicó en su blog; víctima del negocio musical, las drogas y el alcohol en su búsqueda por la fama, atrapado en un mundo depresivo, que lo llevó a un intento de suicidio—, Ariel Pink decidió honrar su memoria de alguna forma con su música. Al preguntarle si tenía algún parecido con Jameson contestó. “Algo que tiene Bobby Jameson es que se puede comparar con muchas personas. Creo que es un gran ejemplo, alguien muy honesto, un artista muy valiente”.

Líricamente, Dedicated to Bobby Jameson habla sobre el amor, la soledad y los recuerdos del pasado. Pero escribir nunca ha sido el fuerte de Ariel Pink, al preguntarle cómo hace que la música y letras se complementen respondió. “Intento capturarme, básicamente no escribo las letras hasta el último momento, de esta manera no tengo la oportunidad de editarlas, porque si las tuviera escritas días o meses antes, pasaría todos los días cambiándolas. No pienso en las letras, primero pienso en la música e improviso sobre eso, las escribo al último segundo-minuto, si son malas es como ‘oh no’, me engaño para bajar la guardia. Es vergonzoso, pero tengo que vivir con ello”.

Por casi 20 años, Ariel Pink ha creado un estilo único que lo ha colocado como uno de los artistas más prolíficos en la actualidad en la escena independiente, teniendo la oportunidad de colaborar con artistas de todo tipo como Weyes Blood, Miley Cyrus, Charli XCX, Theophilus London, Carly Rae Jepsen, Azealia Banks, John Maus, Phoenix, Dev Hynes, R. Stevie Moore y recientemente MGMT. Al pensar que el trabajar con otros artistas conlleva una parte divertida, le pregunto sobre eso. “¿Lo más divertido?, no tiene nada de gracioso. No sé si me gusta demasiado, pero es diferente dependiendo de la colaboración, siempre es distinto. Me gusta cuando no tienes que actuar bajo la impresión de alguien más, intento presentarme y nunca escuchar o recibir una canción de nuevo, eso no me concierne, pueden checar y usar lo que hice. Y es grandioso, no tengo que escuchar el producto final hasta que está terminado”.

Permanecer en la escena musical por 19 años no es fácil, sin embargo, Ariel Pink lo ha logrado en sus propios términos —“ser yo mismo, me ha llevado hasta donde estoy”—. Un sentimiento de satisfacción debe invadir su cuerpo, pero no es así, Ariel considera que su carrera no es “algo de lo que tenga que estar orgulloso; me pagan por hacer lo que hago, para poder hacer lo que hago, recibiendo dinero por lo que hago ”, no obstante agregó. “Lo amo, es una buena manera de sobrevivir diría yo. Soy muy afortunado, pero también estoy consciente de lo rápido que cambia el tiempo, la parte difícil es introducirte en la mente de las personas o llegar a un nuevo público, cada tour es diferente, muchos fans son viejos, pero la mayoría es gente nueva”. "Tiempo en el que he aprendido de todo; cómo tocar instrumentos, cómo grabar, cómo tener mi casa en orden, cómo lidiar con mi contador y con abogados, cómo confiar en mis instintos, expresarme y tratar de seguir aprendiendo constantemente”.

En la parte final de la entrevista antes de advertirme que el tiempo está por terminarse, le pregunto ¿cuál es la parte mágica de hacer música?, a lo que comentó. “No hay nada de mágico en ello, algo mágico es el milagro de la vida en general, el hecho de que estemos hablando en este momento, yo desde aquí y tú desde allá”. Concluyó con un rotundo “nada”, después de preguntarle sobre los planes que vienen para Ariel Pink.

 

Teen Daze — Themes for New Earth

Siete meses viendo la Tierra: Teen Daze, Themes for New Earth.

Un día llega y te das cuenta de que no eres el mismo. Te ríes de lo que alguna vez dijiste en una carta de un cajón desordenado, te avergüenzas de lo que pensabas, quizá de lo que reflejabas, las personas con las que salías, la música que escuchabas, y quieres con todas tus fuerzas recordar lo que soñabas. Pero esos días son lejanos. Las experiencias son otras. Algunos le llaman a ese proceso madurar. Otros lo definen como naturaleza humana; lo cierto es que ese día nos llega a todos. Así como le llegó a Jamison Isaak.

Si estuvieran ahora mismo en Abbotsford, British Columbia, probablemente tendrían de frente la vista del Monte Baker, los árboles altísimos en derredor, a un amable interlocutor y el viento frío de Canadá. Ahí fue donde creció Jamison Isaak. Terminando sus estudios, descubrió que la música que hacía había sido reseñada en un blog, luego en otros más, luego en Pitchfork y la historia continuó. Había descubierto su verdadera vocación.

