Entrevista con SOJA

SOJA celebra dos décadas con visita a México.

Han pasado 20 años desde que en algún lugar de Arlington, Virginia (EEUU) un grupo de amigos decidieron reunirse a formar una banda y usar el reggae como la manera de expresarse; con dos décadas de una trayectoria destacada, SOJA (Soldiers Of Jah Army) se ha consolidado en nuestro país como un proyecto querido, y ya está en México para complacer a sus seguidores.

Además del festejo por tantos años, el grupo está promocionando su sexto álbum nombrado Poetry in Motion, placa que ya arrojó dos sencillos que han sido bien recibidos “More” y “Bad News”. Indie Rocks! tuvo la oportunidad de cuestionar a Jacob Hemphill vocalista y uno de los líderes de la agrupación sobre estos temas y así conocer algunos detalles.

La manera de trabajar en este nuevo disco no cambia mucho a sus antecesores, la fórmula es parecida y el resultado muy satisfactorio. “Es el resultado de trabajar los ocho miembros de la banda en un estudio por semanas, escribiendo y componiendo; este proceso es similar al que hemos usado en discos anteriores. Queremos que este trabajo refleje la belleza que encontramos al colaborar todos juntos y contribuir cada uno en las canciones de los demás. Estamos muy contentos con el resultado”, precisó Jacob.

Encaminados a hablar sobre su trayectoria, el cantante aseguró que con tantos años han recibido muchas lecciones y uno de los aprendizajes más grandes es que no importa cuánto tiempo lleves en esto, siempre hay que mantener la mentalidad de cuando empiezas, tal vez es el secreto para que los proyectos no pierdan su parte honesta.

¿Pero cuál es el secreto para tocar juntos por tanto tiempo?, Hemphill lo atribuye a esto. “Ayuda que antes de la banda éramos amigos y ahora seguimos siendo, somos un grupo de hermanos que se respetan entre ellos, y también hay respeto por el talento y la contribución de cada quien”.

La banda de Washington D.C. ofrecerá un par de shows en escenarios muy diferentes, el 9 de diciembre en el Festival Catrina en Puebla y el 15 de diciembre en El Plaza Condesa, SOJA no hace distinciones y siempre da lo mejor. “En todos los shows tocaremos canciones nuevas y de discos anteriores, independientemente del escenario o el tamaño del lugar queremos brindar la misma energía y tocar con las mismas ganas”.

Hace un par de años los norteamericanos dieron una gran exhibición en el escenario del Vive Latino, del cual tienen un buen recuerdo y aseguran estar emocionados por estar de vuelta, califican al público mexicano uno muy bueno y con mucha energía.

Y para cerrar la entrevista el músico reflexionó sobre la parte más complicada de dedicarte a la música y estar de gira, aunque ya sabemos que cada sacrificio lo vale. “Viajar y estar lejos de tus seres queridos es difícil, aunque nosotros mientras giramos somos como una familia, todos en este trabajo nos perdemos eventos familiares importantes, pero es parte del negocio y hay que aceptarlo; de igual manera cuando estoy en casa echo de menos la carretera, a los músicos y a los fans”.

Así que este es el momento para disfrutar de SOJA y celebrar con ellos.

Yung Lean — Stranger

Stranger, el regreso del sad boy con su mejor disco hasta la fecha.

Cuando años atrás, cuatro para ser exactos, Yung Lean llegó a los oídos de los productores y críticos de rap era fácil reírse e incluso voltear a ver de manera cínica al productor y rapero sueco. Hoy ya no lo es tanto. Desde que las cosas cambiaron en el panorama de la música hip hop y el reflector pasó a darle protagonismo a la escena trap liderada por jóvenes originarios de ATL, la forma de ver a los artistas también fue diferente. Sin entrar en controversia y decir que uno es mejor que otro o que la evolución es necesaria y demás parafernalia, propia de algún artículo de investigación, sí puedo afirmar que la música hip hop tomó nuevos rumbos y dentro de ellos Yung Lean y sus sad boys, se hicieron de un lugar que, para muchos, ya es esencial en el playlist diario.

