Tash Sultana — Flow State

Flow State y las ventajas/desventajas de ser un lobo solitario.

En estos días que el famoso término del Do It Yourself (DIY) es sobreexplotado y citado por muchos artistas que, siendo sinceros, usualmente no cumplen con las características del mismo; Tash Sultana, la talentosa compositora australiana, lleva el término a su máxima expresión con Flow State, su álbum debut.

El esperado primer larga duración de la artista que, ya había logrado posicionarse como uno de los talentos más prometedores gracias a su EP Notion y, particularmente, a “Jungle” sencillo que forma parte del mismo y del soundtrack del FIFA 18; no decepciona, aunque difícilmente llega al nivel que muchos creen que puede alcanzar con su potencial.

El material brilla por su eclecticismo tanto a nivel de géneros musicales, como de instrumentos, cualidad que cobra aún más valor si consideramos que Tash Sultana, fiel a su filosofía DIY, hizo todos los sonidos por su cuenta bajo su disquera Lonely Land Records.

Sin embargo, ese mismo eclecticismo, sumado a la duración de una hora del disco y canciones largas como “Blackbird” o “Pink Moon”, que duran 9:35 y 6:51 respectivamente, puede llegar a cansar a los oídos que no estén tan acostumbrados a los cambios abruptos de ritmos.

Destacan “Big Smoke”, corte instrumental donde la cantautora australiana demuestra su maestría en las guitarras y cuya atmósfera por momentos recuerda a James Bay; “Cigarettes” por su sonido R&B y sus ritmos cambiantes; “Seven” por su inicio con una especie de piano y por ese sentimiento inspirador que evoca; “Mellow Marmalade” por ese sonido que inevitablemente te hace pensar en Amy Winehouse; y “Free Mind” por su synth pop y esa nostalgia que suena similar a la que logra plasmar Lenny Kravitz en muchas de sus canciones.

Flow State es una placa debut que cualquier talento nuevo se sentiría orgulloso de haber realizado; no obstante, estoy seguro que muchos estarán de acuerdo en que, para el talento que tiene Tash Sultana, pudo haber logrado algo mejor.

El paso del tiempo, y la experiencia obtenida con el mismo, ayudarán a la australiana a alcanzar su máximo potencial y a explotar su talento y conocimiento musical en la medida adecuada, generando materiales más digeribles respetando su esencia.

La fe que le tienen muchos a la artista no está mal depositada, si continúa trabajando y utilizando su talento, sin duda se convertirá en la gran estrella que muchos creen que puede llegar a ser.

Entrevista con Sol Oosel

Foto Ana Montiel

El sonido de Sol Oosel se muestra tal cual es.

Sol Oosel ha sido una de las gratas sorpresas en lo que va del año, apareció en el cartel del Nrmal y con su sencillo “The Hills” irrumpió en los oídos de muchos, ahora con su primer álbum Janus al alcance de todos, el músico muestra su obra completa y nos cuenta sobre parte del proceso y el significado personal de este trabajo.

Si bien fue a principios de año cuando el primer sencillo de este trabajo salió a la luz, y muchos esperábamos el disco pronto, tuvo que pasar una buena cantidad de meses, y esto resultado de una dinámica que el cantante decidió experimentar.

“Me aconsejaron que las maneras del 2018 es sacar una canción detrás de otra y después el disco con tres sencillos, acepté y lo hice, y si te soy sincero no me encantó, pero bueno le quise dar una oportunidad a eso y creo que ahora en adelante saldrá en cuanto el trabajo esté listo”, expresó Sol.

El disco da la sensación de ser muy ensimismado, oscuro, introspectivo, sin embargo es contrastante y se siente muy real. El trabajo de Sol ha sido destacado durante mucho tiempo, y el bagaje que le ha dado sus otros proyectos y otras disciplinas, se siente, además el proceso de creación fue muy particular, así lo explica.

