Greenpeace y Thom Yorke trabajan juntos por la Antártida

Thom Yorke lanzó su nueva canción “Hands Off The Antarctic”, en apoyo a la campaña de Greenpeace para proteger el Océano Antártico

El líder de Radiohead, Thom Yorke, es reconocido por ser un gran activista, es por eso que en esta ocasión ha lanzado una canción que apoya la nueva campaña de la reconocida ONG, Greenpeace, con la cual se busca proteger el Océano Antártico de los efectos del cambio climático y la huella del hombre.

“Hands Off The Antarctic” es una canción en pro de crear el área protegida más grande del mundo en la Antártida. En el video se muestran diversas imágenes que retratan la vida silvestre que habita en este lugar, ilustra lo salvajes que pueden ser, pero a la vez también los presentan como seres indefensos ante la huella del hombre.

Las imágenes del audiovisual fueron extraídas de la investigación que realizaron a bordo del buque de investigación de Greenpeace, Arctic Sunrise. El santuario busca proteger a especies en peligro de extinción, endémicas de este lugar, como lo son las focas, los pingüinos, las ballenas, entre otras especies; y busca ser la región protegida más grande del planeta.

La canción se estrenó en el Marble Arch de Londres, se proyectó el pasado 16 de octubre. “Hands Off The Antarctic” es una pieza instrumental,cuenta principalmente con melodía electrónica y tiene una duración de casi cuatro minutos. Las imágenes que la acompañan logran crear un impacto importante en el espectador.

En una conferencia de prensa Thom Yorke declaró. “Hay algunos lugares en este planeta que están destinados a permanecer crudos y salvajes y no destruidos por la huella de la humanidad”. Por otro lado, la jefa de campaña de Protect The Antarctic de Greenpeace, Frida Bengtsson, explicó que esta simple canción les daba voz a las especies de la Antártida que no la tienen.

La ONG, Greenpeace, ha puesto sobre la mesa la propuesta de crear un área protegida para convertirse en refugio de muchas especies, se nombrará Santuario del Océano Antártico, y la organización junto a Thom Yorke lucharán con los miembros de Comisión del Océano Antártico, organismo que se encarga de proteger el ecosistema de la región.

Disfruta del video de Greenpeace y Thom Yorke.

 

Sufjan Stevens se une a Angelo De Augustine

El cantautor Sufjan Stevens se involucra de lleno en el nuevo disco de Angelo De Augustine.

El músico estadounidense Angelo De Augustine sacará su tercer álbum de estudio a principios del próximo año. Sin embargo ya ha comenzado con la promoción del disco y sacando adelantos, uno de ellos, "Time", cuenta con una nueva versión en vivo, en donde colabora de Sufjan Stevens tocando el piano.

La canción con Sufjan no dista mucho de la original, que tenía Thomas Bartlett en el piano. Este es productor de Tomb, el nuevo disco de Angelo, y ha trabajado con artistas como St. Vincent, Florence and The Machine y el mismo Stevens.

El track original viene acompañado de un video dirigido por Jess Calleiro, pero también la grabación en vivo trae un metraje donde podemos ver a Stevens en los Reservoir Studios, ubicados en la ciudad de Nueva York. Debemos recordar que el año pasado Sufjan dirigió el video de "Crazy, Stoned & Gone", uno de los tracks que sacó Angelo con su disco Swim Inside The Moon.

Tomb, el nuevo disco de Angelo De Augustine, saldrá el 18 de enero a través Asthmatic Kitty, sello discográfico dirigido por Sufjan Stevens y su padrastro Lowell Brams. Este será el primer disco que graba en un estudio profesional y, según su autor, es una oración por la esperanza, la claridad y el amor.

Puedes ver ambos videos justo aquí:

Ty Segall versiona a The Dils

Con un cover de "Class Wars", Ty Segall nos prepara para Fudge Sandwich.

