La banda de Nueva York, DIIV comparte un nuevo adelanto de su nuevo álbum.
Las vibras shoegaze y el estilo grunge resurgirán gracias a DIIV, que pronto lanzará su tercer material de larga duración. Para prepararnos compartió el video para el tercer sencillo que lleva por nombre “Blankenship”. Este será parte de Deceiver, que saldrá el próximo 4 de octubre y que ya puedes pre-ordenar en tu formato o plataforma favorita aquí.
El video de "Blankenship" fue dirigido por Sean Stout y fue grabado en diversas locaciones de California como Trona Ponnacles, Sequoia National Park y Los Ángeles. En estos lugares podemos ver a Savannah Macias tratando de encontrarse, pasando de las zonas más desérticas a un bosque lleno de tranquilidad. Es uno de los temas más enérgicos hasta el momento, sugiriendo un estilo noise pop con elementos post punk. Aún así, las voces son suaves, endulzando los oídos antes de ser destrozados por los guitarrazos de Zachary Cole.
Llena de energía tu semana y escucha el nuevo sencillo de DIIV a continuación.
Para el video quisimos hacer algo muy simple y claustrofóbico antes un problema tan inminente como el cambio climático. En lo personal, estar atrapado solo en un vasto desierto árido desprovisto de vida es aterrador”, así es como Stout, director y editor del video, se ve en su peor pesadilla.
Para Deceiver, la banda neoyorquina retoma grandes puntos de referencia del mundo musical para incorporar nuevos sonidos y texturas. Esto lo hicieron de la mano de Sonny Diperri, su productor. Al querer ser reconocidos como una “banda de rock” y dejar a un lado la etiqueta de “dream pop”, se ha inspirado en bandas como Deafheaven, True Widow, Slint y Neurosis. Mismas que podemos notar en “Blankenship”.
Anteriormente, DIIV compartió los sencillos “Taker” y “Skin Game”.
Apophenia: La experiencia consistente de los patrones.
A tus manos pueden llegar infinidad de cosas como un globo rojo enorme con un agradecimiento, una botella de whisky en honor a un evento o quesadillas como pretexto del lanzamiento de una canción, pero más allá de lo material, un link con algo intangible, intravenoso y surreal puede alegrarte y enriquecerte más que algo con lo que no sabes qué hacer o donde acomodar.
A mis oídos llegó Apophenia, y desde la primera escucha el intrincado sentido creativo comenzó a envolverme de tal forma que olvidé todo lo que debía hacer para concentrarme completamente y dejar que el veneno de “Augury” comenzara lentamente a infectar mis neuronas. Lentamente el estrepitoso candor instrumental de los sonidos van hilando un telar catastrófico pero evocador, como aquel estruendo que precede la tormenta y las gotas golpeando la ventana que anuncian la llegada de la lluvia.
“Side Effects” de tratar de entender la complejidad sonora son ponerse en los zapatos de Ale Hop y así intentar desenterrar sus secretos, su inspiración, su inventiva. La voz disonante que trata de decirnos algo pero que con música lo explica todo. La empatía experimental que por momentos recuerda a Tujiko Noriko pero con cierta maldad como la de Treha Sektori, el pulso batiente de las máquinas que retosan de agónica creatividad, “El Beso” análogo y atrayente, el sonar que busca ballenas que flotan despavoridas en nuestra mente, los días actuales en gris ambiente ideal para escuchas profundas y discos como este, que difieren a todo lo escuchado recientemente.
“Lima” desenmascara los sonidos de viejas cintas de video filmadas en su natal Perú, casi podemos sentir la altura y la necesidad de mascar hojas de coca para recuperar nuestro equilibrio, el eco de una ciudad rocosa golpeada por el mar, el miasma de la urbanidad y su siniestro y voraz crecimiento, el tema más largo y evocador, asimismo, el más temible y complejo. “Onomatopoeia”, Pequeños trozos que van completándose, rumores y suspiros, sollozos y tremores, mensajes subliminales en glitch, el siseo permanente de un sueño pesado.
