Nuevo sencillo de Graham Coxon

Posted on diciembre 1, 2017 by -

Graham Coxon hace consciencia del suicidio con "Falling".

Hace varios años que no sabíamos del proyecto en solitario del músico británico, pues A+E, su octavo álbum de estudio, salió a principios del 2012. Ahora, el guitarrista de Blur está de regreso por su cuenta, ya que hace unas horas reveló un nuevo sencillo.

Lo nuevo de Graham Coxon lleva el nombre de "Falling" y es un tema que fue escrito por un compositor desconocido llamado Luke Daniel, quien se suicidó después de sufrir por un año dolor crónico. Esta interpretación se hizo en apoyo de la fundación londinense, CALM (Campaign Against Living Miserable), que se dedica a prevenir el suicidio en hombres, pues es una de las mayores causas de muerte en los jóvenes varones del Reino Unido.

Esto fue lo que dijo Simon Gunning, CEO de la organización CALM. "Tres de cada cuatro suicidios en el Reino Unido son varones. Junto con Graham, esperamos crear conciencia de que el apoyo está disponible para cualquier persona que lo necesite".

Este sencillo de Graham Coxon saldrá en un vinilo de siete pulgadas, un lado con la versión original de Luke Daniel y el otro con la versión del integrante de Blur. El disco saldrá el 15 de diciembre a través del sello discográfico Parlophone Records.

Puedes escuchar "Falling" justo aquí:

Top 11: Los mejores videos de noviembre

Posted on diciembre 1, 2017 by -

11 videos, 11 años de Indie Rocks!: noviembre.

En este mes que culmina y después de una larga discusión editorial con el equipo de Indie Rocks!, te compartimos nuestro #TopIR de los 11 mejores videos de noviembre.

Aquí verás a los integrantes de Chromeo en tacones; la irreverencia y burla de Morrissey, la colaboración de Rhye con DanceOn –la marca de programación global para el entretenimiento y la comunidad digital de bailarines y coreógrafos–; el video de Pussy Riot  en el aniversario de las elecciones presidenciales de EU del 2016 y el centenario de la Revolución Rusa de 1917; el esperado regreso de Björk con “Blissing Me”, segundo sencillo extraído de su nuevo material Utopia; la pieza casi cinematográfica que muestra las cautivadoras expresiones y dotes actorales de Sevdaliza; la atmósfera ensoñadora y romántica del quinteto chileno Fármacos; el explícito material audiovisual para “Church of the Motherfuckers” de Dead Cross; el video que BADBADNOTGOOD realizó en colaboración con Flockey Ocscor, artista y bailarín; y el divertido video "Equipo" de Caloncho en el que se enfrentan mamíferos contra reptiles en un juego de baseball donde la competencia se convierte en una fiesta de colores y celebración.

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Cascabel — Cobra

Posted on diciembre 1, 2017 by -

No es psicodelia, ni tampoco garage, es Cascabel.

El segundo disco es la prueba de fuego para cualquier agrupación. Algunos tratan de innovar y en ocasiones orillan al proyecto a una evolución constante; ciertas veces, la banda aterriza un sonido con más forma, madurando en su producción; otros se desploman por querer superar su debut y empiezan a estancarse en la persecución y el anhelo del sueño rockstar.

Cascabel se podría arraigar en la segunda opción, donde tomaron la mejor y más sólida parte del primer disco, así como las lecciones aprendidas en su creación, para conceptualizar un sonido maduro y atinado, encontrando la fórmula perfecta por fin: poder ser una banda en toda la extensión de la palabra.

Cobra empieza potente y sin preámbulos, con “Time To Wake Up” y “KAN”, la energía y los riffs te vuelan la cabeza, y de inmediato hacen que vuelques tu completa atención al material. Una línea de bajo bien construida, los rasgueos finos y crudos en las guitarras y una desenfrenada batería hacen que una explosión de sonidos converja en tu cabeza recordando la época de finales de los 60, década que en México existían gigantescas agrupaciones como El Ritual, Three Souls In My Mind y La Revolución de Emiliano Zapata, proyectos que a la par de Cascabel, iniciaron interpretando sus temas en inglés.

