Led Zeppelin conmemora su 50 aniversario con lanzamientos digitales

Por Raquel Prior

El material incluye entrevistas, colecciones musicales y reflexiones personales sobre Led Zeppelin.

El 27 de septiembre de 1968 los integrantes de Led Zeppelin comenzaban a grabar su álbum debut, con motivo de este histórico suceso la agrupación ha decido dar a conocer sus cuatro nuevos lanzamientos exclusivos, disponibles ya en todas las plataformas digitales.

El primero de ellos es Led Zeppelin x Led Zeppelin, se trata de una colección de 30 canciones, que abarca los ochos álbumes de estudios más importantes de la agrupación, estas son algunas de las canciones más icónicas que se incluirán: "Immigrant Song", "Whole Lotta Love", "Kashmir", "Ramble On" o "Stairway To Heaven”.

Otro de los lanzamientos digitales es "Rock and Roll" (Sunset Sound Mix), el cual fue lanzado originalmente en el Record Store Day de este año, cuyo evento se unen tiendas de discos independientes y artistas para celebrar a la música, este material ha sido el lanzamiento más vendido en la historia del Record Store Day, y hoy hace su debut oficial en las plataformas digitales.

El tercer y último lanzamiento es An Introduction to Led Zeppelin que ayuda a adentrarse en la historia de la banda, presenta además de las canciones mencionadas antes, al igual que "Black Dog", "Good Times Bad Times", “Going To California,” y “Over The Hills And Far Away ", y este podría ser uno de los catálogos más importantes del rock.

El último lanzamiento se llama 50th Anniversary Interviews y es una compilación de entrevistas en las que  Jimmy Page, Robert Plant y John Paul Jones hablan acerca de la creación de algunas de sus canciones y comparten reflexiones sobre su carrera, en entrevistas cortas que no duran más de dos minutos.

50 años de Led Zeppelin

50 años de Led Zeppelin y el dirigible sigue su curso.

I'm so glad I'm living. Gonna tell the world I am, 

"Out On The Tiles".

Mi primer acercamiento con Led Zeppelin, como supongo ha sucedido con mucha gente que con el tiempo se volvieron adeptos, simplemente los reconocen por su legado o que a pesar de no reconocerlos a fondo los saben legendarios, fue con “Escalera al cielo”. Gracias a esa perdida costumbre de traducir los títulos de las canciones al español en las viejas ediciones mexicanas en vinilo. Canción imitada, derrocada, acusada de plagio, emulada, jamás superada, su inicio que en efecto nos transporta a un camino de espigas guiadas por aquel misterioso mago que reposa en el arte del disco, que con su lux aeterna nos lleva a la gloria musical.

Torpemente mis dedos han tratado de colorear sus arpegios en la guitarra, los acordes fallan, y ni hablar del infalible solo que colocó a Jimmy Page como un inalcanzable, un eterno, un maestro absoluto de la dominación de las seis cuerdas, el supremo encantador de serpientes que se atrevió a desafiar las leyes de la acústica con sus experimentos al momento de grabar y darle aún más poder a las trepidantes evoluciones de John Bonham. El mortal, el controlador del ritmo, aquel que clavó una estaca en Moby Dick, el mito, el que a golpes de batería podía romper diques para causar inundaciones en nuestra memoria.

John Paul Jones y sus dedos cual tentáculos de un kraken descarriado y ansioso por destruir buques a la deriva entre las cuerdas del bajo o los teclados, el silencioso, pero también cuarto jinete del Apocalipsis del blues, de la transgresión perfecta del rock and roll que en Robert Plant encontraría a su dios dorado, a su Moises partiendo el océano en dos para guiarnos con su voz por las tierras soñadas por Tolkien, el guerrero que clavó la flecha en el talón de Aquiles en su última batalla.

La canción sigue siendo la misma y el legado supremo en un infinito de posibilidades, y a 50 años de distancia, una generación se lamenta haber perdido el cenit de una banda fundamental que ante la ausencia de uno de sus pilares decidió terminar su camino. Aturdidos y confundidos los sobrevivientes siguieron caminos difusos y constantes entre su búsqueda por un nirvana, una absolución, una cura, porque la inmortalidad ya la habían alcanzado. Aquel día de celebración en la que los sobrevivientes se unieron al heredero de Bonham para ofrecer sus últimas presentaciones en vivo, nos quedó como herida de un quizá, y como lamento de un ya nunca más. Ahora solo nos quedan las filmaciones, las reediciones, el libro que vendrá, y esperar a que poco a poco los fuegos de un candelabro se vayan apagando, porque el tiempo es imbatible, pero la música nos quedará como impulso permanente.

