Bob Moses en Auditorio BlackBerry

Fotos Jesús Contreras

Bob Moses regresa a la línea de batalla.

24 hours Zombie People, una fiesta de disfraces que tuvo como sede el Auditorio BlackBerry se engalanó con la presencia de Bob Moses, que con motivo al estreno de su segundo álbum, Battle Lines, nos traerían a la CDMX sus nuevos temas montados en su show en vivo.

Previo a que la banda principal se hiciera presente, Wolffer comenzaba a calentar la pista de baile, con un set que conectó rápidamente con los primeros asistentes en tomar su lugar. La pista del Auditorio se veía bastante vacía en ese momento, pues las inclemencias del clima retrasaron a muchísimos de los que ya venían en camino, pero eso no impedía que la fiesta siguiera su curso, ahora con Rocco Desentis en las tornamesas, con un set electrónico industrial que fue bastante bien recibido.

Luego de estos dos breves teloneros, la mayoría del público comenzó a llegar, así que, pese a pensar que la asistencia del público sería algo reducida, de un momento a otro la pista y la barra del auditorio se encontraba bastante concurrida.

La emoción por ver de nuevo a Bob Moses se sentía en el ambiente, pues ante cualquier pausa entre la música que ambientaba la espera, los gritos auguraban su próxima aparición, situación que se repitió varias veces hasta que finalmente, la banda apareció frente a nosotros.

El set comenzó con “Heaven Only Knows”, tema bien ubicado por los fanáticos que inmediatamente comenzaron a cantar. “Battle Lines”, tema homónimo a su nuevo álbum generó una atmósfera densa, que al mezclarse con la penumbra del venue nos puso en un trance suave.

La adrenalina sube cuando suenan los primeros acordes de “Too Much is Never Enough”, donde volvimos a entregarnos a Terpsícore, aquella musa de la danza de la mitología griega que agradecida continuó con nuestro goce al mandarnos “Talk”, uno de los temas que causaron mayor euforia.

El ambiente era de lo mejor, la gente tenía espacio suficiente para bailar libremente, brincar y disfrutar de “Back Down”, “Nothing But You” y bajar un poco las revoluciones con “Enough To Believe” y “Eye for an Eye”, dándole al público capitalino la oportunidad de disfrutar de estos estrenos sus presentaciones en la Ciudad de México.

La conexión que tuvo Bob Moses con nosotros fue increíble, pues la interacción fue constante, entre aplausos a ritmo de “Selling My Sympathy”, las pausas y acentos en “Like It Or Not” y los cantos en “Listen to Me”.

Esta noche cerró de forma agradable, pues su éxito “All I Want” enloqueció a todos en la pista, dejándonos en ascuas tras la pausa que la banda tomó, para que finalmente regresaran al escenario a ofrecernos dos temas más: “Grace” y “Tearing Me Up”, estos temas que fueron los primeros que flecharon nuestro gusto por este proyecto musical.

¡Gran concierto! Una de las cosas más destacables fue el audio, un ambiente grato y una banda entregada en todo momento con su audiencia.

Helloween en la Arena Ciudad de México

Fotos Germán García

El epílogo de la celebración del día de muertos a manos de tres grandes del metal.

La Arena Ciudad de México fue sede de un autentico combo triple, Pumpkins United World Tour a cargo de Helloween ahora contó con la participación en el escenario de otros dos grandes, Arch Enemy Kreator.

El concierto no pudo haber sido en mejor fecha. El dos de noviembre fue la atmósfera perfecta para este show encabezado por Helloween, banda alemana que es pionera en géneros como el power y el speed metal desde el año 1983.

Al rededor de las 20:00 H, Kreator fue la encargada de dar la bienvenida a la noche. Los asistentes que íbamos entrando al recinto, pudimos escuchar, desde los accesos, una contundente demostración de trash metal alemán, puro y duro.

El slam no tardó en hacerse presente, el cual, traído por canciones como "Enemy of God""Phobia" se podía ver en varios círculos de la cancha; los puños se alzaban en el aire y el lugar se llenaba de los coros pertenecientes a la canción "Satan Is Real". Ni la banda ni el público bajó el ritmo durante esta presentación, largas cabelleras se veían agitarse desde la cancha hasta los palcos medio vacíos.Una obertura dinámica y enérgica que tuvo una duración aproximada de una hora con diez minutos.

