Baths — Romaplasm

La banda nos deleita una vez más con canciones etéreas y bailables.

Una de las ventajas de ser un músico o cantante solista es que es más fácil mantener la cohesión de un estilo a lo largo del tiempo. A veces esto representa no salir de la zona de confort y aventurase a cosas nuevas, pero en otras ocasiones, se agradece que un artista mantenga la calidad de su personalidad creativa sin cambios drásticos. Y esto es algo que podemos aplaudirle a Baths, el nombre artístico del americano Will Wiesenfeld, quien por más de 10 años nos ha brindado música electrónica ligera y alegre.

Desde su opera prima Cerulean (2010) hasta su más reciente disco Romoplasm (2017) el concepto de Baths ha sido uniforme, y aun así, en su nuevo álbum se esfuerza por seguirnos brindando una buena experiencia. El estilo Baths consiste en componer canciones de electrónica con una gran variedad de samples y cambios de ritmos sorpresivos, creando texturas sumamente agradables para el oído.

Romoplasm es un disco positivo, que evoca una fantasía dentro de una selva desconocida y lista por explorar. La aventura la iniciamos con “Yeoman”, canción bastante suave con unos sintetizadores pegajosos y juguetones. Sigue “Extrasolar” con unos ritmos entrecortados y una flauta a contratiempo, que se empalman con varias capas de Wiesenfeld cantando.

Foto: Mario Luna

Uno de los aciertos de este álbum, es que pese a las limitaciones del propio estilo de Wiesenfeld y su modesta capacidad vocal, logra crear un material que no cae en la monotonía. Las piezas tienen las suficientes variaciones para crear un disco lo suficientemente interesante y sofisticado, incluso para escucharse varias veces. Esto lo podemos ver desde la pausada y evocativa “Human Bog”, pasando por la acelerada “Adam Copies”, o la misteriosa “Lev”.

De igual forma, los samples que usa Wiesenfeld asemejan a la música retro de videojuegos, lo cual presenta una estética puede ser muy atractiva para algunos. Como lo podemos apreciar claramente en canciones como “Out”, “Superstructure” o “Broadback”, en las que también se aprovecha de un estilo glitch, en donde produce abruptos cortes en la música. La joya del álbum considero que es “I Form”, una pieza que tiene la mejor progresión y composición musical, sobresaliendo de las demás con una melodía pegajosa que quedará grabada en tus oídos por horas o días.

En general, Romaplasm es un álbum altamente recomendable para los que gustan de este tipo de música y sobre todo para los fans de Baths, ya que muestra un esfuerzo por superar al disco anterior, Obsidian (2013). Esperemos que Will Wiesenfeld siga produciendo este tipo de música, que es capaz de levantarnos el espíritu y brindarnos una perspectiva optimista de la vida.

Fu Manchu anuncia nuevo álbum y gira mundial

La agrupación de stoner rock, compartió un extracto de lo que será su próximo material de larga duración: Clone Of The Universe.

Fu Manchu fue una de las primeras banda encapsuladas en el género stoner. Desde su placa debut No One Rides for Free en 1994, tuvo un padrino de lujo en la producción, Brant Bjork. En esa época, el músico era el baterista de Kyuss, agrupación comandada por John García y Josh Homme. Ahora, la banda californiana compartió un previo de su próximo álbum Clone Of The Universe, que se convertiría en el doceavo de su carrera.

El disco será el sucesor de Gigantoid y podrá ser escuchado el 9 de febrero. Además, saldrá bajo At the Dojo Records, label propiedad de la banda. En el primer extracto de 40 segundos, se escucha el ya clásico sonido Fu Manchu, repleto de fuzz, grandes riffs y la característica voz de Scott Hill. Escucha el adelanto:

Como promoción del nuevo álbum, Fu Manchu se embarcará en una gira mundial pasando por ciudades de Estados Unidos y gran parte de Europa. El material fue producido por el cuarteto en conjunto con Jim Monroe en The Racket Room en California. Este podrá ser adquirido en físico en formato vinilo y CD, aparte del streaming de diversas plataformas. Por si fuera poco, el trabajo contendrá un tema de 18 minutos con la aparición especial de Alex Lifeson, guitarrista y compositor de la legendaria banda de progresivo Rush.