Siguiendo el caminar del disco llega “La Cobra”, pista donde por primera vez, los capitalinos interpretan sus letras en español. La canción tal vez sea una de las mejores de la producción, pues Ian Pascal y compañía se acercan a las atmósferas sonoras que –por un instante– nos recuerdan al temible John García en su etapa como solista tras la disolución de Kyuss. “Woman” y “Big Burn”, retoman el garage y el psych fuzz característico de la banda. Llevando al escucha por un carrusel de tintes graves, distorsionados y bien colocados, representando el sonido fiel adherido en su creación y la ideología de crear rock, solo rock. “Limerent Blitz”, “Never Lie (To Yourself)” y “Midnight Mantra”, dan un golpe de autoridad, temas que por sí solos le otorgan culto a Creedence Clearwater Revival o el increíble Machine Head de Deep Purple, siendo el último tema mencionado, una increíble experiencia auditiva en el órgano.

La singular “Concui” y sus primeros samples, otorgan la sensación de escuchar por un momento la enigmática guitarra de Poison Ivy y sus aclamados The Cramps, para después romper con un gran riff, pero siguiendo con una continua y bien proporcionada línea de bajo. El órgano de nueva cuenta es protagonista y las letras vuelven al español, rompiendo de nueva cuenta con la barrera que impusieron en Far out, Man!, placa debut del cuarteto capitalino.

“Time Bomb” es lo que su nombre indica, una bomba de tiempo, pero que no estalla y acertadamente, diluye con fina delicadeza el material de estudio. Con un gran homenaje a sonidos del rock clásico, los decibelios bajan conforme la pista recorre los pasados cuatro minutos de duración, dejando en claro que la catarsis musical ha llegado a su fin.

Cobra podría considerarse un culto a una ideología, que posiblemente si se hubiera estrenado hace medio siglo, pertenecería a tu abuelo o tu padre en un acetato viejo y empolvado lleno de recuerdos albergando nostalgia. Lo que es claro, es que la banda trabajó en reinventar y revitalizar un sonido que está por estallar, y sin lugar a dudas, es un homenaje a toda la música con la que sus integrantes formaron su gusto y apreciación musical.

Maduros y corroídos por el amor hacía el fuzz, Cascabel llega a poner orden en un país que le hacía falta eso, rock crudo. Producción que con 10 grandes temas, consolida a una de las mejores propuestas emergentes en México. Sin lugar a dudas, uno de los mejores discos del agonizante 2017. Como diría Lux: "Bad Music For Bad People". HIPNOSIS será una locura.

Instituto Mexicano del Sonido — Disco Popular

Posted on diciembre 1, 2017 by -

Del México Mágico al disco popular: el barrio los respalda.

Remontémonos al inicio del milenio: Luis Murillo a.k.a. Bishop controlando la ya no tan incipiente escena electrónica, franceses quemando sus vacaciones en el centro del otrora Distrito Federal y esa simpática nostalgia del barrio, de andar caminando por la Merced o por el Centro Histórico y escuchar los sonidos del músico callejero, del organillero, de los vendedores de tamales. Los escapes de auto, las mentadas de madre, las bocinas reventadas del metro y los gritos gandallas de los comerciantes ofreciendo lo último de Pablito Mix. Justo de ahí sale Camilo Lara: del Méjico Máxico, de la cultura popular del mexicano “de a pie” que puede reconocer más de un puñado de cumbias y se acuerda de las fiestas patronales. Del mexicano que sabe que los rótulos de las neverías se hacen con papel de estaño y Seven Up. Las fórmulas son simples, lo divertido está en ver hasta dónde alcanza toda esta sencillez.