La banda Arch Enemy fue la siguiente en salir en escena. El público parecía eufórico e hipnotizado por el juego de guitarras de "World is Yours"; y claro, por la belleza y presencia en el escenario de Alissa White-Gluz. Desde distintas partes del lugar se escuchaba el grito de "¡Te amo Alissa!", mientras la vocalista hacía gala de su voz, uno de los guturales más atractivos y brutales en el terreno del metal. "La neta no me gusta mucho el ladrido... pero se oyen con madre", dijo mi amigo George Loaeza.

Un sonido impecable en la voz, la guitarra y la batería. El slam se hizo presente hasta "The Race" y el público mostraba su euforia al ritmo de canciones como "We Will Rise""Nemesis" y "Eagle Flies Alone".

Es así como el momento que muchos esperaban, llegó. La aparición de Helloween en el escenario fue anticipada por una cortina con el logo de la banda, la cual cubría todo el escenario. Repentinamente, las luces bajaron y un sonido de teclado interrumpió el intermedio musical, "Halloween" fue la encargada de comenzar el show. Mientras la cortina caía al ritmo de la batería, la gente brincaba y gritaba mostrando quienes fueron los protagonistas de la noche.

Ciertamente el tracklist fue el mismo del año pasado, lo cual no demerita la gran presencia en el escenario de Andi Deris Michael Kiske. Ambos, vocalistas de la banda, interactuaban bastante con el público y platicaban acerca del Día de Muertos, los asistentes se emocionaban cuando Deris hablaba en español: "¡Feliz día de los muertos!...¿Cuántos días?...¿Cuatro días de fiesta tomando en la celebración de los muertos?".

Los grandes éxitos de la banda se hicieron presentes "Are You Metal?""Eagle Fly Free""Keeper of The Seven Keys" y "Future World".

El grand finale de la noche llegó musicalizado por "I Want Out", un nostálgico cierre en el que grandes globos con rostro de calabaza rebotaban en toda la cancha. Un show bastante especial que llegó para  cerrar con broche de oro la celebración del Día de Muertos.

Festival Neutral 2018

Fotos Ignacio Hipólito

Con muchos nuevos talentos que descubrir y redescubrir.

El Festival Neutral llegó a México una vez más (después de su ausencia en 2017) con sede en el Foro Indie Rocks! con un cuadro interesante conjugando nombres y talentos nuevos, así como otros ya más consolidados en la hermandad de México y Chile, firmados —la mayoría— por el sello Quemasucabeza Records y, especialmente porque de aquel país sudamericano han estado llegando en los últimos años excelentes nombres como prueba de una escena que está pasando un gran momento.

El cartel aunque modesto, parecía adecuado para un foro ciertamente pequeño pero quizá no apto para colgarle la etiqueta de "Festival", pues no es como aquella versión del 2015 de tres noches o no han incluido un headliner que sencillamente sea capaz de vender todas las entradas y resultar entonces en un lleno garantizado y en atraer gente para los actos menos conocidos; pero vaya, que sin duda la propuesta no es mala para los que están muy al pendiente de los nombres emergentes, para los que sin duda, seudónimos como Armisticio o Fármacos, ya les son familiares en estatus de "promesas" más que cumplidas. Niños Del Cerro son quizá (porque para quien escribe esto lo es) el disco revelación en español del año y quizá el mejor. Pedropiedra un nombre más que consolidado y con cientos de fans mexicanos. Lanza Internacional por su parte, ser secuela espiritual de Los Bunkers con los hermanos Durán al mando no es poca cosa y, Spiral Vortex aunque llevan ya un tiempo sin nuevas cosas, quedaría como ese toque psicodélico al final para los que ya han mezclado el suficiente alcohol y desvelo a altas horas de la noche.