"Estamos emocionados de salir y tocar estas cosas, especialmente “IL Mostro Atomico”, dice el guitarrista fundador, Scott Hill. "Creemos que es la música más pesada que hemos hecho alguna vez. Nos encanta el sonido general del álbum, lo que Alex toca es simplemente increíble. Le da esa validación especial para la idea de que tengamos una canción larga".

CAPO estrena videoclip para "Tú"

Con un creativo visual, la agrupación mexicana promociona su más reciente single: "Tú".

CAPO lanzó a principios de año su segunda placa de larga duración Navegantes. Ahora, nos comparten un nuevo sencillo que titularon "Tú". Dicho tema, es una mezcla de distintos géneros que arrojan una suave melodía llena de paisajes sonoros que convocan al mar y los tintes tropicales.

Según la descripción de la banda, el tema es el resultado de la necesidad de escribirle canciones a alguien que amas y no dejas de expresárselo. Las guitarras y los sintetizadores son lo más notorio en la producción, dándole una atmósfera llena de alegría al tema. “No queremos encasillarnos en un solo género, sumamos pocos elementos para que la canción tuviera justo el sonido que queríamos. Cuando componemos canciones y salen del alma, respetamos su naturaleza. Si tiene una esencia folk va a permanecer así, sino, aceptamos que se convierta en algo diferente”, compartió Tito, guitarra y voz de CAPO.

En el visual, se relata la historia por medio de secuencias y objetos que representan la letra, además de subtitular el contenido. Además, la animación con ondas psicodélicas es un plus que atrae de manera inmediata al espectador. La producción del material la llevo a cabo Kleemp y Frus, de Éramos Novios, retratando acertadamente el sonido tropical impreso en el sencillo. Mira el trabajo a continuación:

Esperemos "Tú" sea adelanto de un próximo material de larga duración, y encaminen al proyecto a más presentaciones en vivo. Te dejamos su bandcamp donde puedes escuchar vía streaming sus producciones así como su página oficial de Facebook para que te enteres de todas las noticias que pueda compartir la agrupación.

 

Cults versiona tema de Hideout

"I Got Your Message" fue reversionada por la agrupación neoyorquina en conjunto con Christopher Owens.

Cults lanzó su tercer álbum de estudio, Offering, hace unos meses. La placa lanzada bajo Synderlin Records, tuvo una aceptación bastante favorable por los fans de la banda. Ahora, Madeline Follin y Brian Oblivion nos comparten una reinterpretación de "I Got Your Message", tema original de Hideout y que en esta reinvención, están acompañados por el cantautor e instrumentista Christopher Owens, quien algún día fue líder de Girls y ahora tiene un nuevo proyecto denominado Curls.

La canción tiene la esencia de la versión original, respetando los ritmos y patrones impresos en primera instancia. Lo que resalta en este nuevo cover, es la atmósfera característica que Cults otorga a sus producciones. "Como regalo, queríamos enviar una canción que grabamos hace unos meses con Christopher Owens de Curls, quien también apoyó las fechas de California. Creemos que es una pequeña canción divertida y esperamos que ustedes lo disfruten", menciona la agrupación en un breve mensaje escrito junto al tema.

Gabriel Rodríguez es Hideout, un proyecto reciente que está muy ligado a Cults, pues es integrante del live show de la banda. El músico Christopher Owens, formó Curls a finales de 2016 después de la desintegración de Girls. En este nuevo trío, está acompañado por Cody Rhodes en la percusión y Luke Baće en el bajo. Mientras que Cults, estará girando desde el 24 de enero en Reino Unido, Dinamarca, Alemania, Francia y Bélgica en promoción de Offering.

Te dejamos con la interpretación de Cults y la pista original de Hideout:

The Neighbourhood en El Plaza Condesa

The Neighbourhood: el desborde de lo mítico y salvaje.

La tardé cayó y con ella explotó la euforia de la gente que había esperado afuera de El Plaza Condesa por más de 7 horas con tal ser los primeros en entrar. El mítico venue, abrió sus puertas una vez más para ser el sitio que alimentaría a cientos de almas con el repertorio sonoro de la banda estadounidense: The Neighbourhood.

Domingo, el primer día de los dos conciertos que la banda ofrece en la ciudad de México. Estable y cauteloso, El Plaza Condesa calentó la espera con temas de The Smiths, luces ultravioleta y algunos avisos de seguridad. Es admirable la inmortalidad del sitio.

