Surf Curse — Heaven Surrounds You

Posted on octubre 22, 2019 by -

Heaven Surrounds You: La madurez post punk de Surf Curse.

El siglo XXI ha sido testigo de una reconsideración sobre el valor que ejerce el rock and roll dentro de la cultura pop. Y no solo respecto al lugar que tiene en las listas de popularidad, sino también por la diversificación de sus subgéneros y la mezcla de los mismos. La aparición del sonido lo-fi’ como consecuencia de la minimización de recursos de producción nos regresó a un sonido seminal. En ese proceso, el post punk se erigió a manera de base sobre la cual muchos proyectos cimentaron identidades frescas, contemporáneas.

Ahí apareció Surf Curse. Con varias producciones cortas y largas en los últimos ocho años, se han posicionado como una banda que gravita entre las opiniones divididas de la crítica y una aceptación innegociable del público ávido de guitarras juveniles. Hoy vuelve a la carga con Heaven Surrounds You, el tercer álbum en su trayectoria y el paso natural en la obsesión por madurar.

La apuesta parecía muy alta cuando escuchamos los primeros sencillos. Tres canciones agitadas y bailables que nos invitaban a pensar que podríamos estar frente a uno de los discos más divertidos del año. La realidad fue un tanto decepcionante.

A pesar de sus intenciones por acercarse a la escena indie de los 2000, es palpable la necesidad por regresar a sus zonas de confort. Riffs reciclados y canciones sin ganchos realmente memorables lo vuelve una placa que se estanca en la misma curva rítmica.

Líricamente hablando sí podemos hablar de una mejoría explícita. Sobre todo en los llamados deep cuts –"Opera" y "Trust"- hay una preocupación por cuestionarse la vida de un par de artistas que todavía emergen como la espuma: amistad, el lugar en donde viven y la necesidad de afianzarse en un mundo donde parece que la música se volvió una competencia.

Esa disparidad entre las letras y lo sonoro se debe a la confusión por la que muchas bandas atraviesan después de sus primeros álbumes: ¿qué hacer ahora? ¿Cómo reinventarse? Con la misión de salir de dicho embrollo, Surf Curse se atasca en su propio dilema y entrega un disco transitorio, de esos que no matan; pero tampoco catapultan hacia la grandeza definitiva.

A su disposición quedan los elementos y solo resta tener paciencia… O resignación.

Tame Impala comparte teaser

Posted on octubre 22, 2019 by -

La banda australiana Tame Impala ha subido un misterioso teaser a su sitio web. Chécalo a continuación.

Este año Tame Impala regresó a la escena musical con dos temas, "Patience" y "Bordeline", los cuales emocionaron a sus fans ya que eso daba indicios de que pronto tendríamos más música de la agrupación liderada por Kevin Parker.

Hoy, en su sitio web oficial, la banda ha compartido un teaser en el que vemos a Parker en un estudio y aunque parece que este es corto por la repetición de imágenes, nos muestra distintas actividades por parte del fundador de Tame Impala para finalizar con un atardecer frente al río. ¿De qué creen que se trate?

Chécalo aquí:

 

Video Analysis... Go. from r/TameImpala

Frank Ocean estrena el sencillo "DHL"

Posted on octubre 21, 2019 by -

Escucha ahora "DHL", lo nuevo de Frank Ocean.

Después de dos años de ausencia, Frank Ocean  está de vuelta con su sencillo "DHL", producido por él mismo y por el DJ alemán Boys Noize. El tema se estrenó en una emisión de Blonded Radio de Beats 1, donde el intérprete de "Lens" nos compartió un teaser de otro par de canciones tituladas "Cayendo" y "Dear April".

En la letra de "DHL", Ocean habla acerca de la presión que sus fans ejercieron en él para crear nueva música. Además, pide que le envíen sus álbumes por mensajería. De ahí el título de la canción, ya que DHL es una empresa que se dedica al envío de artículos por paquetería.

Escucha "DHL" aquí abajo.

Al compartir el sencillo, Frank reveló la portada del mismo, y aunque no dijo nada más al respecto, se puede ver como la silueta que aparece centrada en la portada del sencillo, es la misma que aparece en la parte inferior derecha resaltada en color negro. Acompañada de otras 12 siluetas, por lo que suponemos que quizás podrían ser 13 temas los que compongan el próximo disco del rapero. Dale un vistazo a la portada aquí abajo.