Camilo Lara es responsable en gran medida de un sonido muy específico que a tantos nos hizo bailar en el Vive Latino: un sonido idiosincrásico sin duda, pero tampoco demasiado específico; un sonido que no solo bebe de lo vernáculo sino también de lo urbano pero que no se limita ni a fresas ni a club kids. Un sonido que refleja a la perfección las contradicciones de la Ciudad de México y que, por un momento, le dio a la capital la ilusión de estar viviendo su propia revolución indie. El sueño sigue mientras uno lo mantenga vivo: así, tenemos a Camilo Lara de regreso con Disco Popular, la sexta producción del Instituto Mexicano del Sonido.

El IMS en 2017 trae sonidos 8 bit, reggae, rumba y la voz del nuevo Adán Jodorowsky. También trae más voces y menos sampleos. Esto no es un asunto banal. Si algo convirtió al Instituto en una institución fue un uso casi indiscriminado de sonidos y referencias que podían provenir de cualquier iteración cultural, de cualquier expresión mexicana, honrando a esa cultura tan capitalina del remix. Donde antes hubo collage, ahora hay colaboración, pues el disco cuenta con apariciones estelares como Calexico, Orkesta Mendoza y el mismísimo Toots Hibbert en uno de los temas más maduros del disco. La fórmula no es un error ni es un engaño, pero tampoco es la sorpresa que podría haber sido. Tan solo es la continuación de una ética del indie que también se manifiesta en la instrumentación del disco, en esas guitarras salidas del Multiforo Alicia y sintetizadores que parecen tocados por Ulises Lozano de Kinky.

El problema aquí es que la Ciudad parece que no avanza, pero sí cambia bastante. Hay algo desconcertante en cuanto a letras en Disco Popular, donde canciones sobre Margaret Thatcher se codean con temas acerca de playeras nerds de la NASA usadas hasta la extenuación. Justo esa postura chavorruca de no querer tirar la t-shirt de confianza es la que permea en todo el álbum. Hasta los temas más divertidos ("Pa la Calle", cantado por la panameña Lorna, o "Menea tu cuerpo", cantado por Press Kay) dan la sensación a veces de estar mirando por encima del hombro mientras bailan. Pero pues el disco avanza, pasando del dembow al hip hop y rematando con esa balada romántica cantada por Adanowsky.

Al llegar al final, Disco Popular se siente como un resumen de la carrera de Camilo Lara y de su insistencia en no discriminar sonidos. Como ya se ha dicho, la fórmula es sencilla: el único criterio es bailar. Son certezas como esta la que mantienen de pie a las instituciones y, por lo que parece, el Instituto Mexicano del Sonido va a andar por aquí un buen rato.

HIPNOSIS 2017: Entrevista con Black Rebel Motorcycle Club

Posted on diciembre 1, 2017 by -

Listos para encender motores: Black Rebel Motorcycle Club en HIPNOSIS.

La música psicodélica de grandes artistas como Pink Floyd, The Doors y Jimi Hendrix dejó una gran escuela que, incluso hoy en día, sigue teniendo representantes. En una charla con Peter Hayes, el guitarrista de Black Rebel Motorcycle Club nos habló de lo bueno y lo malo de la industria, cómo es el proceso creativo de la banda, nos dio un adelanto sobre Wrong Creatures y algunas confesiones inimaginables sobre sus gustos personales, además de la presentación como headliner en HIPNOSIS, el primer festival de psicodelia en México.

Del otro lado de la línea, un Peter Hayes notablemente serio comenzaba la conversación, tomando un momento antes de responder y brindando réplicas concretas, un hombre de pocas palabras. Sin preocuparse demasiado, le da fluidez a la creatividad. “Tienes que dejar que la vida pase, tener experiencias significativas, conversar con los que saben, mantenerte abierto a la música nueva y estar al tanto de lo que ocurre en el mundo; no soy puritano y tengo música digital, aunque en el auto solo escucho las noticias”, dijo.