Teen Daze es un juego de palabras inteligente. La adolescencia aturdida y los días de adolescencia van de la mano. No se puede estar de otra manera durante esa edad. Todo confunde y a veces nada motiva. Encuentras palabras que posteriormente ya no son tu discurso. Un nombre que entona a la perfección con el proyecto de Isaak.

Foto Sharalee Prang

En sus primeros materiales podemos encontrar synth pop, incursiones en el chillwave y hasta el indie pop. Era música veraniega, para pasarla bien, para que las personas bailaran en los conciertos y la dedicaran en los muros de sus amigos y parejas. Lo que sí, es que Jamison siempre tuvo un oído educado, desde rock clásico y disco, hasta post rock y derivados.

Ahora nos situamos en el 2015 durante un viaje que hizo junto a su esposa. Siete meses de ver la Tierra. De conocer lugares, admirar la naturaleza y, lo fundamental, de abrir los ojos. La ansiedad previa al estar en un tour con personas y no poder salir a saludarlas, comenzó a desvanecerse cuando se enfocó en dar un mensaje. Así fue como Teen Daze pasó de ser una banda de las que abundan, a resignificarse en algo que busca comunicar. El estilo tenía que cambiar. Entonces recurrió al ambient.

Themes for New Earth (TFNE) es una especie de continuación a Themes For Dying Earth, disco que también publicó en el 2017. En el primero, la transformación no se veía del todo. Era un disco envolvente y atmosférico, pero todavía con vocales. En TFNE, Jamison se arriesga a dejar que la música cargue con el discurso. 36 minutos de canciones instrumentales que van de lo melancólico (“Shibuya Again”), a lo esperanzador (“On the Edge of a New Age”), y también a lo contemplativo (“An Alpine Forest”). Todos con el mismo mensaje: hagamos algo por el planeta Tierra. Hagamos algo por nuestro hogar.

Jamison Isaak ya no es el mismo. Y quiere que así como él se maravilló con lo hermoso y efímero de un cerezo, la gente encuentre inspiración en la belleza natural. Teen Daze es un remitente de los que importan, de los que necesitamos. Ya sea por lo que intenta transmitir, o por las canciones en sí, TFNE es un disco para los días de lluvia, las noches en vela, las caminatas que requieren musicalización, y para alguna carretera nocturna, una en la que todavía se puedan ver estrellas en los cielos abiertos.

Django Django — Marble Skies

Spaghetti Western musicalizado con toques psicodélicos.

Django Django tiene muy marcadas sus influencias artísticas y ello responde a la necesidad artística de la banda de combinar sonidos de las películas spaghetti western con fragmentos de psicodelia, dream pop y synth pop. Su más reciente disco Marble Skies cumple con cada uno de los pasos para constituir el sonido que ellos han ido trabajando a través de su carrera musical.

A diferencia de sus entregas anteriores, en este nuevo LP, la banda elige un sonido más cercano a lo que bandas como Glass Animals, Local Natives o Chet Faker producen. Alejándose poco a poco del sonido psicodélico que los caracterizó en su primer álbum. La pregunta es: ¿Este cambio sonoro benefició a la banda?

Cuando se decide cambiar diametralmente de sonido, los músicos retan a su lado creativo para crear algo nuevo sin perder la esencia. Eso es lo que ocurre con Django Django, pues optaron por dejar la experimentación sonora y eligieron constituir un universo sonoro más estable que en este disco se puede notar. Sin embargo, la esencia de los británicos sigue ahí, pues dentro de ese sonido nuevo sigue presente la influencia de los scores de las películas sobre el oeste.

El disco se divide en 10 tracks que suman apenas 40 minutos, pero a pesar de ser un disco corto y muy cercano al EP, se siente completo. Constituido por una máxima artística de la banda, innovación. Si el disco puede definirse en una palabra sería ese, pues en una época de la reproducción técnica cualquier persona puede apropiarse de un sonido y explotarlo ad nauseam para vender su música, pero este cuarteto elige el camino de explorar nuevas combinaciones para generar algo nuevo.

Destacan por su versatilidad y diferencia las siguientes canciones: “Marble Skies”“Tic Tac Toe”“In Your Beat” y “Fountains”. Todas ellas representan la búsqueda por crear nuevos ambientes sonoros desde la particularidad de una banda. A pesar de las influencias notorias de otras agrupaciones y sonidos que aparecen, con esta obra Django Django abre un nuevo episodio en su carrera musical, un episodio sin un sonido definido. Así como las películas spaghetti western terminaban siempre diferente, el punto es cómo se cuenta la historia y eso siempre cambia. Así como en cada uno de sus álbumes el desarrollo siempre es diferente.