“Puñales” y su suerte de música ritualista, las cuerdas que marcan el ritmo y destellan entre los ecos de los sintetizadores, el dinamismo y la usanza instrumental, el coqueteo con el post rock de paisajes azulados, volar por los andes y desenvolver en un hermoso panorama después de tanta catástrofe. Y de nuevo el ríspido accionar de las perillas y los tonos lastimeros, la distorsión y el cuchicheo digital intermitente, “Apophenia (Cielo azul)” y su doloroso y complejo encanto, las luces indicadoras reflejando un rostro concentrado en el ruido y el arte de jugar con el sonido, la afilada precisión del delay, el ambiente que se enrosca con los tonos difusos, el volumen que juega con nuestra apreciación, los cambios dramáticos y precisos, el final lento y calmo.
“Marches”, los últimos patrones bien establecidos y figurativos de una fantasía meramente sonora para entender que la escucha de este material es un respiro ante la cotidianidad, que en la experimentación sigue viviendo el espíritu revolucionario y creativo, que en lo extraño o poco habitual que nos parezca una escucha siempre existe el aliciente del descubrimiento y la indagación. Desde los escenarios de Mutek hasta nuestros oídos, Ale Hop marca un camino completamente distinto pero inspirador, extraño para algunos pero evocador para aquellos que en nuevos sonidos encontramos la desconexión absoluta de la realidad para centrarnos en universos paralelos.
Aún no superamos la belleza de Cornucopia de Björk.
Hace un mes tuvimos la oportunidad de experimentar por primera vez Cornucopia. Esta experiencia audiovisual fue resultado de una visión post apocalíptica de Björk, en la que después de una tragedia, especies animales lideradas por mujeres viajan a un nuevo lugar para crear su propio paraíso.
Musicalmente, este viaje estuvo comprendido en su mayoría por canciones de Utopia, noveno álbum de Björk. También escuchamos otros temas del pasado adaptados a esta era con arreglos ejecutados por Vibra, un septeto islandés de flautistas.
Haz clic en la foto y revive Cornucopia en su totalidad con la reseña y galería de fotos del show.
Uno de los más grandes representantes del new wave, Ric Ocasek, fue reconocido por millones de fans y músicos de esta era.
El pasado domingo 15 de septiembre Ric Ocasek fue hallado muerto en su casa. Horas después se confirmaría su muerte a los 75 años. De acuerdo con el reporte forense, la causa fue una enfermedad cardiovascular hipertensiva y aterosclerótica, además una condición de enfisema pulmonar. Sin embargo, su muerte fue natural.
El líder de la banda The Cars, reconocido por éxitos como "My Best Friend’s Girl", "Just What I Needed" y "You Might Think" contribuyó a la ola de new wave y power pop de los años 70. Por lo que los artistas no dejaron de expresar sus emociones ante lamentable noticia a través de sus redes sociales.
Uno de ellos fue Paul Stanley, la voz principal y guitarra rítmica de Kiss, expresando sus condolencias a la familia.
Compartiendo una foto con un emotivo mensaje el cantante Alice Cooper, lamentó la muerte de su entrañable amigo, quien alguna vez fue su vecino en Hollywood Hills.
La banda estadounidense Weezer compartió unas fotos junto a Ric Ocasek en algunas grabaciones pues fue uno de sus mentores.
The weezer family is devastated by the loss of our friend and mentor Ric Ocasek, who passed away Sunday. We will miss him forever, & will forever cherish the precious times we got to work and hang out with him. Rest in Peace & rock on Ric, we love you. #RIPRicOcasek#karlscornerpic.twitter.com/JcTXevr6V8
Por último, Brandon Flowers. El vocalista de The Killers, compartió uno de los e-mails que, años atrás, le hizo llegar a Ocasek expresando su gratitud por haber contribuido en su vida. Pues fue el álbum Greatest Hits de The Cars el que lo convirtió en la persona que es ahora.