Lo más cercano que hemos tenido de esta vasta gloria en directo ha sido gracias a Robert Plant y sus recientes actuaciones en nuestro país: “ninguna banda de todas las que tocaron hoy existiría y ninguno de nosotros estaríamos aquí de no ser por este sujeto”, le dije a mi acompañante mientras sucedía su presentación en el festival Vive Latino. Un “Good Evening” salió de sus labios cuando crucé mi camino con él en los pasillos del Auditorio Nacional mientras, curiosamente, admiraba la fotografía que reposa como testimonio de sus visitas al histórico inmueble de avenida Reforma.

A la fecha “The Rain Song” suena en cada uno de mis viajes, vuelos, esperas y caminos, y en especial ante la inmensidad de las nubes, ante un lago en Punta Nizuc, al anochecer en Holbox, surcando la selva camino a Tulúm, es una canción que me encanta dedicar y escuchar cada vez que se me aparece por diversas circunstancias, inevitablemente sonará en mi funeral. Es solo una pieza como muchas de esta banda que nos hacen temblar, imaginarnos portando una Gibson Les Paul mientras tocamos al aire el riff de “Black Dog”, mientras gritamos a modo de broma el coro del intro de “Immigrant Song”, y su riff cual martillo de los dioses pulsando en nuestra sien, mientras notamos la maestría del bajo en las evoluciones de “The Song Remains The Same”, mientras el intro de “No Quarter” es el inicio perfecto de la película de nuestras vidas, “Tangerine” como la felicidad que a veces nos hace falta, “Friends” cual sonrisa que debes compartir con alguien que se siente afligido, “In The Light” para mantener siempre la esperanza, “Thank You” para decir con palabras ajenas lo que no puedes explicar con frases propias: “When Mountains Crumble to the Sea, There Will Still Be You and Me”. “Babe I'm Gonna Leave You” para decir adiós antes de que sea demasiado tarde, “Since I’ve Loving You” como el vals extraño que tal vez bailaríamos en la mejor noche de nuestras vidas de la mano de quien daríamos todo, por quien hacemos todo.

“This is a Song of Hope” menciona Robert Plant en quizá la grabación en directo más famosa del tema referido al inicio de este texto, el ambiente celestial que evoca su génesis, ella que compra una escalera al cielo para ver si podemos alcanzarla, peldaño a peldaño, ganando y perdiendo, fallando y corrigiendo, escalando cada día y descendiendo por momentos, gran esfuerzo, esperanza primigenia, mientras nos preguntamos qué es lo que nos lleva a querer ser imborrables, dejar un legado más que una tumba donde nos vayan a llorar. Y mientras seguimos ascendiendo, el dirigible emanando sus maravillosos ecos y tonos hará que el camino sea más placentero, hasta donde tengamos que llegar, o caer, o detenernos.

Festival Off Limits 2018

Madrazo puro, música y slam, así el Off Limits 2018.

Punk. Hardcore. Death Metal. Y más punk. Así podría definir el Festival Off Limits, el cual por varias horas se convirtió en una horda de gente danzando, empujando y sudando sin control.

Se llevó a cabo en el 360 Venue, lejos, muy lejos, de las salas habituales para conciertos; sin embargo, fue el recinto ideal. Había espacio para todos, para aquellos que no dejaron de meterse al slam y para los que preferían verlo desde afuera. Sin duda, fue un sitio más adecuado que el del año pasado.

Tuvieron un ligero retraso en los horarios, pero eso no importó, todos, sin excepción gozaron de las bandas, los cambios entre una y otra fueron rápidos, no había que esperar demasiado y los ánimos no tuvieron tiempo de enfriarse.

Sect, bajo una luz roja, Vitamin X dio una cátedra de fuerza y locura. The Dwarves con Nick Oliveri en el bajo demostraron que los años no pasan en vano.

Pronto llegó el turno de Slapshot, una banda originaria de Boston que reventó el lugar con hardcore en estado puro, la gente pidió otra, el tiempo no lo permitió pero, vaya, fue bueno lo que duró.

La gente corría en un círculo gigante y al llegar el guitarrazo no demoraba en chocarse. Unos contra otros y al calmar la canción, chocaban sus manos, se abrazaban y no había rencores. Madrazo tras madrazo y nadie se calentaba, esa es la pureza del punk y el hardcore.