Y agregó. “Es bueno tener música digital, que sea gratis, pero para las bandas nuevas (y las no tanto) es un golpe, no se puede pagar un departamento ofreciendo música gratis. Si el público quiere ver a las bandas crecer, es su papel ayudar con eso y nosotros, como experimentados, ayudarlos con ese proceso, deben unirse los rubros. El mejor consejo para los que quieren hacer esto es que no se olviden que la escena del rock es diferente a la vida del rock and roll; creo que es más difícil entrar, pero al mismo tiempo, es más fácil llegar a más gente”, expresó Hayes.

El cofundador de Black Rebel Motorcycle Club es un hombre sereno, de pocas palabras y muy honesto, no se guarda una respuesta ni da otra por compromiso; para él, la popularidad es un cáncer. “Hacer esto (dar entrevistas) puede volverse peligroso, hablar de ti mismo alimenta tu ego, puedes encerrarte en una burbuja y pensar que el mundo gira alrededor tuyo y no es así, desearía no tener que hacerlo (ríe). Lo bueno está en compartir ideas sobre la propia música, hacer shows en vivo y hablar con la gente ahí también, así como conocer el mundo con tu música de la mano”, aseguró.

Un castigo sería lo mejor que le pasó; en su adolescencia, por su mal comportamiento, recibió uno que lo hizo pasar tiempo en el sótano, tocando una guitarra de cuerdas de nylon y escuchando a Jimi Hendrix, su más grande influencia. “Una de las canciones que marcaron esa época fue ‘Manic Depression’, fue una medicina de Jimi para todos; no es la más popular, pero el mensaje que da es que está bien sentirse como una mierda a veces. No sigo mucho la escena actual, pero Death From Above 1979 y Fat White Family me gustan, mis ídolos de todos los tiempos son Bob Dylan y Trent Reznor, ‘Wish’ de Nine Inch Nails me marcó. Sin embargo, tengo gustos culposos, me gusta la televisión nostálgica y sin sentido a veces, se me quedan las canciones pegadizas del radio y las boy bands son lo mío; no recuerdo una en específico ahora, pero aquellas que dan culpa no dan ningún placer, así que no pasa nada”, bromeó el guitarrista.

El próximo 9 de diciembre, la CDMX albergará grandes talentos como Ty Segall y The Coathangers en el festival HIPNOSIS, y Black Rebel Motorcycle Club será uno de los imperdibles, el show será algo especial. “Las presentaciones son buenas o malas según el público que la reciba, la audiencia se lleva todo el crédito, nosotros solo haremos nuestra parte. Los álbumes representan momentos de nuestra trayectoria y con Wrong Creatures, que saldrá en 2018, llegaremos a HIPNOSIS con canciones con las que tardamos cinco o seis años en crearlas. Todas toman un significado cuando se tocan, no queremos quedar atrapados en la misma área, tratamos de hacer algo distinto cada que estamos en el escenario, México será una locura”, finalizó.

Mint Field estrena "Ojos en el carro"

Posted on noviembre 30, 2017 by -

Las tijuanenses estrenaron el primer sencillo oficial de su disco debut.

Estrella Sánchez y Amor Amezcua conforman Mint Field, proyecto mexicano con una de las mejores propuestas sonoras de la última década. Ahora, anuncian su primer larga duración: Pasar de las luces, estrenado de manera global el próximo 23 de febrero. La placa será firmada por Innovate Leisure, casa discográfica con sede en la ciudad de Los Angeles que ha lanzado material para Nick Waterhouse, BADBADNOTGOOD y Nosaj Thing.

Previo al lanzamiento, compartieron el primer single que titularon "Ojos en el carro", que contiene el sello característico de las oriundas de la frontera. Según su propia definición, su sonido oscila entre el shoegaze, dream pop, stoner rock, y krautrock, como fuente de experimentación en vez de nostalgia. El sencillo no llegó en solitario, pues un videoclip filmado en blanco y negro se estrenó para su promoción. El hipnotizante material, muestra a diversas mujeres en secuencias lentas en una gigantesca casa que representan acertadamente las tonalidades y arreglos del tema. El trabajo fue dirigido por Somos/Simios. Aquí lo puedes ver:

Mint Field no es un dúo amateur, pues con apenas un EP de ocho canciones bautizado como Primeras Salidas, se presentaron en el Festival Coachella en la edición 2016 y este año, compartieron escenario con Suuns en la Semana Indie Rocks!. Aquí puedes ver la entrevista completa que le realizamos al proyecto donde comentan tópicos que van desde su origen, su singular nombre, hasta su filosofía en la música.