Esta propuesta, si bien no nueva, ha ganado notoriedad y se ha hecho de un público fiel y extenso. Figuras actuales como Lil Uzi Vert, Lil Yachty, XXXTentación o, el recientemente fallecido, Lil Peep (RIP) forman parte del amplio espectro musical que se identifican más con una estética oscura y ritmos propios de instrumentales del grime o incluso composiciones inclinadas más hacia el punk rock o el emocore.

Con todo ese contexto podemos empezar describiendo a Stranger como el mejor disco de Yung Lean a la fecha. La razón es simple: es el verdadero Jonatan Leandoer quien está al frente, cantándonos al oído esas letras descarnadas y dolorosas que caen sobre beats y piano; ya no intenta ser alguien que no es, no busca la aprobación de su público ni intenta fórmulas que le son ajenas. Tenemos al sad boy por excelencia en cada una de las canciones tan desnudo y sincero como podríamos tenerlo. Es, además, un disco más honesto en cuanto a sus sonidos: uno más limpio y menos rebuscado. Las atmósferas que crea a través de las primeras canciones se van transformando segundo a segundo en algo más, pero siempre paulatinamente. El cambio entre corte y corte se siente completamente natural y nada forzado, es una evolución natural de sentimientos y emociones entremezclados y sumergidos en codeine y una densa capa de humo.

El álbum inicia con Muddy Sea que es, probablemente, una de las canciones más flojas de todo el álbum. Pero funciona. El fondo suena como un tema de Tumblr adolescente y la letra no transporta a una recámara en la que las drogas están regadas sobre la alfombra mientras el mismo adolescente del Tumblr se mira al espejo y se ve por primera vez. Cruda. Le sigue Red Bottom Sky que es su canción más catchy y transitable en toda su carrera. Se siente totalmente natural la manera en la que las rimas se extienden a través del ritmo y el skrrt skrrt suena en los versos. También es su canción más real, pues en ella habla del tiroteo del que fue víctima junto con su crew durante un tour en Estados Unidos; además de ver a la cara a quien lo critica por estar tanto tiempo en sus propios pensamientos y hacer canciones tan deprimentes.

“Skimask”, Silver Arrows y Metallic Intuition funcionan como un buen puente llegar a la parte media del disco en las que Yung hace una buena demostración de aptitudes en su delivery con temas como Push / Lost Weekend yDrop It / Scooter.

Pero lo mejor del quinto material de estudio del rapero sueco está al final del camino: “Iceman”, en la que los temas del desamor, la soledad y las drogas son punto de discusión nuevamente; “Fallen Demon”, una canción de profunda de dolor en la que la base es apenas perceptible y su voz rasga los tímpanos hasta el llanto. En Agony, el piano sobre el que Jonatan canta es una sábana que cubre una caricia que queda como un fantasma y se hace presente solo en la melancolía de un sueño diurno, es tan suave y poderosa que las lágrimas pueden correr sin darnos cuenta sino hasta que caen sobre el trackpad de la computadora. Aún hay más. El disco cierra de una manera sublime con Yellowman, una pieza de casi cinco minutos con la que la ambientación que, a través de todo el recorrido del disco, se formó explota y desaparece el velo nebuloso con el que Yung Lean envolvió su quinta opera.

Hace tiempo Yung dijo en una entrevista que no estaba siquiera seguro de estar haciendo hip hop refiriéndose a sus últimos materiales (incluido Frost God) y tal vez tenga razón, pero si algo podemos pedir es que, sea hip hop o no, sus próximos materiales suenen más a esto.

Trópico 2017

Una celebración a la fiesta en Acapulco: Trópico 2017.

No hay que dejarse engañar. Más que un simple festival de música, Trópico se ha convertido en una celebración a la fiesta. Su locación no es en vano. Acapulco es una tierra casi sagrada que ha sido olvidada con el tiempo y una zona que prevalece en el subconsciente colectivo como un recuerdo más que una realidad, sin embargo, el festival –además de otras cosas– se esfuerza por mantenerlo vigente. ¿Cómo? Con una fiesta en honor a su legado y, además, en homenaje a sus mejores tiempos.