Finalmente, a las 19:10 H, las luces blancas bañaron el lugar y un micrófono sostenido por una cadena que se balanceaba del techo fue el protagonista de la noche Zachary, Michael, Jeremy, Bryan y claro, Jesse Rutherford hicieron suyo el escenario.

“Afraid” fue uno de los temas que inauguró la noche, mientras que “24/7” llevó al límite las gargantas. El Plaza Condesa retumbaba el nombre de “Jesse”, el vocalista, cuando con saltos de pantera devoraba el escenario salvajemente. De pronto, sacó una bandera de México y dignamente pronunció un “cómo están” en español.

“Daddy Issues” convulsionó la energía y los coros más grandes. Su sensualidad mimetizó el sentimiento y la pareja alado mío se re enamoró. Entonces “Wiped Out!” nos regaló un climax sonoro revestido de un inigualable performance de la banda.

“Prey” fue el tema que neutralizó el ambiente. Las luces rojas envolvieron la noche y Jesse se contorneó por el escenario, escalando las bocinas y adoptándolas como el trono más digno de cualquier músico. Fue así como dio pie a su ansiada pregunta "¿Who has la mota?” y con ella, a uno de sus temas más recientes “You Get Me So High”, todos la coreaban.

Los minutos corrían y la gente se aferraba a cada una de las estrofas como queriéndolas perpetuar bajo aquel escenario de luces blancas para siempre. Su épico “Sweater Weather” redondeaba la noche y balanceaba los brazos de la multitud. La lava sonora de The Neighbourhood tocó a cada uno de los asistentes pidiendo la clásica “otra” cuando la banda se despidió. Sin embargo, eso nunca sucedió. Las luces volvieron, pero el sublime momento se impregnó para siempre.

The Neighbourhood estrena "Scary Love"

La banda californiana estrenó el primer sencillo de su próximo EP: to imagine.

The Neighbourhood está integrado por Jesse Rutherford en la voz, Jeremy Freedman en la guitarra, Zach Abels igual en la lírica, Mikey Margott en bajo y Brandon Fried ejecutando la batería. La agrupación nacida en California, compartió un single titulado "Scary Love", dando seguimiento al anunció de to imagine, un material de corta duración que saldrá el 12 enero de 2018 bajo la gigantesca firma Columbia Records (Bob Dylan, Johnny Cash, Miles Davis).

En la grabación, se denota el trabajo arduo que The Neighbourhood ha querido impregnar en su sonido desde su debut I Love YouLleno de sintetizadores, un bajo bien posicionado, tintes pop y la vocal característica de Rutherford, el tema da una primera impresión sobre que esperar del próximo material de la banda. Escucha el tema a continuación:

Desde su creación, el quinteto ha incursionado en diversos géneros, convirtiendo al proyecto en una colección arremolinada de rock infundido con R&B, y en ocasiones pop. Siendo un contra que se encarga de reescribir las reglas de lo que significa ser una banda de rock en el panorama musical moderno. Sin duda, uno de los primeros lanzamientos en 2018 que estará en la mira de todos, para ver la influencia y sonido que le imprimirán al nuevo trabajo.

The Neighbourhood ofreció una abarrotada presentación el día de ayer en la Ciudad de México, y hoy, dará un segundo show en el Plaza Condesa. Su gira que está por terminar, también pasará por la ciudad de Monterrey, Texas y cerrará en Los Angeles, California.

Tracklist to imagine:

 "Dust"
 "Scary Love"
 "Heaven"
 "Compass"
 "Stuck With Me"

Daphni — Joli Mai

Atmósferas etéreas y sintetizadores nada cargados: Daphni estrena Joli Mai.

En abril de este año, Dan Snaith, mejor conocido bajo el pseudónimo de Daphni y la mente detrás de Caribou, participó en una de las compilaciones que mes con mes organiza el famoso club londinense Fabric. Meses después, este DJ y productor canadiense retomó aquellas mezclas y le dio forma a Joli Mai, su segundo LP.

De las 12 canciones que forman esta nueva producción, solo una es totalmente nueva, pues el resto se escuchó primero –ya sea mezcladas o en una versión mucho más corta– en el mix de Fabriclive 93, por lo que cada uno de los tracks conserva ese ambiente pensado para uno de los mejores clubs de música electrónica de Londres.