Frank Ocean

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más información.

Kim Gordon — No Home Record

Posted on octubre 21, 2019 by -

No Home Record: El transcurso de un siglo XXI sin Sonic Youth. 

Sin hacer una declaración oficial al respecto, Kim Gordon celebró de manera especial los 40 años desde la publicación de uno de los textos más famosos de Didion y el 20 de agosto de 2019 anunció el lanzamiento de su primer álbum como solista: No Home Record. 

“Nos contamos historias para poder vivir” fueron las palabras con las que Joan Didion dio apertura a su obra inspirada en The Beatles: The White Album.

Para los círculos de intelectuales así como para las y los representantes de la adoración popular, la permanencia de la autora en el mundo está representada por el retrato a prosa de un espíritu libertario decadente, la exploración de la muerte como tabú occidental y la fugacidad de la fama dentro de Hollywood.

En lugar de agotar su energía en las preguntas -que más bien sonaron a reclamos- de “¿Por qué hasta ahora hacer algo bajo su nombre si los demás ex Sonic Youth trazaron camino propio desde la primera década de los 2000?”, la artista recuperó al personaje principal de Play It as It Lays (Maria Wyeth) con el protagónico de Abbi Jacobson (Broad City) y el vestigio experimental de Loretta Fahrenholz. 

Lejos de ser el single de apertura, “Sketch Artist” se distingue por un salto abrupto de melodías de violín al desgarre violento del bajo, algunos destellos sonoros que remiten al debut de Death Grips (No Love Deep Web) y una lírica con dedicatorias anónimas y confusas: “Eres un misterio, tal y como un caballo”.

“Sketch Artist” funciona a manera de sumario de los ocho temas restantes. Durante 39 minutos, Gordon escribe y recita un manifiesto con versos ambiguos y realidades tangibles- ¡La vitalidad es una objeción!- y, al mismo tiempo, muestra claridad en la ruta a seguir: Recurre al back to basics, se apoya en fórmulas que le han sido funcionales en proyectos anteriores y marca distancia (musical) respecto a Thurston Moore, Lee Ranaldo, Bill Nace y Julie Cafritz. 

¡A orinar en el océano!, ¡Es gratis!

Al igual que la escritora que posó para Phoebe Philo (CÉLINE) bajo el encanto de las gafas de sol, Kim Gordon creció en California y se mudó a Nueva York para hacerse de un nombre. Como bien lo ha expresado en múltiples ocasiones, su reconocimiento como una de las figuras musicales más influyentes de los últimos 40 años “es solo un subproducto de haber buscado una manera de expresarse”. 

No obstante -le guste o no- el retrato (tanto físico, sonoro y filosófico) de Los Ángeles en No Home Record confirma la esencia de su identidad creativa dentro de la música, ya que amplia el umbral de ‘lo experimental’, agrupa múltiples géneros de la historia musical under, ilustra la relación intrínseca con su huella como artista visual, materializa el legado postmoderno de Robert Venturi y desmenuza las tesis y palabras de Trisha Low, Judith Mayne y Kevin Killian. 

Si bien los constantes ‘no sé’ de Kim durante las entrevistas no dieron pista alguna sobre el contenido de No Home Record, el recuento autobiográfico en Girl in a Band: A Memoir (2015) pudo ser un primer oasis de búsqueda: ¿Qué tanto podría cambiar su lírica y sonido entre la asfixia neoyorquina y la simulación californiana?

La ciudad que conozco ya no existe. Está más viva en mis recuerdos que cuando estoy presente en ella”.

Entre las páginas de dicho libro, Gordon dejó por escrito que la mención del nombre de su ex esposo y bandmate sería la última y también detalló que en algunos meses su hija, Coco -quien ahora tiene 25 años- se graduaría de la universidad y entonces ya no tendría más razones para quedarse en NYC. “Es tiempo de seguir adelante”, confesó durante una charla con Rolling Stone. 

Como refugio ante la incertidumbre de su regreso a Los Ángeles, Kim aceptó la propuesta de Justin Raisen (Yves Tumor, Sky Ferreira) -“¡Traéme tu jodida poesía y hagamos esta mierda, Kimye!”- y comenzó a escribir “Don’t Play It” y “Get Your Life Back”, canciones que la transportaron a momentos específicos de su infancia y juventud: Una educación consumista atípica a cargo de padres que crecieron en un periodo de recesión económica y el encarcelamiento en el mundo mágico (y fascista) de Walt Disney.