Sábado

El sábado se convirtió en un rave de la vieja escuela. Con Awwz recibiendo el atardecer y con TITÁN reafirmándose como una de las leyendas más divertidas que tenemos actualmente activas. Mientras tanto, Teen Flirt brindaba un set que iba desde lo más oscuro del latin trap hasta el reggaetón más elegante, confirmando una vez más que Finesse no es solo una disquera, sino toda una forma de vida que permea hasta en la gente que disfruta de su obra.

El resto continuó hasta el amanecer, para que el sábado se convirtiera en el día más memorable de todos. El día abría con el Frente Cumbiero tocando uno de los sets más largos que se le hayan conocido y todo un sueño para la música que representa: cumbia, salsa, dancehall e híbridos entre uno y otro se hacían presentes al lado de la playa, en una fiesta de piscina que cada minuto se ponía mejor.

Thundercat recibió el atardecer como algo histórico. Entre su fusión de jazz experimental, R&B y hip hop, la tarde del sábado en Acapulco se sintió especial, como si una nueva forma de música inaugurara una nueva etapa de sus fines de semana. Con dos músicos en el escenario, Thundercat brindó cátedra de cómo es un concierto que saque de la zona de confort a su audiencia.

Todo haría sentido después, cuando Los Wembler's de Iquitos hizo su primera aparición en México. El grupo, conformado por una serie de personajes cuya edad hablaba por sí misma, hizo historia cuando no solo tocaron sus canciones más emblemáticas, sino que además ofrecieron una especie de popurrí por la chicha peruana, un género musical del que hay que sentirnos orgullosos por tener vigente hoy en día y del que hay que aprender más de lo que pensamos. Eso, más la capacidad de Ondatrópica más tarde de conjuntar la eterna rivalidad entre la salsa y la cumbia en un solo set de una hora, le dieron a Acapulco un aire de viejos tiempos transformado en modernidad. La cumbia sonó sin restricciones y la fiesta creció a la par.

Después el festival se convertiría en una reminiscencia de aquellas fiestas míticas de música electrónica que se celebraban en la zona hace más de diez años. Mientras Jesse Baez y Fuego hacían lo propio por la oferta urbana, Neon Indian y Cut Copy ofrecían un poderoso recordatorio de por qué son dos de los grupos más queridos por la audiencia nacional. De “Deadbeat Summer” a “Hearts On Fire”, el escenario principal se convirtió en una pista de baile imparable que después alcanzaría su punto máximo.

Lo hizo con Jungle y Vitalic, dos actos que hicieron sentido al paso del tiempo. Por un lado los experimentos disco de uno y por otro la brutalidad electrónica del otro. Visto en retrospectiva, Jungle sirvió para un par de cosas: reafirmar su legado y cariño por la audiencia mexicana y ser la antesala perfecta de un acto que cada vez que se presenta en México destruye neuronas. Para cuando Vitalic anunciaba un día nuevo, el público de Trópico no hacía otra cosa más que iniciarlo con brío.

Domingo

El día transcurrió de la misma forma. Con menos audiencia –porque el lunes había que regresar a la vida real– el festival arrojó una oferta para la recuperación: de la discreta fiesta de Discosis a la fiesta tropical de Matanza y Dengue Dengue Dengue (un viejo conocido de Trópico) y la nostálgica despedida de –atinadamente– Encore. El fin de semana en Acapulco fue todo lo que esperábamos y, además, un poco más.

La centralización de los festivales ha hecho que la ciudad se convierta en el lugar predilecto para escuchar música en vivo, sin embargo es tremendamente valioso cuando experimentos como el Trópico resultan atinados. Todo mexicano conoce Acapulco y todos conocen su legado para la cultura nacional. Trópico, además de brindarle el valor merecido a la leyenda, ofrece una ventana para la apreciación del discurso musical de sus invitados.

