Nuevo video de Sharon Van Etten

Foto: Ryan Pfluger

Sharon Van Etten lanza junto al artista Jonathan William Turner el clip de "Comeback Kid".

A principios de este mes, la cantante y compositora estadounidense hizo su esperado regreso con un nuevo tema y el anuncio de Remind Me Tomorrow, su nuevo álbum de estudio y primer material original en casi cinco años. Hoy, Sharon tiene una nueva sorpresa para sus fans, su primer video.

El video es, por supuesto, para "Comeback Kid", su primer sencillo y hasta ahora único adelanto de su nuevo disco. La canción cuenta con fuertes percusiones y una gran cantidad de sintetizadores, donde Sharon Van Etten habla sobre seguir siendo lo que eras y pelear para no perder tu esencia.

El metraje fue dirigido por el neoyorquino Jonathan William Turner, quien se dedica a crear obras audiovisuales para exposiciones, pero que ahora incursiona como director de videos musicales. Desde un principio se puede notar el estética del artista, pero también una imagen diferente de Van Etten, mucho más agresiva y menos estilizada.

Remind Me Tomorrow, el nuevo disco de Sharon Van Etten, saldrá a la venta el próximo 18 de enero a través del sello discográfico Jagjaguwar. Este ya es para muchos uno de los lanzamientos más esperados del 2019.

Puedes ver el video de "Comeback Kid" justo aquí:

Foster The People en el Pepsi Center WTC

Fotos Michel Trevilla

Un viaje de luces y armonías a través de la trayectoria.

Una velada que inició con mal augurio; un retraso en la entrada, una lluvia que detuvo la ciudad, un recinto sin paquetería y gente que no perdía las ganas de ver a Foster The People salir al escenario. Así se describe el último lunes del mes de octubre.

Dieron las 21:00 H. en punto y Los Mesoneros, banda telonera, salió al escenario con un Pepsi Center WTC todavía medio vacío, rompiendo cualquier bostezo o aburrimiento con “Algo bueno”, “Luna”, “Un segundo”, “Dime como tú quieras” y “Te lo advertí”, canciones que levantaron los ánimos de casi todos los presentes.

Media hora después, el set telonero había dado por terminado y la gente ya esperaba el plato principal, la razón para desvelarse en el primer día de la semana, y para aquellos formados desde muy temprano en la mañana, a su banda favorita. 21:35, 21:40, 21:47… el ansia comenzaba a saborearse en el lugar con un poco de música clásica de fondo, y a las 22:01 ya podíamos ver las siluetas de Mark Pontius, Sean Cimino, Isom Innis, Tyler Halford, Phil Danyew, y el aclamado Mark Foster.

Con un potente sonido, se escucharon los primeros acordes de “Coming of Age”, coreada de principio a fin y seguida por “Don't Stop” y “Lotus Eater”, se encargaron de dejar un mood listo para el resto de la noche, mientras que “Pseudologia Fantastica” nos llevó en un viaje de perfecta iluminación multicolor, con una textura casi de algodón de azúcar, que incitaba a querer probar el escenario.

El arte de organizar un buen setlist siempre ha sido motivo de admiración, y cuando hay variedad de ritmos, sonidos y conceptos, se aprecia un cambio de vibra en un concierto. Con siete canciones de Torches, cuatro de Supermodel, y cinco del álbum más reciente, Sacred Hearts Club, cada fan de cada disco, fue complacido.

Una sorpresa en la lista de canciones preparadas fue “Love”, incluida únicamente en la versión de Best Buy del primer álbum de la banda. Aunque uno de los momentos cruciales de la noche fue un outro de “Are You What You Want To Be?” hacia “Houdini”, una de las características de Foster The People en vivo es que disfrutan hacer nuevos arreglos y armonizaciones sumamente agradables al oído y hasta cierto punto pueden llegar a ser tiernas.

Pero la conexión que hubo entre “Houdini” y “Call It What You Want” fue una de las más explosivas de la velada, la gente sabía qué esperar de estas canciones en vivo y tanto el público como la banda dieron todo de sí mismos para hacer de estas dos canciones algo casi perfecto.