Como lo he dicho, no era un mal cartel, no eran malas bandas, todas traían muchas cosas con qué sorprender, pero muchas cosas jugaron en contra para que esta vez ni el público lo pudiera salvar y dejarlo con una experiencia que a futuro, sí o sí, tendrá que repetirse. Será que faltó difusión general, será que entonces los nombres aún no son tan conocidos en México para causar un grado mayor de revuelo, será que un creciente Alex Anwandter en SALA quizá se llevó más atención de fans que pudieron venir acá... no sabemos, pero el hecho es que muchos pases dobles se comenzaron a regalar desde 72 horas antes por varios lados, e incluso así, el foro, nunca tuvo una asistencia medianamente aceptable (para un festival).

Desde el comienzo los retrasos y problemas afectaron a Armisticio que le puso color a la noche con esa combinación de synths y pop electrónico, minutos muy amenos con una propuesta que aunque desconocida por muchos, fue a los mismos que convenció. Más, después de haber logrado un disco tan homogéneo y cuidado como Superficial 3 del cual se presentaron aquí algunos temas.

Con Fármacos las cosas subieron el nivel, pues, Diego Ridolfi y los suyos ya han cosechado varios fans en tierras aztecas, y entre los presentes en el Foro Indie Rocks! había algunos fans que soltaban gritos de emoción entre canción y canción y además, eran parte de la interacción. Aún para algunos incautos, el proyecto chileno resultó cautivador por la familiaridad que tienen con sonidos de bandas locales que, por si fuera poco, también fue posible constatar que las nuevas canciones de Ridolfi como "Cuando quieras" tendrán un gran potencial de ser reconocidas en México.

Tiempo para que Niños Del Cerro tomaran el escenario y para que sus seguidores —porque los había— se hicieran notar mediante la explosividad que alcanzan algunos de sus temas, el quinteto de Chile que este año estrenó Lance prosiguiendo a Nonato Coo vino a afirmar que son una de las propuestas más fuertes que existen actualmente en todo Latinoamérica y a reafirmarlo con su poderío y ejecución sobre el escenario. Con "Sufre" develando la cadencia y epicidad que pueden contrastar de un segundo a otro. "Contigo" y "Flores, labios, dedos" de lo mejor de toda la noche, momentos enérgicos, donde Simón Campusano no perdía oportunidad para saltar, bailar y por detrás, José Mazurett parecía tener más de dos brazos golpeando con rapidez y destreza su batería. "Lance", y sus casi 10 minutos de ejecución fueron impresionantes y para cerrar, rescatando el tema homónimo de su primer álbum complementaron una actuación donde la intensidad, baile y buena vibra fueron el común denominador.

Vaya Futuro fue llevando la noche hacia sus puntos más altos, aunque hay que decir que había muchos indiferentes, había otros totalmente expectantes a su presentación. Mención especial para el fan que se llevó un saludo por llevar una playera estampada con el single de "Sueco en África" (canción que no tocaron). Desafortunadamente fue la actuación más accidentada por problemas técnicos con los instrumentos, donde prácticamente sobre la marcha, los integrantes tenían que dar indicaciones a los ingenieros de sonido para solicitar o arreglar cosas de audio. Sin embargo, resultó extraordinario omitir del set sus más nuevos singles que poco tienen que ver con el sonido que llevó a Vaya Futuro a la fama. Hubo cortes de su Tips para ir de viaje pero estos fueron desde "Las muertas", "+ y +", "Autostop a Tlaxcala" hasta "Abismo", pero sin duda y a pesar de todos los problemas, el largo trance de "El Hombre sin cabeza y la danza de los resignados" con sus más de 10 minutos, con sus sacudidas, misterio e introspección, fue único, como para enmarcarlo y volverlo a vivir.

El de la noche fue Pedropiedra, por momentos parecía ser un concierto en solitario por los fervientes aplausos y gritos que recibía, porque la mayoría cantaba sus canciones y actuaba con ademanes la letra, saltaban y brincaban. Se trató del momento climax, Pedro salió detrás de su teclado pero con un rollo muy particular para ser frontman; de gafas y bailando de manera escueta cada que la canción o el espacio se lo permitía, pero siempre dirigiendo bien a sus seguidores. "Vacaciones en el más allá", "Pasajero" encendieron el ánimo y las gargantas de todos. "Todos los días", "Lluvia sobre el mar" y "La Balada de J. González" dejaron claro que las canciones de su más reciente Ocho ya son clásicos de su autoría.

