Jungle en el Auditorio BlackBerry

Lucky, We Got What We Wanted: Jungle en el Auditorio BlackBerry.

Todos aquellos que ya habían tenido la suerte de presenciar a Jungle en vivo, decían básicamente lo mismo: “Es una bandota en vivo”, “Son una cosa impresionante”, “Traen un show de primera”. Así, para una primera vez, las expectativas estaban al tope. Aunado a eso, Clubz como teloneros, una banda mexicana que merece toda la atención.

A las 20 H., los mexicanos comenzaron a tocar. La pista se llenó poco a poco hasta que al final de la primera canción, ya estaba retacada a más de la mitad. Parecía que venían a verlos a ellos. Clubz se entregó a su público sin temor a adueñarse del escenario y de hacer valer su oportunidad. Resultó ser la mejor elección para el previo a Jungle. Fue una lástima que solo tocaron media hora, porque ya tenían al público en el bolsillo. Sin embargo, esa media hora fue vital para muchos, gracias a las filas interminables para pedir algo de beber y a la terrible escasez de vendedores de chela en la pista.

21:00 H. las luces se apagaron, los gritos comenzaron. Entraron dos coristas, el baterista y el par de músicos que más esperamos. Al fondo del escenario, como un incendio, se prendió el nombre de la banda y los primeros acordes de “Smile” llenaron nuestros oídos. Las coristas atraparon la atención, que ya de por sí no sabe a dónde dirigirse pues el uso de la iluminación es un deleite.

“Cherry”, “Julia” y “Heavy, California” explotaron rápidamente nuestros sentidos. Bailamos, cantamos, gritamos, aplaudimos. Esto apenas comenzaba y el ambiente ya está al tope. “The Heat” y “Happy Man” no permitieron un respiro pues lo único que queríamos era aprovechar cada momento, cada nota de este espectacular show. Y es que con Jungle, todos son hits que nos llevan a dejarlo todo en la pista.

Para cuando llegó “Lucky I Got What I Want”, algunos ya no podemos más. Todas las manos levantadas, aplaudimos lentamente como si fuéramos uno. Jungle nos dedicó “Lemonade Lake” porque “les recuerda a México”. Tom y Josh no pararon de mirarse con complicidad, no podían creer lo que estaban viendo. No podían creer que, una vez más, el público mexicano los quisiera tanto.

“Drops” fue el momento clave para hacer un poco de crowd surfing y remontar ánimos para seguir con la fiesta y con “Busy Earnin’”. Con un saludo más y unas gracias sinceras la banda salió del escenario. Ellos necesitaban un break y nosotros también. Un momento para aclarar la garganta no hace nada mal.

De regreso, presentaron a los integrantes en el escenario que han hecho esto posible. Cada miembro de la banda de acompañamiento recibió un aplauso igual al de los integrantes principales. Todos se rifaron. “We are Jungle and We Fucking Love You” fue la presentación de la última canción. El remate de una noche única fue “Time”. El cierre perfecto que concluyó con una última frase de Tom: “Love Each Other”.

Realizarán homenaje a Mac Miller

Todas las ganancias del homenaje se irán a Mac Miller Circles Fund.

Mac Miller: A Celebration of Life será un homenaje al fallecido rapero Mac Miller, tendrá lugar en el Teatro Griego de Los Angeles, y se realizará el 31 de octubre, en vísperas de la celebración de Halloween. Las ganancias recaudadas se destinarán a la fundación Mac Miller Circle Fund, creada por el hermano del rapero y fue hecha para ayudar a niños en comunidades marginadas a poder desarrollar su creatividad musical.

El concierto busca conmemorar la vida y obra de Mac Miller, es por eso que participarán personajes como Action Bronson, Anderson.Paak, Travis Scott, Ty Dolla $ign, Vince Staples, Schoolboy Q, SZA, Thundercat, Domo Genesis, Dylan Reynolds, entre muchos otros talentosos amigos del rapero.

Karen Meyers, madre del rapero, dijo sentirse agradecida con los amigos de Mac Miller por el apoyo brindado, declaró. “El apoyo que hemos experimentado es evidente con esta sorprendente alineación y es un testimonio de la increíble vida de Malcolm. Era un humano cariñoso con una sonrisa que podía iluminar el cielo y un alma que hacía del mundo un lugar más amable y es lo que MMCF continuará haciendo”.