Tracklist de Pasar de las luces:

"El Parque Parecía No Tener Fin"

"Ojos En El Carro"

"Ciudad Satélite"

"Temporada de Jacarandas"

"Quiero Otoño de Nuevo"

"Cambinos Del Pasar"

"Viceversa"

"Nostalgia"

"Boötes Void"

"Nada Es Estático Y Evoluciona"

"Club De Chicas"

"Para Gali"

"Párpados Morados"

Arcade Fire en el Auditorio Nacional

Posted on noviembre 30, 2017 by -

Magia hecha realidad: Arcade Fire en México.

Noche de miércoles, mitad de semana, miles de personas llegando a uno de los recintos con mayor capacidad en la Ciudad de México, el Auditorio Nacional, todos unidos con el mismo propósito: disfrutar un concierto de Arcade Fire, un concierto que agotó la totalidad de las localidades en poco tiempo y que abrió una segunda fecha para el día siguiente. La oferta de este espectáculo era prometedora.

Bomba Estéreo fue designada como banda telonera, que sufrió la mala fortuna de que menos de la mitad del recinto estuviera ocupado, seguramente por el complicado tránsito para llegar, lo que disminuyó la energía en el ambiente. Sin embargo, eso no evitó que los colombianos dieran una excelente presentación, ya que con el mensaje de igualdad entre panas “Internacionales”, no importó si “Somos Dos” o miles, ellos prendieron “Fuego” sobre el escenario, iniciando las acciones de esta gran “Fiesta”.

A manera de la pelea estelar, el escenario fue caracterizado como un ring de box, siendo Chumel Torres el presentador del grupo canadiense que estaba a punto de lanzarnos varios hits, un gancho al corazón y noquearnos con su música: Arcade Fire, aunque un problema de producción impidió que se escuchara lo que estaba diciendo, causando la rechifla del público. Uno a uno los integrantes de la banda desfilaron en el pasillo creado entre la zona general y la zona preferente, a la par que saludaban a los fans que emocionados los recibían.

“Everything Now”, “Signs of Life” y “Here Come the Night Time” encabezan el setlist. Win aprovecha una pausa para agradecer a todos por nuestra presencia y comenta estar muy contento por haber asistido. “Chemistry” y “Haïti” nos ponen en mood coqueto, mientras los corazones y la playa se muestran en los visuales. Win toma de nuevo la palabra, lamentando los sucesos del pasado 19 de septiembre y prometiendo hacer un donativo de lo recaudado por las entradas para los damnificados del terremoto, llevándose con ello la ovación del público y engalanando el momento con “No Cars Go”.

“Electric Blue” inunda de azul el ambiente, “Intervention” inunda nuestra mente de nostalgia y “Ocean Of Noise” inunda el nacionalismo en nuestro pecho, pues la canción cerró con música de Mariachi. Luego de continuar con “Neighborhood #1 (Tunnels)”, el líder de la banda dedica “The Suburbs” a todos aquellos que hayan perdido a algún familiar a causa del terremoto, siendo esta canción interpretada en un tempo menor al de estudio, dándole un toque solemne a este bello tema.

“Ready To Start” sonaba en todo lo alto, volteé a mí alrededor solo para observar muchos rostros llenos de felicidad, cantando, emocionados, esas reacciones que te causa ver a tu banda favorita, a una banda que sin duda trascenderá por la manera en que hace música y por la forma tan humilde y agradecida con la que interactúa con el público que los ha llevado a la cima.