“¡Había un maldito Mickey Mouse con walkie talkies!” 

Decorados por una atmósfera techno (“Don’t Play It”) y de pinceladas industriales (“Get Your Life Back”), en ambos tracks la artista recita una oda disidente respecto al funcionamiento del régimen capitalista: El depósito de desechos tóxicos en los reservas naturales, la expansión de las McMansiones y un capítulo de Mad Men escrito por Charlie Brooker. 

¿El fracaso del mundo moderno?

Tiempo después de que Justin Raisen contactó a ‘Kimye’ vía DM, la artista tomó en cuenta el consejo de la poeta Elaine Kahn. “Escribe todas las palabras que se relacionen con tu vida cotidiana”. Durante su trayecto de una privada en Franklin Hills a sus clases de yoga, Kim Gordon tiene la oportunidad de prestar atención a los grandes anuncios fast fashion y a los carteles de ONGs que buscan la garantía de la vivienda como derecho humano. 

A partir de lo que denomina “la satisfacción de la nausea existencial” y la coexistencia de realidades en “Air BnB” y “Sketch Artist”, Gordon sintetiza una de las tesis centrales del último libro de Trisha Low (Socialism Realism): “La historia racista y colonial de California es la evidencia de que (usualmente) el buen vivir de alguien es al costo de la vida de otra persona”. 

En No Home Record la transitoriedad californiana se refiere tanto a la idealización de la actividad nómada en propiedades rústicas, modernas (y ajenas) como al 47% de la población homeless en los Estados Unidos.

Desde una óptica más personal (pero no por eso apolítica), “Air BnB” puede ser considerada como una canción que difumina la negatividad (y artificialidad) de la cartografía de los no lugares de Marc Augé. Para Kim Gordon, conocer (más que poseer) los espacios personales de otros es moverse entre lugares posibles.

La idea de globalización se usa para legitimar quién eres a través de la estética a la que estés enchufado”.

Dentro de la lógica de abordar No Home Record desde su relación con la tecnología, en “Cookie Butter” -misma que destaca por distintos estadios temporales y tintes minimalistas- la cantautora narra la falta de humanidad en un diálogo entre un Adán y una Eva contemporánea y traslada el vacío de la palabra a los tonos folk de “Earthquakes”.

“This song is for you. If I could cry and shake for you”.

PussyGrabsBack: (Casi) 2020 y no puedo creer que sigo protestando por esta mierda

A finales de los 80, Kim declaró a Rolling Stone que “no escribiría canciones de amor, sino de todas las cosas de las que una mujer puede y quiere hablar”.

A 27 años del lanzamiento de “Swimsuit Issue” y de la memorable interpretación de “Kool Thing” en MTV, en “Hungry Baby” Kim Gordon protagoniza a un varón y hace referencia a una de las insignias durante la Marcha de las Mujeres en Washington, retoma el contexto político del MeToo - de aquí el vínculo con su exhibición Lo-Fi Glamour- , manifiesta su preocupación ante el feminismo pop corn y denuncia el primer trato sexista que recibió dentro de la industria musical (este por parte del manager de Neil Young en 1991).

Inglaterra fue la primera vez en mi vida . Me sentía realmente invisible. No saben cómo lidiar contigo, a menos que seas un personaje escandaloso como Siouxsie Sioux (…) Pienso que los hombres están confundidos sobre su papel en la sociedad”.

(***)

Al reunirse con Justin Raisen en Sphere Ranch, ‘Kimye’ decidió que el título de su primer álbum en solitario estaría inspirado en No Home Movie (2015). En dicho documental, Chantal Akerman retrata las implicaciones de ser una mujer joven en Nueva York en los años 70.

A pocos meses de la segunda década de los 2000 y a 4489 kilómetros de Manhattan, Kim  lo hace a través de un collage sonoro que bien podría ser un zapping entre KEXP, XRAY y Smack Urban Radio.

Al igual que Joan Didion, desde hace cuatro décadas Kim Gordon cuenta historias que le permiten vivir a ella y a las generaciones que -pese a su incomodidad- insisten en llamarla “icono” o “madre del grunge”.

Y, al contrario de lo que algunos periodistas pensaron después del último concierto de Sonic Youth en São Paulo, el siglo XXI sigue avanzando. Solo que esta vez con una Kim Gordon que aboga por el final del capitalismo.

