El Rock & Roll Hall of Fame anuncia los nominados

¡Conoce a los nominados para el Rock & Roll Hall of Fame 2020!

Esta mañana el Rock & Roll Hall of Fame anunció en sus redes sociales los artistas nominados para su siguiente edición en 2020. La lista cuenta con un total de 16 nombres, todos ellos unas leyendas en el mundo de la música. Entre los más destacados se encuentran Depeche Mode, Whitney Houston, Judas Priest, Kraftwerk, entre otros. ¡Mira aquí abajo la lista completa de los nominados!

Un requisito fundamental para poder estar nominado en este premio es que el artista o banda debió de haber estrenado su álbum debut hace 25 años como mínimo. Esta edición se llevará a cabo el próximo 2 de mayo en el Auditorio Público de Cleveland, Ohio.

Podrás votar dando clic aquí hasta el día 10 de enero, así como elegir un máximo de 5 nominados por boleta. Posteriormente, los cinco mejores artistas estarán compuestos por una "boleta de los fanáticos" que se contará junto con las otras boletas para elegir a los ganadores de 2020.

El año anterior, de los 15 nominados únicamente entraron siete al salón de la fama: Def Leppard, Janet Jackson, Radiohead, Roxy Music, Stevie Nicks, The Cure y The Zombies.

The Drums estrena "I didn't Realize" y "You Lied"

A un día de su presentación en El Plaza Condesa, The Drums estrena dos canciones ¡Escúchalas ahora!

La banda de Brooklyn, The Drums, compartió "I didn't Realize" y "You Lied". Dos sencillos que habían sido grabados por Jonny Pierce desde el año 2012, pero fue hasta el día de hoy que por fin salieron a la luz, ¿Será que mañana interpretarán este par de temas durante su presentación en El Plaza Condesa?

¡Escucha ahora "I didn't Realize" y "You Lied"!

Algo extraño de las canciones es que en realidad aparecen como una colaboración de The Drums y Jonny Pierce lo cuál es muy confuso, sin embargo, esto se debe a que Pierce compuso y grabó los dos sencillos en un momento difícil para él y para la banda. Jonny comenta que ambos sencillos se complementan el uno al otro, ya que abarcan temas como el engaño y traición.

Es fácil escribir una canción cuando estás en el resplandor de una epifanía. Estaba saliendo de un capítulo de profundo dolor después de que un compañero de banda a quien amaba y confiaba profundamente me abandonó por algún tipo de pasto hipotético más verde... Esta canción trata sobre la comprensión de que poner las necesidades de otra persona por encima de las tuyas puede llevar a resultados devastadores", mencionó Jonny.

Cashmere Cat — Princess Catgirl

Princess Catgirl de Cashmere Cat: Sueño digital.

Algo encontraron los grandes artistas del mainstream para que Magnus August Høiberg se convirtiera en colaborador recurrente de esa escena. También conocido como Cashmere Cat, el productor que puso sobre la mesa conceptos como "R&B futurista" irrumpió el mundo musical con un EP que incluso hoy ofrece sonidos innovadores. Desde Diplo, pasando por Kanye West hasta encontrarse con su ahora recurrente Ariana Grande, el noruego ha construido desde las consolas varias de las canciones más memorables de los últimos años.

Ahora reaparece con una placa relativamente breve; sin embargo, con ella deja muy clara la dirección en la que está interesado actualmente. Para la conceptualización inicial, tomó su alter ego y lo introdujo en una fantasía que cualquiera podría asimilar como el universo de un videojuego. Y de ahí parte todo. Con una narrativa meramente sonora, Princess Catgirl es la peripecia de dicho personaje en un ambiente de fantasía.

Magnus interpreta esos pasajes a través de bases rítmicas definidas, planteadas con mucha pulcritud. Por otro lado, el trazado melódico muestra influencias evidentes de músicos asiáticos como Tzusing y Howie Lee. De hecho, no sería descabellado pensar que en el futuro, más cercano al pop, Cashmere Cat podría trabajar con proyectos como BTS y Red Velvet.

Y tal vez, de esa posibilidad surge el verdadero problema de Princess Catgirl. Si bien los discos como solista de Cashmere Cat son mayoritariamente instrumentales, es la primera vez en su trayectoria en la que los temas se sienten como la introducción de algo que nunca termina por concretarse.