Darkest Hour fue una de las bandas que se llevó la noche, metal core y death metal melódico. El canto gutural de John Henry y la instrumentación no dieron tregua ni un segundo. En este momento del Off Limits la gente ya no sentía el cansancio, el hambre o los golpes del mosh pit, todo era cantar, volar encima de la gente o correr al ritmo de la música.

Youth Brigade bajó un poco los decibeles, pero mantuvo la fuerza y ese es otro punto que hace del Off Limits un gran espacio. Hay cambios entre géneros musicales, hay más riffs de un lado pero más potencia en las baterías, hay voces melódicas y guturales, pero todo el mundo las disfruta y se azota por igual.

La velada estaba culminando, los asistentes descansaban breves minutos entre banda y banda, pero, al primer “clap” de las baquetas volvían a sus formaciones y como si fuera una marcha militar respondían sin reparos.

Cuando llegó el momento de Terrorizer, la banda originaria de Los Ángeles, de death metal y grindcore. Desde el primer tema la gente explotó, las barricadas que separaban el escenario de la gente parecía que iban a vencerse pero resistieron. Canción tras canción demostraron porque siguen vigentes desde su reunión hace casi 10 años.

El momento cumbre se dio con Ratos de Porão, la banda brasileña de hardcore punk que brilló por su energía descomunal sobre el escenario. La agrupación es un referente en su país y para el público mexicano también, coreaban todas y cada uno de los temas y por supuesto, el mosh pit solo tuvo breves respiros.

Y para cerrar con broche de oro, No Fun at All, que desde 1991 han puesto a cantar y a vibrar a multitudes en cientos de escenarios, aún con sus pausas. Este conjunto proveniente de Suecia, fue el encargado de agotar la última reserva de energía de los asistentes y con ello la edición 2018 del Festival Off Limits terminó.

Madrazo puro, música y slam, un festival que debería repetirse una o dos veces al año. Traen bandas que pocas veces se pueden ver en el país, tienen detalles en cuestiones de producción, audio e iluminación, pero quedan en un segundo plano cuando las agrupaciones se entregan de esa manera.

Nuevo tema de The Chemical Brothers

The Chemical Brothers hace su primer lanzamiento del año con "Free Yourself".

A principios de este año, el duo de Manchester confirmó que estaba trabajando en su noveno álbum de estudio, el tan esperado sucesor de Born in the Echoes. Por un buen tiempo no se supo nada de aquel prometido material, pero esta mañana hemos sido sorprendidos con un nuevo tema.

El reciente estreno de The Chemical Brothers se titula "Free Yourself". Este es su primer lanzamiento en casi tres años y llega justo antes de que retomen su gira por Europa, que pasará por Amsterdam, París y Londres.

La canción fue presentada en el programa de Annie Mac en la BBC Radio. Este tiene esa esencia eufórica y espectacular, perfecta para disfrutar en un festival.

Se sabe que el tema será parte de la serie de sencillos Electronic Battle Weapon, así que hay mucha incertidumbre de si este track aparecerá en el nuevo disco de The Chemical Brothers. Sin embargo, ya hay rumores en redes sociales de que el disco podría aparecer en los últimos días de octubre y ser presentado en su concierto en Dublin.

Si la banda decide sacar su álbum a finales del siguiente mes, sería una gran noticia para nuestro país, pues seríamos de los primeros en escuchar el nuevo disco.

Puedes escuchar "Free Yourself" justo aquí:

The Vaccines en el Pepsi Center WTC

Nuestra casa es su casa: The Vaccines.

Jueves 27, de esos días raros donde sale el sol, y decides no cargar chamarra, llega la tarde y una nube gris cubre toda la ciudad, en seguida la lluvia comienza a alterar la movilidad y en fin, algo a lo que ya estamos acostumbrados, de pronto se hace de noche y es hora de partir al Pepsi Center WTC, un pequeño gran escenario que para muchas bandas representa un peldaño imponente, rumbo al ascenso a las grandes ligas, y para bandas extranjeras es como un “la estás armando en un país que los quiere”. Para los londinenses este escenario significa “México también es su casa”. Luego de su participación como headliner en el festival Pulso GNP en Queretaro, The Vaccines llega a la ciudad de México para seguir dándonos el placer de escuchar Combat Sports  el que para mí gusto, es un álbum nuevo con raíces viejas, aquí podemos recordar bastante de lo que fue What Did You Expect from The Vaccines?.