El álbum comienza con “Poly”, un track de dos minutos que sirve como introducción, pues es apenas un ligero esbozo de lo que está por venir. Con una atmósfera etérea y sintetizadores nada cargados, las vocales características de Snaith sirven como invitación a lo que viene.

A partir de ahí, las canciones aumentan tanto en intensidad como en tiempo. Algunas, como “Face to Face” te harán recordar por un momento los inicios de Nine Inch Nails, sin embargo sabes que no tiene nada que ver con el sonido industrial cuando cuando comienzan a sonar unas risas a lo lejos y se rompe totalmente cuando entra el bajo muy al estilo funk.

A lo largo del álbum, Daphni juega con la construcción del clímax en cada track. Poco a poco, cada canción crece hasta estallar y convertirla en una fiesta total, tal y como sucede con “The Truth” –la única que no formó parte de Fabriclive 93– o “Medellin”, por mencionar algunas.

En cada una, Snaith deja su sello característico: unas percusiones que te harán bailar al ritmo de sus beats y canciones de música electrónica divertidas, nada pretenciosas y sobre todo, diferentes gracias a las pequeñas muestras vocales que nos recuerdan por momentos a Caribou o bien los sampleos que utiliza el productor canadiense.

Si bien Joli Mai tiene muchas piezas perfectas para ambientar cualquier fiesta, como “Tin”, “Carry On” y “Joli Mai”, como álbum completo, se nota la falta de armonía y cohesión entre cada una de las canciones. Es decir, por separado, cada una de las piezas del rompecabezas son impecables, pero una vez completo, es cuando resaltan sus fallas.

HIPNOSIS 2017: Entrevista con The Black Angels

Cantando hasta morir: The Black Angels.

La escena actual de la música psicodélica está obteniendo nuevos bríos, gracias a la amplia variedad de bandas con propuestas que van desde lo más etéreo hasta lo más sucio. The Black Angels siempre oscila en un punto medio debido a su tendencia por combinar melodías y reverb en medio de ritmos y estructuras orientadas a un rock más callejero y clásico. Esta mezcla les ha ganado numerosos adeptos en México, país en donde existe un hambre creciente por todas las corrientes e innovaciones que cualquier género puede ofrecer.

Prueba de ello es la creación de HIPNÓSIS, el primer festival de psicodelia y garage que tendremos en tierras aztecas. The Black Angels no podía faltar en la gestación de este evento, por lo cual tuvimos una plática con Alex Maas, vocalista y multiinstrumentalista de la agrupación, para que nos compartiera sus impresiones de participar en el festival y el lanzamiento de su disco más reciente, Death Song.

“Acabo de regresar de un tour y estoy vacacionando en Florida con mi esposa”, me comentó emocionado Maas, en medio de un entorno lleno de sol, arena y mar. “Perdona si hablo más relajado de lo que debería estar”.

Con justa razón, ya que se han dedicado a promocionar Death Song de costa a costa y en otras partes del mundo, pero es el día a día de un conjunto que viene esparciendo locura y diversión sonora desde 2004.

“Hemos estado creciendo con cada show que tenemos y llevamos tocando por mucho tiempo. El hecho de que sigamos aquí se lo debemos a buenas decisiones de nuestro management (risas)”, admite Maas. “También nos hemos nutrido de estar de gira con bandas como The Black Keys y Queens of the Stone Age. Muchas personas no nos conocían, pero estar en un mismo cartel con ellos nos abrió las puertas a muchos otros festivales y oídos. Lo que nos mantiene juntos es nuestra ética de trabajo y los ánimos que recibimos de nuestros fans”.

Sus presentaciones y estética van de la mano con los oídos a los que quieren llegar, motivo por el cual intentan que su proceso de composición sea igual de inusual y caleidoscópico. De otro modo, ¿en dónde estaría la diversión?

“Cuando creamos una canción, usualmente traemos un riff o un ritmo o alguna frase. Luego hacemos un colectivo de propuestas con todo eso. Una táctica muy usual es que yo vocalizo melódicamente sobre lo que escucho o lo que tocan los otros integrantes. Sirve para completar una composición si falta una nota o algún detalle sobra. Después de eso, escribimos las letras, que vienen en plano secundario. Al escribirlas plasmamos lo que nos imaginamos cuando escuchamos la parte musical: ¿Estamos en Vietnam? ¿Estamos en México? ¿En el 2023? Siempre es un reto continuo”, describió Maas.