Los tracks presentan un hilo conductor; sin embargo, no existen variantes climáticas dentro de esa unión. Probablemente se deba a que –según sus propias palabras- "intentó desnaturalizar su proceso en búsqueda de nuevos procesos creativos". Podríamos decir que se vuelve más notorio en las atmósferas que genera: mientras Wedding Bells y 9 nos llevan a caminos introspectivos, Princess Catgirl carece de fuerza más allá del relato que buscaba contar.

Aunque podríamos considerar éste como un tropiezo en su carrera, es importante resaltar que con Princess Catgirl nos da esbozos de su talento para abrirse a otras posibilidades, a otros colaboradores.

Solo queda esperar.

Angel Olsen — All Mirros

All Mirrors: El mantra de poder de Angel Olsen.

La década está por terminar y resulta inevitable hacer un recorrido a través de todo aquello que nos dejó el panorama musical durante ese lapso. Con el protagonismo de algunos géneros, también fuimos testigos de varias tendencias que se consolidaron con el paso del tiempo. Entre ellas –quizá- una de las más importantes fue el ascenso de proyectos solistas por encima de los colectivos. Y justo cuando eso parecía ser otro argumento para acentuar la crisis del rock, aparecieron  propuestas como las de Courtney Barnett y Angel Olsen para recordarnos que no se necesita estar en una banda para crear discos de alto nivel.

De esa generación, podríamos remarcar a Olsen por su sobriedad y la naturalidad expresada para evolucionar en términos sonoros. Cinco discos en 10 años no podían llegar a buen puerto sin esa capacidad para reinventarse. Por eso All Mirrors, el más reciente de esa serie, se convierte en el conglomerado de recursos que encontramos en sus cuatro antecesores hasta lograr el álbum con más ambición y potencia en todos sentidos dentro de su trayectoria.

Hay algo que no podemos perder de vista: incluso desde la intención de cambio, Angel Olsen mantiene el valor para abrir su alma, su espíritu y su corazón con tal de compartir exactamente lo que siente. Si Half Way Home era una pregunta constante sobre el paso definitivo a la adultez y My Woman fue su gran interpretación de lo que para ella significa ser mujer, All Mirrors es un desahogo sin filtros en el que replantea la identidad a partir de la ira, el desconsuelo y la falta de ilusión.

Cada verso es tan visceral como la anterior y la que sigue; pero sabe manejar esos impulsos para inmiscuirnos en su viaje de manera paulatina: "I've been watchin' all of my past repeatin', there's no endin', and when I stop pretendin', see you standin', a million moments landin'.  On your smile, buried alive, I could have died to stay there, never have to leave there". Ella es una artista chapada a la antigua, de aquellos tiempos en los que no existía la prisa y las cosas solo sucedían en el momento indicado: Olsen decidió exiliarse en su estudio en Washington para componer desde el folk y demás elementos seminales para la música americana; sin embargo, cuando se encontró a Ben Babbitt, Jherek Bischoff y Josh Completos, la colisión fue tal que no tuvo de otra más que replantear su disco e instrumentar desde cero.

¿El resultado? Un desfiladero hacia la oscuridad entre elementos orquestales y líneas extensas de sintetizadores. Al final, Olsen logra equilibrar las fuerzas de lo emotivo y lo racional con el objetivo de no empantanar sus canciones como le sucedió en su disco previo.

All Mirrors es una invitación a no temerle al dolor ni a la devastación consecuente de eso. A pesar del cansancio explícito que expresa en toda la placa, nos hace conscientes –se hace consciente- de que no hay otro modo de crecer si no es por medio del sufrimiento. Sin tantos reflectores, Angel Olsen es la voz de una generación. Y para nuestra fortuna, no dudó en aceptar ese papel.

Porter nos comparte el video de "Para ya"

La inesperada historia que nos cuenta Porter y nos recuerda que todos somos uno mismo.

“Para ya” es un de los temas que se desprende del nuevo álbum de Porter, Las Batallas. En el cual, a través de sus canciones, nos embelesan la figura del ser humano en el universo. Es por ello que, dentro de este tema nos relatan una historia de desamor y traición.