 

 

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Thank you to all the artists, friends and partners for helping to bring this all to fruition .. in honor of wonderful Malcolm .. who is in all of our hearts ♥️

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Sonic Youth celebra 30 años de 'Daydream Nation'

Foto: Jason Squires

Una noche de documentales es lo que tiene preparado Sonic Youth por las tres décadas de su quinto álbum.

Desde que se separaron en 2011, parecía difícil el regreso de la banda neoyorquina, sobre todo en los últimos años, pues sus carreras como solistas alcanzaron una enorme popularidad. Sin embargo, el grupo ha anunciado algo para celebrar el 30 aniversario de Daydream Nation.

Sonic Youth informó de un evento donde se proyectarán diversos filmes y habrá discusiones sobre el disco. Esa noche tan especial tendrá lugar en el Hollywood Theatre de Portland el 20 de octubre.

Entre lo que destaca es la proyección de algunas escenas del nuevo filme de Lance Bangs, que muestra a la banda tocar este álbum por completo durante sus shows del 2007. Los asistentes serán los primeros en ver imágenes inéditas de este ambicioso proyecto.

El teatro por su parte pasará el documental, también de Lance Bangs, Put Blood in the Music el cual retrata la escena de la música alternativa y el noise, movimiento liderado por Thurston Moore Y Kim Gordon. Así como On Rust, que presenta metrajes de la primera aparición de Sonic Youth en la televisión holandesa.

En el evento estarán presentes el baterista Steve Shelley, el mismo Lance Bangs y el archivista de la agrupación, Aaron Mullan. Todos ellos darán conferencias y hablarán con los fans.

David Bowie Glastonbury 2000 en DVD

Revive una de las presentaciones más icónicas del festival Glastonbury, en el nuevo DVD de David Bowie.

El 25 de junio del año 2000, se llevó a cabo una de las presentaciones más recordadas en la historia del festival Glastonbury, a cargo de David Bowie. 18 años después, podremos revivir el momento a través de un DVD con la presentación integra del artista.

La noticia fue dada a conocer a través del sello británico, Parlophone Records, que en conjunto con BBC Studios y el festival Glastonbury, pondrán en circulación una versión remasterizada del concierto, el próximo 30 de noviembre.

El material llevará el nombre de Glastonbury 2000 y estará disponible en tres distintas presentaciones: 2 CDs + DVD, 3 LPs y 2 CDs, además de su versión digital. Todos los formatos incluyen el diario de David, originalmente escrito por Time Out, que lo documenta preparándose para el show de una manera inigualable.

Disfruta de un extracto de esta presentación, con el tema “Heroes”.

Además del audio masterizado y el video mejorado, este video presenta nuevas ilustraciones de Jonathan Barnbrook –quien trabajó con Bowie en los artes de Heathen, The Next Day y Blackstar– así, como notas del reconocido autor y fan de Bowie, Caitlin Moran quien reseñó el show para The Times.

Setlist: 

"Introduction (Greensleeves)"
"Wild Is The Wind"
"China Girl"
"Changes"
"Stay"
"Life On Mars?"
"Absolute Beginners"
"Ashes To Ashes"
"Rebel Rebel"
"Little Wonder"
"Golden Years"
"Fame"
"All The Young Dudes"
"The Man Who Sold The World"
"Station To Station"
"Starman"
"Hallo Spaceboy"
"Under Pressure"
"Ziggy Stardust"
“Heroes”
"Let’s Dance"
"I’m Afraid Of Americans"

Mew en El Plaza Condesa

Somos los salvadores de la música que siempre estará con nosotros: Mew.

La lluvia y su discreto pesar en el inicio de octubre, la primera noche prometida, ensayo y error, Mew y la elección del lugar perfecto para comenzar las celebraciones del 15 aniversario de Frengers, El Plaza Condesa siempre ideal para apreciar a una banda que merece ser escuchada en alta fidelidad. Somos ratones de un experimento y "Repeaterbeater" es la primera gota de LSD cual si fuéramos parte de un test de Timothy Leary. Nos sentimos únicos, cual cohete que despega para surcar los cielos de nuestra conciencia, “Special” y su ánimo de gozo, aplausos, gritos, emociones en desborde, y es apenas la segunda canción.