“Las canciones me las canto a mí mismo, en un momento de mi vida de mucha exploración personal, de rascarle a mi inconsciente y a mi persona, de mucho cuestionamiento. Fue un disco que hice acá en Tepoztlán, me salí de la ciudad y ahora vivo acá, así que de alguna manera, sí tiene algo que ver con el arquetipo del ermitaño, y fue el mood que tuve durante todo el disco”.

El proceso creativo de Janus va a la par de un proceso personal, no solo se trató de hacer música sino de encontrarse con él mismo. “Estarle buscando, cuestionando y rascando la llaga, me gustó; siento que de alguna manera me demostró que puedo estar solo conmigo mismo y que tengo una buena relación, me caigo bien, y eso es importante, hay mucha gente que no puede o no sabe estar solo,  y saber que esto lo llevé tan bien, me llena de satisfacción”, agregó el cantante.

Janus tiene la colaboración de un montón de músicos, gente como Yamil Rezc, Phil Vinall, o Migue de She's A Tease, entre otros, le meten mano a las canciones, sin embargo este es un trabajo completamente de Sol, las letras, la música, la producción, la postproducción, el artista lo resume así. “El disco  se trata mucho de cómo me trato, hay gente que trata bien a todos, pero a ellos mismos se tratan fatal, esta aventura de hacer un disco solo, se trata de eso”.

En la pasada edición del festival Nrmal, Sol Oosel presentó el disco con éxito, su acto en vivo es muy peculiar y congruente con la historia, lo que único que veremos en el escenario es al músico tratando de conectar. “Estoy tocando solo, echo a andar las maquinas, y me voy con la música, cantar, bailar emocionarme, entonces al estar solo, no estoy al pendiente de lo colegas, si vamos bien o mal, me está gustando tocarlo solo es catártico y es algo que acompañado no pasa”.

Ante el cuestionamiento de si se siente exhibido con su trabajo, Sol fue tajante, y dejó claro que la honestidad en el arte es indispensable. “Sí, me siento exhibido pero eso es algo bueno, porque me hace sentir vulnerable, siento que si uno no se muestra vulnerable, de nada sirve la expresión artística, no le encuentro el sentido, sirve como un termómetro para saber si vale la pena lo que estás haciendo”, finalizó.

Además del disco, el artista está haciendo murales sonoros, se trata de levantar un muro solo con audio y que se pueda sentir al tacto, experimento que estará presentado en diferentes galerías, puedes estar pendiente de todo en sus redes sociales.

Brockhampton comparte nuevo tema “J’Ouvert”

La fecha de estreno del nuevo álbum de Brockhampton está a la vuelta de la esquina.

El numeroso colectivo de hip hop que más ruido ha hecho en tiempos ha liberado otro adelanto de su disco Iridescence, el cual será el sucesor de su aclamada trilogía Saturation y estará disponible a partir del 21 de septiembre vía Question Everything/RCA Records.

El tema en cuestión lleva como título “J’Ouvert” y viene acompañado de un visual dirigido por Spencer Ford, este fue grabado con cámaras térmicas acorde con el estilo que vemos en la portada del disco. Mira a continuación.

Iridescence será el primer lanzamiento de una trilogía planeada Brockhampton, la cual llevará como título The Best Years Of Our Lives. Llega después de que la autodenominada “all-american boyband” concluyera su extensa gira por Europa, durante la cual aprovecharon para grabar en los famosos estudios Abbey Road, ubicados en Londres.

El 21 de septiembre, día que saldrá a la venta su nuevo disco, el colectivo hará una transmisión en vivo a través de YouTube de su show en Auckland, Nueva Zelanda, donde interpretará el nuevo disco en su totalidad. A partir de octubre tienen en su agenda una serie de fechas por Australia y Norteamérica.

KISS anuncia tour de despedida

Si querías ver a KISS en vivo alguna vez en la vida, tendrás una última oportunidad.