El video es producido por Story: y Pandora. La historia comienza en el momento en que unos cadetes se encuentran en medio de rutina de ensayo marchando por el campo. Además de mostrarnos las diferentes actividades que realizan de sol a sol para cumplir con su debido. Pero no son los únicos protagonistas, pues las mujeres también cumplen con su tarea a través de diferentes actividades. Por lo que entre miradas y acercamientos se desencadena una historia de amor. De aquellas en que el amor es puro e inocente, pero al mismo tiempo se sabe que puede durar poco.

No te pierdas de la historia de “Para ya”

Anteriormente lanzaron los videos de los temas "Cuando lloro”"Chesko" e "Himno eterno", los cuales contienen una narrativa similar. A finales de octubre, la banda tapatía se presentará a lado de Babasónicos y Bengala en Parque Naucalli. Entérate de los detalles a continuación.

TR/ST dio a conocer un nuevo tema: "cor"

El tema más oscuro de TR/ST ha llegado para sacar nuestro lado más denso y darks.

El proyecto electrónico de Robert Alfons estrena un nuevo tema, este lleva por nombre “cor”. Tras casi 6 meses de haber lanzado su famoso álbum The Destroyer – 1, TR/ST está de regreso presentar The Destroyer – 2. Hasta el momento se han conocido temas como “Iris”, “Destroyer” y “The Stain”. A partir del 1 de noviembre podremos escuchar los 8 temas que formarán parte de este álbum. Mismo que puedes pre ordenar a través de su sitio en Bandcamp.

Un tema diferente a lo que TR/ST nos había presentado, “cor”, nos muestra el lado más oscuro del proyecto. La inmensidad del vacío se puede notar en este profundo tema. Podemos encontrar un estilo dark wave en la pesada voz de Robert transportada por un eco en contraste con la soledad de las notas del piano. Además, los sintetizadores oprimen el pecho hasta llevarnos a un estado de abatimiento.

Dale play a “cor” a continuación.

Después de la euforia que nos dejó con The Destroyer - 1, en el que podemos escuchar temas como "Grouch", "Colossal" o "Gone", nos deja expectativas muy altas para su nueva producción. El pasado mes de junio TR/ST formó parte de las celebraciones de la Semana IR!. Si quieres saber cómo se vivió su presentación, puedes leer la reseña aquí.

The Offspring en el Pepsi Center WTC

Patinetas, cerveza y playas citadinas: The Offspring en el Pepsi Center WTC.

Era 1988 y una banda llamada The Dead Milkmen, filmaba un video musical en una ex penitenciaría de Filadelfia para la canción “Punk Rock Girl”. Sin saberlo, estaban por pasar a la historia. Siete años habían pasado desde que MTV debutara con su lema: “Por cable. En estéreo”, con sus videojockeys presentando videos musicales 24 H al día. La algarabía se mantenía con el canal que daba voz a una generación de supuestas equis. Un día, “Punk Rock Girl” fue escogida como el highlight de la semana, la canción más pedida del canal más popular entre la juventud, era también la primera canción de punk rock en traspasar la barrera hacia la televisión. El underground comenzaba su ascenso.

Si 1991 fue el año en que —generalizando un poco— el rock alternativo desbancó al pop de Michael Jackson a través de Nirvana, 1994 también sería un año importante para los ideales del Do It Yourself: Smash, el tercer álbum de estudio de The Offspring, salía a la venta a través de Epitaph Records. California y sus patinetas estaban en el mapa otra vez. Hasta la fecha, es el álbum de una disquera independiente más vendido de la historia. Smash lo tenía todo. Tenía rabia punk, letras en donde se problematizaban aspectos mundanos. Hasta tenía momentos de bajar el ritmo. Acerca de esto Kevin “Noodles” Wasserman dijo en una entrevista para la Rolling Stone.

Cuando estábamos escribiendo 'Self Esteem' no lo entendía del todo. La estructura de la canción me parecía extraña. Estábamos acostumbrados a tocar realmente rápido… lo más rápido que podíamos”.

Es ese melodismo no tan crudo, lo que hizo que The Offspring llegara a lo más alto. Años después —en 1998— sacarían el Americana, un disco que podía agradar a un niño de siete años, o a adolescentes incomprendidos y viejas glorias del punk. Uno, dos, tres, cuatro, cinco, cinco, ses.