Pero no todo consiste en un viaje sensorial al escuchar un disco de The Black Angels, ya que también se preocupan por crear consciencia y que la gente que se adentre a su mundo tenga ciertas expectativas o ideologías, para que luego sirvan como fuente de inspiración.

“Es muy importante que nos escuche el público que asiste a festivales como el Levitation Fest o el All Tomorrow’s Parties. Son personas con una agenda muy particular y mentalidades muy agresivas, pero de una buena forma. Se importan entre sí y les vale un carajo lo que está pasando en el mundo. Eso nos alienta como músicos; al tener una plataforma en donde podemos transmitir un mensaje, podemos alentar a que la gente manifieste ideas fuertes o abstractas. Yo en lo personal nunca le pediría a otro individuo o artista el cambiar de parecer. Sin embargo, esta unión de pensamientos e ideologías sirve como catarsis para nosotros, y creo que hablo por el resto de la banda al decir esto. El arte debería ser libre, y esperamos que nuestro público sienta lo mismo”, recalcó Maas.

Regresando a HIPNOSIS, este nace de una inquietud por tener una propuesta de celebración musical distinta a todas las existentes en nuestro país, así como el atender al deseo de muchos fans del género psicodélico por tener un espacio para disfrutar de actos y artistas con una vertiente más definida. Además de The Black Angels, bandas como Black Rebel Motorcycle Club, Ty Segall y The Coathangers se darán cita para deleitar al respetable. Por parte de Maas, consiste en otra ocasión oportuna para visitar un lugar muy especial para él y el resto de sus “ángeles negros”.

“Siempre la pasamos increíble en México. Tenemos una sensación de afinidad o, por ponerlo de otra forma, hermandad. Nosotros somos de Texas, entonces el vínculo viene de ahí. Un ejemplo es la experiencia que tuvimos en el festival NRMAL. La pasamos fantástico y pudimos convivir con The Dandy Warhols tanto en el backstage como en las fiestas alusivas. Somos grandes fans de ellos. Además, sobra decir que la gente y la cultura nos atraen muchísimo”, indicó Maas. “Solemos mantener nuestras expectativas bajas y nuestras esperanzas altas. Pero todo parece indicar que la pasaremos bien, y queremos que nuestro público disfrute del show”.

My Vitriol en Londres

Nos fuimos a Londres para celebrar 15 años del Finelines de My Vitriol.

A lo largo de la historia reciente del rock inglés hay una banda que aparecería constantemente mencionada como influencia de otras pero que probablemente no conozcas. Formada en 1999, My Vitriol crearía uno de los mejores discos de los dos miles: Finelines, lanzado en marzo del 2001. Impulsados por Steve Lamacq, DJ de la BBC Radio 1 y nombrados en una entrevista por Chino Moreno (vocalista de Deftones) como: “la mejor banda del mundo”, My Vitriol se dio a conocer en su segmento The Unsigned Sessions con su primer EP. Som Wardner, voz y guitarra, y Ravi Kesavaram en la batería reclutaron al guitarrista Seth Taylor y a Carolyn Bannister en el bajo para grabar su álbum debut, con un sonido alejado del pop que podría esperarse de la música británica. My Vitriol tomaba más influencia de Slowdive o My Bloody Valentine que de Oasis o Blur. Esta diferencia llamó la atención de Infectious Records, disquera que ha contado con otros grupos como alt-J, Ash, The Subways o Muse entre sus filas. En 2002, se reeditó el álbum con el nombre Finelines/Between the Lines, agregando un disco extra lleno de lados B, rarezas, covers, sesiones en vivo y acústicas.