Se acaba el tiempo y solo quedaba espacio para algunas canciones más, pero siempre hay chance para un pequeño cover, y así sonó en el recinto “Bigmouth Strikes Again”, de The Smiths, dándole un toque ‘acústico’ a este enérgico concierto. “Helena Beat” y la asegurada “Pumped Up Kicks” nos llevaron al encore con “Loyal Like Sid & Nancy” para después terminar la noche con “Sit Next To Me”.

Antes de la última canción, Mark Foster leyó unas palabras que tradujo al español. “En estos tiempos, continuaremos luchando por lo que es correcto, seguiremos apoyando a la clase obrera, y continuaremos haciendo nuestro mejor esfuerzo. Todos somos familia, todos somos hermanos y hermanas para Dios”. Después de cada canción coreada, cada grito, salto, baile y aplauso, la gente salió del lugar, algunos se acercaron a la mercancía, otros corrieron al metrobús, y otros más esperaron un taxi, y cada una de esas personas se llevó el gran sabor de boca que Foster The People siempre deja tras un buen concierto en la Ciudad de México.

Snow Patrol en El Plaza Condesa

Fotos Diego Figueroa

Cautivador y emotivo, así se vivió el primer concierto acústico de Snow Patrol.

¿Puede un mago olvidar cómo realizar sus mejores trucos?, ¿podrá un payaso, olvidar cómo hacer reír a su público?, o peor aún, ¿puede acaso un músico olvidar cómo componer canciones? Tal parece que sí. Así lo confirmó Gary Lightbody quien, tras siete años de ausencia en los estudios compartió Wildness, séptimo álbum de Snow Patrol; dando como resultado el ansiado regreso de la banda a nuestro país para ofrecer su primer show acústico de forma íntegra y el único con este formato dentro de la presente gira.

El reloj marcaba las 21 H., las luces se desvanecían y Gary Lightbody, Johnny McDaid y Nathan Connolly, tomaban el escenario de El Plaza Condesa para hacer sonar los primeros acordes de “Chocolate”. Tras su interpretación, la banda aprovechó para recordar su paso por México en 2011, abriendo los tres shows que U2 ofreció en el Estadio Azteca.

El primer hit de la noche llegó bastante pronto con “Open Your Eyes”. Al tema le siguieron cortes como “This Isn't Everything You Are”, “Set The Fire To The Third Bar” y “Crack The Shutters”.

Tras aquel primer bonche musical, Gary tomaba el control de los micrófonos para disculparse por la larga espera. “Hemos estado lejos siete años, sentimos haber tardado tanto en sacar otro álbum. Me tomó mucho tiempo volver a escribir una canción, había olvidado como hacerlo y me costaba mucho trabajo; es por eso que tardamos en sacar el disco. Esta es la primer canción que escribí entre 2012 y 2014”, mencionó el vocalista antes de ejecutar el primer sencillo de su nueva placa, “Don't Give In”.

Los momentos especiales continuaron haciéndose presentes y llegó el turno de escuchar “Spitting Game”, haciendo su debut en el setlist de la gira y siendo la primera vez que interpretaban el tema en acústico. A este le siguió “Empress” y tras un pequeño falló, el vocalista no dudo en bromear con los asistentes. “Soy demasiado viejo para olvidar las letras de mis propias canciones”, mencionó Gary antes de dejarnos escuchar los primeros acordes de “Run” y provocar que la audiencia que reposaba en las sillas que ocupaban la pista de El Plaza Condesa, se pusiera de pie por primera vez en la noche.

Tras aquel momento, Gary se quedó solo en el escenario para regalarnos una íntima versión de “Take Back The City”. Una vez finalizada, el resto de la banda regresó a la tarima para interpretar “Dark Roman Wine”, a la que se refirió como “la canción favorita que he escrito”. Fue después de este punto cuando uno de los asistentes se puso de pie para pedir que interpretaran un tema en memoria de un amigo, fallecido meses atrás. La banda complació y comenzamos a escuchar “Heal Me”, uno de los cortes más emotivos dentro de su placa.

La velada continuó al ritmo de “Shut Your Eyes” y “Make This Go On Forever”, antes de que la atmósfera que invadía al recinto alcanzara su punto más romántico con “Chasing Cars” y “You're All I Have”; llegando así, el primer y único encore de la noche.