Parece noticia vieja y que Gene Simmons y compañía ya se habían retirado hace años, pero el día de hoy anunciaron una última gira –ahora sí– durante su presentación en el programa America’s Got Talent, donde también también tuvieron una pequeña presentación.

Mira a continuación a KISS interpretar “Detroit Rock City”:

El final de su carrera de 45 años llegará con su End Of The Road World Tour. Los países, fechas y otros detalles serán dados a conocer pronto en su sitio oficial. Sin embargo, los únicos miembros originales que se pondrán el maquillaje para tomar parte en este tour del adiós serán Gene Simmons y Paul Stanley, quienes serán acompañados por Tommy Thayer y Eric Singer.

“Todo lo que hemos construido y todo lo que hemos conquistado en las últimas cuatro décadas no hubiera sido posible sin los millones de seguidores que han llenado clubs, arenas y estadios en todos esos años. Esta será la más grande celebración para aquellos que nos han visto y una última oportunidad para aquellos que no lo han hecho. KISS Army, nos despedimos en nuestro último tour con el más grande show que hemos hecho”, escribió la banda en sus redes sociales.

La última vez que los cuatro miembros originales de la banda estuvieron juntos fue durante su inducción al Rock and Roll Hall Of Fame en 2014, la icónica agrupación ha vendido más de 100 millones de álbumes a nivel mundial. El tiempo dirá si este realmente es el adiós definitivo o si volverán años después, como lo han hecho en el pasado.

Nuevo video de Prince

El dolor de la violencia y la desolación de un mundo roto en el nuevo video de Prince.

Continuando con la promoción del segundo estreno póstumo de Prince, ahora podemos disfrutar de un nuevo video. El corte corresponde al tema de protesta afroamericano “Mary Don’t You Weep”, cuyo acompañamiento visual fue dirigido por el cineasta Salomon Ligthelm. Se trata de un corte de 6:40 minutos, grabado en la ciudad de Nueva York, cuya elaboración fue inspirada en las víctimas a causa de la violencia y el uso de armas en Estados Unidos.

De acuerdo al comunicado emitido a través de las redes del artista, esta nueva entrega marca una relación con el pasado activista de Prince.  A través de este trabajo podemos adentrarnos en la historia de un joven afroamericano, víctima del uso de armas; al tiempo que experimentamos el dolor que causa su partida.

Junto al video fue compartido un mensaje retomado de una de las lineas del tema de protesta “Baltimore”, estrenado en 2015. “El sistema está roto. Esta vez, le corresponderá repararlo a los jóvenes. Necesitamos nuevas ideas, una nueva vida…”.

Observa a continuación este nuevo video.

Este lanzamiento se une al próximo estreno del músico estadounidense, Piano & A Microphone 1983, el cual estará disponible a partir de este viernes. En esta entrega podremos escuchar una serie de interpretaciones del músico estadounidense en el estudio de su casa, con el exclusivo acompañamiento de un piano.

Chingadazo de Kung Fu — Me pongo hasta la madre porque estoy hasta la madre

Me pongo hasta la madre porque estoy hasta la madre: Punk rock para treintones.

La banda de punk rock más culera de México, lo hizo otra vez. Me pongo hasta la madre porque estoy hasta la madre suena como a tener 17 años, a no desperdiciar ni uno de los poco más de 20 minutos que dura, con canciones cortas que le hacen honor al nombre Chingadazo; suena a ir rápido y caer de boca.

Chingadazo de Kung Fu se ha hecho de un público fiel, con corazón y adrenalina adolescentes que se identifica en un segundo con el desamor, con el consumo de sustancias y con las historias que sabemos que Marino, Beto y Ale convierten en canciones sin filtro, sin ocultar nada.

Hay mucho de lo que ya había funcionado en Orinando contra el viento; como esas líneas que primero dan risa y luego ya no podemos dejar de cantar. Chingadazo es cerveza, helado, rimas por poco infantiles y líneas casi inocentes; es poder corear “La cabeza me da vueltas, no sé si es por ti o tan solo la cerveza” en medio de una canción punk.