A partir de acá las cosas cambian porque literalmente Pedropiedra se robó y se llevó el show. Cuando éste salió del escenario más del 90% de la gente salió de la sala para ir a tomar y seguir con el festival por fuera, de modo que cuando salió Lanza Internacional pocos eran los presentes, con muchos huecos donde se supone debía haber gente. Aunque pocos se dieron cita de vuelta, la banda mostró altura y profesionalismo al salir y emprender un show sin importar el número que poco a poco fue creciendo y que, pudieron presenciar la invitación de la banda para hacer dueto con Pedropiedra. Y era de esperarse, pues si algo tienen los hermanos Durán el curriculum, es: experiencia y siempre le dieron la entrega necesaria a cada canción que tocaron, todas de su álbum homónimo lanzado el año pasado.

Por último Spiral Vortex salió a concluir la noche sin importar el medio o el alrededor, y no era par amenos, pues son capaces de crear su propia atmósfera a pesar de las condiciones, vaya que hasta el eco del vacío en las inmediaciones eran hasta favorables para la resonancia, donde prácticamente la magia de temas como "Primavera" o "There's A Light" era abrasiva y alucinante. ¿No debieron venir a HIPNOSIS?

Es una pena que no se pueda decir con firmeza que el Festival Neutral 2018 en México fue un éxito, no por las bandas, el lugar, o la propuesta, si no porque esta vez la atracción de espectadores se ha quedado corta y habrá que replantearse ¿qué falló? porque todos los actores desde Armisticio hasta Spiral Vortex son nombres que sin duda merecían la respuesta calurosa con un Foro Indie Rocks! mucho más colmado pero que esta vez en el aspecto de "ambiente" flaqueó bastante. Esperemos que las cosas sean mejor para el siguiente año porque se trata de un festival muy particular que borra esa frase que le escuchado a alguno de decir que "No hay talento en Latinoamérica" ¿No? porque no has ido a Festival Neutral.

Alex Anwandter en SALA

Fotos Edwin Lopez

Una noche que, como las canciones de Alex Anwandter, va a ser difícil de olvidar.

Lo primero que uno nota al ver a Alex Anwandter salir al escenario es que es un artista comprometido con su obra. Su manera de acercarse al micrófono es distinta a la de muchos ahí afuera, menos mecánica y mucho más pasional que lo que se ve en cualquier otro concierto de música pop hoy en día. Y una vez que lo toma entre las manos, el espectáculo siguiente es todo menos artificial. Ahí no hay grandes juegos de luces, grupos de bailarines con rebuscadas coreografías o siquiera (porque aquella noche en SALA el audio tenía muchas fallas) un potentísimo equipo de sonido. Es un concierto que brilla por su autenticidad.

Después de seis años de haber visitado la Ciudad de México por última vez, Alex Anwandter regresó a presentar Latinoamericana, su reciente disco que vio la luz hace apenas unos meses. Si en él Alex se escucha como nunca antes, el espectáculo que lo acompaña es similar. Su concierto en SALA no fue solamente una firme exhibición del poder de las nuevas canciones sobre el escenario, sino un recordatorio de por qué su autor es una de las personalidades más valiosas que hay en la música latina actual.

Hace falta recordar algunas cosas para reafirmarlo. Sobre el escenario Alex no es solamente un talentoso músico, sino también un delicado comediante y un performancer disciplinado. Verlo reinterpretar a Christina Rosenvinge con nada más que una guitarra o utilizar el mismo instrumento para deconstruir su clásico “Shanana” y convertirlo en una oda a la desnudez no es poca cosa. Mirarlo reencontrarse con el piano para recordar su “Manifiesto” o bailar como si el mundo se fuera a acabar con “Casa Latina” no es parte de un show. Es la demostración de una pasión.

Alex Anwandter quiere a cada una de sus canciones y aprecia cada uno de sus discos tanto como lo hacen todas las personas que se reunieron a ver su presentación. De clásicos infalibles de Teleradio Donoso como “Bailar y llorar” o la espectacular “Amar en el campo” (con la que cerró el concierto) a vestigios de Odisea y un completo repaso por su carrera en solista, el setlist de la noche no dejó nada fuera y brindó un fiel vistazo a toda una vida dedicada a la música.