Los años pasan y la nostalgia reverdece los gustos. Después del Conspiracy of One del 2000, The Offspring pasó por un periodo “oscuro” en los 2000, cuando, quizá, no encontraban su lugar en el mundo. Los 90 habían terminado y el punk rock californiano era desplazado por muchachos que cantaban sobre la inteligencia de policías de Nueva York y lo que había dicho una chica la noche anterior. Pero el 2019 es una historia diferente, y el Pepsi Center WTC de la CDMX, presentaba un sold out para ver a sus ídolos. Esta es una aseveración temeraria, pero creo que el mejor género para presenciar en vivo es el punk. Cualquiera se puede unir a los gritos distintivos de “uoh oh oh”. El ambiente era el propicio y la banda de California lo sabía.

El setlist no podía decepcionar, “Americana”, “All I Want”, “Come Out and Play”, “It Won’t Get Better” y “Want You Bad”. Parecía una de esas recopilaciones con las que introduces a un neófito a una banda. The Offspring sigue sonando igual. Sigue teniendo la energía que los catapultó a convertirse en símbolos. No hubo un solo momento durante la presentación en donde no hubiera centenares de celulares por los aires para capturar una canción en dudosa calidad, pero invaluable pertenencia sentimental. Lo indispensable para decir: "yo estuve ahí". “Original Prankster”, un cover de “Whole Lotta Rosie” de AC/DC y “Bad Habit”. Un domingo de octubre que, ojalá, se hubiera extendido lo más posible.

Y de repente, empezaron las percusiones. Gritos por reconocer un patrón rítmico impregnado en la memoria. Pelotas de playa aparecieron para rebotar entre las manos de los asistentes que por un momento se trasladaron a las costas de Huntington Beach mientras coreaban. “My friend’s got a girlfriend, man, he hates that bitch…”. Una fiesta descolocada, The Offspring es capaz de transportar a otras experiencias, recuerdos, amistades y amores del pasado. Y también de crear nuevas memorias para la posteridad. Después del encore, “You’re Gonna Go Far, Kid” recordó que en el 2008 también hacían canciones y, para terminar, aquella canción de estructura extraña, de ritmo más pausado que “Noodles” no entendía: “Self Esteem” cerró un concierto del que pocos se pueden quejar.

Tal vez fue “Punk Rock Girl” una de muchas semillas que germinaron el camino para que el punk rock saliera de los lugares improvisados para tocar, pero sin lugar a dudas, The Offspring está, junto a otros como NOFX, Bad Religion, Green Day o Rancid, en el pedestal de encumbrar a una ciudad, una cultura y a todo un género.

Mala Rodríguez gana un importante premio

Además, Mala Rodríguez anunció su próximo sencillo titulado: "Dame bien".

El pasado 11 de octubre fue una noche llena de felicidad para Mala Rodríguez, pues fue la ganadora del Premio Nacional de Músicas Actuales en España. Sin embargo, este no es el primer premio para Mala, ya que en el año 2010 ganó un Grammy Latino con la canción "No pidas perdón" de su álbum Dirty Bailarina.

Para la cantante, el recibir este premio fue muy especial pues es un reconocimiento de su país natal, el cual ha tenido que dejar en diferentes ocasiones.

Además, la española nos sorprendió con el anuncio en redes sociales de su próximo sencillo. Este se titula "Dame bien" y fue realizado en colaboración con Guaynaa y Big Freedia. Aún no se sabe cuándo estará disponible, pero ya puedes darle un vistazo a la portada:

 

 

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Muy pronto, ‘Dame Bien’... 🔥🍊

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La intérprete de "Gitanas" se ha abierto paso en el mundo de la música urbana, incluso hasta en el género del R&B. Ha tenido colaboraciones con artistas de todo el mundo como El Guincho, Julieta Venegas, Juan Magán, y muchos más.

Mientras esperamos lo nuevo de Mala, dale play a "Aguante".

Nortec Collective anuncia su 'Greatest Hits'

Un álbum de Greatest Hits estará disponible para celebrar el 20 aniversario de Nortec Collective.