Como respuesta ante los gritos de la gente, sedienta de más música, la banda regresó al escenario para regalar otro par de cortes. “What If This Is All The Love You Ever Get?” fue ejecutada antes de pedirle al público que se pusieran de pie para despedirse al ritmo de “Just Say Yes”.

Fue así como el músico que se creía perdido, recordó cómo hacer canciones. Decidió tomar su guitarra, componer y salir por el mundo, con ganas de compartir sus nuevas creaciones.

Rosalía presenta "Di Mi Nombre (Cap.8: Éxtasis)"

La cantante española está a unos días de lanzar El Mal Querer y nos da otro adelanto de su segunda placa.

La cantante Rosalía ha estado dando de qué hablar en últimas fechas debido a su próximo álbum titulado El Mal Querer. Para promocionarlo ha dado a conocer el tema "Di Mi Nombre (Cap.8: Éxtasis)", track que se caracteriza por su sonido flamenco mezclado con un bajo y que está inspirado en las melodías tradicionales de La Repompa de Málaga, una notable cantante gitana de Andalucía del siglo pasado.

Para esta canción trabajó con Las Negris, Los Mellis, Laura Boschetti y El Guincho. Además, se dio a conocer el visual de este tema, el cual estuvo a cargo de Henry Scholfield, miembro de la productora Caviar con sede en Los Ángeles, Londres, Bruselas, París y Madrid.

En el audiovisual podemos ver a Rosalía representando a La Maja Desnuda de Francisco de Goya mientras recorre una habitación. La grabación nos da la impresión que se llevó a cabo en un plano secuencia en el que aparecen bailarinas realizando la danza flamenca y la española realizando movimientos que denotan liberación.

¡Dale play!

El Mal Querer estará disponible a partir de este viernes y de la esperada placa se han presentado dos sencillos "Malamente" y "Pienso en tu Mira".

Conoce más de Rosalía aquí y síguela en sus redes sociales:
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The Smashing Pumpkins reeditará 'Machina' y 'Machina II'

Se confirma el relanzamiento a través de las redes sociales de algunos discos de The Smashing Pumpkins.

El quinto y sexto álbum de estudio de la banda están cerca de cumplir los 20 años, y ya se están iniciando las celebraciones, pues se ha revelado el primer teaser de la edición de aniversario. Debemos recordar que el líder del grupo, Billy Corgan, comentó el mes pasado que tenía planeado reeditar más del material de The Smashing Pumpkins.

Los discos que la agrupación piensa relanzar son Machina / The Machines Of God Machina II / The Friends & Enemies Of Modern Music, ambos publicados en el año 2000: el primero publicado a finales febrero y el segundo llegó de manera gratuita a principios de septiembre.

La primera vez que estos discos de The Smashing Pumpkins fueron considerados para una reedición en CD y vinilo fue en 2015, pero no se logró. Sin embargo, Billy Corgan nunca soltó la idea, y cuando se le preguntó sobre si se lanzaría otro box set, él respondió que Machina Boxset era el siguiente y que se lanzaría en un álbum doble, como se había planeado originalmente.

Es bien sabido que por las bajas ventas de Adore,el sello Virgin Records se negó a publicar la segunda parte de Machina, razón por la que Billy repartió 25 vinilos entre sus conocidos y les dio permiso de compartirlo de manera gratuita en internet.

Puedes el teaser justo aquí:

Roger Waters estrena 'The Soldier's Tale'

Conoce todos los detalles acerca del nuevo lanzamiento de Roger Waters.

A lo largo de su trayectoria, Roger Waters se ha caracterizado por ser un artista versátil, cuyas áreas de expresión van más allá de la música. Meses atrás compartió un poema palestino a través de una canción y ahora llega con un nuevo álbum, aunque no se trata de un lanzamiento tradicional, sino de una versión musicalizada de The Soldier's Tale, obra teatral del reconocido compositor y director de orquesta, Stravinski.

The Soldier's Tale está compuesto por 46 cortes que relatan la historia de origen ruso, en el que un soldado intercambia su alma por la capacidad de predecir el futuro. En esta nueva entrega, Roger Waters toma el papel de narrador para dar vida a los personajes de la obra, interpretando a un soldado, una princesa, un demonio y un rey.