“The Zookeeper's Boy” y el tímido saludo de Jonas Bjerre, ellos se saben queridos, ansiados, y por eso han elegido esta ciudad para hacer historia. Un recorrido por sus glorias recientes, el piano que nos hace flotar cual “Satellites”, “Candy Pieces All Smeared Out” y su dulce y difusa pesadumbre. “Count To Ten”, la sorpresa y la algarabía, “Apocalypso” para recordar los primeros tiempos de la más alta causa musical que ha dado Dinamarca según los fans, que atentos esperan la gran explosión.

“Saviours of Jazz Ballet” y un baile discreto ante las atmósferas sonoras revitalizantes, “Louise Louisa” como el preludio perfecto para el encore tanto esperado, sus últimas frases como mensaje en una galleta de la suerte sin destinatario: “stay with me, don’t want to be alone”. Y comienza la catarsis con “Am I Wry? No” y las explosiones visuales que emulan nuestra emoción, ¿dónde habías estado Farah?, la indiferencia nos estaba matando sabiendo que potencialmente estamos atados de alguna extraña forma. “156” y su mensaje indescifrable, las teorías que seguramente afloraban en las mentes de los fans que felices tal vez veían ante sus ojos un sueño idealizado: en una gran perspectiva somos diminutos. “Snow Brigade” en honor al frío que nos depara, “Symmetry” y la imagen de Becky Jarrett quien con 11 años de edad dio encanto a dicha canción, hoy a 15 años de distancia su imagen ha cambiado, pero no su alteza. “Behind the Drapes” y su máxima irrefutable: “Why are we so alone even with company?”.

“Her Voice Is Beyond Her Years” para apreciar el dulce vibrar de las cuerdas vocales, “Eight Flew Over, One Was Destroyed” para tener en cuenta que no existe a la fecha un tiempo oscuro en la carrera de Mew, y que son una banda que México siempre tendrá en su corazón. “She Came Home For Christmas” cual largo suspiro en honor a aquella persona que un día se puso una venda en los ojos para evitar apreciar que era lo que le deparaba el futuro, incierto y voraz, difícil pero esperanzador, esa mirada que ya no estará presente en la cena de año nuevo. Sin culpables, sin conclusiones, solo recuerdos ante la inmensidad instrumental y la lírica perfecta, un vistazo a aquel rincón de El Plaza donde se tomó una primera fotografía con alguien que ya no está, tragos de más para invocar al olvido, los recuerdos que regresan sin previo aviso, las situaciones que ya nunca encontrarán remedio. La voz angelical que nos alivia a pesar de la nostalgia que nada en cerveza de barril.

“She Spider”, tejiendo telares difusos y recuerdos inmediatos: esta fue la canción que dio inicio a la primera visita de Mew a la ciudad en el desaparecido Salón 21 en el año 2009, tantas cosas que han pasado desde entonces y la música que permanece a pesar de los rencores, la indiferencia, porque cambiamos de modos, ropas y lugares pero las canciones nos acompañan por siempre. “Comforting Sounds” fue como llegar a la tierra prometida, esa donde sabíamos que un buen día tendríamos que llegar a enterrar un recuerdo, miles de situaciones, millones de confusiones. El confort necesario ante las promesas que se rompieron, la soledad que no podemos compartir, el exhaustivo análisis de lo que salió mal. Estrellas fugaces vacías emprendiendo el viaje a ninguna parte, pero guiadas por una perfección instrumental que hace que cerremos los ojos y nos dejemos llevar, expiarnos, liberarnos, darnos una limpia de todo lo que nos aqueja, lo que quedó atrás, las personas que ahora ignoramos, los insomnios que nos pesan, los pendientes que se nos olvidan, obligaciones, defenestraciones, letargos y silencios, lutos y resignaciones.

La música que nos arrastra a lugares que no entendemos, los acordes que nos mueven a situaciones que nunca sabremos como manejar a menos que solo, simplemente, cerremos los ojos y nos dejemos llevar, el dolor sintetizado en el pitch de una manivela, el riff que in crescendo nos lleva a la gloria, la voz angelical que nos taladra el corazón, el gran final de una noche perfecta tanto para la banda como para nosotros.

Nirvana podría reunirse en el Cal Jam Festival 2018

Foo Fighters enciende rumor sobre posible reencuentro de los miembros de Nirvana.

En la víspera de Cal Jam Festival, Foo Fighters ha lanzado un par de tweets que podrían ser pistas sobre una posible reunión de Nirvana. El rumor y la expectativa comenzaron cuando la agrupación liderada por Dave Grohl, anunció a través de su cuenta oficial de twitter la proyección del documental acerca de Joan Jett llamado Bad Reputation.