Trópico 2017 fue una celebración a la cumbia, una labor bolivariana por unir a Latinoamérica en un solo lugar musical, una revitalización del rave en su estado más genuino y un espacio para que todos esos esfuerzos fueran apreciados por sus asistentes. En una era en donde la ciudad está repleta de noches activas, tener un festival que invite a olvidarlo todo por un fin de semana es un regalo, una celebración a la fiesta a la que vale la pena unirse mientras permanezca activa.

Nos vemos en 2018 querido Acapulco.

Vampire Weekend inspira su próximo LP en Kacey Musgraves

La cuarta placa de estudio de la agrupación neoyorquina, sí tendrá la colaboración de Rostam Batmanglij en algunos temas.

El futuro de Vampire Weekend y su cuarto álbum de estudio Mitsubishi Macchiato, era incierto desde la salida de Rostam Batmanglij de la banda en 2016. El músico que interpretaba teclado, guitarra y secundaba la voz en el proyecto neoyorquino, decidió abandonar el barco para enfocarse en su carrera solista. Ahora, el frontman Ezra Koenig en una entrevista explicó que la relación con Rostam es muy estable y estará involucrado en el cuarto LP. "Estamos trabajando en algunas canciones exactamente de la misma manera en que siempre hemos trabajado. Tenemos algunas cosas que comenzamos hace mucho tiempo".

La banda trabajó en el nuevo larga duración con el productor de Haim, Ariel Rechtshaid, quien también contribuyó en su tercer placa Moderns Vampires of the City, disco ganador del Grammy en 2014. El nuevo material según el líder de Vampire Weekend, explorará un nuevo enfoque para contar historias. "Escribir canciones como concepto es lo más importante en este disco".

Parte de ese nuevo enfoque fue inspirado por la estrella del country Kacey Musgraves. "Fui con Ariel para ver a Kacey en el Greek Theatre en LA. Lo que más me gustó fue que no era demasiado ruidoso, definitivamente me estoy convirtiendo en un viejo malhumorado, así que realmente podía escuchar cada palabra. La música era muy clara y su voz igual. Soy el tipo de persona que ha pasado horas estudiando minuciosamente las letras poéticas vanguardistas de ciertos compositores", aseveró Ezra en la plática.

El impacto de Kacey tal vez nos muestre un Vampire Weekend más nítido y con letras muy profundas. Además, el productor puede que imprima parte de estas atmósferas con tonalidades arraigadas en el folk y el country. Aunque el disco estaba pactado para salir a mitad de 2017 vía Columbia Records, se atrasó la producción. Esperemos Mitsubishi Macchiato sea uno de los mejores trabajos de la banda, y sea anunciada la salida oficial próximamente.

The Cure anuncia festejo por sus 40 años

La banda liderada por Robert Smith celebrará con un show especial.

Desde sus inicios en 1978, The Cure se ha mantenido como una de las bandas más importantes en el rock, es por eso que, para celebrar 40 años de trayectoria, prepara una presentación única el 7 de julio en el Hyde Park de Londres.

De acuerdo al sitio web de la banda, The Cure tendrá una actuación como headliner de 120 minutos y, a lo largo del día, se podrá disfrutar de algunas bandas invitadas como: Interpol, Goldfrapp, Editors, Ride, Slowdive, entre otras que anunciarán próximamente, lo curioso de estas agrupaciones es que han sido teloneros de este grupo a lo largo de su carrera.

Checa el cartel de este festejo:

Los boletos se pusieron en preventa el día de hoy para los miembros del fan club de la banda europea. La venta general se abrirá este viernes y tendrá costos desde los £62.95 ($1,608 MXN) hasta los £199.95 ($5,108 MXN) por si planeas formar parte del festejo.

El pasado 20 de octubre de 2016 en Lodz, Polonia se llevó a cabo un show de la agrupación, pero no fue hasta hace unos días que el club de fans de The Cure en aquel país, recopiló poco más de 1000 videos grabados por fans los cuales se juntaron para presentarlo como un concierto que está disponible para descargar en distintos formatos en el sitio thecure.pl.