Según el reloj, una hora y media bastó para que todo lo anterior se llevara a cabo. Aquella noche en SALA fue la presentación oficial de Latinoamericana sobre los escenarios. “Algo nuevo para ustedes y para nosotros”, como él mismo lo dijo. Pocas veces uno tiene la oportunidad de ver algo por primera vez en estos tiempos. Después de todo lo que pasó, que el audio no haya sido el adecuado es un necio reproche para una noche que, como las canciones de Alex Anwandter, va a ser difícil de olvidar.

Garbage en la Arena Ciudad de México

Celebración y nostalgia en Día de Muertos con Garbage.

Se nota cuando una banda tiene una conexión especial con el público de un país, cuando este es leal, vuelve cada vez y no se cansa de corear canción tras canción. Y es que Garbage ha venido casi cada año a México desde que se reunieron con el Not Your Kind Of People en 2012, ya sea a dar conciertos en solitario o a festivales y saben que sus fieles seguidores siempre estarán ahí.

Con motivo del vigésimo aniversario de su exitoso Version 2.0 y apenas un año después de que se presentaron junto con Blondie en el Palacio de los Deportes, Shirley Manson, Duke Erikson y Steve Marker (Butch Vig se ausentó por una emergencia familiar y fue reemplazado por Eric Gardner en la batería) regresaron a nuestro país en el marco del Día de Muertos. Se presentaron primero en Puebla y luego en Querétaro antes de volver a la capital y dieron un show diferente al que acostumbran, esta vez se trató de un concierto para fans más empedernidos.

Los encargados de calentar el escenario fueron los originarios de Cuernavaca, Valsian. A pesar de ser un dúo, seis músicos tocaron un dream pop suave ante una Arena muy vacía y agradecieron a Garbage por el apoyo y la difusión que les brindaron. Afortunadamente para cuándo salió la banda principal de la noche, el aforo incrementó significativamente y dieron arranque con "Afterglow", lado B de su segundo álbum, en un escenario simple con luces de colores.

La velada fue un amoroso tributo al disco que propulsó su popularidad en ese lejano 1997 con sencillos como "I Think I'm Paranoid", "Push It" y "Special", pero también sonaron deep cuts que hace tiempo que no figuran en sus setlists como "Hammering In My Head", "Medication", "Temptation Waits", "Wicked Ways" o "Dumb". Por si fuera poco, también desempolvaron los lados B y rarezas del disco, cortes que nunca jamás de los jamases volveremos a escuchar en vivo como "Soldier Through This", "Lick The Pavement", "Get Busy With the Fizzy" y el cover al tema "Thirteen" de Big Star.

Entre temas, Manson siempre sonriente y enérgica agradeció a sus fans de antaño y nuevos por el inmenso apoyo a través de los años, se declaró fan de nuestra celebración de Día de Muertos, despotricó contra Trump, elogió a la banda telonera y relató su experiencia con el Version 2.0 hace 20 años.

Una vez que terminamos este viaje de nostalgia por ese segundo disco con las emotivas “You Look So Fine” y “The Trick Is To Keep Breathing”, pasaron por el inescapable sencillo que los dio a conocer al mundo con su primer disco, “Only Happy When It Rains”. “Cherry Lips”, la cual dedicaron a la comunidad LGBT y a todos los “freaks and weirdos”, fue la canción que cerró con broche de oro este concierto.

El ambiente dejó que desear, la Arena con su área pista de asientos asignados que no deja mucho espacio para saltar y bailar no es el espacio ideal para un concierto de rock y la gente sigue teniendo una grave obsesión por documentar todo en sus teléfonos celulares.

El recinto en sí le queda un poco grande a la banda escocesa/estadounidense que apenas vendió poco más de la mitad de su capacidad, pero es un hecho que Garbage tiene una relación especial con el público mexicano, fans que han crecido con ellos a lo largo de más de dos décadas y que los hacen sentir siempre bienvenidos.