Posterior a este tweet, Foo Fighters publicó otro en el que se anuncia el teaser de la primer reunión de Nirvana, cuando fueron admitidos en Rock & Roll Hall of Fame, este publicación fue retuiteada por la cuenta oficial de Nirvana, lo cual hizo que los fans se emocionaran con la posibilidad de un segundo encuentro.

 

Las esperanza de que los miembros de Nirvana vuelvan a compartir el escenario, se hace más grande, pues son parte del line up principal de Cal Jam Festival, por una parte Dave Grohl y Pat Smear tocaran con su banda Foo Fighters, y por otra, Krist Novoselic actuará con Grants In The Trees.

El que los miembros restantes de Nirvana se encuentren en el line up principal del festival facilita que la reunión se realice como todo el mundo espera, y podría ser una manera de rendir un pequeño homenaje a su música y a su compañero y amigo Kurt Cobain. No queda más que esperar a que llegue el 5 y 6 de octubre para descubrir si la tan esperada reunión se llevará a cabo en Cal Jam Festival.

Nuevo tema de Courtney Barnett

Foto: Tajette O'Halloran

Courtney Barnett se une a los festejos de Mom + Pop con "Small Talk".

A la cantante australiana todavía le quedan un par de semanas para terminar la gira promocional de Tell Me How You Really Feel en Norteamérica, aun así la de Sydney no para con los estrenos, y esta mañana sacó un nuevo tema.

La canción que compartió Courtney Barnett lleva el nombre de "Small Talk" y estará incluida en la compilación por los 10 años de Mom + Pop Music, uno de los sellos discográficos independientes más importantes en la actualidad.

Aún no se saben muchos detalles del box set recopilatorio, solo que se conformará de tres discos de vinilo con rarezas, covers y grandes éxitos de diferentes artistas, incluso algunos que ya no están dentro de sus filas.

Courtney Barnett también estará en el release party, el 22 de octubre en el Brooklyn Steel de la ciudad de Nueva York. Otros de los que se presentarán son Sleigh Bells, Neon Indian, Sunflower Bean y Tom Morello, aunque también habrá invitados sorpresa.

También por el décimo aniversario del sello, salió a la venta un picture disc del primer material de Courtney BarnettThe Double EP: A Sea of Split Peas. Se le suma el debut de FIDLAR, Era Extraña de Neon Indian y Treats de Sleigh Bells.

Puedes escuchar "Small Talk" justo aquí:

Entrevista con Hippo Campus

Hippo Campus: un sonido más natural.

La banda originaria de Saint Paul, Minnesota, Hippo Campus estrenó este 28 de septiembre su segundo material discográfico, el cual cuenta con 10 canciones.

Zach Sutton, el bajista del quinteto, comentó para Indie Rocks! que esta nueva entrega musical fue producida por BJ Burton, quien fue el productor de su primer álbum, Landmark.

“El proceso de creación de este álbum fue un desafío muy grande. Aprendimos mucho, hicimos muchas cosas por nuestra cuenta y tuvimos que descifrar la manera de juntarlas, pero también conocimos aspectos tanto de los otros integrantes de la banda como de nosotros mismos, y ahora tenemos nuevas perspectivas sobre todo”, dijo Sutton.

Les tomó cinco meses grabar todas las canciones, y para lograrlo estuvieron en cuatro estudios diferentes, en varias ciudades de los Estados Unidos. Fue en una de las locaciones donde nació el nombre de este segundo disco.

“Uno de los estudios donde estuvimos era una cabaña en el bosque. La cabaña llevaba por nombre Bambi, y como ahí grabamos una gran parte del disco, comenzamos a llamarlo así, y al final decidimos dejarle ese nombre”, explicó el bajista.

Entre los diez temas que conforman Bambi, se encuentran piezas alegres y otras que buscan transportar a la audiencia a un estado de ánimo más tranquilo, incluso melancólico.

“Definitivamente tiene un sonido diferente al que estamos acostumbrados. Es la música que nos gusta hacer, y nuestra meta era explorar nuevos sonidos e ideas para expresar quiénes somos: la banda que hace canciones alegres, pero también tranquilas. Creo que esa es nuestra personalidad en este momento”.

