Gibson presenta su gama de guitarras para 2019

Luego de que este año Gibson anunciara su bancarrota, la marca de guitarras ha revelado nuevos modelos para 2019.

Hace unos meses se dio a conocer que la mítica marca Gibson está en bancarrota, debido a una deuda que pasa los $350 mdd. Pero eso no ha impedido que se presente la nueva gama de guitarras para 2019, las cuales por primera vez no incluirán los sintonizadores de robot que las ha caracterizado por décadas.

Para el próximo año y con el objetivo de levantar a la compañía se pondrán a la venta modelos básicos y sencillos sin perder su esencia. Te presentamos algunos por si te animas a comprar una:

Por el lado de las eléctricas podemos encontrar la Les Paul Standard, la cual tiene un aspecto impecable y que destaca por la combinación de madera de tono en la parte posterior de caoba y la parte superior con forma de AAA de arce tallado. En lo técnico cuenta con un circuito HP-4 de alto rendimiento que incluye: 2 volúmenes Push / Pull, 2 tonos Push / Pull, interruptor de palanca de 3 posiciones e interruptor DIP interno de 5 posiciones.

Por el lado de las semi-huecas se dará a conocer la Gibson ES-335 DOT 2019, esta guitarra es uno de los clásicos modelos y que fue la piedra angular de la empresa de Nashville para consolidarse. En el aspecto técnico contará con los sintonizadores Grover 'Milk Bottle', un puente ABR-1 con monturas de latón y un cordal de Stopbar.

Si quieres conocer el resto de los modelos, ingresa a su sitio oficial. Los costos van de los $1,499 USD  ($28,971.20 MXN) a los $3,799 USD ($73,415.11 MXN).

Low comparte su nuevo álbum

Un gran adelanto de lo que es el nuevo álbum de larga duración a cargo de Low.

La banda estadounidense Low, liderada por la pareja Alan Sparhawk y Mimi Parker, cumple 25 años de vida y para celebrarlo decidieron sacar un nuevo disco bajo el nombre de Double Negative, el cual procederá a Ones and Sixes del 2015. Ahora, a unos días de su estreno oficial, la agrupación lo comparte por completo a través de NPR.

Este nuevo trabajo representa, una vez más, la unión entre Mimi Parker, Alan Sparkhawk y Steve Garrington con el productor BJ Burton con quien se hizo también Ones and Sixes.

El estreno oficial es el 14 de septiembre bajo la compañía discográfica Sub Pop, la cual es reconocida por ser la primera en trabajar con bandas grunge emergentes de la talla de NirvanaSoundgarden.

Double Negative se compone de 11 canciones que representan la nueva esencia de Low, entre las cuales se encuentran los sencillos previamente estrenados por el trío de Duluth, Minnesota: "Quorum", "Dancing and Blood", "Fly" y el sencillo "Disarray" que logró posicionarse como Best New Track según la revista Pitchfork.

Escucha en su totalidad Double Negative dando clic en este link.

Mientras esperamos el estreno oficial, te dejamos con el video “Quorum”.

Molinette Cinema — Era del Vacío

Era del Vacío: El cine hecho canción.

“Cada canción es una película”, así describe Raúl Torres (vocalista y fundador de la banda) a Era del Vacío, el segundo EP de Molinette Cinema. Su descripción es acertada, en ocho tracks pasan de lo surreal a lo dramático y a lo romántico. De lo elaborado a lo simple, de lo pop a lo experimental.

Pongamos de ejemplo el track uno y dos: “Acromático” y “Espejos”. El diccionario define acromático como algo que no tiene color, lo cual contrasta con la realidad de la canción que al menos un color sí maneja, y se mueve en intensidades del mismo, de menos a más mientras se crea una tensión que nunca termina por explotar, esto es suspenso.

Por otro lado “Espejos”, es algo más digerible, al menos en su transitar. La temática sin embargo es una tragedia. “Nada puede hacerme feliz” se repite el personaje mientras ve sus defectos en el espejo: esto, amigo míos, es un drama ligero, esos que puedes ver en familia y que te dejará pensando.

También tenemos el caso de “Mariana”, una canción que inició originalmente como una carta y que terminó por ser una de las mejores del EP. Aquí la temática es simple, amor, amor desmedido. Desbordado. Qué es esto sino una comedia romántica, una historia de conquista con un final feliz, al menos dentro de la canción.