Su música suena fresca al día de hoy y siguen ganando adeptos jóvenes (incluyendo a los hijos de sus propios seguidores de antaño). La banda prometió regresar en 2020, año para el cual está contemplado el lanzamiento de su siguiente disco y es una apuesta segura que el público mexicano estará ahí con los brazos abiertos como siempre.

Natalia Clavier — Trans

Trans: un viaje apacible a través de canciones que nos permiten darnos un respiro y poner en perspectiva nuestra propia vida.

A solo unos meses de haber celebrado el 10º aniversario de su álbum debut, Néctar; con un relanzamiento a cargo de Nacional Records, la cantante argentina Natalia Clavier volvió al ataque con Trans, su tercer material como solista.

Nacida en Buenos Aires, desde pequeña siempre estuvo inmersa en el mundo de la música, pero fue hasta que se mudó a Barcelona y se involucró en el circuito del jazz local que llamó la atención de Eric Hilton de Thievery Corporation, quien, precisamente, se encargó de producir y editar Néctar.

Desde entonces y hasta ahora, Natalia ha sido una voz constante en las colaboraciones de la dupla, cantando en español, inglés y hasta portugués, misma temática que maneja en este nuevo disco compuesto por 10 canciones en las que, según sus palabras, buscó fusionar el pop electrónico con alternativa latina y música curativa.

El primer sencillo que escuchamos y que se encarga de abrir el álbum es “This Feeling”, el cual se siente mucho más orientado al pop electrónico, tal como sentenció al momento de lanzarlo, gracias al trabajo del dúo también argentino Polsick en la producción y las mezclas.

A partir de ese momento, las secuencias son la base de canciones que combinan español e inglés sin ningún pudor, lo cual hace aún más especial Trans y a la vez hace más difícil describirlo en simples palabras pues no hay una referencia clara, sino miles de fuentes de inspiración tras la genialidad de Natalia.

Desde su producción pasada, Lumen, quedó claro que no es una artista fácil de clasificar. Temas como “Hotel Lisboa”, cantado en portugués y español, es solo una muestra de su versatilidad y capacidad de tomar elementos muy específicos de géneros que a simple vista pueden parecer muy diferentes entre sí.

Trans se refiere principalmente a la transición y la transformación; estas canciones retratan un periodo de mi vida de profundos cambios”, comentó Clavier al anunciar el lanzamiento y se encargó de dejarlo claro con canciones introspectivas como “¿Quién soy?”,  que gracias a su particular manera de cantar en inglés y español logra movernos algo más que el cerebro.

Después de “Sirenita”, que cuenta la búsqueda de Natalia por saber qué hay más allá de esta realidad, “Ahora sí” cierra el disco hablándonos de concluir ciclos y dejar atrás todo aquello que nos pesa para comenzar a vivir; viajar a la luna y quedarnos ahí.

Trans es un viaje apacible a través de canciones que nos permiten darnos un respiro y poner en perspectiva nuestra propia vida. Es el soundtrack perfecto para esos momentos de reflexión en medio del tráfico mientras miras la vida pasar por la ventana.

Top 12: Los mejores videos de octubre

Disfruta de este Top 12 con los mejores videos de Nine Inch Nails, Primal Scream, Le Butcherettes y más.

El mes de octubre culminó y hubo muchos estrenos: sencillos, discos y sobretodo videos. Es por eso que, después de una larga discusión editorial con el equipo de Indie Rocks!, te compartimos una selección especial en nuestro #TopIR con los mejores 12 videos del mes.

Aquí verás el video de “(One Less Thing) Before I Die” de las Death Valley Girls que se conforma por metrajes que tomó la directora Kansas Bowling en un desierto de Nevada;  “Chewing Gum” de Blood Orange en donde busca transmitir en sus canciones una sensación de esperanza; “strong/ENOUGH” de Le Butcherettes, grabado en las calles de Los Ángeles y muestra a la vocalista Teresa Suárez Coscío (Teri Gender Bender) caminando, retratando un día común después de dejar a su pareja, con un disfraz de corazón amorfo; “Big Jet Plane” de Primal Scream que es un metraje de su demo, el cual se inclina por el country soul. A diferencia de la original, esta sobresale por elementos como el saxofón y un coro estilo gospel; “Ahead Of Ourselves” de Nine Inch Nails grabado en primera persona, mientras la banda interpreta en vivo este sencillo, durante uno de los conciertos que han dado para el actual Cold Black and Infinite Tour; y muchos más.