“3 de noviembre (No me agüito)” va un poco más allá. Si al principio suena a una canción de ruptura, dolor y arrepentimiento no muy especial, saber que no tiene nada que ver con una chica sino con la mamá de Marino, le da una perspectiva completamente nueva.

Pero la verdadera esencia de esta banda se hace evidente en un combo alrededor de la mitad del disco, primero con “Epitafio (Perdón por ser rock and roll)” y luego con “Todo está de lujo (Son chorizos)”. Aquí viene el verdadero Chingadazo: hay mucho espíritu punk en cantar sobre drogas y alcohol, pero estas dos son sobre despertar y darte cuenta de que ya cumpliste 30 y ya no tienes permiso de seguir perdiendo, son sobre asumir que tal vez dejó de ser divertido y ahora duele un poquito.

Chingadazo de Kung Fu está a la mitad de esas dos cosas; entre la oda a la decadencia y lo que se siente decaer de verdad, pero no pretende nada, no pretende decir cuál de los dos es mejor; y ahí está la magia, ahí es cuando se convierten en algo así como antihéroes adolescentes.

“Asunto pendiente (Mi playera, tu pijama)” y “Tú no dices qué hacer (Oblígame prro)” son la cumbre de esa figura de antihéroe involuntaria. Ambas siguen una narrativa romanticona que después da un vuelco hacia la infidelidad, y nos enfrenta a nosotros mismos en un “guácala qué rico” que nos hace juzgar e identificarnos y conflictuarnos y, en medio de todo, cantar fuerte y sentirnos adolescentes otra vez.

Me pongo hasta la madre porque estoy hasta la madre tiene pocos momentos flacos, es un disco inteligente. Chingadazo sabe a quién le habla y tiene la confianza (o el descaro) para contarles sus historias de frente y hacer espacio para pensar cómo serán esas canciones al compartirlas en vivo con su público. Es un disco con el espíritu punk de las guitarras y las drogas y la cábula, pero también con el hazlo tú mismo, es un disco que estos tres hicieron con sus manos y con su corazón. Es un disco que no pide permiso, un disco que aunque no quieras, vas a cantar.

PREMIERE: Rancho Shampoo & Indian Dub Orchestra presenta "Cuna de Lobos"

Previo al estreno de su LP, Rancho Shampoo estrena en Indie Rocks! su nuevo videoclip.

Desde la creación de su proyecto, Guillermo Estrada, mejor conocido como Rancho Shampoo, se ha caracterizado por su sonido oscuro y lleno de misterio que ha plasmado en dos materiales: Apache Mudo y el EP, El Vuelo del Golondrino. En esta ocasión se presenta como Rancho Shampoo & Indian Dub Orchestra.

La agrupación presenta de manera exclusiva para Indie Rocks! su nuevo videoclip "Cuna de Lobos", tema que será incluido en su próximo álbum Detrás del Cosmos, mismo que será un homenaje a Marianillo Villalobos de la agrupación Los Pellejos.

Bajo la dirección de Jesús Vázquez podemos ver a Estrada junto a la Indian Dub Orchestra y algunos personajes extraños enfrentarse con Catalina Creel, sí, el personaje de la telenovela Cuna de Lobos de 1986. El clip se grabó en locaciones de las ciudades de Mexicali y Tecate.

Dale play a continuación y déjate llevar por el misterioso estilo de Shampoo:

El próximo proyecto de Rancho Shampoo saldrá el próximo 12 de octubre. Además de esto la agrupación será parte del X Aniversario del Festival Doña Pancha, que se llevará a cabo este fin de semana en Guadalajara en compañía de Juan Cirerol, El Muertho de TIjuana, Maniquí Lazer y Papi Saicos feat. San Pedro El Cortez.