Feeling grateful for Ric. Had the opportunity to send him this email a couple years back. My first king. Thank you, thank you, thank you. pic.twitter.com/h4u8CXDhRg
Ric Ocasek fue, es y será una de las influencias más grandes para el rock alternativo, como lo conocemos ahora y como lo escucharemos. Su legado quedó en legendarias canciones que difícilmente podrán ser borradas.
La rapera Haviah Mighty fue la ganadora con su álbum debut.
Haviah Mighty, rapera de 27 años, ganó el Polaris con su aclamado álbum 13th Floor. Este premio, además de $50,000 en efectivo, fue entregado por el cantante y compositor canadiense Jeremy Dutcherla noche del pasado lunes en Toronto, Canadá.
Aquí ahora en el Polaris 2019, es el momento y el lugar de 13th Floor para subir al escenario. Estoy muy, muy agradecida", expresó la cantante.
Antes de ser solista, Haviah pertenecía a un grupo de hip hop llamado The Sorority, y en 2017 comenzó a trabajar de forma independiente. Posteriormente en 2017 lanzó un EP titulado Flower City, y fue hasta este año que publicó, 13th Floor.
La rapera compitió con otros nueve artistas para ganar el premio, y aunque ella fue la ganadora, los otros participantes recibieron $3000, cortesía de Slaight Music. ¡Checa la lista de los nominados al Premio Polaris!
Marie Davidson – Working Class Woman Elisapie – The Ballad of the Runaway Girl FET.NAT – Le Mal Dominique Fils-Aimé – Stay Tuned! Les Louanges – La nuit est une panthère Haviah Mighty – 13th Floor PUP – Morbid Stuff Jessie Reyez – Being Human In Public Shad – A Short Story About A War Snotty Nose Rez Kids – Trapline
¡Mira aquí abajo la presentación de Haviah en los Premios Polaris!
Previo al lanzamiento de su nuevo LP, Wilco comparte una nueva canción titulada "Everyone Hides".
El próximo 4 de octubre seremos testigos de un nuevo álbum por parte de Wilco y para no hacer más larga la espera, la agrupación ha presentado el segundo sencillo de Ode to Joy. Se trata de "Everyone Hides", track del cual se ha presentado un videoclip que muestra a los miembros en distintos puntos importantes de Chicago.
Sobre el clip la banda declaró lo siguiente.
'Everyone Hides' es el primer video promocional que presenta a Wilco como una banda de humanos vivos en casi 20 años. Tal vez por razones obvias hemos evitado presentarnos de esta manera y hemos tratado de mostrar nuestras fortalezas musicalmente o, no sé, tal vez solo hemos sido flojos. Por alguna razón esta vez lo pasamos genial".
Ode to Joy será un álbum lleno de folk con 11 melodías que reflejarán las emociones y sentimientos de cada uno de los integrantes de la banda, el cual estará disponible a través de dBpm Records.
Recuerda que Wilco visitará nuestro país en 2020 y se presentará por primera vez en la Ciudad de México el próximo 25 de enero en el Teatro Metropólitan. Puedes consultar más detalles dando clic en el poster del show.
Octatonic Records, la nueva compañía discográfica de Jonny Greenwood.
El guitarrista de la banda Radiohead, Jonny Greenwood decidió crear una disquera que se enfocará a la música clásica contemporánea con el fin de documentar a músicos con los que se ha encontrado alrededor del mundo.
En la página web de la disquera, Jonnyescribió un pequeño texto, acerca de lo que tiene planeado para Octatonic Records:
Mi intención es capturarlos tocando las piezas que aman, tanto contemporáneas como antiguas, y publicar las grabaciones en vinilo y servicios de transmisión, tan regularmente como pueda".
Jonny planea grabar únicamente a solistas y a grupos pequeños. Así como sus propias piezas, por ejemplo "88" (para piano solo) y "Miniatures from Water" para piano, violín, cuerda drone y tanpura.