Este 2019 Nortec Collective: Bostich + Fussible cumple 20 años, es por eso que Ramón Amezcua y Pepe Mogt anunciaron el lanzamiento de un álbum que recopila sus mejores éxitos. El disco contará con un total de 10 canciones, entre entre ellas "Tijuana Sound Machine" y "Tengo la voz".

Por parte de BOSTICH+FUSSIBLE queremos agradecer a quienes nos acompañaron en esta aventura compartida todo este tiempo y en especial a nuestros amigos músicos(los de planta de TSM), las orquestas, filarmónicas, arreglistas, prensa, museos, instituciones culturales, directores, escritores, diseñadores gráficos, productores, videastas, vjs, animadores, técnicos, disqueras, promotores, festivales, clubes, DJs, managers, amigos, familia, Don Lucio, agencias de booking y a los seguidores de NORTEC que degustaron nuestra música con mucha cerveza y baile. No celebraremos esta vez con un concierto, queremos que cada uno de ustedes celebre desde su sistema de sonido y escuchen este VIINLO que contiene las piezas que marcaron nuestra carrera como músicos. Una música descriptiva, regional, subjetiva y en lo personal hasta pura", expresó la banda en redes sociales.

Este álbum llamado Greatest Hits saldrá a la venta el próximo 18 de octubre a través de la compañía discográfica Nacional Records y estará disponible en Amazon music, ya puedes pre ordenarlo dando clic al siguiente enlace.

Te compartimos la portada a continuación:

Dale play a "Tijuana Sound Machine"

 

 

Nick Cave & The Bad Seeds — Ghosteen

Ghosteen: El conmovedor retrato de un padre afligido.

Una parte de Nick Cave se disolvió hace cuatro años. Su alma se llenó de grietas y el artista evolucionó para darle otro sentido a su carrera. Los desenlaces y el dolor no son un tema nuevo en el trabajo del australiano, pero la vulnerabilidad, en al menos un tópico personal, alcanza un nivel superior. Todos hemos perdido a alguien. Todos luchamos diariamente con nuestros propios demonios. Nick canalizó su pesadilla en lo que mejor sabe hacer. Ya no está atrapado en el dolor, y busca una esperanza ante el tormento colectivo. Una absoluta catarsis para liberar la pesadumbre nombrada Ghosteen. ¿Qué puede pasar después de lo peor?

Ghosteen es el primer álbum escrito directamente para Arthur, el hijo de Nick que falleció accidentalmente a los 15 años de edad. En Skeleton Tree hubo algunos temas dedicados para él, pero parte del material ya estaba compuesto. A partir del suceso, el cantante, en lugar de alejarse y cobijarse en las sombras y arroparse con la oscuridad –como lo ha hecho en repetidas ocasiones–, se acercó a su público. A aquellos fanáticos que han bailado con él en las tinieblas. Que han sentido su intenso blues y erizado con su esencia gótica. Los súbditos que han sentido en lo más profundo sus rupturas amorosas. Cave no es un cantante, ni un artista. Es aquella voz que pareciera entender y explicar lo que muchos callamos. Sus letras son una vibración de sentimientos que conmueven. Un consuelo a las heridas que queremos cubrir para sobrellevar las cargas emocionales. 

Y es en esa conexión, que Nick se aventuró a responder cualquier pregunta en su sitio Red Hand Files, donde dejó entrever su estado de ánimo y entregó sabios consejos a su audiencia, tal vez una de la más fiel que existe en el ámbito musical. También en este proceso de sanación y duelo, el barítono mezcló sus presentaciones con preguntas del público, creando shows íntimos únicos en su carrera. Golpes anímicos e intestinales que creaban una comunión. El poeta se elevaba y con ello calmaba la fatalidad en su cabeza. 

Cuatro años han pasado desde el accidente. Cuatro años tardó Nick Cave en trascender y crear su redención. “Las canciones del primer álbum son los niños. Las canciones del segundo álbum son de sus padres. Ghosteen es un espíritu migratorio”, escribía ante la presentación global del LP doble que amenazó con lanzar apenas una semana antes sin previo aviso ni sencillos promocionales. Y creo, escucharlo de esta manera fue otra manera de entender al “Diablo”. El vínculo de una tragedia que nadie quiere ni debería pasar la apreciamos por una hora y 12 minutos. 