Después de éxitos y tropiezos, entre los cuales se incluyeron un EP, un álbum en vivo y un nuevo disco realizado via crowdfunding, el tiempo nos trajo al 2017, cuando se cumplen 15 años de este disco alabado por NME, Kerrang, XFM, entre otros. La banda anunció en abril que harían un par de conciertos especiales en el famoso foro llamado KOKO en Londres para celebrarlo y donde prometieron tocar todos los temas de este relanzamiento, algunos de ellos por última vez. Para estos conciertos, Som, Ravi y Seth llamaron a Russell Lissack  de Bloc Party para acompañarlos en el bajo. Con la alineación lista, My Vitriol dedicó el primero de los dos conciertos, el 19 de noviembre, al disco debut Finelines. A pesar de que la banda tuvo algunos conciertos en Londres y otras ciudades de Inglaterra a inicios de año, los asistentes sabían que esta presentación era especial, y desde el arranque con "Falling Off the Floor" nos dimos cuenta. Primero al ver que no tocarían el disco en orden y segundo, era el inicio de un homenaje a un álbum que ha formado parte esencial de la vida de todos los presentes ahí por más de 15 años. Una canción tras otra, mentalmente íbamos checando que no faltara ni una canción de nuestras favoritas. "Grounded", check. "Under the Wheels", check. "Losing Touch", ¡Oh por Dios! check, y aunque seguro no había nadie más joven de 27 años, se armó un slam decente en esta canción. ¡Hasta los interludios los tocaron! El combo de "Alpha Waves" y "Always: Your Way" cerraba el bloque que celebraba al disco para dar paso a lo nuevo, algunas canciones del The Secret Sessions lanzado en 2016, un cover a "Cherub Rock" de The Smashing Pumpkins al que lamentablemente le faltó el solo y como gran cierre, la instrumental "Tongue Tied" con sus tres cambios de tiempo para darnos una repasada final de emociones, con todo y el outro gritón de "C.O.R." Con esto, la banda se despedía de la primera noche, pero era tanta la emoción de Som Wardner que regresó para una última canción. "Another Lie" a pura guitarra.

Después de la primera noche, la banda salió al lobby del foro para platicar con algunos fans quienes tenían en su mayoría un tema en común. Llenaban a los músicos de agradecimientos por esta celebración, no solo de un disco importante para la banda, sino el soundtrack de todos nosotros.

El 20 de noviembre marcaba el segundo de los conciertos de celebración y la banda salía al escenario, ahora como un ensamble de tres piezas, ya sin Justin en el bajo. En esta noche nos enfocaríamos en la contra parte de la reedición. Los lados B y rarezas del Between the Lines con algunas canciones que no habían sido tocadas desde el 2001, o jamás, entre ellos algunos covers a "Oh Father" de Madonna, "Game of Pricks" de Guided by Voices y "Wait a Minute" de Wipers. Antes de terminar, Som agradeció a todos los fans que habían viajado desde lejos para asistir a los conciertos: Estados Unidos, Australia, España, Japón, México algunos de los países presentes. Así la importancia de este disco que tuvo trascendencia no solo en la escena local. Por último tuvimos la fortuna de escuchar de nuevo la dupla de "Always: Your Way" y "Tongue Tied" para irnos más que felices.

Hundred Reasons fue la banda invitada para abrir ambos conciertos, quienes con un set acústico, le agregaron un toque de nostalgia de inicio de los 2000 a ambas noches.

Father John Misty comparte el video "Leaving LA"

Siguiendo con la promoción de su más reciente placa, Father John Misty da a conocer un íntimo clip.

Josh Tillman, mejor conocido como Father John Misty, nos presenta el audiovisual del track "Leaving LA", incluido en su LP Pure Comedy. En este clip en blanco y negro podemos ver al cantante en un estudio de grabación tocando la guitarra y entonando este tema.

Sin tanta parafernalia de por medio, el metraje nos muestra al originario de Maryland de una forma más íntima, en comparación de los videos satíricos que han formado parte de su último material discográfico.

Dale play a este tema de 13 minutos:

En una reciente entrevista con el medio británico Uncut, compartió algunos detalles de lo que será la continuación de Pure Comedy. “La mayor parte de este próximo álbum fue escrito en un período de seis semanas en el que estaba con una especie de nerviosismo”. Tillman develó algunos nombres de los temas que integrarán el material: “Mr Tillman, Please Exit the Lobby”, “Ouch, I’m Drowning”, “Dum Dum Blues”, y “Well, We’re Only People and There’s Nothing Much We Can Do About It”.

Además, Father John Misty es la cara en portada de nuestra penúltima revista del año. En una muy natural actitud, posó en exclusiva para nuestro lente antes de dar un increíble show en el hermoso Teatro Metropólitan. Lee esta gran entrevista que se encuentra completa dentro del número y checa lo que en este año ha sido parte fundamental en la construcción de este personaje.