Hasta el momento, Octatonic Records ha grabado un par de piezas, una de ellas del violinista Daniel Piero tocando “Partita No. 2” de Bach y un LP con “Industry” de Michael Gordon en el lado A y “Water” de Greenwood en el lado B. Ya puedes pre-ordenarlos en la página oficial del sello discográfico.
Previamente Jonny lanzó "Horror Vacui" en el BBC Proms, una melodía de 27 minutos. Interpretada por Daniel Pioro, conformada por un violín y 68 cuerdas únicamente. Y ahora que Greenwood inició con este nuevo proyecto, esperamos con anisas la composición de nuevas piezas.
We Are Universe: Cascabel se envuelve en la totalidad del tiempo y el espacio.
Desde la primera ocasión que escuché a Cascabel –hace un par de años– sabía que la banda era única. No solo por su amor al fuzz y al garage, eso existe desde hace décadas y lo hemos celebrado de forma inalcanzable, sino por lo que emanaban y la forma en que te hacía vibrar. Eran los acordes correctos en el momento oportuno. La explosión en tu cerebro de grandes amigos que transmitían paisajes de psicodelia. Incursionaban en un viaje donde todos éramos bienvenidos. Aquella música que muchos tomamos como si fuera un ritual. Una renovación del psych mexicano surgió hace poco menos de una década, Cascabel es pieza fundamental de dicho sonido que se debe escuchar, algo infectando nuestro cuerpo moviendo las fibras de todo el cuerpo.
Con su tercer material de estudio titulado We Are Universe, el cuarteto conformado por Ian, Desentis, Mixoy Puy, vuelve a arriesgar y a soltar la rienda creativa. Siguen escupiendo veneno como en Cobra. Aún traen ese blues repleto de pesadumbre e irreverencia como en Far out, Man!, pero algo cambió, el sonido está mucho más amarrado y ahora se escucha la cosecha de todos los integrantes, arrojando el disco más ambicioso de la banda y sin mucha duda, el mejor hasta la fecha. No malinterpretar, los primeros dos son unas joyas de la psicodelia mexicana, pero éste los lleva mucho más lejos. Se adentran a nuestras raíces, refleja letras profundas repletas de crítica y se siente una unión como en pocas agrupaciones. La Cobra saber moverse bien en el desierto.
El tercer material de Cascabel inicia con “Tranquiloco”, primera pista repleta de poder, con grandes solos en la guitarra y coros que desatan locura para pulverizar cualquier escenario en el mundo. Comienza fuerte y bastante interesante. Como segundo disparo el proyecto lanza “Re de Reptil”, una canción que baja los decibelios, pero no la calidad. Un órgano y una guitarra que rasga una cuerda se unen para ir subiendo de ritmo a cada segundo. La batería se siente más y todo es un ascenso constante. El tema es únicamente instrumental, no necesita letra para expresar lo que nos quieren decir. Increíble lo que hace Cascabel, en dos canciones ya nos tiene en sus manos. Todo empieza a convertirse en una psicosis.
“God Is Our Interior Decorator” es un flashback a lo que hizo la banda en sus pasadas producciones. Lírica en inglés, guitarras potentes y con sus influencias muy implícitas. Un buen tema, aunque de los que pasarán más desapercibidos en el viaje de 50 minutos. La carga creativa de Cascabel crece bastante después de esto: “De cabeza” y “Todo se conecta” son de lo mejor que tienen en su catálogo, no solo porque vuelven al español, sino que exploran en nuevos matices y terrenos que pisan bien y con mucha seguridad. El cuarteto arriesga y sale victorioso en cada batalla. We Are Universe te envuelve, se convierte en ambición pura y la instrumentación se hace una parte fundamental. La oscuridad se transforma en luz, una simbiosis perfecta. “Todo se conecta con amor...”.