En unos días Ty Segall publicará su cuarto álbum del año, pues antes salieron Freedom's Goblin; su disco con White Fence, Joy; y Pre Strike Sweep, que sacó con GØGGS. Este es un disco conformado por covers, así que sus seguidores están emocionados por adelantos.

La canción que acaba de sacar Ty Segall es una versión de "Class War", tema que la banda estadounidense The Dils estrenó en 1977. Este fue el segundo sencillo que sacó esta agrupación, una de las precursoras del punk en California.

El track original es abrasivo y demente, con una letra que habla sobre el levantamiento de la clase obrera y una pelea entre ricos y pobres. La versión de Ty Segall tiene guitarras acústicas, que la convierten en un tema de folk, toda una canción de protesta.

Chip Kinman, integrante de The Dils, dijo esto sobre el cover. "Ty Segall responde a las preguntas que Tony y yo nunca pensamos hacer, su versión de 'Class War' me encanta".

Fudge Sandwich sale el 26 de octubre a través del sello discográfico In The Red. Otros de los artistas a los que les redirá tributo Ty Segall son: John Lennon, Neil Young, Overkill, Grateful Dead, War y Funkadelic.

Puedes escuchar ambas versiones de "Class War" justo aquí:

Tame Impala y Theophilus London estrenaron colaboración

Durante algunos días los ojos del público estuvieron sobre Tame Impala y Theophilus London pues esperaban ansiosos su nueva colaboración.

El rapero Theophilus London vuelve a colaborar con la banda australiana Tame Impala en una nueva canción llamada "Theo Impala" y de la cual estuvieron especulando durante muchos días, sin embargo, la espera terminó y por fin fue tocada en vivo el día de ayer, el estreno tuvo lugar en el Peppermint Club en West Hollywood, las entradas al evento se agotaron demasiado rápido.

Aunque Tame Impala no ha estrenado álbum desde 2015, no ha parado de trabajar, en 2016 el vocalista Kevin Parker produjo otra canción para London, llamada "Whiplash", dos años después vuelven a trabajar juntos con una nueva canción, bajo el nombre de "Theo Imapala" y la cual aparecerá en el nuevo disco de Theophilus, llamado BeBey.

Las redes sociales han sido muy importantes para la publicidad del single. El rapero posteó fotos, vídeos y tuits en los que jugaba con las expectativas de sus fans. En uno de sus mensajes subió fotos al lado de Kevin Parker con la pregunta "¿Les gustaría una gira? #THEOIMPALA", lamentablemente los representantes de Tame Impala negaron la posibilidad, cuando Pitchfork los contactó.

Unos días antes de su presentación en el Peppermint Club en West Hollywood, London subió un video a su cuenta de Twitter, de uno de los ensayos, en donde se ve un escenario montado, al fondo una mujer bailando y como primer plano al rapero al lado de Kevin Parker. Esperamos pronto compartan el single en todas las plataformas digitales.

 

 

 

Dapuntobeat estrena sencillo

Escucha “Boom Beats”, nuevo sencillo de Dapuntobeat.

La agrupación mexicana de música electrónica, Dapuntobeat, confirmó su regreso a los estudios de grabación con el estreno de su próximo material de larga duración. Como parte de la promoción, la banda ha compartido un adelanto a través de un nuevo sencillo, “Boom Beats”.

Se trata de un corte de 4:25 minutos cuya estructura sonora transporta a una atmósfera ochentera llena de sintetizadores y ritmos bailables. Para este nuevo tema, producido en los estudios Panoram, el proyecto originario de la Ciudad de México contó con la colaboración de la cantante jamaiquina, Ammoye.

El reciente sencillo ya se encuentra disponible a través de las distintas plataformas digitales. Escúchalo a continuación.

“Boom Beats” será parte de los temas que podremos escuchar en Digital Pills, cuarto álbum de estudio de Dapuntobeat, el cual será estrenado el próximo 26 de octubre, tras cinco años de ausencia.