La evolución del poeta maldito

Desde Push the Sky Away, Nick Cave & The Bad Seeds –porque es cierto, el poeta es la esencia del proyecto, pero no podemos dejar a un lado a los excelsos músicos que lo rodean y han entendido cómo interpretar los sentimientos de su líder que parece lo persigue una especie de maldición– ha dejado a un lado las guitarras estruendosas, apoyándose de sintetizadores, cuerdas más nobles y hasta cajas de ritmo. En Ghosteen no es la excepción y lo escalonan de una forma bíblica. En una entrevista, Cave mencionó que Blixa Bargeld se había llevado las guitarras de rock. No nos mintió. Y, de alguna forma, deberíamos agradecerlo. Conocer esta etapa lúgubre le otorga otro sentido a la música de la banda. Una forma de trasladar sus obsesiones a otro plano. 

Hablando de su estructura, “Spinning Song es la primera pieza que nos presentan. “La paz llegará a tiempo”, entona Nick en una melancólica voz que te eriza la piel. Se nota la participación a fondo de Warren Ellis y el fino toque que le ha otorgado a los Bad Seeds desde hace algunos años. Desde la partida de Mick Harvey, se convirtió en la mano derecha y parte más creativa. Bright Horses es una emotiva canción donde los sentimientos están a flor de piel. Estoy a tu lado, estoy sosteniendo tu mano. ¿Los espíritus existen y conviven en este plano? Nick ve una pequeña forma blanca que baila al final del pasillo. Arthur podría llegar en el tren de las 17:30 H. Imposible no estar conmovido. Todos te hemos acompañado en este dolor. Gracias por representarlo así. 

Es cierto, las letras de Ghosteen son realmente profundas, pero la voz ya no proyecta soledad y resentimiento como en Skeleton Tree. El umbral de dolor y los segundos donde casi quebraba en llanto quedaron atrás. Con esa liberación llegó el consuelo, una nueva etapa de duelo donde lo único que queda es luchar y recobrar la fe por lo que tenemos.  

En su momento de predicador, Sun Forest” entra como una promesa. No hay nada más valioso que el amor. El escritor de 62 años se aferra a creer, a pensar que una fuerza divina nos protege. Lo peor ya pasó, nada podría hacerlo más doloroso. Ghosteen es un diálogo. El retrato de un padre afligido que destapa su alma y muestra la más dura etapa vívida de la aflicción. Los sintetizadores oscilan lento en el espacio. Algunos sonidos de piano se entremezclan en la pesadumbre electrónica. ¿Es esto una forma en la que el artista agoniza? ¿Las secuelas de la desgracia hicieron trascender al vampiro para creer en la luz? 

Calmando los demonios internos

En esta primera parte de Ghosteen es evidente que Nick se aferra a que la muerte es solo un pequeño fin. Uno en donde el proceso no es definitivo y nos volveremos a encontrar con las personas amadas que perdimos. Todos hemos estado inmersos en el infierno. La esperanza es una fuerza grande para luchar contra esos abismos existenciales. No tenemos que estar siempre tristes o repletos de rabia. Escuchemos al predicador hablarnos un poco más de eso. No hay que confundirnos, esto va mucho más allá de cualquier religión. Él lo sabe. 

Nick Cave & The Bad Seeds divide su disco en dos partes. El primero en canciones mucho más cortas. El segundo con una evolución en el estado de ánimo. Ghosteen abre el desenlace. “No hay nada de malo en amar algo que no puedes sostener en tu mano”, sentencia en canción de 12 minutos. “Hollywood” evoca por primera vez un bajo profundo. Se escucha mucho a Bad Seeds de hace algunos años. La batería del mítico Jim Sclavunos suena a lo lejos y por primera ocasión. Una increíble experiencia sonora. Cierre magnífico de un material que raya en la perfección. 

He dicho todo de mi parte y al parecer nada le hace justicia al trabajo de Nick Cave. Seas fanático o no, es un álbum que no puedes dejar pasar. Tal vez calme algún demonio que no puedes aplacar. Lloramos junto a ti, esperemos el consuelo llegue a tu vida. Es algo que todos necesitamos. Ghosteen es una verdadera pieza de arte. “El amor no tiene cura, pero es la única cura para todos los males”, Leonard Cohen.