Todos pertenecemos al Universo
“We Are Universe, Pt.1” llena de pesadumbre y un poco de stoner el material. Bajan al averno y con voces aletargadas nos regalan una invitación al desierto. Esos sonidos industriales, densos y fríos que Iommi nos obsequió desde Birmingham. Riffs al puro estilo Black Sabbath, el veneno llega sin previo aviso a los oídos. “We Are Universe, Pt.2” es una continuación sin corte. Solo entrelaza el trabajo previo y sube el ritmo, pero sigue manteniendo la oscuridad. Un par de tracks que sumando su duración nos regalan casi nueve minutos de lo que es Cascabel en su estado más puro. ¡Llegó lo que más nos gusta: la distorsión y los ruidos bajos!
Con más de la mitad del LP en nuestra mente, la agrupación llega con “¿Qué vas a hacer cuando apaguen el Internet?”, la respuesta es simple: ¡desaparecer! En realidad, y creo en todos los días que estamos frente a un dispositivo electrónico, nunca nos preguntamos lo efímero que es tener todo guardado en nubes de información. Creemos tener todo tan seguro, que todo está a salvo, que jamás pasa por nuestra cabeza estar a un clicde perder. No es que nuestra existencia esté condenada, pero la esclavitud puede llegar en muchas formas. El humano se convirtió en un dependiente de lo sencillo y lo automático.
“Quítate las expectativas” es otro golpe de realidad. Un balde con agua helada para salir de la zona de confort. Parecería que en este bloque el cuarteto puede sonar golpeador, pero creo podríamos catalogarlo más como realista. La música suena fuerte e igual de bien que cuando inició. “Lástima Latinoamericana” es el tema con más carga política. La corrupción, el narcotráfico, feminicidios, hambruna, descontento social, injusticia, trata de personas y violencia son males que azotan a nuestro continente. Con grabaciones radiofónicas y lo que parecen ser testimonios, Cascabel musicaliza el verdadero infierno. Aquel terror que viven miles de personas día a día con dictaduras y gobiernos que te hacen vivir con miedo. El horror que es tangible, que frustra y que ha sido normalizado. Los problemas reales. Mucha mierda. “Hacia la nada” llega para calmar la marea. Un desenlace sublime de un LP que raya en la perfección sonora.
Todo se dijo, We Are Universe es la conjunción de todo lo bueno que existe en la psicodelia mexicana. Cascabel se encargó de crear uno de los mejores discos del 2019. Vale la pena repetirlo una y otra vez, siempre escucharás un detalle distinto en cada melodía. Es bueno saber que existen agrupaciones nacionales tan comprometidas por otorgar lo mejor para su público. ¡Larga vida a la serpiente del fuzz!
The Darts: El ‘qué pasaría’ si Elvira y Wednesday Addams formaran una banda y ambientaran las páginas de Mary Shelley.
Si lo que sucede en los estudios Hammer es cierto, ¿Qué hace el personaje de Friedrich Murnaua las orillas de Huntington Beach? Dentro del folklore europeo, la existencia de estas criaturas corresponde únicamente a las aldeas de Rumanía y Hungría; para el imaginario cinematográfico de los admiradores de Harry Kümel basta la exaltación de las femme fatales y desde los manuscritos de Theresa Bane y Angela Sommer, los vampiros no son más que la personificación del miedo.
Para hablar de The Darts, el relato occidental, retrato hollywoodense y la condena judeocristiana hacia la noche de Walpurgis resultan referencias simplistas. Es necesario escabullirse entre loa escritos sobre Lilith, Lamia, Nabeshima y, ¿por qué no? el guardarropa de Ann-Margret.
Al igual que en el cine, los vampiros -sea en su caracterización o concepto- mutan de acuerdo a los gustos e intereses de quienes se sirven de su fascinación estética y literaria. El andar de Peter Murphy en Wardour Street, el presumir tétrico de Nick Cave con The Birthday Party y unas cuantas dedicatorias por parte de Annie Lennox, Concrete Blonde y Cradle On Filth recuerdan el objetivo deGuillermo del Toro y sus predecesores: La cultura popular mantiene vivos a los vampiros.