A su vez, Digital Pills llegará como título sucesor de la más reciente placa del cuarteto, publicada en 2013 bajo el nombre de I/O.  Aunque la banda no estrenó ningún álbum durante ese periodo, compartió una serie de sencillos, entre los que pudimos escuchar "1979", "Puertas Atómicas" y "High Definition", estrenado a mediados de este mismo año.

Celest presenta "Hasta que el tiempo no nos separe"

Escucha la nueva canción de Celest que nos habla sobre el poder del perdón.

La agrupación mexicana Celest se ha caracterizado por su característico sonido ecléctico y armonioso. En esta ocasión presenta el sencillo "Hasta que el tiempo no nos separe", un tema en el que nos comparte un mensaje en el que el perdón lo es todo.

La canción sale bajo el sello Discos Panoram y fue producida por Jerónimo Hill y Jerónimo Quintana. Algo que caracteriza a la canción es que cuenta con momentos de prisa e incertidumbre con un estilo pop rock.

Junto al track, se dio a conocer un videoclip animado a cargo de Jerónimo Hill e ilustrado por Kevin  Niggeler, un artista de Milán que nos cuenta lo que un personaje vive en su día a día hasta que tiene un sueño que le cambia la forma de ver la vida.

Dale play a continuación:

El tema formará parte del EP Cielos Desconocidos que será lanzado próximamente. A lo largo de su corta pero prometedora carrera, Celest ha compartido escenario con bandas como Rhye, Porter, Reyno y The Chamanas, entre otros.

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Entrevista con Active Bird Community

La parvada que despegó por un sueño: Active Bird Community.

Todos alguna vez soñamos con ser estrellas de rock; tal vez cantando en la regadera o con el cepillo en la mano. Algunos de nosotros logramos cumplir el sueño de subir a un escenario y ser escuchados, otros no lo logramos. Pero cuando ese deseo es más fuerte que cualquier otra cosa, tenemos historias como la de Active Bird Community, una banda norteamericana formada por amigos de la infancia, que ha conseguido permanecer junta por varios años y ha logrado que jugar a ser rockstars sea su forma de vida. En una entrevista con Tom D'Agostino, el vocalista nos habló por primera vez para Indie Rocks! sobre los inicios de la banda, la clave para convertirse en músicos exitosos, las cosas a enmendar en su vida, su nuevo disco Amends y la adorable anécdota de su primer toquín como banda.

“El sonido de la banda va entre rock y pop indie lleno de energía y guiado por esa sinergia; empezamos siendo un poco infantiles, gritábamos mucho en las canciones, no controlábamos los fallos puntuales, habían cambios emocionales que eran perceptibles. Ahora, la escritura es mucho más madura, las letras son orientadas y el contenido es sustancioso. De mi parte, las influencias se dieron en casa, con mi madre siendo fan de Black Sabbath, mi padre era fan del new wave y el grunge de Nirvana; mi hermano me mostró discos que me enseñaron que la música es íntima y es como crear poemas con ritmo”, expresó.

La historia comenzó desde que los músicos eran pre-adolescentes y jugaban a tocar instrumentos. En su cabeza, estaba el sueño de formar una banda, sin embargo, sus padres les pidieron continuar estudiando y fundamentar mejor ese deseo. Así fue como, un año después de terminar la universidad, los amigos se reunieron para concretar la obra.

“Una de las claves para seguir juntos aún es esa amistad que tenemos desde la infancia; todos crecimos con un sueño en común, confiábamos en nosotros mismos, compartimos un desarrollo personal. Al terminar la universidad, nos reunimos, pues estudiamos en lugares distintos, y decidimos intentarlo por un año; dijimos que si no funcionaba, desistiríamos. Nuestra premisa era ser mejores cada día, descifrar el proceso creativo para un artista nuevo, fomentar la camaradería y confiar en nosotros mismos y en lo que podemos hacer. Adoptar un compromiso, llegar a acuerdos y creer en nuestra capacidad fueron importantes para sobrellevar los malos ratos”, afirmó Tom.