“Dark Room”, tema en inglés lleno de sintetizadores suena a soundtrack de película de terror, una en la que saldría David Bowie, ambientada en barrio oscuro donde entre una bola de seguidores de la dark wave se escode un vampiro que solo quiere salir a divertirse, pero no puede evitar saciar su necesidad de sangre.

Por último tenemos “Hipnopedia”, la canción más compleja de todas, una suerte de rapsodia que te hace ir de un lado a otro, transitando por instrumentaciones dignas del cine mudo pasando por el drama, el romance, en fin, lo surreal, territorio de Buñuel.

El resto de canciones transitan entre uno y otro género destacando “Me fui”, canción que cierra el disco, y en la que solo participa Raúl con otros músicos. Este tema, no estoy seguro de si accidentalmente o no, recuerda mucho a Fito Páez, un tema a piano y voz, con algunos arreglos de cuerdas que solo ayudan a a acentuar ciertos momentos del tema.

En fin, algunos dicen que ya no hay talento en las nuevas generaciones. Que el rock ha muerto y que todo es plástico y Auto-Tune. Si eres de los que piensan eso, te invito al cine a ver Era del Vacío de Molinette Cinema, te sorprenderás.

Honne en El Plaza Condesa

Las ventajas de hacer caso a los algoritmos.

Conozco mucha música a través de YouTube. Creo que fue hace un año cuando tuve que renunciar a mi cuenta de Spotify y comencé a hacerle caso a los algoritmos. Contra todo pronóstico, la red social ha sido una de mis principales fuentes de hallazgos musicales. De vez en vez, entre el mar de oferta musical, algún sonido me haría voltear apresuradamente a la barra de información. Una vez pasó así con “Me & You” de un proyecto llamado Honne. Hace algunas semanas noté que la banda figuraba en la cartelera de El Plaza Condesa. Me di a la tarea de asegurar mi entrada y revisar a fondo el trabajo de estos dudes.

Llegué al venue mientras tocaba Tayrell, un dúo de DJs y productores capitalinos que llevan ya un rato abriendo eventos y dando el rol por festivales en el país. Un torrente de beats que sonaban a chill house con momentos disco tenía a un grupo de gente reunida en torno a ellos, con mirada de curiosidad, moviendo los pies y la cabeza de forma tímida. Miguel y Hugo daban muestra de su fina curaduría con seguridad en el rostro. No fue difícil para ellos gradualmente animar a los presentes, que cada vez eran más.

El proyecto de CDMX festejó el release del video de “Stop By” con un set chill que sentó el mood entre un crowd que constaba de fangirls, novios llevados a la fuerza y alguno que otro fisgón como yo. Andy Clutterbuck, James Hatcher salieron a hacer lo suyo, cual experimentado maestro de artes marciales. Desde los primeros instantes el cautivante poder de su live band me permitió envolverme en su show, ignorando los energizantes gritos del fiel fanbase que el proyecto, admirablemente ha conseguido en poco tiempo.

“Me & You” me hizo recordar que es bueno hacer caso a los algoritmos. Pocas veces la atención y vibra del público se enfoca de manera tan fuerte en la banda que está en el escenario. Tal fenómeno, que cuando sucede es exquisito presenciar, comenzó a crearse la noche de ayer, mientras el dúo británico presentaba las versiones live tanto de su reciente lanzamiento, Love Me / Love Me Not, como del primer LP, Warm on a Cold Night.

Todo era novedad. La mitad del set era coreado con especial emoción en canciones como “3AM” o “I Got You”, elevando el mood romántico a niveles desproporcionados como en el momento en que una chica le propuso matrimonio a su novio enfrente de un El Plaza Condesa lleno. El vato dijo que sí.

El dúo londinense, cuyo sonido podría fácilmente encajar en el OST de una versión millenial de Twilight, dejó satisfechos a todos en el lugar, triunfando sobradamente en apenas su  visita al país. Hay que mantener la mira en estos muchachos (guarden este post) y siempre tener los oídos abiertos a lo que recomiendan los algoritmos.

Lo esencial de Captured Tracks

Hoy Captured Tracks cumple 10 años y para celebrarlo, te presentamos algunos de los discos infalibles de su catálogo.

En 2008, Mike Sniper, bajo el nombre de Blank Dogs, lanzó un EP llamado Captured Tracks. Un CD exclusivo para giras y que contó con pistas sumamente experimentales. Lo que no sabía el artista es que ese material derivaría en uno de los sellos discográficos más exitosos de esta década.