Además, compartió que dos de sus temas favoritos son "Doubt" y "Bubble". “Son muy creativas y expresivas, la letra y la música es algo que nunca habíamos hecho y creo que la gente podrá percibirlo, además fue divertido grabarlas”.

De igual manera, mencionó que las canciones "Anxious" y "Bambi" se encuentran entre las más difíciles de grabar. “Fueron las primeras que hicimos y estábamos tratando de arreglar todo y acoplarnos a lo que buscábamos hacer, entonces nos frustramos un poco, pero al final todo salió como queríamos”.

El arte del álbum, una portada sencilla con tonos negro y rosa, una silueta humana del lado izquierdo y símbolos. “Representan a la banda y las canciones de Bambi”, y fue creado por el diseñador neoyorkino David Kramer, amigo de la banda y que ha trabajado con sellos como Grand Jury Music y Transgressive Records.

Dengue Dengue Dengue — Semillero

Semillero: La noche del fuego nuevo.

Los caminos trazados le dieron la razón. El despertar del gigante continental fue audazmente visualizado por el arquetipo de Chavela Vargas décadas atrás. El tiempo fue el encargado de corroborar el acierto que pronunciara “La chamana” y después fuera citado por el mismo Café Tacvba, donde planteaba que si los volcanes estaban despertando, entonces, ¿por qué los americanos –Llámese Latinoamericanos, sudamericanos o de cualquier parte del continente– no habrían de despertar? Parte de la respuesta a esa hipótesis la encontrarás en esta reseña.

Abro estas líneas al estilo de los viejos cánones preguntándole a usted, querido lector de Indie Rocks!: ¿Qué opina? Eso es lo más importante.

Por muchos años, los proyectos que surgen de este lado del continente han sufrido de falta de credibilidad, discriminación o simplemente el consumidor de música decide aplicar la malinchista por el hecho de que “no es un proyecto que valga la pena porque no está hecho en Europa, o en cualquier otro lugar donde se hable castellano, por lo tanto carece de calidad”. No nos vayamos tan atrás, recordemos que cuando el rock aterrizó en nuestro país era casi una mentada de madre cantar en español, ya que el verdadero rocanrol “se predicaba en ingles”.

Sin embargo, así como el tiempo le dio la razón a Chavela Vargas con hechos concretos, estamos en una actualidad donde ahora el público europeo voltea a ver nuestra música, se interesa por nuestras culturas y decide aprender e influenciarse de ellas; y lo que es mejor, los carteles de los festivales europeos cada vez se ven más poblados por músicos provenientes de nuestro lado del planeta. Para prueba de ello se encuentra Dengue Dengue Dengue, magníficos generadores de atmósferas provenientes de Perú.

Semillero, la más reciente placa del dúo originario de Lima, como su nombre lo adelanta, es un trabajo que se centra más en la herencia ancestral y los rituales de purificación. Se genera un punto y aparte respecto a sus dos primeros LPs, donde la cumbia futurista era la amplia dominante.

Seis tracks son los que conforman esta maqueta que va de lo místico a lo enigmático. Sonidos ancestrales cual sacados de rituales, mezclado con elementos del indigenismo, haciendo una clara conexión al etno rock que fue sembrado en la década de los ochenta en nuestro país por íconos del genero como Luís Pérez y Antonio Zepeda, fruto de la adición orgánica de los sonidos puramente étnicos compaginados en las bases electrónicas.

Ejemplo de ello lo encontramos en “Pua”, una tétrica suerte de danza ancestral, por momentos amazónica y por otros prehispánica. Teniendo como invitados al cuarteto de percusiones Penya, la generación de una atmósfera altamente ceremonial es apenas el principio de un álbum sumamente variado en estilos, pasando por varias culturas que al final se entrelazan en un híbrido repleto de misterios.

Con elementos más apegados a la naturaleza, “Eye Acucho” evoca a un amplio caudal, que envuelve con sonidos de fauna y remata con detalles provenientes de un arpa. Un buen agasajo para la oreja habida.

De regreso al misterio, “Habu Raminibu” es una ecléctica adoración en lengua donde las percusiones juegan un papel primordial en el desarrollo de la canción, caso parecido a “Semillero”, teniendo como única diferencia ciertos tintes de austeridad, al evocar un canto más del tipo de las antiguas tribus mesoamericanas. He aquí el valor de este trabajo, siendo cada canción un mundo diferente en cada corte, y forjando a su vez pertenencia con las expresiones culturales de nuestros antepasados.