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Para Nicole Laurenne (voz y órgano), Meliza Jackson (guitarra), Christina Nunez (bajo) y Rikki Styxx (batería) la puesta en duda de “Bela Lugosi’s Dead” se encuentra a la par de los deseos de escape de los destinos fatalistas de Le Fanu, Polidori y Sangster. “Queríamos formar una banda de puras chicas. En realidad no sabemos la razón del nombre; nos bastaba con que sonara cool y diera pistas de nuestra vestimenta. La mayoría de las mujeres tiene vestidos. Para nosotras, esa correlación es importante”.
Desde los inicios de The Darts (2016), las integrantes han sido claras en cuanto a la descripción con la que buscan posicionarse dentro de la escena. Alternan sus responsabilidades laborales con el trabajo al lado de Bob Hoag, Jason Livermore, Paul Roessler (productores), Kelly Sahr (fotógrafa) y CoreyFedor (periodista); transforman rupturas amorosas en conciertos de pórticos y hacen posible que el Conde de Orlok disfrute de una fogata en alguna playa californiana.
Tal y como lo advierten en su página web y en los primeros versos de “Roots and Roses”, The Darts. “Es una grrrl band de garage y psych rock que quiebra la cabeza y hace temblar cada uno de los huesos de los pies”. Su sonido y estilo sirven de contrapeso a la disolución de Bratmobile, la añoranza por la voz de Estelle Bennett (The Ronettes), los deseos (quizá fallidos) de un segundo álbum de The Black Belles y la insatisfacción de los posibles inconformes con el último material deOlivia Jean (Night Owl).
Si bien The Darts no lleva tanto tiempo en el radar de Rolling Stone, Stereogum o Pitchfork, la trayectoria individual no es una suerte de amateurs. Christina y Nicole nutren el proyecto a partir de los 12 años de The Love Me Nots, Meliza guía el rumbo de la banda a través de su conocimiento por múltiples géneros y Rikki Styxx espolvorea la vibra punk que la ha acompañado desde su etapa adolescente.
Desde el punto de vista del cuarteto, el diseño de un estilo particular y la descripción propia se sostienen en un equilibrio entre las bandas que más escuchan en Spotify -por ejemplo Idles, Thee Tsunamis, Fat White Family, Bleached y Melvins- y las influencias con las que crecieron: Buddy Holly, Chuck Berry, Led Zeppelin, Hall & Oates yPrince.
Por su parte, The Darts considera que -aunque se podría remitir de inmediato a la prosa de Elizabeth Gaskell y a los spooky roles de Winona Ryder- su música no enfrasca a alguna película, libro o autor en específico.
“Hay muchas cosas que nos inspiran de diversas formas. Leemos demasiados textos de ficción, mitología y autobiografías, pero no estoy segura de qué tanto los reflejamos. Sin embargo, sabemos que el trabajo de la banda es un gran input de todo lo que nos rodea”.
We’re not saying. We’re something
Además de los aplausos por su participación en Bélgica (Roots and Roses Fest y Sjock Fest), una de las constantes al hablar de The Darts es la diversión como única condición del trabajo cotidiano, misma que, por la naturaleza del temperamento de sus integrantes, no requiere de esfuerzos. “Abusamos de la palabra diversión porque nos gusta experimentarla con otras bandas y -sobre todo- porque la vinculamos con todo lo que hacemos: Escribir, tocar en vivo, salir de tour y estar juntas todo el día. Nos funciona como máxima de trabajo”.
Aunque Christina, Meliza, Nicole y Rikki no acostumbran giras tan largas -pues tienen otras ocupaciones y disfrutan cuidar de sus hijos-, les es difícil tener un registro preciso de cada ciudad o venue que visitan. Por fortuna -al igual que Deap Vally- The Darts tiene a su propia Stef Schmid Rincon.
El nombre de la fotógrafa que materializa los momentos memorables de la banda -tales como la interpretación de “Neat, Neat, Neat” al lado de The Damned y la wine party en Las Vegas- y colabora en la dirección de los audiovisuales (“Breakup Makeup”, “Get Messy” y “Gonna Make You Love”) es Kelly Sahr, quien al mismo tiempo diseña las portadas de los álbumes y aprueba que el closet de The Darts sea un desfile entre las prendas de Ann-Margret, Malia James y Sade Sánchez.