Las luces se encienden, apuntando directo a una bola disco colgada sobre el escenario, misma que cubrió con puntos azules y violetas todo a su alrededor, para que “Sprawl II (Mountains Beyond Mountains)” nos pusiera a bailar. “It’s Never Over (Oh Orpheus)” nos mostró a Régine contoneándose sobre el balcón izquierdo del auditorio, “Reflektor” y “Afterlife” fueron de los temas más coreados, donde Win recorrió las butacas y se metió entre el público, mientras que “Rebellion (Lies)" y “Creature Comfort” cerraron la primera parte del concierto.

Luego de una pausa, el escenario se pinta de verde, color del dinero, el cochino dinero. “Put Your Money On Me” devela visuales psicodélicos, mientras que algunos miembros de la banda suben al escenario con la chamarra negra con la leyenda “Mexico is the shit”. Is not enought with that shit?, me pregunto yo.

“We Don’t Deserve Love” convierte el auditorio en un karaoke con 10 mil personas, pues sus letras se proyectaron en las pantallas, Régine interpretó esta canción con profundo sentimiento, tocando varias botellas de vino cual xilófono y llegando al llanto al final de esta canción.

Finalmente, “Wake Up” une muchísimas gargantas en una sola, nos lleva por un vaivén de ritmos y emociones y nos llena de júbilo al concluir el concierto con esta canción acompañados de Mariachi. Los canadienses se despiden, se enfilan y de nuevo desfilan con tarola, saxofón, violines y guitarras a modo de “batucada mexicana” (si es que eso existe), mientras se van despidiendo de sus fans, quienes no dan crédito al maravilloso espectáculo del que fueron testigos esta noche.

A$AP Ferg lanza el visual de "The Mattress"

Posted on noviembre 30, 2017 by -

Mira este divertido clip donde la dupla A$AP Ferg/A$AP Rocky te hipnotizará saltando en camas.

Como parte de la promoción de su más reciente material Still Striving, A$AP Ferg nos presenta el videoclip del track "The Mattress", en colaboración con A$AP Rocky. El track combina elementos del hip hop y trap con una letra que literal nos habla de algunas experiencias que ocurren en el colchón.

El metraje dirigido por Hidji Films muestra a los dos raperos saltando en distintos colchones en escenarios como una tienda y las calles. Conforme las rimas que se rapean, las imágenes nos muestran algunos personajes jugando con dinero y portando prendas de alto valor.

Mira el video a continuación:

El también miembro del colectivo de hip hop A$AP Mob, lanzó su placa Still Striving bajo el sello RCA records el pasado 18 de agosto, incluyendo colaboraciones con Playboi Carti, Migos, Lil Yatchi, Meek Mill y Snoop Dogg.

Desde 2013, el rapero se dio a conocer con su primer LP Trap Lord, un material bien recibido por la crítica especializada, y que lo llevo a ganar el BET Hip Hop Awards como Rookie of the Year, una categoría equivalente a artista revelación.

Si no lo has escuchar, aquí te lo dejamos:

Mira a Lars Ulrich entrevistar a James Murphy

Posted on noviembre 30, 2017 by -

James Murphy fue el invitado especial de It's Electric!, programa del baterista de Metallica, Lars Ulrich.

El último invitado en el programa Beats 1 Radio Show llamado It's Electric! de Lars Ulrich es James Murphy, frontman de LCD Soundsystem. La charla entre los dos gigantes de la industria, se emitirá en dos partes los días 3 y 10 de diciembre, pero para aumentar las expectativas, la producción ha lanzado tres videos de corta duración de la entrevista. Los dos discuten las costumbres arbitrarias en la década de los 90 y comienzos de los 2000, los intentos de Murphy de fingir que no era intrínsecamente un fanático del control cuando tocaba música y el régimen del interprete para limpiar los baños de los aviones y otros baños públicos antes y después de su uso.