Dum Dum Girls - I Will Be (2009)

El proyecto de Kristin Welchez, o Dee Dee, tiene mucho valor para Captured Tracks, y no solo porque su EP fue de los primeros lanzamientos del sello, también fue la primera banda exitosa de la empresa, la que pudo hacer posible todo lo demás.

 

Thee Oh Sees - Dog Poison (2009)

La agrupación liderada por John Dwyer pasó por Captured Tracks para publicar su noveno álbum de estudio. Aunque tuvo opiniones divididas, la llegada de la banda al sello causó grandes expectativas y mucha opinión entre sus fans.

Dirty Projectors - Bitte Orca (2009)

Tuvieron que pasar seis años para que los neoyorquinos tuvieran el reconocimiento que se merecen. El grupo estuvo en varios sellos hasta que llegó a Captured Tracks, quienes los encaminaron a formas más sencillas y accesibles de presentar su música, pero manteniendo la calidad. Este material fue uno de los mejores lanzamientos de ese año.

 

Widowspeak - Widowspeak (2011)

Con su debut, los de Brooklyn lograron impresionar a más de uno gracias a la voz de Molly Hamilton, pero también por el magnífico trabajo de la guitarra. El buen recibimiento de este disco le dio a la banda la solidez necesaria para que desarrollarán más proyectos.

Wild Nothing — Nocturne (2012)

Gemini fue un gran disco, no se puede negar, pero gracias a eso Jack Tatum tuvo tiempo y recursos para superarse. Su segundo disco no solo mejoró las criticas, sino que los puso en un puesto importante en las listas de Estados Unidos y otras partes del mundo.

Mac DeMarco — Salad Days (2014)

Actualmente el músico canadiense dejó al sello discográfico y fundó uno propio, pero no se puede negar que Captured Tracks fue factor crucial para que Mac lograra la fama. Con 2, el de British Columbia era un artista que gustaba, pero nada más. Fue con Salad Days que el interprete se convirtió en una verdadera estrella internacional.

The Soft Moon — Deeper (2015)

Aunque el álbum debut de la banda estadounidense fue un material impresionante y que los posicionó como uno de los proyectos más prometedores del post punk, fue hasta su tercer disco que pulieron su estilo y se adentraron más en el sonido industrial. Además, superó en éxito comercial a sus antecesores.

DIIV — Is the Is Are (2016)

Oshin fue un disco inusual para su tiempo, y muy llamativo, que le dio a Zachary Cole Smith una base de fans envidiable. Pero el segundo lanzamiento de la banda con Captured Tracks no solo se pone a la altura en calidad, sino que superó en ventas al anterior, en parte por la enorme espera de sus seguidores.

Tino El Pingüino en el Auditorio BlackBerry

Hip hop de clase media.

Franco o como todos lo conocemos: Tino El Pingüino, presentó su  reciente EP en el Auditorio BlackBerry. Con un público fiel y ansioso por verlo en vivo, el venue, que se encontraba lleno a dos terceras partes de su capacidad (quizá tres cuartas), se llevó hora y media de uno de los mejores raperos que ha dado nuestro país, y si no lo es seguro sí es uno de los más revolucionarios.

La noche empezó con Noa Sainz, cantante de R&B, que poco a poco se está haciendo un lugar en los corazones de los fanáticos de ese género, a veces comparada con Girl Ultra por su estilo musical pero que cuenta con una voz particular que la ha llevado en poco tiempo a ganarse un espacio en los escenarios propios del género.

Siguió Fermín Sánchez, mejor conocido como el de la voz espectacular de The Guadaloops, proyecto en el que también participa Tino, y que cuenta con la misma o quizás más fama que la del rapero como solista. Sus canciones recuerdan justo a la primera etapa de la banda, previo a la entrada del MC. Soul y R&B, combinados perfectamente con una impecable instrumentación arrancaron aplausos del público ansioso por escuchar rap.

Por fin había llegado la hora, el show de Tino El Pingüino comenzó con una pista instrumental. Un beat apegado a la música electrónica y unas luces blancas horizontales paralelas que sirvieron de cortina para que la presencia inicial del rapero se viera un tanto mística, saltando y arengando a sus seguidores por detrás de las luces.

El repertorio elegido se podría dividir en dos: primero la presentación de Diarquía, su reciente EP que consta de tan solo dos canciones, ambas de más de 7 minutos de duración y que muestran a un Franco mucho dispuesto a experimentar y romper estereotipos de su manera de rapear, de hecho, al momento de presentar “Época”, la más larga de los dos temas, pronunció una suerte de discurso argumentando que, a diferencia de la percepción pública sobre su música, él nunca ha estado interesado en complacer a la industria con canciones “radiables”.