Los Blenders se encargó de empezar a calentar el escenario, mismo que lució un letrero bastante peculiar, papel brillante al estilo de los años 80 cubría la palabra The Vaccines, y la multitud empezaba a crecer justo para presenciar otro acto de los londinenses. Tras dar las gracias, Los Blenders dejó al público para dar paso a The Vaccines, fue cuando una luz morada acompañada de una melodía tétrica, atrajo la atención de todos los asistentes, gritos y caras de expectativa llenaron el Pepsi Center WTC, sin esperarlo, toda la escena se convirtió en una pista de baile cuando sonó "Dancing Queen" –really?– tarareando el coro que todos nos sabemos por nuestros papás, tíos etc, la multitud bailaba y por un segundo nos remontamos un tonto a películas tipo Saturday Night Fever, ¿era eso lo que quería lograr la banda? en fin, cuando el humo se hizo más espeso, Justin Young, Freddie Cowan, Árni Hjörvar, Timothy Lanham y Yoann Intonti dieron inicio a lo que fue, un concierto enérgico y por demás bailado por el público. "Nightclub" fue la pieza con la que comenzó todo este espectáculo, bastante bien elegida para apropiarse de cada uno de los espectadores, y no soltarnos hasta el final.

Era bien sabido, para todos los asistentes, que temas como “Wreckin’ Bar”, “Teenage Icon” y “No Hope” son sinónimo de euforia, saltos hasta el techo y pulmones cansados de cantar, mientras algunos escapábamos del slam que los más entusiastas armaron mientras el ímpetu de Young se desbordaba por la orilla del escenario aumentando la adrenalina traducida en saltos y empujones descontrolados. Para la primera media hora del concierto, el calor ya empapaba la ropa, entonces otro tipo de calor, no sofocante, sino embelesador vino con "Wetsuit", donde más de uno cerró los ojos para enredarse en la voz de Justin que acariciaba a su público y nos remontaba a sus inicios en 2011.

Lanzando miradas sugerentes, cantando a cada parte, de extremo a extremo del escenario, Justin Young fue, una vez más el frontman entregado al momento, modulando su voz con cuidado y a su gusto, mientras simpatizaba con los espectadores. Varias fueron sus palabras para el público mexicano, pero justo antes de presentar “Your Love Is My Favorite Band”, Young nos declaró su amor y los gritos recorrieron todo el recinto.

Esta noche, poco distaba de la potencia con que se presentaron hace en tres años en El Plaza Condesa, a lo largo de la hora con treinta minutos, la agrupación inglesa desmenuzó lo mejor de su repertorio, “Post Break- Up Sex”, “I Always New” e “If You Wanna” fueron piezas que no podían faltar en su setlist, pero claramente, Combat Sport era la estrella de la noche, de este material resaltaron “Surfing in the Sky”, “Put It On a T-shirt"“Take It Easy” y claro, “I Can’t Quit”, siendo esta la que dio paso al encore, donde los últimos temas bajaron el ritmo agitado que todos (al menos yo si) los admiradores cargamos durante todo el concierto.

Volviendo al escenario, sin bandera de México –no sé porqué– The Vaccines nos regaló sus últimos momentos con nosotros. Uno de los temas finales, como no podía faltar, “A Lack Of Understanding”.

En esos últimos minutos de la presentación, empezaba a extrañar bastante “All In White”, para cerrar la noche, Young dio las gracias, y cantando la primera línea "Break me on the thirty-seventh hour…" sabía de cual se trataba, así, el gran final de la noche se tornó melancólico, y uno de los temas más sensibles llegó a cada fibra de mi cuerpo y no pude más que corear con todo el público a mi alrededor esa última canción.

“Íosa”, la nueva canción de The Cranberries

Por Raquel Prior

El 19 de octubre se espera el estreno de la reedición de su disco debut Everybody Else Is Doing It, So Why Can't We? de The Cranberries.

El día de hoy The Cranberries sacó a la luz una canción llamada “Íosa”, que formará parte del box set por el 25 aniversario de la banda, este material estará compuesto por lados b de algunos singles, temas grabados en vivo del 91 al 94, el tracklist original del álbum, y algunas canciones como la que se acaba de estrenar.

Dale play a continuación:

Hace un año los integrantes de la banda irlandesa The Cranberries comenzaron los planes para la reedición de disco debut Everybody Else Is Doing It, So Why Can't We?, sin embargo tuvieron que pausarlo por la muerte de la vocalista Dolores O'Riordan, a pesar de ello, los integrantes de la banda decidieron continuar con el proyecto como tributo a su líder.