Su cuarto álbum Amends es mucho más maduro, la banda se concentró en lo que querían decir y le dio mejor significado a su mensaje. Detrás de toda acción malintencionada, siempre existen arrepentimientos y se busca enmendar los errores. Este disco habla de enmendarse a uno mismo, perdonarse y perdonar.

Amends es un álbum muy personal y específico con lo que pasaba en ese momento, hablamos de manera honesta sobre las relaciones y no solo de pareja, sino entre amigos e incluso con los padres. Fuimos cuidadosos al elegir el contenido y no tuvimos miedo de hablar de ansiedad, de seguir adelante y olvidar a alguien; pero sobretodo, se trata de enmendar los errores con uno mismo, como cuando éramos niños y pensábamos que todo lo que estaba mal en la vida era culpa de los padres; ahora, vemos que todo lo que pasaba era consecuencia de uno mismo: de eso se trata este álbum”, explica el vocalista.

El disco les dará reconocimiento en lugares distintos, aunque no fue su intención inicial; tras ocho años juntos como banda, han vivido experiencias memorables y buscan que Amends los lleve a otros continentes para conocer nuevas culturas y por supuesto, esperan venir a México muy pronto.

“Como todos, tenemos arrepentimientos en la vida, pero decidir ser una banda no es uno de ellos. Uno de mis mayores errores fue mentir, y no tanto a los demás, sino a mí mismo; me quedé en relaciones por sentir que debía hacerlo, no fui honesto con lo que sentía por miedo a herir o ser herido, no me abrí ni dije lo que debía. Espero que Amends nos lleve a Europa y por supuesto, a México para conocer todo sobre ese bello país; hemos tocado en EEUU y Canadá, pero mi favorito fue en el Desierto de Arizona, me gusta tocar en lugares alejados y después mezclarnos con el público. Aún recuerdo nuestro primer gig; teníamos 12 años y estábamos en secundaria, tocamos en la fiesta de cumpleaños de un amigo y solo habían cinco personas en ese sótano; estuvimos emocionados por un mes, nos dieron pastel y comida gratis”, finalizó entre risas Tom D'Agostino.

Beak> — >>>

Lo extraño siempre resulta bastante cautivador. Beak> y su tercer lanzamiento fílmico.

Beak> es un proyecto bastante complejo, pero al mismo tiempo con una simplicidad que raya en lo audaz. En ocasiones no sabemos si se burlan de nosotros o si son unos verdaderos fuera de serie. El trío nacido en Bristol está compuesto por Geoff Barrow, genio detrás del sonido de Portishead y dueño de Invada Records,  Billy Fuller y Will Young. Para darnos una idea de lo que es Beak> y su extraña manera de trabajar, su primer álbum lo grabaron en una sola toma. Sin cortes ni ajustes maquiavélicos en el estudio. Sin sobre posición de arreglos ni miles de masters en ejecución. Como si se tratará de una película Serie B de muy bajo presupuesto.

El sonido de la banda es único y refrescante, pues se han encargado de destrozar géneros musicales para absorber lo mejor de cada uno. Con sintetizadores pesados, guiños al krautrock, psicodelia sombría, fríos momentos pop y una clara obsesión por los soundtracks de los 80 y la ciencia ficción, Beak> ha construido un universo multiconvergente donde todo puede pasar, y donde nada resulta ser predecible.

Ahora, después de seis años del lanzamiento de >>, Beak> sigue con su monótona cuenta para nombrar a sus LPs y presenta su tercer material de larga duración: >>>. La música en esta ocasión fue más compacta y el trío rompió varios paradigmas que en sus anteriores entregas habían descuidado, o cuidado, sea cuál sea el caso. En primer lugar ahora proyectan más arreglos en las cuerdas, siguen con esos ritmos análogos en el sintetizador pero su sonido suena más ecualizado, con una composición superior y una producción mucho más respetada. En segundo lugar parece que saltaron de ese fondo de b sides y rarities para darle a la banda una proyección más clara. Y no es que hayan perdido su esencia, al contrario, encontraron una forma para elevarla un poco más. Destilando sus influencias para hacer de este nueva etapa algo totalmente distinto.