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Nuevo tema de Marianne Faithfull y Nick Cave

Foto: Eric Guillemain

Nick Cave colabora en "The Gipsy Faerie Queen", primer adelanto del nuevo disco de Marianne Faithfull.

Marianne es una de las cantantes alternativas más destacadas en la década de los sesenta, al grado de convertirse en una figura de culto para la actualidad. Luego de un par de años en silencio, la interprete británica por fin está de vuelta con un nuevo tema.

El reciente estreno de Marianne Faithfull se llama "The Gypsy Faerie Queen", un tema inspirado en la obra Sueño de una noche de verano y que cuenta con la participación de Nick Cave. El dueto, aunque no era improbable, sí causó algo de sorpresa, ya que el músico ha estado ocupado en la extensa gira Distant Sky.

Esto fue lo que dijo la artista sobre la colaboración del líder de The Bad Seeds. “Es un pequeño milagro, le pregunté a Nick si le pondría música a la canción y él me contestó que estaba muy ocupado. Le dije ‘Entiendo, perdón por molestarte’, y entonces él me escribió ‘Muchas gracias por entenderlo, esta es la canción’. Es maravilloso".

El tema que co escribió y donde cantó Nick Cave, estará en Negative Capability, disco que Marianne Faithfull publicará el próximo 2 de noviembre. Según la artista, este será su disco más honesto y elaborado de su carrera.

Escucha"The Gypsy Faerie Queen" justo aquí:

Nuevo documental de Amy Winehouse

Por Raquel Prior

El lanzamiento del documental será el 2 noviembre, y ofrece una nueva perspectiva de Amy Winehouse.

Eagle Vision dio a conocer un nuevo documental titulado Back to Black, que verá la luz el próximo 2 de noviembre de 2018 y que se abordará la creación del último disco de Amy Winehouse, al igual que los triunfos que le significó.

Además, este material reconstruirá la historia de Back to Black con ayuda de entrevistas con personajes como Mark Ronson y Salaam Remi, al igual que los músicos que le ayudaron a producir este gran éxito.

Una de las grandes sorpresas que promete este documental es la inclusión de An Intimate Evening in London, un show íntimo que la cantante ofreció el 10 de febrero de 2008 a familiares y amigos, tras ganar cinco premios Grammy –entre ellos– el mejor álbum vocal pop.

Además, podrás observar imágenes inéditas de la cantante británica durante el proceso creativo del disco y una nueva perspectiva, lejos de los escándalos y drogadicción que han impactado tanto de manera dañina en su recuerdo.

Back to Black estará disponible en DVD, Blu-Ray y plataformas digitales el próximo 2 de noviembre. Mientras llega el día, te compartimos la canción que inspiró este documental.

Arcade Fire estrena el clip "Peter Pan"

La agrupación canadiense sigue con la promoción de su más reciente LP y ha dado a conocer un nuevo video.

La era Everything Now de Arcade Fire sigue dando material y en esta ocasión ha subido a su cuenta de YouTube el videoclip del track "Peter Pan", canción que nos habla sobre una historia de amor relacionada con el personaje de James Matthew Barrie.

Bajo la dirección de Storm Saulter, nos muestra a los bailarines Malik Lamont y Rayana Campbell utilizando a Jamaica como una locación romántica. Lo curioso del video es que utiliza el remix creado por Equiknoxx. El clip es un proyecto "Lo-Fi adolescente Dancehall Fairytale”, de acuerdo a Saulter.

¡Dale play!

De Everything Now se han presentado varios sencillos y ha llevado a la banda a una gira mundial que tuvo dos fechas en nuestro país.

Revive nuestra cobertura de la visita de Arcade Fire a México.

Recientemente la agrupación lanzó el cortometraje “Money+Love”, cuya dirección estuvo a cargo de David Wilson, co-escritor del tema. El corto une “Put Your Money on Me” y “We Don’t Deserve Love” en un mismo plano que hila una historia donde la actriz australiana Toni Collette es la antagonista.