Entrevista con Fermín IV

Tan cerca de Dios como del rap.

Hablar de Fermín IV es hablar de historia. Se trata de uno de los pioneros del hip hop en México. Sí, antes de que te prendieras con Lng/SHT o Tino El Pingüino, existía Fermín y su grupo Control Machete.

Su presencia es impactante. Un tipo alto, serio y con cara de pocos amigos. Sin embargo una vez que empieza hablar te das cuenta que antes que rapero, antes que buen escritor, antes de pastor, se trata de un ser humilde, centrado y bueno, con un corazón gigante dispuesto a enseñar al mundo su visión de la vida.

La razón por la que me encuentro sentado en una azotea con él es porque después de más de una década se encuentra de regreso en la música y no hay forma de iniciar la plática más que con un ¿cómo te sientes de regresar?

“Por un lado nervioso porque dependo de mí mismo y emocionado porque cuando compartes escenario con alguien más te limitas. Me tengo que ganar el lugar, el hecho de hayan sido tantos años hacen que me sienta un poco como novato”.

Pues sí, es normal ese sentimiento, a pesar de que no es la primera incursión solista del rapero, su primer disco ya tiene más de una década y Fermín tiene que acostumbrarse a caminar de nuevo por esta industria. De hecho cuando se le pregunta por qué se tardó tanto en regresar a los escenarios te voltea la pregunta.

“Más bien la pregunta es por qué volví a la música. Siempre me ha gustado la música y no había tenido la oportunidad de volverla a hacer, primero porque puse como prioridad la iglesia, y era algo que tenía que hacer y ha sido algo muy fructífero. El problema era que no sabía manejar la industria, no sabía ni a donde subir mi música y fue hasta que Sony llegó que lo pude hacer”.

Y bueno, hasta este punto todo iba bien, sin embargo Fermín tuvo que enfrentar su estatus de leyenda, algo que no fue fácil de hacer. “Lo malo que topé fue que cuando empecé a contactar beatmakers, después de que se les pasaba el shock de que les estaba escribiendo me mandaban bases muy parecidas a las que hacía en Control, parecía que me querían complacer cuando en realidad yo los había contactado por que me gustaba lo que estaban haciendo. Entonces les tuve que explicar que lo que quería era que me retaran, que me sacaran de mi zona de confort. Por ejemplo hice un huapango y me tardé un par de semanas en encontrar el flow adecuado”.

Sin embargo existía un reto más para cumplir. El hecho de enfrentar una escena que no necesariamente es compatible con su creencias y valores. ¿Cómo le puede hacer para llegar a una generación que llegó al rap a través de una temática llena de sexo, drogas y violencia?

“No quiero ser el papá regañón. Pero quisiera poder escuchar un rap nacional que pueda escuchar con mis hijas. Por ejemplo, lo que haría sería retar a un rapero actual a escribir sin groserías, ya que les aseguro que hay un sector que no siempre quiere escuchar cuantas lineas te metes o con cuantas mujeres te acuestas. Por ejemplo con ellas me siento cómodo escuchando a Nach o SFDK e incluso algunos temas de Mike Díaz”.

“Yo creo que mis años como pastor me van a ayudar. Por ejemplo yo vivo mi cristianismo muy real y entiendo que la gente piense que la religión solo quiere dinero. Creo en el cristianismo razonado. Por ejemplo en mi caso no decidí convertirme por un problema de drogas, fue la muerte de mi abuelo la que me hizo preguntarme: ‘¿a dónde fue?’ y después me pregunté: ‘¿A dónde voy yo?’ y eso fue lo que me hizo acercarme, ya que en general tenía todo lo que quería, fama y dinero”.

Sobre Control Machete y su legado, Fermín piensa que aquel clásico Mucho Barato, ya no lo representa. "Personalmente no me siento identificado con el primer disco. El segundo fue más consciente, más maduro. El problema fue que pensé que nadie lo iba a comprar. Si me hubieran dicho que lo que iba a pasar le hubiera puesto más empeño. El segundo disco, por ejemplo, no dice groserías y eso que aún no era cristiano”.