El box set será lanzado a través de Universal Music e incluirá canciones como “Uncertain”, “Linger” y “Dreams”, al igual que rarezas de sus primeros años musicales, que no habían sido incluidas en ninguno de sus lanzamientos oficiales. Su álbum debut los llevó a la fama mundial en muy poco tiempo, posicionándose como número uno en Reino Unido.

 

La Habitación Roja estrena videoclip

Sonidos nostálgicos y tonos blanco y negro en el nuevo video de La Habitación Roja.

El cuarteto de La Habitación Roja se encuentra de vuelta con un nuevo sencillo. Continuando con la promoción de su más reciente trabajo de estudio, la agrupación española comparte el visual para uno de sus temas.

El video corresponde al sencillo “Lineas en el cielo”, segundo corte del álbum Memoria, estrenado a inicios de este mismo año, a través de Mushroom Pillow. El clip de 4:50 minutos, realizado por Nanuk Studio, muestra a la banda originaria de Valencia en una íntima sesión grabada en tonos blanco y negro.

A continuación puedes checar el nuevo video.

Por si esto fuera poco, esta no es la única sorpresa, pues junto al nuevo sencillo podemos escuchar el corte “Jesse y Celiné”, el cual quedó fuera de la sesión definitiva del álbum y ahora llega como un exclusivo lado b.

Se trata de un tema cuyo origen fue inspirado en la historia de amor entre Jesse y Céline, dos personajes de la trilogía cinematográfica de Richard Linklater.

Mientras tanto, la agrupación conformada por Jorge Martí, Pau Roca, Marc Greenwood y José Marco, continúa con la promoción del álbum a través de una gira por España.

Brant Bjork comparte nuevo acústico

El músico stoner rock Brant Bjork hace una versión acústica de su tema “Too Many Chiefs”.

Con motivo del relanzamiento en vinilo de su álbum Tres Días de 2007, el músico estadounidense grabó una interpretación del tema “Too Many Chiefs”, extracto de dicho material, fue realizada únicamente acompañado por su guitarra acústica.

Escucha a continuación esta versión al desnudo de “Too Many Chiefs” a cargo de Brant Bjork. El relanzamiento de Tres Días en vinilo ya está disponible a través de la disquera Heavy Psych Sounds. 

“Es una de las primeras canciones que escribí para mi debut en solitario. Ha sido una canción muy personal sobre crecer en el desierto y tener esas experiencias de vivir en un pueblo pequeño, intentando desesperadamente encontrar algo con qué identificarte, encontrar algo auténtico, algo real y usar la frustración para impulsar tus sueños”, escribió el músico respecto al tema en cuestión.

Brant Bjork recientemente estrenó su álbum Mankind Woman, puedes leer nuestra reseña aquí. El músico se estará presentando nuevamente en nuestro país este mes de octubre en tres fechas diferentes: 16 en Hermosillo, 18 en Mérida y el 20 en la Ciudad de México, todos los conciertos se llevarán a cabo en Pizzas del Perro Negro. Te dejamos el póster de su gira por México.

Iron & Wine — Weed Garden

La tristeza se expande con facilidad.

En el 2017, se cumplían 15 años del lanzamiento de The Creek Drank the Cradle de Iron & Wine. Sam Beam comentaba que, por primera vez en mucho tiempo, no se preocupaba tanto por la experimentación sonora, o probar nuevas cosas en cómo hacer las letras. Era como hacer música por primera vez. Aunque aquella primera vez había sido muy diferente. Y las subsecuentes también. Sobre todo por una pregunta que rondaba la cabeza del nacido en Florida: ¿tengo algo más que decir? La pregunta que creadores como R. Stevie Moore nunca formulan y otros, como J.D. Salinger, la hacen tantas y tantas veces, que sucumben ante lo titánico del planteamiento. Ahora estamos en el 2018 y Iron & Wine lanzó un EP…

Weed Garden comienza con percusiones y luego, el Sam Beam clásico. Ese personaje que parece susurrar en vez de cantar, el acompañante perfecto para las noches desconsoladas, las tardes solitarias, o las madrugadas que se prolongan hasta que el día se asoma por las ventanas. Discípulo de Nick Drake, y fraterno del Neil Halstead solista, Iron & Wine mantiene una esencia particular. Algunos dicen que el folk es aburrido. Quizá nunca han quedado absortos en sus pensamientos por miedo a lo que encontrarían en ellos.