Además, Murphy habló sobre su formación musical, la creación y disolución de LCD Soundsystem y por qué decidió volver con la banda a los escenarios, en adición, también tocó la temática de la inseguridad en Nueva York. Aquí podrás escuchar la primera parte el próximo domingo. Este no es el primer gran invitado de Lars a su programa, pues también se ha encontrado en entrevista su propia banda Metallica, Les Claypool de Primus y Dave Grohl de Foo Fighters. Mira los clips aquí:

El regreso de LCD Soundsystem a los escenarios fue con fuerza y poderío, realizando una extensa gira promocional que pasó por festivales en nuestro país en al menos un par de ocasiones. Este año, el proyecto liberó American Dream, considerado por muchos, uno de los mejores discos del año. Ahora de nueva cuenta, James Murphy y su agrupación LCD Soundsystem regresa a la Ciudad de México el próximo 23 de abril, y además encabezará el Festival Roxy junto a Franz Ferdinand en Guadalajara. Es un alivio que una de los mejores actos en vivo por fin haya regresado, esperemos su nominación al Grammy sea galardonada.

 

Entrevista con Khruangbin

Posted on noviembre 30, 2017 by -

Khruangbin: Experimentando por el funk tai y la psicodelia se crean nuevos paisajes sonoros.

El trío texano creado hace un par de años, está conformado por Laura Lee en bajo, Mark Speer en guitarra y Donald “DJ” Johnson ejecutando la batería, que da por resultado uno de los proyectos con mayor propuesta en nuestra época. En 2018 lanzará Con todo el mundo, segundo LP, indagando desde el funk tai a sonidos de España y el Medio Oriente, en particular de Irán en la época de los 60 y 70.

“Mark es un gran responsable del sonido. Él trabaja muy duro en encontrar ciertos tesoros. Es así por el gran poder del Internet, donde puedes hallar música considerada perdida. Yo amo la música tailandesa, y tratamos de mantener esa esencia. Ahora estamos explorando nuevos territorios en las raíces de música española y los sonidos folk balcánicos”, afirma Laura.

Aunque la agrupación es proveniente de Estados Unidos, tiene una escasa fan base ahí. Por esa razón, Khruangbin firmó con Dead Oceans este año, label que ha lanzado material para Slowdive y Kevin Morby.

“Queríamos conseguir audiencia americana. Tenemos apoyo en Gran Bretaña y Europa, pero no mucho en América y creímos era importante… hay que llegar a toda la gente que sea posible. Dead Oceans es un sello independiente, con fuerza y apoyo”.

Además, Lee dedicó gran parte de este trabajo a su abuelo de raíces mexicanas, quien fue parte fundamental en su vida, y es por eso que su nombre está en español.

Al parecer, Khruangbin se convirtió en un proyecto sólido desde sus orígenes, pues su proceso creativo suele ser rápido y concreto, gracias a que los integrantes saben bien lo que quieren representar en su producción. “Estamos muy contentos con este segundo material. Creo fue algo muy similar al primer record en cuanto proceso. Hicimos el trabajo en Texas, creo que fue el lugar perfecto para su realización. Grabamos todo el álbum en prácticamente una semana”.

La banda ha girado de manera casi ininterrumpida desde su debut The Universe Smiles Upon You, tocando en grandes festivales como Glastonbury y Desert Daze. “En festivales es muy importante el show. Tú nunca sabes si la gente te conoce o no. Es un público mixto que va por otras bandas y se acerca a escucharte. Creo que las presentaciones más especiales suceden cuando no existen reglas”.

Laura es una mujer que cree en el amor hacia la música, pues desde su perspectiva, muchas personas en la época actual han abierto sus oídos para escuchar nuevas atmósferas sonoras. “La gente quiere escuchar nuevas cosas. Quieren ser desafiados. Creo que la industria ciertas veces subestima a la audiencia, y se enfocan en las cosas obvias como el pop, o cosas más accesibles y de algunos iconos. Pero lo que he aprendido con la música que hemos hecho, es que la gente está abriendo su mente y se emociona por nuevos horizontes. Nosotros somos una banda instrumental texana, que muchas veces no tendría sentido lo que hacemos, pero a las personas les gusta mucho eso. Los que aman la música, resultan ser curiosos e intrigantes”.