La segunda parte consistió en repasar los temas más exitosos de sus cuatro trabajos anteriores, de los cuales resaltaron aquellas pertenecientes a Tu Antihéroe Favorito, disco que marcó un antes y un después en la historia del hip hop nacional, llevándolo a un territorio clase mediero, que poco había sido explorado por los raperos mexicanos hasta ese momento.

Quizás la noche llegó a un climax cuando Franco invitó a Fermín Sánchez, conformando así la alineación de The Guadaloops, complementada por Ferdinand que sirvió de DJ y bajista durante toda la presentación. El lugar retumbó con la interpretación de “Nunca es tarde”, canción que se ha convertido en un clásico, no solo de la banda, sino también del rock-hip hop nacional. La noche terminó con “Fractúbela”, otro nuevo clásico esta vez sí de la mano de Tino como solista.

La noche fue casi perfecta, solo le faltó un lleno total para coronarse como uno de los grandes eventos del hip hop nacional, como lo fueron los conciertos de Lng/SHT y Sabino en meses recientes.

Es raro el fenómeno de Tino El Pingüino. Por un lado llegó a cambiar la industria del rap nacional, dominada por la temática pandillera, hablando sobre temas más reales para los consumidores de la clase media. Por otro lado, parece que su crecimiento ha sido un poco más lento de lo esperado, teniendo en cuenta que raperos como Lng/SHT, Sabino o Alemán, han crecido a pasos agigantados explotando el nicho que Tino ayudó a moldear de años atrás.

 

La Force — La Force

Entre sonidos eléctricos y atmósferas La Force es el disco que no sabíamos que necesitábamos.

Ariel Engle, la nueva vocalista de Broken Social Scene, estrena este proyecto llamado La Force en el que explora territorios nocturnos y llenos un pop electrónico en el que su voz es el centro de atención. La Force es exactamente eso: una fuerza, tan descomunal y tan poderosa que entra a través de cada uno de los sentidos. Cada track en el larga producción es independiente y funciona por sí mismo, pero en conjunto se convierten en una travesía fuera de este mundo.

El disco empieza con "The Tide", un track en el que los sonidos electrónicos se entremezclan con la voz de Ariel formando una melodía orgánica y homogénea; la manera en la que se complementan los sonidos del sintetizador con su voz hace que la piel se me ponga chinita y logra que mi mente viaje a esos días de adolescencia donde todo era tan sencillo como subirte a la patineta, tomar su mano y perderte en el horizonte. Le sigue "TBT" que es un track más oscuro y elaborado (también mi favorito de la lista) y uno en el que su voz, sin perder protagonismo, no es tan potente como en el primer corte, sin embargo el ritmo propio de la canción y la cadencia en el cantar de Engle terminan por amalgamar una canción muy fuerte y directa.

"Ready To Run" es  más lenta, pero compleja. En ella los instrumentos forman una superficie sobre la que temas políticos y una crítica mordaz hacen presencia. A su vez "Lucky One", calmada y nostálgica, nos canta sobre la lucha constante entre el tener y el saber que podemos perderlo todo, es una canción en la que predominan guitarras y una batería que sigue acordes sencillos y en la que los vocales de Ariel relucen más que en ningún otro tema del álbum; es una sorpresa constante y una especie de montaña rusa en la que nunca tocamos los altos ni los bajos sino más bien nos mantiene en los tonos medios. "Upside Down Wolf" es un claro guiño a las producciones de electro pop de los 2000 y es quizá uno de los tracks menos sobresalientes del álbum, aunque se puede disfrutar en replay si lo que quieres es escuchar algo en el fondo mientras terminas tus actividades de oficina.

"Yo Amaze Me", su primer sencillo bajo el nombre de La Force, abre la segunda parte del LP y es una invitación seductiva a un mundo nuevo en el que sobre una capa de arpegios electrónicos y de la mano de la voz más tersa que podríamos escuchar, somos testigos de la esencia de Ariel y su nuevo alter ego. "Mama Papa" me recuerda un poco a Kings of Convenience, pero es —de nuevo— la voz de Ariel la que me hace regresar al álbum y escuchar plenamente la maestría en su producción. Hay un sentimiento de retorno en "Can't Take", una sensación de desorientación y búsqueda por el norte. Los sonidos se transforman en atmósferas y la única guía es la propia Ariel, quién con su voz se transforma en una luz de faro que nos hace llegar a puerto.