“Estamos metidas en muchísimas cosas y a veces no podemos recordarlo todo. Afortunadamente podemos gastar dinero y tiempo en sesiones fotográficas. Lo hacemos porque nos gusta trabajar con profesionales y con gente que respeta nuestras ideas”.
Sobre la distancia sonora entre “Breakup Makeup” y “Where’s the Rain”
El crear musical de The Darts puede ser descrito por la simultaneidad. Mientras Fred Armisen (Trenchmouth) y Deb O’Nair (Fuzztones) coreaban “I Want Your Fun” y “My Heart is a Graveyard”, The Darts se reunió en California para discutir acerca de cómo una broma entre amigas podría ser inspiración para un psych trip de 35 minutos.
“En realidad el título del álbum no tiene que ver con una persona en específico, pero sí con un momento. Estábamos de gira y comenzamos a bromear sobre frases que usamos entre nosotras. Decimos ‘Me agrada, pero no de ese modo’ a nuestro grupo de amigos cuando nos molestan y tratan de hacernos pareja con alguien con quien no tenemos interés romántico. Pero también pueden ser palabras que nos llegan a herir. Todos hemos recibido un ‘Me agradas, pero no de esa forma’. Es una experiencia en común”.
Aunque la costumbre del envío de audios vía Messenger fue parte de la producción de su tercer material discográfico, la banda declara que I Like You But Not Like That (2019). “Es un trabajo más profesional que Me.Ow (2017) y The Darts (2017)”, pues “aunque guarda la esencia del proceso creativo”, Bob Hoag (productor y amigo) propuso la grabación en el mismo estudio y profundidad lírica.
“Todas solíamos grabar en distintos lugares. Desde las cabinas de Kitten Robot Studies, hasta las aplicaciones de audio de los smartphones. Nunca grabábamos más de una canción en el mismo estudio. Además cada quien cumplía con su parte. Trabajábamos muchísimo, pero lo conjunto era casi siempre a través de emails.Con I Like You But Not Like That, la dinámica fue diferente. La mayor parte fue grabaday remasterizada en Los Ángeles. Durante las reuniones tuvimos más tiempo y energía para discutir y organizar el trabajo en equipo. Es un proyecto más sólido”.
Querido Tarantino:
Después de cantar en compañía de Blag Dahlia (Dwarves) en San Francisco y de ser parte de la dieta musical de Stephen King, Christina Nunez declara. “El cumplimiento de su lista de deseos está casi completa”. No obstante, tiene una infinidad de audiovisuales y festivales en los que le gustaría escuchar a The Darts.
Si tuviera la oportunidad de organizar un Spooky Fest, sería muy parecido a Hipnosis. Por el momento es mi festival de ensueño. Estamos en el mismo cartel que dos de nuestras bandas favoritas: Uncle Acid and the Deadbeats y Electric Wizard. Además, nos emociona pasar un fin de semana entero en México”.
¿El siguiente paso? Ser reconocidas en los futuros filmes de Quentin Tarantino. “Sería estupendo que considerara “Break Your Mind”, “My Way” y “Phantom”. Siempre tiene los mejores soundtracks. Sabemos de las escenas clásicas y nos gustaría compartir ese privilegio con The Supremes, Nancy Sinatra y Ennio Morricone”.
(***)
La música de The Darts es la única forma de entender las caminatas del Conde de Orlok a la orilla de la playa. La alternancia entre los escenarios de Italia, Alemania y Bélgica y sus espacios de trabajo en Phoenix supera la bobalicona imagen de los vampiros de Twilight (2008).
Cuando están fuera del estudio o de las tomas de Kelly, las integrantes de The Darts se escabullen entre los mortales y modifican la ficción de The Addams Family (1964). Nicole tiene una silla en la corte municipal de Arizona, Rikki enseña medicina deportiva y Meliza labora en un consultorio dental.