Nunca sabremos la música que estaría haciendo Iron & Wine si hubiera perseguido los anhelos perpetuos de cambiar las cosas. Tal vez serían maravillosos y canónicos. O tal vez no, y lo mejor que podemos tener son artistas que sigan manteniendo la honestidad al crear canciones. “What Hurts Worse” tiene una línea que dice “Let’s become the lovers we want/Let’s become the lovers we need”. Olvidar las cosas, sobre todo las que nos hicieron daño, es una de las prácticas más complicadas. En muchas ocasiones, lo mejor es separarse de aquellos que nos perjudican. Las relaciones tóxicas son asfixiantes. Pero, si se puede tener la madurez, la disposición y la salud mental suficiente para sanar las heridas y continuar con esa persona que acapara los pensamientos, pude surgir algo mucho más bello. La transición de la vida parece ser el hilo conductor del EP de Iron & Wine.

“Waves of Galveston” es sobre el crecimiento. Las etapas de la vida. Los padres que se van, los hijos que abandonan tu compañía. La rutina de vivir en el lugar de siempre, ver los mismos rostros, las noches monótonas y ser consciente, al menos por un momento, que la vida es efímera. ¿Quedarse en el lugar de siempre o buscar nuevos horizontes? La respuesta queda en uno mismo.

Musicalmente, Weed Garden parece ir bajo la misma tónica simple, pero sutilmente metamórfica. Guitarra, algunas percusiones, quizá un piano, cuerdas y voz. La voz que es hilo conductor en el discurso que se quiere presentar. “Last of Your Rock ’n’ Roll Heroes” es la canción con más cadencia del EP. El movimiento es casi automático. Las reflexiones son las mismas. Un día estás aferrado a las cosas, al otro las dejas ir con facilidad. De nuevo la vida, de nuevo los cambios. Al parecer, Sam Beam ha llegado a la segunda etapa de ruptura existencial. ¿Para qué estamos aquí? Incluso nuestros héroes ideológicos se desvanecen con el tiempo.

“God of the dollar’s a god of fear / The guns on the TV really gets you” se canta en “Milkweed”. Algo hay de inconformidad en los paradigmas estadounidenses y se refleja en la canción más oscura. Arriesgada y, sin embargo, no desentona. Cuando comienza  “Autumn Town Leaves”, el cambio se siente natural. Y regresa la nostalgia. Las descripciones de lo que se vive, lo que se siente, del paisaje que es tuyo y que en algún tiempo, es probable que solo exista en la memoria, y el único anhelo, es ver al otro por la mañana.

La tristeza se expande con facilidad. Las manos inquietas, las lágrimas que salen espontáneamente y los pensamientos que siguen y siguen, incansables, hasta que es momento de pasar a otra cosa, más por necesidad que por convicción. “Talking to Fog” es un cuadro bellísimo, pero con cierta crudeza. Se sabe que las cosas que pueden encontrar la felicidad, están ahí afuera, pero como dice Sam Beam, a veces son difíciles de encontrar. Y así cierra el EP.

Son tiempos buenos para Iron & Wine, de preguntas existenciales que a veces no tienen respuesta, pero que, cuando se plantean a manera de canciones, pueden parecer más sondables. Ojalá, las inseguridades nunca venzan los impulsos de narraciones de Iron & Wine, porque sin saberlo, puede estar siendo el guía de algunos andariegos sin rumbo definido.

Pascual Reyes interpreta el segundo opening de Dragon Ball Super

Por: Erick Chávez

El segundo opening de la nueva saga Torneo del Poder del anime Dragon Ball Super, corre a cargo del cantante mexicano Pascual Reyes.

Tras meses de espera, el 1 de octubre se estrenará en México con doblaje al español, la saga Torneo del Poder –serie que corresponde al anime japonés Dragon Ball Super– y el compositor y vocalista de la banda mexicana San Pascualito Rey, es el encargado de interpretar el segundo opening.

A pesar de los comentarios negativos de los fanáticos en relación con la nueva adaptación a la letra de la canción del tema “Limit Break x Survivor” de Kiyoshi Hikawa, el rockero se mostró agradecido en sus redes sociales por la nueva oportunidad de haber realizado este trabajo musical.

A continuación, te dejamos el opening de la saga interpretado por Pascual Rey.

Recientemente, San Pascualito Rey lanzó el video de “No hay explicación”, dirigido por Asgard Mendizábal, y actualmente se preparan para sus próximas dos presentaciones en el mes de octubre en el Festival Internacional Cervantino. A continuación, te dejamos el video.