El disco cierra con "Epistolary Love Song" y para mi gusto es un tema que sobra en la producción, pues es la que más ajena se siente en comparación con el resto de tracks. La producción sucia y llena de texturas que no se terminan de conjuntar unas con otras.

Es un álbum que viene a refrescar el oído de quien lo escucha, es una agradable sorpresa y una muestra de cómo los proyectos alternos deberían de funcionar como válvula de escape para la expresión de una esencia personal.

Top 7 con los mejores tracks de la semana

Te compartimos este top 7 con los mejores siete nuevos tracks de la semana en este Top Indie Rocks!.

Mucha música se ha estrenado en este 2018, releases y sorpresas de los proyectos que recomendamos para tu oídos, pero nuestro equipo editorial hizo una selección muy especial para el top 7 de los mejores tracks de la semana del 3 al 9 de septiembre de 2018. Aquí encontrarás diferentes géneros y ritmos que te pueden acompañar durante el fin de semana. Hay canciones como “Clueless” de The Marías, track fue reconocida en los 10 mejores temas de la semana en la estación de radio de Apple Music, Beats 1; “Now or Never Now” de Metric, un tema de más de seis minutos, que no solo llama la atención por su larga duración, también por el trabajo de los sintetizadores y la poca aparición de la guitarra; “I’m a Man” de Ty Segall, tema publicado en 1967 por The Spencer Davis Group; “Wind” de Juan Son, una canción en la que los teclados atmosféricos y el bajo toman el protagonismo desde el primer minuto. El sencillo no llegó solo, sino que se presentó acompañado de un video musical casero realizado por el mismo Juan Son en donde el color amarillo y anaranjado predominan en cada escena; y muchos más.

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Lanzamiento inédito de Prince

Escucha con "17 Days" otro adelanto de Piano & Microphone, 1983 de Prince.

El primer disco póstumo del cantante de Minnesota, llegará a servicios de streaming y tiendas de todo el mundo en tan solo unas semanas. Es por eso que un nuevo sencillo ha salido a la luz, buscando mantener la emoción colectiva sobre este material que grabó el músico antes de publicar el mítico Purple Rain.

Lo nuevo de Prince es la primera versión de "17 days", uno de los b sides más queridos del interprete, ya que cuando salió en 1984 con "When Doves Cry", el tema ganó casi tanta popularidad como los sencillos promocionales y fue pasada en repetidas ocasiones por la radio durante su tiempo.

En la canción, Prince solo está acompañado de su piano y su impresionante talento vocal. En entrevista para Indie Rocks!Michael Howe, uno de los encargados de los archivos del interprete, nos comentó lo siguiente. "Una de las razones por las que escogimos este disco fue en parte por la popularidad de Purple Rain, pero también para que la gente se percatara del talento de Prince con el piano, y temas como '17 Days' e 'International Lover' lo demuestran a la perfección".

Piano & Microphone 1983 saldrá a la venta a partir del próximo 21 de septiembre a través del sello discográfico Warner Music.

Puedes escuchar "17 Days" justo aquí:

Kongos estrena video

Está aquí un nuevo material visual a cargo de Kongos.

El cuarteto sudafricano Kongos ha estrenado el segundo tema del año bajo el nombre de "Everything Must Go" y con el un video musical en el que podemos ver a la banda interpretando el sencillo en un estudio de grabación.

El video de la canción "Everything Must Go", escrita por John J Kongos, cuenta con el trabajo de fotografía y dirección de Logan Hall, quien intentó plasmar en el video un poco del sentimiento inicial que impulsó a John para escribir este nuevo material.

El tema consiguió su momento de inspiración después de que John se percató de todo el tiempo invertido en realizar la contabilidad de la banda, comentó. "Sentimos un deseo intenso de regresar a como empezamos, en una burbuja auto impuesta donde no pensábamos sobre las listas, las políticas de los sellos ni cuánto cuesta una campaña de radio. Veíamos la grabación de esta canción de forma muy orgánica, simplemente haciendo lo que se sentía bien musicalmente".

Mira el video a continuación.

"Everything Must Go" procede a "Real Life", sencillo presentado hace unos meses por Kongos, y ambos pertenecerán al álbum 1929 el cual saldrá antes de terminar el año.