“The Brazilian” es un implacable primer paso y excelente tema abridor, la guitarra lleva directamente a un gruñido progresivo, además el sintetizador es un aullido en forma de ola espacial que te recuerda a Yes, subiendo y bajando el volumen cuando se merece, un muy buen primer acierto. En segunda instancia llega el single debut: “Brean Down”. Con una lírica más profunda escuchamos cantar a Barrow, “You don’t like our music ‘cause it ain’t up on the radio”, repudiando contra esa manera comercial en cómo se consume música en nuestros días y los éxitos pasajeros que suelen llenar nuestros oídos mensualmente. Se destaca que Beak> siempre vuelva a su “usual” yo, pero nunca se conforme.

Bajando nuevamente los controles llega “Birthday Suit”, un hipnótico tema que arranca con un sintetizador trip hop ralentizado y una voz con eco en el espacio. Uno de los mejores temas de >>>. Y con apenas tres canciones en la mente, me percató que Beak> lo volvió a hacer con maestría: estoy completamente inmerso en su música y en su mundo. “Harvester” es una melancólica melodía, los sintetizadores son dejados atrás por primera vez y un arpegio oriental en las cuerdas acompaña todo el tema. Es uno de esas canciones que se alejan completamente del alien que es Beak>, pero que de alguna manera se agradece que su libreto no sea un trámite engorroso, que pueden improvisar y jugar con su creación cuando así les plazca.

Y así como nos expulsaron del alienígena y minimalista concepto, con “Allé Sauvage” nos vuelven a inducir por completo y sin previo aviso. La composición de siete minutos se toma su tiempo, presenta un concepto completo con previo, clímax y desenlace. Un viaje con ralladuras techno que si bien no pertenece a ningún soundtrack de alguna película vintage de espías o a una obra de giallo italiano de Argento, debería de hacerlo. Con “Teisco” como conexión de ficción terrorífica, la trama vuelve a girar la tuerca y llega “King of the Castle”. Un arreglo en las teclas que parece fue inspirado en un videojuego retro, Beak> se arriesga a integrar una guitarra muy garage y una voz más profunda y explosiva. Todo cambia de manera perfecta en el trío, su ser tiene incontables mutaciones dignas de ovación.

La pantanosa y espeluznante “Abbots Leigh” presagia el final. La canción de seis minutos se aproxima mucho a lo que el proyecto propuso en >>, trayendo de nueva cuenta raras conexiones entre sonidos de ultratumba y vertientes lodosas lo fi. Con una propuesta totalmente instrumental, Beak> da una vuelta y realiza un flashback a sus orígenes. Y como todo filme tiene su desenlace, “When We Fall” viene para culminar el tercer extracto cinematográfico del trío de Bristol. Nuevamente como en “Harvester”, la guitarra tiene un gran peso. Y aunque es una excelente pieza que puede ser encapsulada en el folk, resulta increíble que sea la más floja de un álbum casi perfecto.

Beak> es un despreocupado creador que no le interesa encasillarse en corrientes musicales. Con arreglos trippy y la conexión de diversos sonidos, sus temas muchas veces resultan ser conexiones interplanetarias más que singles que se manejan de manera autónoma. Su amor por la estética y la cultura retro ha convertido a sus discos de larga duración en fantásticos soundtracks de su propio universo cinematográfico. El trío de Bristol maneja su mundo a la perfección, pero al mismo tiempo parece que no planean nada. Que sueltan a la bestia y graban los resultados sin ser etéreos o tratando de mantener una obsesión de “autenticidad”. >>> es frío, raro y distópico. Simplemente es Beak>.

Jóhann Jóhannsson — Mandy

Mandy: La última composición del islandés exige que después haya silencio.