La charla concluye con una declaración certera acerca de un reencuentro con Control. “La música que hacemos es muy distinta y yo apenas estoy empezando, Pato ya tiene cuatro discos, déjenme empezar de nuevo antes de pensar en un reencuentro”.

Por lo pronto Fermín IV se presentó el 28 de octubre en el Lunario, donde adelantó, sonaron un par de canciones de Control Machete.

The Lemonheads anuncia álbum de covers

El líder de la agrupación estadounidense anuncia su regreso tras nueve años de ausencia, con un nuevo álbum de covers.

Han pasado nueve años desde que pudimos disfrutar del último lanzamiento de The Lemonheads, banda estadounidense formada en 1986 y liderada por el vocalista Evan Dando. Tras esta larga espera, el músico finalmente ha anunciado su regreso a través de una nueva entrega.

La próxima placa de The Lemonheads llevará el nombre de Varshons 2 y estará disponible el 8 de febrero, a través de Fire Records. Se trata de un álbum de covers, el cual ha sido producido por Matthew Cullen y masterizado por Howie Weinberg, reconocido por su trabajo a lado de íconos como Beastie Boys, Nirvana y The Ramones.

Varshons 2 estará disponible en CD y una edición limitada de vinilo color amarillo para la versión física. También podremos escucharlo de manera digital a través de las distintas plataformas de streaming.

Como parte del anunció, Dando ha compartido el primer adelanto a cargo de "Can't Forget", tema original de Yo La Tengo. Escúchalo a continuación.

El resto de los cortes pertenecientes a esta entrega, corresponden a reversiones de bandas como Nick Cave & The Bad Seedsquien recientemente estuvo de visita en nuestro país, así como temas de The Eagles, Paul Westerberg, The Jayhawks, Lucinda Williams y John Prine.

Te dejamos con el arte y tracklist de Varshons 2, nuevo álbum de The Lemonheads.

The Lemonheads

  1. Can’t Forget -Yo La Tengo
    2. “Settled Down Like Rain - The Jayhawks
    3. “Old Man Blank - The Bevis Frond
    4. “Things - Paul Westerberg
    5. “Speed of the Sound of Loneliness - John Prine
    6. “Abandoned - Lucinda Williams
    7. “Now and Then - Natural Child
    8. “Magnet - NRBQ
    9. “Round Here - Florida Georgia Line
    10. “TAQN - The Eyes
    11. “Unfamiliar - The GiveGoods
    12. “Straight to You - Nick Cave & The Bad Seeds
    13. “Take It Easy - The Eagles

Nuevo álbum de Sun Kil Moon

Ya puedes escuchar This Is My Dinner, nuevo álbum de Sun Kil Moon.

2018 ha llegado como un año bastante activo para Mark Kozelek. Tras el lanzamiento de su álbum solista el pasado mes de abril, el músico estadounidense se encuentra de regreso con el estreno de la novena placa de su proyecto alterno, Sun Kil Moon.

La más reciente entrega de Sun Kil Moon lleva el título de This Is My Dinner y ha sido estrenada a través del sello californiano, Caldo Verde, fundado en 2005 por Kozelek.

Anteriormente tuvimos la oportunidad de escuchar el primer adelanto a través del sencillo "Linda Blair", uno de los siete temas inéditos incluidos en el álbum, además de “Come On Get Happy”, original de The Partridge Family.

Escucha a continuación el sencillo "Linda Blair"

This Is My Dinner llega como título sucesor de Common as Light and Love Are Red Valleys of Blood, publicado en 2107. La nueva entrega está compuesto por diez cortes, entre los que podemos disfrutar covers a bandas como AC/DC, Partridge Family y John Connolly.

Te compartimos el arte y tracklist de This Is My Dinner.

Sun Kil Moon

1. "This Is Not Possible
2. “This Is My Dinner
3. “Linda Blair
4. “Copenhagen
5.  “Candles
6. “David Cassidy
7. “Come On Get Happy” (Partridge Family)
8.  “Rock ‘N’ Roll Singer” (AC/DC)
9.  “Soap for Joyful Hands
10.  “Chapter 87 of He” (John Connolly)