Johnny Marr estrena música y visual: "The Priest"

El videoclip está protagonizado por Molly Windsor y la letra contiene la narración de Maxine Peake.

John Martin Maher, mejor conocido por su nombre artístico Johnny Marr, estrenó música acompañado de un video que lleva por nombre "The Priest". El cofundador de The Smiths, colaboró con la actriz inglesa Maxine Peake quien prestó su voz como narración del tema. Además, el trabajo visual está protagonizado por la joven actriz de 20 años Molly Windsor.

En el videoclip del cantante e instrumentista, vemos a Windsor quien interpreta a una persona que vive en las calles de Inglaterra. En el transcurso del material, recorre las arterias de Manchester, tratando de encontrar lugares para comer y dormir, enfrentando otras realidades cotidianas de la falta de vivienda. Sobre esta situación común de la ciudad inglesa –que es donde el artista nació–, Marr menciona. "No se puede evitar en Manchester. Nos conmovió a ambos". El clip fue codirigido por Johnny y aquí lo puedes ver.

Johnny Marr y Maxine Peake están trabajando actualmente en su tercer álbum en solitario, un proyecto que explora el clima social y político del Reino Unido. La salida de la placa está prevista para la próxima primavera. El último LP en solitario de Marr fue Playland en 2014 bajo New Voodoo Records. En noviembre, Hans Zimmer lanzó el álbum en vivo Live in Prague con Johnny en la guitarra. Además, el músico e instrumentista lanzó un libro de memorias bautizado Set The Boy Free en 2016.

El artista no tiene fechas confirmadas en un futuro, pues se especula está trabajando de lleno en su material. Una de las últimas ocasiones que se le vió a Marr arriba de un escenario fue cuando se unió a Broken Social Scene en un show de Manchester este año. Esperemos pronto regrese de lleno con más live shows.

Austra comparte el track "Change The Paradigm"

Dale play a este interesante track de Austra que no formó parte de su más reciente placa Future Politics.

Este año la agrupación canadiense Austra nos compartió su LP Future Politics, un álbum cargado de la experiencia que su líder Katie Stelmanis vivió durante su estancia en la Ciudad de México y Montreal. Hoy, la banda ha dado a conocer una rola descartada de este material titulada "Change The Paradigm".

El track es un B side global de su aclamada placa y Stelmanis declaró lo siguiente. "Me gustaría que 'Change the Paradigm' hubiera aparecido en el disco porque encarna directamente lo que quería expresar en Future Politics: que la herramienta más poderosa que poseemos para crear un mundo mejor es nuestra propia imaginación. Future Politics fue escrito en un clima muy diferente al que tenemos hoy. Ha sido difícil mantenerse positivo, pero para mí la posibilidad de lo que nos espera no solo es un arma de potencial, sino también una fuente de consuelo y fe. ¡Tenemos que creer en el futuro y en nuestro propio poder para inventarlo ahora más que nunca!".

Escucha a continuación esta rola que combina ritmos industriales y synth pop:

Austra formó parte de la Semana Indie Rocks! en CDMX el pasado mes de septiembre y a lo largo de su presentación nos hizo bailar, reír, cantar, brincar y recordar.

Te dejamos el video de lo que fue este gran evento:

MGMT estrena "When You Die"

Mira también el alucinante videoclip de MGMT.

El dúo integrado por Andrew VanWyngarden y Ben Goldwasser ha compartido el segundo extracto de su siguiente álbum de estudio Little Dark Age. La canción se titula “When You Die” y además MGMT decidió acompañarla con un video musical dirigido por Mike Burakoff & Hallie Cooper-Novack.

En el visual, que fue estrenado en The New Yorker, participa el actor Alex Karpovsky en el papel de un mago, que al parecer muere, revive y vuelve a morir. En el clip podemos ver también varias técnicas que alteran la imagen y la transforman constantemente hasta el final, dándole un toque entre perturbador y trippy.