“Estoy muy orgulloso y me siento muy honrado de haber tenido la oportunidad de ser parte de una producción, de lo que considero es no solo una gran pieza de Stravinski, sino una pieza de grabación increíblemente hermosa”, comentó el músico a través de un adelanto que muestra parte del proceso de grabación.

Observa un extracto de dicho proceso, a través del corte promocional de The Soldier's Tale.

The Soldier's Tale ya se encuentra disponible y puedes escucharlo a través de las distintas plataformas digitales, así como una presentación en CD.

Roger Waters_The Soldier's Tale

Ramona — Párpados

Párpados: En la frontera de la élite psicodélica.

Atravesando el centro del país y llegando hasta el último rincón del sureste mexicano, los chicos de Ramona han sabido cosechar su popularidad y lograr ser una de las bandas con mayor reconocimiento en la escena psicodélica mexicana. Cérès fue el álbum responsable de su expansión y reconocimiento casi unánime, por lo tanto, hubo que afianzar todo lo conseguido y aprovechar el empuje que consiguieron para escribir rápidamente la siguiente página de su historia, la cual lleva el nombre de Párpados.

Es curioso observar las tendencias del grupo cuando relacionamos sus canciones más famosas con las mejores que tienen y la dirección que ahora están tomando: "Tristes Ojos", proveniente de su debut del 2015 (La segunda luz del día) tiene el mayor conteo de reproducciones en plataformas, y así lo intentaron en su trabajo pasado emulando con seguridad esas baladas de estilo Enjambre o Comisario Pantera (o un largo etcétera) con otros cortes cuales "Ojitos soñados" o "Perdóname". No obstante, también lograron canciones donde de verdad explotaron su vena psicodélica que les abrió una brecha para encontrar su identidad y donde cada sintetizador lo volvieron hipnótico junto a efectos de guitarra capaces de ahogar al escucha; todo esto, sucedió en Cérès, donde en un estado primario de este sonido se encontraban piezas como "Ávès" y en regocijo total con "Colores", canción que de haberla hecho alguna banda como Tame Impala se hablaría de una maravilla. En el caso de Párpados, se apuesta más por la sustancia que por la cantidad, reduciéndonos a ocho tracks, pero donde se concentran los mejores elementos de su placa anterior.

Aquí tenemos un compilado más libre, desatado, aventurado, con mejor desarrollo y ejecución, todo se nota desde que abren sin temor con una canción de 7 minutos, hablando de intenciones amorosas sobre un filtro alucinógeno, el estilo de su vocalista, Jesús López, por fin se atreve a variar añadiendo un tono romántico que pesa más cuando se aplica a jams instrumentales volviéndose un auténtico laberinto de coloración y acidez, aterrizados únicamente por sus cantos terrenales que devuelven algo de normalidad al final.

Las influencias del grupo son fáciles de identificar; tenemos por ejemplo las guitarras estériles y cacofónicas de UMO en "Miles y millones" o la mencionada "Párpados", también la implosión de teclados y synths que distinguen a Lonerism de Tame Impala en "Ojo del bosque", pero en general encontramos un equilibrio entre producción y arreglos, donde no es difícil entonar melodías claras a pesar de la condensación sonora, algo como sucedía en el debut de Temples. Aquí la gran diferencia es que a Ramona no le fue difícil desarrollar sus bases, reforzando y adaptando una fórmula que ellos sí pudieron controlar para dar luz a "Es difícil volar" y "Fuego", al final, llevando todo al extremo más brusco en "Esmeralda" que, con su robustez y avance portentoso se distingue por tener un mood más estresado.

"Gaia" e "Íris" fungen como interludios instrumentales necesarios en este viaje porque delatan la devoción de Ramona por los momentos más sutiles, melodiosos, cargados, multicolor, rápidos, turbios o airados. Avanzan a ellos de manera natural, sin forzarlos y por sí mismas se descubren como dos caras de una moneda: siendo la primera un viaje de sintetizadores siderales y la segunda un punto de reposo entre guitarras relajadas y coros al fondo. Y así como podríamos tachar a ambas por ser relleno, también podemos usarlas para aplaudir la habilidad de sus creadores, porque el álbum es sutilmente un arma de doble filo; podríamos rechazarlo por ser muy corto o aplaudirlo porque tiene mayor peso y efectividad, porque nos expone a una banda que supo aprovechar su experiencia, mezclar esos aprendizajes tanto propios como ajenos con su habilidad y talento para hacer un tracklist corto pero duradero en sensaciones, uno que reafirma y fortalece las virtudes de Cérès y que los establece como un referente en la escena psicodélica mexicana.

John Carpenter, Cody Carpenter y Daniel Davies — Halloween (OST)

El siniestro score que te hará tener pesadillas despierto.

Si la imagen del asesino serial Michael Myers es imponente por el vacío de los agujeros negros que lleva por ojos y que contrasta con lo blanco del rostro, la música que acompaña su andar –cuchillo en mano– le da el aura del que habla su psiquiatra el Dr. Loomis Cuando lo describe por primera vez: él es “pura maldad”. Por eso no lo pueden matar. Estamos ante la personificación del odio, el dolor y lo destructivo de la humanidad. El score creado por el también director de la primera entrega, John Carpenter es una herramienta más de terror del que se sirve “el hombre calabaza”.

Para la nueva entrega del universo cinematográfico de Halloween, John Carpenter, su hijo Cody y el compositor Daniel Davies cocinaron un soundtrack más aterrador que los previos entregados por el propio Carpenter padre. Además del clásico tono del synth que asusta a cualquiera sin importar que haya visto o no la cinta y al que le han hecho las respectivas variaciones como percusiones más marcadas, texturas escalofriantes sobre gélidas notas de piano o un beat acelerado, los tres músicos le dan al resto de la música cuerpo y una vibra desesperanzadora.

En “Michael Kills Again” unos riffs estruendosos rompen una puerta que deja escapar un ansioso tic-tic-tic-tic cuando Myers toma forma de nuevo en la cinta. Cuchillo brillante atravesando cuellos. El resto del track es amenazante hasta las notas cuasi tristes con las que finaliza el tema, los compositores no solo quieren darle más armas al asesino, sino que quieren acabar con cualquier grado de esperanza que pueda existir sobre los personajes de la historia. Cuando Trent Reznor y Atticus Ross reinterpretaron el tema de la cinta en 2017 lo dotaron de sus característicos sonidos fríos, pero aquí las notas de piano son puestas sobre el ocaso de la tarde y con ello, la amenaza de la noche. Señal de advertencia.

Y si ya hemos dicho que a él no se le puede matar entonces hay que esperar su resurgimiento y su paso lento pero constante, “The Shape Kills” y “Laurie Sees The Shape” conducen a este hombre no-humano sobre bajos, beats y unos escalofriantes pero al mismo tiempo maravillosos synths que se clavan como cuchillos en los oídos o palpitantes latidos de alguien que huye y golpea fuertemente para que abran la puerta. La composición de la tríada alcanza momentos increíbles: reiteración usada al mínimo, prolongación ante clímax y elemento sorpresa que estremece.

A John Carpenter se le conoce como el maestro del terror por su mano ante la cámara en cintas como Christine, The Thing y Halloween, también por crear beats espeluznantes sobre la electrónica, pero, y especialmente, por comprender la sensación del miedo y explotarla a través de sus técnicas como la ausencia de un rostro, porque es más aterrador si no vemos quién está detrás de la máscara. El suspenso jamás termina. Así que por seguridad cierren las puertas y guarden los cuchillos durante esta noche de brujas.

Entrevista con Peter Bjorn and John

Bailando en la oscuridad.

Se ha dicho comúnmente por viajeros, residentes y eruditos culturales que Suecia es una tierra mágica, de matices y colores más cambiantes que las propias estaciones. Después de todo, es el país que nos dio a Alfred Nobel, Ingmar Bergman y ABBA. Como buen sueco, Peter Morén siente la corriente oscura debajo de la dulzura que a veces se percibe en sus alrededores y la intenta campechanear con sonidos e instrumentos jubilosos. Su octavo disco de estudio, Darker Days, es un reflejo de lo tierno, lo sombrío y todo lo que hay de por medio plasmado con canciones de indie pop alegre y arriesgado. ¿Qué representa esto en este punto de su carrera? Morén nos comparte su perspectiva.

“Acabamos de realizar algunos shows por todo Estocolmo y se está percibiendo una atmósfera incierta”, relató Morén, en entrevista telefónica desde su tierra natal. “Esto también lo notamos cuando terminamos Breakin’ Point, nuestro disco anterior. Así como en los inviernos suecos, en donde luego no sale el sol, la gente anda aún más apagada –quizás por el contexto sociopolítico en el que vivimos–. Quisimos plasmar eso esta vez, no solo con temas profundos que se consumen día a día en las noticias, sino cosas como crisis de mediana edad y qué es lo que le vamos a dejar a nuestros hijos”.

Morén, al igual que Bjorn Yttling y John Eriksson, sus compañeros de banda, es padre de familia, y reconoce el impacto e influencia que ha tenido en su música y presentaciones en vivo, ya sea de forma consciente o inconsciente.

“Ahora hacemos tours menos largos y más llevaderos. En la gira de Breakin’ Point, por ejemplo, trajimos a todas nuestras familias de viaje. Eso incluso nos motiva a hacer música no solo por el factor de sustentar a alguien, sino que nos llena creativamente y hace que todo haga más sentido. Además, ese aspecto deja de alimentar tu ego y hace que cada canción o concierto sepas que lo estás haciendo por alguien más. Esa parte y la edad mediana, todo ha sido muy inspiracional [risas]”, comentó.

Peter Bjorn and John se formó en 1999, después de que Morén e Yttling se juntaran para emular música reminiscente al rock barroco de la década de los 60. Después de la ruptura de su banda anterior, conocieron a Eriksson en Estocolmo y formaron el trío que hasta hoy, casi 20 años después de su gestación, sigue intacto. Esa influencia retro ha permanecido durante todo su devenir musical, especialmente en ese himno indie llamado “Young Folks”, por la cual Morén reconoce serán recordados primordialmente. Pero eso no los detiene al seguir buscando una alquimia musical que viene desde otros lados.

“Para nuestro sonido siempre hemos pensado en la música de otros, como algún grupo de afrobeat o garage rock. En Darker Days, intentamos no escuchar demasiada música ajena y quisimos hacernos referencia propia. Creamos lo que se sintió natural y hasta regresamos un poco en el tiempo a nuestras viejas canciones. Al final, todo salió muy diverso, tanto en temática como en composición. Hay canciones que se van desde la añoranza, como ‘One for the Team’, hasta la incertidumbre, como en ‘Gut Feeling’. Estos temas se pueden aplicar a cualquier cosa, llámese lo que esté pasando en el mundo como en las relaciones o el existencialismo. Solo nos fuimos con la corriente esta vez”, afirmó.

A pesar del lúgubre título, Morén afirma que aún hay luz al final del túnel, y después de estar casi 20 años juntos como banda, el optimismo puede parecer algo impensable para cualquier banda, pero no para Peter Bjorn and John.

“Nuestra dinámica cambia todo el tiempo. Ése es el problema con las relaciones largas y a veces luchamos con eso. Supongo que cuando haces música por mucho tiempo con alguien entras a una zona de confort y cuando entras al estudio e improvisas con alguien ajeno, te sientes revitalizado, pero a veces no puedes llevarte bien con una persona nueva en tu vida así como así. En nuestro caso hablamos entre nosotros un poco más y nos abrimos con nuestros problemas antes de que exploten. Y con tanto tiempo no nos hemos convertido en mejores amigos ni nada de eso. Somos hermanos. Y ese factor es tanto nuestra fortaleza como nuestra debilidad,” dijo con afecto.

'Different Class' de Pulp cumple 23 años

Different Class – Same Generation.

30 de octubre de 1995, la banda originaria de Sheffield, Pulp publicó uno de los discos más icónicos del britpop. Con Different Class, el quinteto estableció un duro estatement sobre la juventud y su confrontación con los problemas sociales, económicos y, principalmente, políticos que acontecían en el Reino Unido después de la era de Margaret Thatcher.

Comprender el contexto de la sociedad inglesa de los noventa no es sencillo, pues todo inicia con el descubrimiento de un mundo adverso donde el ser joven en automático te colocaba en una posición de desventaja, fueses o no fueses burgués, pues el punto para el nuevo gobierno conservador, lo importante era mantener el cada vez más débil control sobre las clases obreras y burguesas.

La música no quedó exenta del momento político y se convirtió en un brazo cultural del gobierno, pues ofrecía una salida fácil a la realidad por medio de la popularización de los raves y música dedicada al enaltecimiento del yo por encima de la sociedad y sus problemas. Los tories ingleses buscan crear una cultura juvenil que no denuncie su contexto social para obtener un control implícito sobre las nuevas generaciones.

El britpop surge como discurso musical simultáneo en diferentes regiones inglesas en donde se conectan regiones industriales, universitarias y burguesas que descubren ante sí la posibilidad de crear un sonido que represente el deseo por un cambio sustancial en el trato a la juventud. El foco de atención de la música se mueve de 1992 a1995 del yo, a la relación de ese yo con la sociedad. El verdadero trasfondo de este movimiento es la preocupación por la realidad que se observa en sus regiones y en el país.

Blur, Suede, Pulp y Oasis, cada uno desde sus contextos particulares pero inmersos dentro de la misma época, re-conceptualizan el ser joven en Inglaterra y lo confrontan con un gobierno que prefiere tener a una sociedad ensimismada que no observe la decadencia que se arrastraba desde la época de Thatcher.

Inglaterra, y en general el mundo anglosajón, tiene la particularidad de crear comunidades y ciudades que se dediquen a una sola actividad industrial, lo cual resultaba práctico en la post-guerra y hasta la mitad de los años 70. Posteriormente la crisis económica provoca que estas ciudades y sus núcleos sociales entraran en una recesión económica.

La política Thatcherista buscó desestabilizar a la clase obrera y clase media para centralizar el poder al destruir cada una de las instituciones que se regían desde la “sociedad civil”.

Different Class es el resultado de la lucha por la juventud. Se considera el disco del britpop porque representa desde diferentes ángulos sociales el descontento con la realidad que se le ofrecía a los jóvenes. Sheffield concentra dos polos sociales importantes, el universitario y el industrial; Jarvis Cocker creció durante la depresión inglesa que provocó el hundimiento de la industria de la ciudad y el surgimiento de una clase universitaria que no aspiraba a un futuro, pues se lo había arrebatado el conservadurismo.

Si bien Pulp inició como banda en los early 80, el éxito fue local y no llegó al ente cultural que es Londres. Existen momentos donde la banda intentó consolidar una identidad propia que rompía con el prototipo de las grandes bandas como Stone Roses, pero sin mucho éxito. Así, la banda se mantuvo en segunda línea hasta el lanzamiento de 1995.

¿Cómo unir a una juventud que a lo largo de Inglaterra pertenecían a realidades diferentes a pesar de tener un mismo contexto histórico? Esa fue la pregunta que Pulp responde en 52 minutos.

Se crea una narrativa donde el colocar a personajes sin rostros, provocaba que todos pudiesen sentirse identificados con esos momentos.

A diferencia del Parklife de Blur o el (What’s the Story) Morning Glory? de Oasis que responden a realidades parciales de la juventud inglesa; Pulp desarrolla un discurso que atañe a problemáticas generales pero que se adaptan a casos particulares de los jóvenes.

La creación musical no solo es cuestión de inspiración por crear una lógica en el sonido de la banda. Todo discurso musical es un discurso político. Pulp al querer romper con el gobierno y su visión de la juventud, desarrolló una propuesta que nos demuestra que cuando los jóvenes se unen pueden re-construir el modelo social para mejorar la realidad y el futuro. El britpop es muestra de que un entorno negativo puede consolidarse como una oportunidad para trascender y provocar un cambio social.

Un género musical o sub-género tiene un inicio y un fin, pues está relacionado con las condiciones de posibilidad de la época en la cual surge. Así como no se tienen dos momentos históricos iguales, no se tienen dos movimientos musicales iguales, pues la época sienta las bases para el desarrollo de una episteme que se relaciona con todas las creaciones humanas.

Hace 23 años el britpop se colocó en su clímax para demostrar que el poder político se puede desestabilizar con el arte. Con Different Class, Pulp consolidó la nueva visión de la juventud; una visión que los establece como factores de cambio, como ciudadanos que buscan ser combativos ante la injusticia social, política y económica. Logrando, así, sepultar el intento del conservadurismo por ensimismar a la población y mantenerla alejada del debate sobre las políticas públicas que los atañen.

La lucha de clases también ocurre dentro de lo musical. Retomemos a Pulp y digamos: “I Want to Live with Common People Like You...”.