Con fiestas orquestadas durante crisis maritales, el cuarteto recuerda que la cultura popular debe mantener vivos a los vampiros y a demás criaturas devoradas por los clásicos de la literatura y Hollywood. Sin necesidad de recurrir a los ambientes sombríos de Wilde, The Darts da una oportunidad a Elvira y Wednesday Addams para formar una banda y ambientar una despedida de soltera que no tiene lugar en el relato original de Mary Shelley.
Pregaming in Trento, Italy #thedartsustour2019 #nomiontherock
Festival Off Limits 2019: Una noche de música rápida y amistad.
El festival Off Limits es realizado de manera independiente, se realizan actos de bandas punk y sus distintas vertientes, como punk rock, thrash metal, d-beat, hardcore, entre otros. El line up de este año fue un trabajo increíble, es un esfuerzo enorme el que realizan para reunir a bandas como Wolfbrigade, Strike Anywhere, Toxic Holocaust, Earth Crisis, MUTE, Control, Questions, Acidez, Bad Cop / Bad Cop, entre muchas otras bandas nacionales e internacionales reforzando el cartel con mucha energía.
Questions fue una sorpresa bastante agradable para mí, nunca los había escuchado, sus letras son muy políticas y tienen un sonido muy potente. Hardcore punk bien hecho y muy divertido.
MUTE es una de las bandas favoritas en México, les gusta mucho venir al país y la gente los abraza como a casi ninguna otra banda. Punk rock muy técnico que en ocasiones tuvieron problemas por algunas fallas en el audio. Aún así creo que dio un show digno a lo que nos tienen acostumbrados.
Después de ir por un poco de agua de jamaica en los stands de comida del festival pasé a ver a Incendiary, una banda de hardcore de Nueva York que se llevó la noche, sonó súper bien y la energía de su vocalista Brendan Garrone demostraron lo que se puede hacer en el escenario del 360e Venue. Sin duda fue de mis favoritas de la noche.
Las chicas de Bad Cop / Bad Cop también sufrieron un poco con el audio, fue su primera presentación en México y hasta cierto punto se les veía incómodas, a excepción de la bajista Rinh Re, quien giraba, saltaba, bailaba de manera formidable. Fue un buen contraste dentro de las bandas de hardcore que habían estado previamente.
La agrupación que más esperaba era Earth Crisis, disfruto mucho las letras de sus canciones, sus mensajes sociales y ambientales. Fue un show muy divertido, mientras volaba la gente en el crowd surfing y los punks más viejos se molestaban por artículos de playa rebotando. En esta parte del show fue cuando realmente lamenté que no hubiera un poco más de tiempo para las bandas, me habría encantado poder escuchar un par de canciones más.
Cuando comenzó Toxic Holocaust me percaté que muchas personas solo iban a verlos. Un power trío de thrash metal que hizo que todos corearan “666, 666, 666” al unísono, No esperaba mucho de su presentación y creo que fue un trabajo estupendo.
Estoy seguro que muchos de los asistentes querían cantar “I’m Your Opposite Number” de Strike Anywhere como si no hubiera mañana y cuando finalmente lo pudieron hacer, ¡Vaya que lo hicieron bien! Un placer poder ver a estas leyendas del punk rock finalmente.
Después de una larga espera para conectar y hacer los ajustes necesarios para que su presentación fuera épica, Wolfbrigade empezó con el final de la noche. En los costados del escenario podías ver a la mayoría de las bandas que acababan de tocar presenciar a una de las bandas más influyentes del punk. Un show increíble por parte de los suecos en la que podría ser la única ocasión que se presenten en el país.
El festival Off Limits es un esfuerzo enorme por parte de los organizadores, armar un cartel como el que nos presentaron y en ocasiones anteriores es digno de admirar, reunir vertientes tan diversas del género es muy complicado y ellos lo hacen de una forma extraordinaria, espero que el próximo año sea algo igual de asombroso y lleno de amigos como en la edición del 2019.