Poco se sabe sobre la fecha de lanzamiento de este próximo material, sin embargo, el proyecto de Connecticut ya comienza a generar mucha expectativa. Recientemente, MGMT también publicó el video musical paraLittle Dark Age”, el cuál estuvo a cargo de Nathaniel Axel y David MacNutt.

mgmt when you die

Aviator: los lentes de las leyendas del rock

Mira un repaso de los músicos más emblemáticos que han usado los icónicos Aviator de Ray-Ban.

Durante ocho décadas Ray-Ban se ha posicionado como la marca de más estilo en el mundo de los lentes, diferentes diseños de la marca han sido utilizados sobre todo por grandes personalidades del rock. Aviator es un clásico en la moda, un esencial que complementa la actitud desenfrenada y elegancia de muchos. Checa estas cuatro leyendas en la música que los han portado, haciendo de este modelo un emblema en la moda.

Stevie Nicks

¿Qué habrían sido de los setentas y de Fleetwood Mac sin Stevie Nicks? La cantante fue el ingrediente que la banda británica necesitaba para lograr el éxito y pasar a la historia, no solo por su poderosa voz y energía en el escenario, sino por su deslumbrante imagen y estilo, el cual mezclaba la esencia de San Francisco con el misticismo y la clandestinidad. La llamada bruja blanca, con su apariencia "gipsy", impactó de tal manera en la cultura que sus túnicas, estampados y lentes se han vuelto referentes de la música.

 

Jeff Lyne

El líder de Electric Light Orchestra siempre ha sido alguien reservado, pero el tiempo lo ha puesto en su lugar como uno de los grandes músicos de la historia, pues no solo ha demostrado su talento como compositor y multi instrumentista, sino también se ha destacado en el lado de la producción. Su relevancia es tal que lideró una banda con Tom Petty, George Harrison, Bob Dylan y Roy Orbison como integrantes. Jeff Lyne ha logrado el sueño de todo artista, siempre detrás de sus míticos aviadores.

Joan Jett

Cuando se habla de las mujeres en el rock & roll es imposible no mencionar a Joan Jett, pues desde sus inicios con The Runaways sobresalió por su imponente imagen y actitud explosiva. A lo largo de la historia la cantante se ha vuelto el ejemplo a seguir para una gran cantidad de jóvenes que han incursionado en la música. El cabello corto, los overoles, las chamarras de piel y los lentes obscuros siempre han sido parte de su imagen.

Jim Morrison

El Rey Lagarto trascendió en la cultura popular por su polémica vida y trágica muerte, pero lo que lo llevó a ser uno de los cantantes más populares de la historia del rock fue su imagen llena de misterio y escándalo. Dentro y fuera del escenario el líder de The Doors fue creando el estereotipo del músico de rock: cabello largo, pantalones de cuero y claro, sus lentes Aviator.

Conoce la gama de la familia Aviator de Ray-Ban, un modelo clásico en constante reinvención con diferentes colores y materiales, y descubre qué te queda mejor entre Aviator Classic, Aviator Blaze, Aviator Flash, entre muchos otros.

 

Jack White presenta un misterioso video

La incertidumbre se hace presente con el nuevo video de Jack White.

El músico de Detroit ha estado trabajando en su siguiente álbum de estudio desde hace varios meses, por lo que a sus seguidores les ha llamado la atención que esta mañana el ex integrante de The White Stripes revelara un peculiar y misterioso video sin ninguna explicación aparente.

El clip que acaba de estrenar Jack White lleva el nombre de “Servings And Portions From My Boarding House Reach”. Este se presenta como un collage musical en el que toma partes de diferentes temas y los une de una manera disonante, pero original. No se sabe si este es en realidad un sencillo o una forma de mostrar algo de lo que podremos escuchar en su tercer álbum en solitario, el sucesor de Lazaretto.

En las imágenes que se presentan en este audiovisual presentado por Third Man Films podemos ver diferentes instrumentos y animaciones que ilustran los pequeños fragmentos musicales. Cabe destacar que los elementos son tan variados como los géneros que podemos escuchar en el clip, pues Jack White aborda tanto el rap y el hip hop como algo de soul y R&B.

Puedes ver el video de “Servings And Portions From My Boarding House Reach” justo aquí: