Preparan libro de Glastonbury

Posted on octubre 15, 2018 by -

50 años de celebración musical en el nuevo libro de Glastonbury.

La década de los setenta es recordada por ver nacer a grandes estrellas. Entre sus aportes musicales también destacan la aparición de eventos como el festival Glastonbury, cuya primera edición está muy cerca de conmemorar 50 años.

Como parte de la celebración, su fundador, Michael Eavis, en conjunto con su hija y actual coorganizadora, Emily Eavis, anunciaron el lanzamiento de un libro conmemorativo que relata las primeras décadas de vida del festival británico, fundado en 1970.

El nuevo material llevará el título de Glastonbury: 50 y contendrá textos colaborativos de Jay-Z, Dolly Parton, Chris Martin, Noel Gallagher y demás artistas que a lo largo de estos años, han desfilado por el distinguido festival británico.

"Realmente hay tantas imágenes y recuerdos que cuentan la increíble historia de las cinco décadas del festival aquí en Worthy Farm, y nos sentimos honrados de que tantas personas brillantes nos hayan ayudado a recopilar las más icónicas para este libro".

Glastonbury: 50 estará disponible a partir del próximo 19 de octubre en una edición de tapa dura, publicada por la editorial inglesa, Trapeze. A través de este estreno podremos disfrutar de material exclusivo, así como fotografías y textos de los músicos anteriormente mencionados.

Café Tacvba llega a Tiny Desk

Posted on octubre 15, 2018 by -

La banda mexicana Café Tacvba enamoró con cuatro canciones a la radio pública estadounidense.

Este viernes 12 de octubre, fue liberada la sesión que la agrupación mexicana Café Tacvba realizó para Tiny Desk de NPR, en la cual los originarios de Ciudad Satélite hacen un recorrido a lo largo de sus casi 30 años de trayectoria musical, con cuatro sencillas pero poderosas canciones.

Inician con "Olita de altamar", canción que se desprende de El objeto antes llamado disco, álbum que fue lanzado en 2012; es un sencillo relajado que habla acerca del tiempo, de las desventuras y aventuras, de la vida usando al mar como metáfora, perfecto para comenzar a prender los ánimos de los asistentes y escuchas.

La segunda canción con la que poquito a poquito subieron la intensidad del pequeño acústico, fue "Diente de León", lanzada el año pasado en Jei Beibi, en la que se destaca la letra, pues parece un manifiesto por el ambiente y la armonía de los seres humanos, guiado por la metáfora de una flor silvestre que puede florecer en casi cualquier lugar.

El acústico explotó cuando Café Tacvba tocó el clásico extraído de Re lanzado en 1994, obviamente nos referimos a "Las flores", canción que no puede faltar en ninguna de sus presentaciones, sin importar lo grandes o pequeñas que estas sean. La emoción se sintió a flor de piel, y esto lo dejo claro el vocalista Rubén Ortega cuando comenzó a bailar aunque un poco limitado por el espacio.

Sin embargo el ritmo energético de la canción anterior, se desvaneció cuando la agrupación entonó la melancólica "Que no", una de las favoritas del público, extraída de Jei Beibi. Esta canción narra la historia de una persona que le ha dado todo a otra que no lo ha correspondido igual, se volvió consciente de ello y decidió seguir su vida alejándose. Fue esta la elegida para cerrar el pequeño concierto acústico, y con la cual sin duda te dejan deseando un poco más.

Tiny Desk Concerts, es una plataforma que logra organizar conciertos cortos, con las bandas más populares alrededor del mundo, además de la peculiaridad de que las presentaciones se llevan acabo en un lugar pequeño e intimo que simula la redacción de contenidos de NPR (la red de radios públicas de los Estados Unidos, en Washington).

Sandro Perri — In Another Life

Posted on octubre 15, 2018 by -

Tiempo y paciencia: In Another Life de Sandro Perri.

En un mundo de inmediatez en el que la velocidad parece ser el principal factor para destacar, la paciencia de Sandro Perri es un tesoro. Parecida un poco a la de John Maus hasta en su firme cruzada de explotar los instrumentos al servicio de sus ambiciones, la gentileza de Perri le ha permitido entregar apenas un par de discos en los últimos siete años. Su afán por la espera no es casualidad, pues con cada uno de ellos parece avanzar un poco más en su teoría personal, esa que afirma que la música es tan delicada como la seda.

Tan solo hace falta voltear un poco atrás para poder notarlo. Sus últimos dos discos a la distancia se sienten como una escala gradual de este experimento. Mientras Tiny Mirrors es tan divertido como sensual, Impossible Spaces es todo seriedad y sobriedad. Su nuevo disco, el espiritual In Another Life, es el siguiente paso lógico: una exploración metafísica de su música y una transferencia de paciencia al escucha que no tiene tiempo de escuchar.

El disco contrasta desde su primera lectura superficial. En papel son cuatro canciones, pero la duración en tiempo es similar a cualquier otro disco de larga duración promedio. Su secreto está en la distribución. Perri no titubea en demostrar sus armas y en la titular “In Another Life” crea un universo en el que caben todas sus manías: una precisión para acariciar (porque no se siente que la toque) la guitarra, una perfecta atención a los detalles (los sonidos tan discretos y tan necesarios bien podrían equipararse al acomodo de los encuadres de Jacques Tati y a los recuerdos musicales de Arthur Russell) y una tímida curiosidad por el uso del sintetizador. Son 24 minutos de todo aquello y apenas es la primera canción.

¿El resto? Presentaciones individuales que parecen regresarnos a la tierra luego del viaje anterior y una obra dividida en tres actos. La primera “Everybody’s Paris, Part. I” (cantada por el mismo Perri) es una demostración de inocencia y amor, una pieza guiada por gentiles notas de piano y una voz de terciopelo. Una canción que recuerda a la prosa hablada de Leonard Cohen, si Cohen hubiera optado por un camino paralelo menos derrotista.

La segunda “Everybody’s Paris, Part. II” la canta Andre Ethier de Deadly Snakes y todo se torna en un destello de luz como los que Victoria Bergsman dibujó alguna vez en “East Of Eden”, percusiones tropicales que acompañan una nostalgia omnipresente. La tercera y última tiene a Dan Bejar de Destroyer y New Pornographers con lo que mejor sabe hacer sobre una melodía que combina perfecto con la letra, una sincronía de imperfecciones lógicas y de versos que oscilan entre el romanticismo y la incoherencia.

Parece difícil de creer que un disco con tan poco pueda provocar tantas cosas. Después de ejercicios épicos como Agricultura Livre de Emilio José o Have One On Me de Joanna Newsom que exigen atención (muy bien recompensada) a través de su longitud, encontrar algo tan modesto, tan compacto y a la vez tan inmerso en su propia densidad como In Another Life es algo digno de atesorar. La percepción del tiempo se pierde y la paciencia se convierte en el mejor regalo que tenemos.

Marduk en el Foro Indie Rocks!

Posted on octubre 15, 2018 by -

Fotos Cortesía EYESCREAM // Guacamole Project

En la blasfemia encontramos la salvación.

Domingo de resurrección para la libertad de expresión en un México que aún guarda en sus profundidades el radicalismo ante lo inverosímil, lo extraño, lo que atenta contra las costumbres y el buen ver, como si todas las expresiones musicales debieran sonar y lucir como un títere de La Voz México, y mientras hay un país idiotizado por las apariencias, los productos olvidables y la música que solo se renueva a base de nuevas versiones de viejos clásicos, una larga fila afuera del Foro Indie Rocks! es el manifiesto del otro México, el que en la oscuridad encuentra su guarida, y en la música su catarsis.

“La sangre de Cristo tiene poder” reza una cartulina amarilla sostenida por alguien que nos bendice, pero que también nos señala, por alguien que cree tener su propia verdad, pero que tampoco nos conoce, por alguien que cree que estamos atentando contra sus creencias, pero que también atenta contra nuestros gustos. Entre algunos gritos y mentadas, se escucharon vitores ante un fan que extendió una playera de Marduk junto a la cartulina mencionada. La tranquilidad reinó más no la tensión, pero a diferencia de Monterrey, una pequeña protesta no pudo contra un concierto. Kadath comenzó a gritos la ansiada noche, su vocalista demostró poder y esencia ante el acelerado andar de una caja de ritmos, ambientes orquestales y guitarras acuchillantes. Through Torment demostró que el metal hecho en México que reside en el underground tiene tanta calidad como para sorprendernos, ecos de death metal entre intrincados solos y la vos gutural pero armónica que se llevaron los aplausos con temas como “Incineration”.

Y ante la espera y las cancelaciones anteriores, el panzerkampfwagen hizo su aparición a tambor batiente y listo para disparar y disipar dudas, “Panzer Division Marduk” como explosión en nuestra mente, cual alivio para nuestro espíritu, el comienzo del devaneo de los cuellos inertes y desesperados, los gritos de alivio ante lo que parecía imposible. “Baptism by Fire” para devolvernos la vida ante los bombardeos, y la gente que debió haber estado en misa, tal vez afuera comenzó a disiparse ante la poca fuerza de convocatoria de su protesta, el Foro Indie Rocks! repleto recibía la bendición maldita de Marduk.

“Werwolf” para invocar las alertas anti aéreas de Viktoria, el depurado black metal que emanaban perfectamente los amplificadores, la calma y la tormenta, los que solo observan y los que giran su cabeza trepidantemente e incluso su cabello araña delicadamente los rostros ajenos que alrededor observan y aprecian. “Es una bendición que este tipo de música no sea permitida en nuestra sociedad”, recalcó un pastor evangelista ante la cancelación del show de la banda en Monterrey, del cual Mortuus hizo mención, y entre silbidos y mentadas a la ciudad referida por parte del púbico, la Ciudad de México demostró civilidad y apertura, estábamos disfrutando una gran noche de música sin daño alguno.

“Throne of Rats” en honor a las bestias que en verdad cometen atrocidades, que escudados en los colores de su partido condenan y censuran música y eventos pero que son ciegos, sordos y mudos ante las verdaderas tragedias que provocan la autorización corrupta de una construcción que colapsa en la misma ciudad que evitó que la moral y las buenas costumbres fueran mancilladas por un concierto. “The Blond Beast” como la marcha ante nuestra calma y la catarsis de escuchar los acordes acelerados, la batería cual golpe batiente de artillería, la voz gutural y calmante, porque en la música encontramos el remedio perfecto ante lo que nos depara, la rutina que nos devora, los pagos que nos aquejan, las entregas y sus pesados deadlines.

“Into Utter Madness”, nuestra propia locura interior que se disipa ante la masacre sonora, la manada de lobos suecos mostró sus colmillos desde el primer hasta el último acorde, y el público respondió coreando su nombre, hasta incluso, en el clásico coro futbolero. Puños al aire y victoria in extremo por una noche que pudo no ser, pero que sin embargo salió avante ante la hipocresía de aquellos que creen saberlo todo. Al final todos volvemos a casa rendidos e ilesos, ni una gota de sangre como tanta que se ha derramado en nombre de aquel dios que dice amarnos, ni una agresión ante la provocación, nada de maldad después de que Marduk atentó contra nuestras buenas costumbres.

Le Butcherettes estrena video de "strong/ENOUGH"

Posted on octubre 15, 2018 by -

"strong/ENOUGH", nuevo single, de Le Butcherettes es un grito para salir de una relación abusiva.

Le Butcherettes llega con una nueva canción que podría convertirse en el himno contra las relaciones llenas de abuso, pues no solo se habla acerca de la toxicidad que puede existir en una pareja, sino también del valor que se requiere para, en primer lugar darte cuenta y aceptarlo, y en segundo lugar para seguir adelante, el sencillo se llama "strong/ENOUGH".

El video fue grabado en las calles de Los Ángeles y muestra a la vocalista Teresa Suárez Coscío (Teri Gender Bender) caminando, retratando un día común después de dejar a su pareja, con un disfraz de corazón amorfo; otra de las locaciones es la famosa Box House en Hollywood Hills. "strong/ENOUGH" tuvo una presentación exclusiva en Rolling Stone.

El video, dirigido por Gus Black, está basado en una de las lineas del coro de la canción, "My heart is headed out the door" , y es una manera de mostrar como tras sufrir maltrato, abuso, manipulación, etc., las personas pueden empoderarse en contra de todo esto y seguir su vida, con valor y dignidad, amándose a sí mismos. "Cuenta la historia de un corazón solitario y deformado, que empaca sus maletas y sale a buscar una nueva vida a pesar de los obstáculos que tiene que enfrentar. No tenemos que ser excesivamente fuerte, simplemente hay que seguir caminando”, dice Teri Gender Bender.

"strong/ENOUGH" es le tercer sencillo del nuevo álbum, el cual estará disponible al público en febrero de 2019, es la cuarta producción discográfica de Le Butcherettes, pero es el primero que se produce bajo el sello de Rise Records.

Le Butcherettes será la banda que encabece el pequeño tour de Mujeres Sin Fronteras, presentado por Grrrl Independent Ladies, visitará ciudades como Michigan, Ohio, Maryland, Pensilvania, Massachusetts, Nueva York, y culminará en el Festival Catrina.

Alex Anwandter — Latinoamericana

Posted on octubre 15, 2018 by -

Entender de dónde venimos para saber hacia dónde vamos.

Para entender el presente, hay que conocer el pasado. Cuando se trata específicamente de Latinoamérica, una parte fundamental de nuestro contexto es la conquista española. Y esto, quizá no hubiera sido posible sin la participación de la Malinche. Una india que se convirtió en la traductora y acompañante fiel de Hernán Cortés, facilitando la caída del imperio mexica. A partir de eso, su nombre se transformó en el despectivo término “malinchista”, utilizado para referirse a alguien que rechaza lo propio por preferir lo extranjero. Durante décadas, la Malinche ha sido vista como una villana que vendió a la patria, una traidora. Pero como toda historia, siempre hay otro lado de la moneda.

Para tener un entendimiento profundo de las acciones de esta mujer, hay que conocer sus orígenes. Su madre se deshizo de ella y cayó en manos de mercaderes que la vendieron como esclava. Fue ofrecida a Hernán Cortés, junto con otras indias para que lo acompañaran a él y a sus hombres en el trayecto. Una vez que buscaron acercarse a Moctezuma, debido a que el traductor no sabía hablar náhuatl, Malinche se ofreció a ser su intérprete y Hernán Cortés le propuso libertad a cambio de sus servicios. Es a partir de esta alianza, que Malinche se ganó el título de traidora. Sin embargo, hay que entender que en ese momento, los indios también buscaban quitar del poder a quien los estaba oprimiendo. Después de todo, fueron los mercaderes mayas quienes esclavizaron y vendieron a Malinche. Antes de hablar de ella como traidora, habría que entender su pasado como mujer violada, ultrajada y esclavizada. Y entender que más allá de traicionar a su “patria”, en medio de las circunstancias, hizo lo que pudo para sobrevivir.

Con este contexto en mente, Alex Anwandter recrea su propia versión de Malinche. El chileno abre su tercer disco de estudio, Latinoamericana, con una canción que habla de una mujer seductora pero traicionera a la vez, retratada por los demás como “la peor”. De esta manera, Alex profundiza en la historia de nuestro continente y la narra de manera moderna, en donde yuxtapone el pasado con la actualidad. Bajo esta misma premisa, surge la canción que le da nombre al álbum. En “Latinoamericana” , el chileno hace guiños hacia la conquista española y la mezcla de razas, contrastando a ojiazules con negros, y los juicios que esta marcada diferencia genera.

Después de este par de canciones prehispánicas, Anwandter prosigue a decirnos, básicamente, que el mundo se está yendo a la mierda. “Locura” es la canción con la que dio a conocer este nuevo material hace un par de meses. Como lo dijo en entrevista para Indie Rocks!, es una respuesta a lo difícil que es relacionarse con todo lo que sucede en el mundo, ya que lidiar con el estrés, la exigencia de los sistemas ideológicos y ponerse en los zapatos de las minorías, eventualmente te puede llevar a la locura. Además, el chileno canta con pronombre femenino como un desafío hacia la intolerancia de la expresión sexual.

No es sorpresa que Alex Anwandter utilice su plataforma como artista para expresar un descontento con el mundo, y Latinoamericana no es la excepción. En cada canción del álbum canta sobre un tema distinto: la sexualidad, el racismo, los sistemas ideológicos, la locura… hasta la declaración literal de que odia a todo el mundo y el mundo lo odia a él.

Esta negatividad es el resultado de una reflexión exhaustiva que el chileno ha hecho de su entorno, y dentro de esa misma reflexión, parecería que Anwandter también se encontró a sí mismo. En este álbum, el cantante retoma sus raíces, no solo culturales, sino también personales. Sus antecedentes brasileños lo encaminaron finalmente a explorar la música en portugués y el resultado son las bellísimas canciones “Um Girassol da Cor de Seu Cabelo” y “Olha Maria”, que resultan como un respiro romántico dentro del caos sociopolítico.

La combinación de música disco, synth pop y sutiles sonidos tribales, así como los guiños prehispánicos en las letras, sitúan a Latinoamericana justo en medio del pasado y del presente. Para el chileno, es importante entender de dónde venimos para saber hacia dónde vamos. En su tercer álbum de estudio, Alex Anwandter hace una reflexión sobre sus orígenes, su identidad y la de aquellos que lo rodean. A través de performances contraculturales, el cantante alza la voz para contraatacar a un sistema opresor y desafía a las críticas, como una Malinche rebelde.

The Smashing Pumpkins estrena “Silvery Sometimes (Ghosts)”

Posted on octubre 15, 2018 by -

Para celebrar Halloween, The Smashing Pumpkins estrena video.

El día de hoy, la banda estadounidense The Smashing Pumpkins estrenó el video de uno de sus recientes sencillos “Silvery Sometimes (Ghosts)”, la temática va muy acorde al mes de octubre, y a Halloween, pues todo tiene lugar en una mansión embrujada.

El audiovisual fue escrito y dirigido por el mismo Billy Corgan, y ahí, los demás miembros de la agrupación participan en una especie de reality show dentro de una mansión embrujada, en la cual el conductor le juega una serie de bromas pesadas a sus compañeros de escenario. Una de las sorpresas del video es la presencia de Mark McGrath, integrante de la banda Sugar Ray.

Esta canción llegó hace unos meses para anunciar el lanzamiento del nuevo disco de The Smashing Pumpkins, el cual llevará por nombre Shiny and Oh So Bright, Vol. 1 / LP: No Past. No Future. No Sun. y será puesto a la venta el 16 de noviembre, en el cual se trato de reunir a los miembros originales, Billy Corgan, James Iha y Jimmy Chamberlin, sin embargo no se pudo contar con la presencia de D’Arcy Wretzky. Sin olvidar al guitarrista Jeff Schroeder.

Anteriormente brindaron una nueva pista de lo que va su nueva producción discográfica con el estreno de la canción "Solara". El disco será lanzado a través de su nuevo sello discográfico Napalm, y contara con versión en CD, vinilo y formato digital, además de que puedes pre-ordenarlo aquí.

Entrevista con Emily Haines de Metric

Posted on octubre 15, 2018 by -

Metric: un asunto de química.

Tal como ocurre con los buenos vinos, los años han hecho de Metric una banda que no solo suena, sino que sabe exquisita. Con veinte años de trayectoria, fieles a sus raíces sonoras, e innovadores, los de Toronto se mantienen vigentes en una industria que no se parece nada a la de la época en la que comenzaron a hacer música. ¿Cuál es su secreto? Emily Haines, compositora y vocalista de la banda habló con Indie Rocks! sobre la amistad, los riesgos, la filosofía y las aventuras que han hecho que la banda llegue al 2018 con Art of Doubt, su séptimo álbum de estudio.

Si hay algo que caracteriza a Metric es la lealtad a sus convicciones y anhelos musicales, pues con el paso del tiempo no han renunciado a su esencia sónica, por tratar de encajar en las nuevas tendencias. "Hay principios y valores que determinan quienes somos. Cuando Jimmy y yo comenzamos a trabajar, teníamos una visión clara de lo que queríamos hacer, y siempre estuvimos abiertos a tratar cosas nuevas, pero si ello significaba renunciar a nuestra visión, no lo haríamos. Y sigue habiendo consecuencias a ello cada día, pero lo que tenemos como recompensa es el sentimiento de que siempre hemos tenido la posibilidad de tomar nuestras decisiones, y cometer nuestros propios errores", dijo Haines.

De acuerdo con la artista, la carrera de una banda es incierta, y jamás se tiene la certeza de actuar correctamente, reconoce que, tal vez, Metric pudo haber tomado caminos más cortos o más sencillos, pero las decisiones que han tomado a lo largo de su trayectoria, el día de hoy los hacen felices. "Creo que es importante tomar riesgos. Nosotros tomamos riesgos musicales todo el tiempo, probamos diferentes cosas sónicamente, pero nada más. Hay algunos que tiran muy alto, pero desaparecen, y no volvemos a escuchar de ellos.

Según Haines, la duda es parte fundamental de la vida humana, y esencial para su desarrollo, de ahí nació "Art of Doubt", tema que tituló a su nuevo álbum. "Amo este título. Tuvimos cientos de conversaciones, y es la idea de que eso es lo que hacemos los cuatro: vamos a trabajar a lugares que no conocemos, y no nos paramos como diciendo 'tenemos todas las respuestas', no es así como hacemos música. No es como en los deportes, en donde puedes llegar y obtener la medalla, es una vida cambiante, y yo nunca dejaré de tener dudas".

Asimismo, la canadiense compartió que la canción "Art of Doubt" era una de las más lentas que compuso en Berlín para este álbum. "Yo quería que fuera tipo Massive Attack, y cuando la llevé a la banda y fuimos al estudio, empecé a pensar que era un desastre. Entonces empezamos a aumentar la velocidad hasta que llegamos a 100 bpm. Siempre sacamos mis canciones del piano, pero esto fue a otro nivel, básicamente transformamos una canción verdaderamente lenta, en la que sería la canción más rápida y pesada del álbum. Fue muy gracioso, y emocionante", expresó la artista.

Aunque la vocalista confiesa que les tomó varios años desarrollar su propio idioma para componer, les ha funcionado que ella escriba las canciones en piano, después se las muestre a Jimmy, quien agrega su chispa y después pasen los filtros de Joshua y Joules, para que entre todos decidan si llegarán a la etapa final y formarán parte del disco.

"Dressed to Suppress" es otro de los temas más destacados de su nueva entrega, en el cual la cantante manifiesta la dualidad, esa capacidad camaleónica de las mujeres, quienes detrás de la ropa y el maquillaje, esconden sus emociones, utilizando máscaras que les permitan desenvolverse en el entorno. "Siento que toda chica conoce exactamente el sentimiento de cuando te sientes de una manera por dentro, y lo que muestras en el exterior es un mensaje completamente diferente. Todas somos parte de este juego, de como te presentas a ti misma cuando usas tacones, botas de combate, maquillaje, rosa, piel... todas estas cosas tienen significado, y me gusta la idea de reconocer que hay más cosas ocurriendo en la vida".

La frontwoman dijo que lo que más ama de ser parte de Metric es la capacidad de viajar por el mundo y conoce a muchas personas en situaciones inusuales. "Terminamos en lugares y situaciones extrañas en diferentes partes del mundo, y el poder hacer eso con mis tres mejores amigos, es excepcional. Tal como cuando estuvimos en Ciudad de México". Haines contó que Jimmy tiene muchos amigos en la capital mexicana, y durante esa estancia es que surgió la colaboración que se llevará a cabo a principios del próximo año, cuando estén de gira junto a Zoé en Estados Unidos. "Amamos la cultura mexicana y el tiempo que pasamos en México. Esta gira fue idea de Jimmy. La Ciudad de México es como su segunda casa, así que fue algo muy natural. Es maravilloso que una banda de Canadá esté junto a esta singular gente mexicana dando su amor a Estados Unidos en febrero".

Against Me! en SALA

Posted on octubre 14, 2018 by -

Fotos Edwin Lopez

No se trata de Laura Jane Grace: Against Me!.

No esperarías algo así de una banda de punk rock. Para quienes nunca habíamos visto a Against Me! en vivo, el misterio de Laura Jane Grace era grande, era místico adivinar cómo sería estar en su presencia. Pues estar ahí te hace sonreír, no hay más. Su sonrisa contagia la tuya, es algo que no esperarías de alguien que aparece sobre un escenario envuelta en negro y delineador; y sin embargo ahí está, porque a Laura le importa un carajo qué esperes de ella.

Aparecieron los cuatro sin decir más; sin hablar tomaron sus instrumentos y comenzaron a tocar “New Wave”. Habían pasado 30 segundos y ya todos habíamos entendido de qué se iba a tratar esto. No iba a ser sobre Laura, ni sobre política, ni sobre transexualidad. Iba a ser sobre Against Me!, sobre la música y sobre esa noche, sobre los coros que íbamos a hacer entre todos y las sonrisas que nos íbamos a regalar.

El público era una selección particular. Ir a un concierto de punk rock suele conllevar empujones de un amplio grupo de adolescentes furiosos. Aquí no. El público rondaba los 30, la mayoría seguramente envueltos en una vida de responsabilidades adultas, pero con algún distintivo de lo que reclamaba su corazón. Algún mechón de color en el cabello, una perforación discreta, una playera negra, un puño en alto. Y así como sin nada, la tercera canción fue “I Was A Teenage Anarchist”. No había un público más adecuado. SALA ardió.

Andrew Seward es una gran compañía para Laura sobre el escenario. El bajista acaba de regresar a la banda después de cinco años fuera y se nota. Se nota cómo hace suya cada una de las canciones viejas y nuevas, cómo alienta al público, cómo agita la cabeza, el cuerpo y los ánimos. Y todo cae en equilibrio. La banda no es Andrew ni Laura, la banda no es la furia de Atom Willard en la batería o la pasión de James Bowman en la guitarra. La banda es el momento, la banda es lo que están tocando.

Cantaron “Dead Friends”, “Stop!” y “White People For Peace” sin detenerse, sin hablar, sin quitarle peso a lo importante. Solo cuando Laura apareció en el encore con una guitarra acústica, acompañada de la marcha de la batería, para tocar la desgarradora “Joy”, se tomó un minuto para explicar que se trataba de no rendirse; más allá de las naciones, de las fronteras… nunca rendirse. El verdadero punk se trata solo de ser tú mismo.

Hacia el final aventaron “Transgender Dysphoria Blues”, “Thrash Unreal” y “Black Me Out” seguidas, sin decir nada más. Laura Jane, la banda y el público crecieron con las canciones o las canciones crecieron en ellos. Hacia el final ya todo era una fiesta de crowdsurfing, gritos y sonrisas en un concierto de punk que no decía “estamos furiosos”; decía “ya ganamos”. Crecimos, somos nosotros mismos, estamos aquí esta noche cantando con una cerveza en la mano, el punk ganó, nosotros ganamos.

Tricky en El Plaza Condesa

Posted on octubre 14, 2018 by -

Fotos David Barajas

Falsos ídolos.

A poco más siete años de aquella agridulce presentación en el ya extinto José Cuervo Salón, envuelto en rumores y malos comentarios después de su show en Guadalajara, Tricky por fin volvió a pisar la Ciudad de México para celebrar los primeros 11 años del Foro Cultural Hilvana.

Cerca de las 22 H., tras el calentamiento a cargo del colectivo mexicano Bungalo Dub y una playlist con las mejores canciones de The Specials, El Plaza Condesa comenzó a llenarse de hielo seco, mismo al que se le sumaron estrobos que apuntaban directamente a los ojos y luces azules que volvían imposible ver lo que pasaba en el escenario

Acompañado de guitarra, batería y la maravillosa voz de Marta Złakowska, cantante polaca que lo acompaña en esta gira, el concierto arrancó con una versión instrumental de “You Don't Wanna” y siguió con “I’m Not Going”, canción que originalmente conocimos interpretada por Oh Land y que fue la única en la que Marta no se encargó de la voz en vivo.

“New Stole”, la versión ¿mejorada? de “Stole” de Francesca Belmonte, fue la tercera en sonar y para entonces, aunque sus intervenciones habían sido mínimas, el hecho de que Tricky no estuviera cantando comenzó a hacerse evidente. Si bien agradecía constantemente entre canciones, el no tener siquiera cerca de la cara el micrófono cuando se escuchaba su voz provocó reclamos y gritos de molestia. Pagar casi $900 pesos para verlo contonearse en la penumbra claramente no estaba en los planes de nadie.

Al igual que durante su primera presentación en México, Tricky cedió completamente la atención a su corista, Marta, quien no decepcionó en lo más mínimo. Si tomamos en cuenta que gracias a él conocimos a Martina Topley-Bird y Francesca Belmonte, es de agradecer que sus acompañantes femeninas no sean solo una sombra de él en el escenario.

La selección de canciones estuvo enfocada en sus tres últimos discos, mientras que de los clásicos Maxinquaye y Pre-Millennium Tension solo se escucharon “Overcome” y “Vent” respectivamente. Fuera de los sencillos que pudimos o no haber escuchado en la radio alguna vez, probablemente el más esperado era “When We Die”, la primera colaboración de Martina con Tricky en casi 15 años.

Llegó un primer encore y Tricky siguió sin cantar. En ocasiones se pudo distinguir su voz en vivo pero fueron pocas. Cuando terminó y todos esperábamos que se encendieran las luces, la banda volvió a salir al escenario para regalarnos su versión de “Doll Parts”, original de Hole, y cerrar el show con una suerte de reprise de “Here My Dear” con letras improvisadas.

Seguramente, si preguntamos a quienes asistieron al concierto qué les pareció la respuesta más común sería que se sintieron estafados; sin embargo, hay que tomar en cuenta que en prácticamente toda la discografía de Tricky la mayoría de las voces son femeninas, sobre todo las más importantes. No es infundamentado el hecho de que en algún momento se le llegó a considerar una dupla más que un proyecto en solitario.

Sí, el hecho de que cualquier artista haga playback es decepcionante. Como muchos, la primera vez que vi a Tricky lo odié. Hoy le doy el beneficio de la duda. Al final, la música la hizo él, las letras las compuso él; tal vez solo no le gusta cantar en vivo o cree que no es necesario dar un gran show. Tal vez no quiere formar parte de ese selecto grupo de falsos ídolos. Tal vez solo quiere que disfrutemos la música.