Si se hubiera marchado con Fordlandia estaríamos llorando su ausencia, atónitos y acongojados. La obra compuesta hace diez años es bellísima. Pero cuando Jóhann Jóhannsson partió el nueve de febrero de 2018 dejó un halo un poco cruento que nos permite imaginar una advertencia, “el mundo es un sitio hostil”. Lo cual lo hace un poco más doloroso imaginando un último aliento sin espacio para la luz. La música para la cinta Mandy es un conjunto de temas vibrantes fluyendo entre el metal atmosférico y el drone, es difícil que en ese cúmulo de composiciones haya paz.

La combinación de cocaína con un medicamento para la gripe fue lo que detonó la falla cardiaca, su muerte fue un repentino golpe emocional a sus amigos, familiares y fans, su ausencia deja un vacío en el mundo de la música y al mismo tiempo lo inmortaliza para siempre. Si nos permitimos imaginar que hay una mensaje detrás de su despedida, nos acercamos a un terreno peligroso, la suposición de una vida infeliz pese al éxito de la carrera del compositor islandés. Su música no pudo salvarlo.

Mandy es el reciente trabajo del realizador cinematográfico Panos Cosmatos, cuya premisa es la venganza de Red Miller (Nicolas Cage) tras el asesinato de su pareja Mandy a manos de un culto hippie. Aplaudido tras su pase en el festival de Sundance la cinta es descrita como un viaje de color y sonido en medio de una narrativa contemplativa. Su música –aquí es en donde dejamos correr la imaginación y pensamos en Jóhannsson despidiéndose del mundo– es abstracta y siniestra, oscura y espesa, estresante y pesada, como la vida. La visión del compositor islandés acerca del entorno ya había sido tocada por la violencia; Sicario, Prisoners y un fallido intento de participar en Blade Runner 2049 componen junto con el último de sus trabajos un ensordecedor eco que cubre todo de extremo dolor. Golpes y dolor. Un mundo del que hay que tener cuidado.

Coproducido con Randall Dunn y compuesto con el guitarrista de Sunn O))), Stephen O’MalleyJóhann Jóhhannsson experimenta en algo que no había probado, un sonido frío y violento al mismo tiempo (“Burning Church” y “Forging the Beast”) y que en sus contados momentos cálidos parece debilitarse ante un punzante bajo (“Memories”). Pero la joya de todo el álbum es el track titulado como el culto que asesina a la esposa de Red Miller. “Children of the New Dawn” es lo más cercano a un tema convencional que el islandés podría componer, un balance de tintes emocionales, un paso constante marcado en principio por la batería y después por el punteo de guitarra, casi podría ser de Swans de no ser por sus matices tristes, metal espeso que grita dolor porque así es el mundo, en fantasía. Demasiado cruel como para jugarle una mala pasada al islandés, demasiado negro como para no darle suficiente fuerza para no caer en las manos de la cocaína, demasiado triste… y los que seguimos aquí te extrañaremos Jóhann. Nuevamente descansa en paz.

Moby prepara libro

"El oscuro corazón de la fama y los demonios que se esconden bajo el estilo de vida de una celebridad", en el nuevo libro de Moby.

Han pasado dos años desde que el músico estadounidense nos sorprendió con el lanzamiento de su primer obra autobiográfica y tal parece que aún queda mucho por contar, pues ahora ha anunciado el lanzamiento del título sucesor. Se trata de Then It Fell Apart, material que retrata la historia de vida detrás de la fama y los excesos de una de las figuras más sobresalientes de la escena musical electrónica.

A través de sus capítulo podremos adentrarnos a algunos de los pasajes de Richard Melville Hall, mejor conocido como Moby, a lado de figuras como David Bowie, Lou Reed, Christina Ricci y Madonna.

Esta nueva entrega estará disponible a partir del 2 de mayo del próximo año y será publicada por la editorial independiente Faber Social, especializada en obras musicales.

Then It Fell Apart llegará como secuela de Porcelain, primer obra literaria del compositor y activista estadounidense, estrenada en 2016. De acuerdo a la firma editorial. “Este segundo volumen de la historia de la vida de Moby, se adentra en el oscuro corazón de la fama y en los demonios que se esconden bajo el estilo de vida de una celebridad”.

Moby_Then ItFell Apart