Como antesala del fin de una ceremonia, “Dileke” pareciera ser de las rolas más “flojitas” del álbum, pero su valor recae de nuevo en las percusiones que incitan al baile. Lento, pero seguro.

Cuando parece que la noche se va disolviendo poco a poco en la luz, y los sonidos que acompañan las primeras resolanas del horizonte van despertando en tonos amarillos, las notas que posiblemente sonarían en ese momento serian las de “Haarp”, un dulce conjunto de sonidos con olor a pasto mojado, una delicia sonora de esas que cuesta trabajo encontrar.

Con este despilfarre de sensaciones se cierra una producción de uno de los mejores proyectos de electrónica latinoamericana actualmente. Un disco que suena a nuestras raíces indígenas, y también a las de nuestro vecinos del norte y del sur, que enaltece las tradiciones y en base a esto Dengue Dengue Dengue genera un estilo innovador, interesante y con bastante tela de donde cortar por un buen tiempo.

Ahora dígame: ¿Usted que opina? Con esto y con lo que ha escuchado, ¿Ya estaremos al nivel de nuestros hermanos europeos? Dejemos que los volcanes sigan despertando.

GØGGS — Pre Strike Sweep

Pre Strike Sweep invita a volarlo todo sin descanso, ¿y después?

No pares y vuela todo a tu paso, o casi todo, como los efectos de la vida moderna, la alienación y la pasividad. Es el mensaje que lanza Ty Segall al mando de GØGGS, una de sus tantas bandas. Y que entrega su segundo disco después de dos años de su debut. Ahora, con Pre Strike Sweep se lanza de nuevo al ataque y no ofrece descanso. Tal y como es Segall, que no deja de producir música.

Desde el primer tema “Killing Time” (que comienza con una guitarra acústica que desconcierta y confunde) hasta el último, “Morning Reaper”, recibimos ráfagas del más puro estilo garage punk. Las guitarras rabiosas están aquí, la batería desenfrenada está aquí, el bajo loco está aquí, la voz desprolija que arenga está aquí y los gritos provenientes de una caverna que colapsa están aquí. La caverna colapsando también es el estruendo de la caótica musicalidad de Pre Strike Sweep y nosotros somos unos pequeños exploradores, indefensos y asombrados dentro del derrumbe. Es el efecto que generan las olas de estruendos de este álbum construido por Charles Moothart, Chris Shaw y Michael Anderson bajo el mando, claro, de Segall.

En Pre Strike Sweep encontramos pequeñas sorpresas incrustadas en mitad de algunos temas, como en “Disappear”, que contiene un solo exprés de batería y otro de guitarra que sale de lo establecido por su noise punk, un toque nada más, casi imperceptible, que se agradece.

Pero aunque el disco no lo permite, hagámoslo y paremos un momento, ¿a dónde va este álbum de GØGGS? Lamentablemente parece que la banda no lo sabe. Pre Strike Sweep es mucho ruido y poco más, pero solo eso. Por momentos (y la sensación crece mientras avanza el disco) parece que todo es estruendo sin dirección, algo que no se siente en su álbum debut, que lleva el nombre del grupo.

Es evidente que esta banda y este disco en particular son utilizados de buena forma para que Ty Segall vierta todas sus inquietudes e inclinaciones más drásticas, pesadas y rabiosas. En ese sentido se logra, siempre llevadas al límite por la voz de Shaw, sin embargo, al escuchar el disco uno se siente perdido y no logra disfrutar de más hallazgos, ¿qué no el fondo de volarlo todo es construir algo más? Por eso digo que el sonido actual de GØGGS es una caverna colapsando y uno el pequeño explorador dentro de esa oscuridad.

Al terminar de escuchar el álbum, y en el entendido que no hay enfoque en él, pero que tampoco es un mal disco, pensé que una de las bases conceptuales que lo componen es el ya famoso: “no sé lo que quiero, pero sé cómo conseguirlo”, que produjo en varias bandas aciertos monumentales hace décadas, pero también grandes estragos en los más rabiosos y grandes músicos, no en ellos, sino en la imposibilidad de llevar sus producciones al máximo, justo por no tener algo de fondo hacia donde ir. Algo que creo que esta banda puede hacer y no lo logró con esta reciente entrega, que sí está en llamas, sí sacude y sí gusta, pero nada más.