Losers.

Enjambre estrena video de "Siempre tú"

Posted on octubre 21, 2019 by -

Recuerda a tu primer amor con "Siempre tú" de Enjambre.

Enjambre estrenó el video de "Siempre tú", tercer sencillo que formará parte de su próximo material de estudio. En el clip –dirigido por Alexis Gómez y producido por Unlimited Films– podemos ver como Humberto interpreta a un personaje que recuerda los mejores momentos que pasó junto a su niñera, quién fue su primer amor.

A diferencia de "Relámpago", esta canción es totalmente diferente, el tecladista y guitarrista de la banda Julián Navejas describe a este sencillo como más nostálgico, melancólico y más electrónico, con un sonido de new wave e incluso con un toque de bossa nova. Además, la agrupación usó por primera vez una batería electrónica.

Dale play a "Siempre tú" y recuerda a tu primer amor.

En este sencillo el guitarrista de la banda Javier Mejía hace su debut como compositor, pues ya tenía tiempo de haber compuesto la canción, sin embargo, hasta ahora se animó a compartirla.

Era un demo que tenía ahí desde hace dos o tres años y cuando se los compartí ya fue agarrando forma; Rafa me ayudó con los arreglos y la letra, así que su aportación tuvo mucho que ver", comentó Mejía acerca el sencillo.

No olvides que Enjambre se presentará el próximo 30 de noviembre en el Palacio de los Deportes, consigue tus boletos aquí.

Cultura Profética en el Teatro Metropólitan

Posted on octubre 21, 2019 by -

Sobrevolando: Cultura Profética en el Teatro Metropólitan.

Sí. Una vez más lo hizo, la rompió. Cultura Profética abrazó ya a nuestra gente sin clasificarla, sin separarla, sin dividirla. Fue una noche en donde se sintió que cada canción estaba dedicada, basada e inspirada a nosotros, de verdad. Y quizá no sea tan lejano mi sentir, pues cuando de música se trata, ninguna bandera nos separa.

La sensación de llegar a la Av. Independencia y ver en grande el nombre de la banda más representativa del reggae puertorriqueño es inaudita; el erizar de mi piel lo puede explicar mejor. Cultura Profética vibró el pasado domingo a la CDMX en el recinto estelar del Teatro Metropólitan.

Con esa tipografía irreconocible de la agrupación, el nombre de la banda se proyectó en el fondo del escenario respaldando el inicio de lo que se prometía, como cada año, un espectáculo de paz y baile. Omar, Juanqui, Eliut, Bebo, Víctor, Willy y todos los que integran Cultura, se postraron frente a un Teatro lleno en su resplandor, y no solo de personas, sino de potentemente palpitaciones entrañables. Con aplausos sin terminar, gritos y sollozos, los músicos se ubicaron en sus posiciones para, sin perder un segundo, arrancar: “Sobrevolando” fue el inicio –el “bebé” que se presumía en sus redes a principios de septiembre y que tendrá su presentación oficial el próximo 1 de noviembre–.

La lluvia de éxitos comenzó a desbordarse. Disfrutando su encantador acento, la música que ha llevado a la gloria a Cultura Profética tocó el corazón de los presentes y sus propias ganas de no dejar de cantar: “Baja la tensión”, “Ritmo que pesa”, “La complicidad” y “De tope al fondo” fueron los principales que pusieron en la mesa para recordar los bellos inicios de los artistas. Brincando, entre acordes ricos y suaves, a fragmentos de divinas letras como “Para estar”, “De antes”, “Ilegal” y “La espera”; perfectos para corazones que necesitan alimentar su amor por lo que puedan amar.

La buena voluntad y la resistencia por el entorno se sintieron seguros en más de 150 minutos gracias a “Nadie se atreve”, “Love & Happiness” y “Sube el humo”. La noche estaba puesta, estaba intensa. Las buenas vibras se respiraban desde arriba hasta el escenario; los cantos, los gimoteos, la euforia, todo estaba tangible allí. No hay duda que Jah se sentiría agradecido. Willy –con su look sencillo y cómodo– hizo de nuevo suyo el escenario logrando transmitir el amor que todo sentimos por la misma música. Él, ellos, nosotros, todos nos sentimos vivos y complacidos.

No podía faltar su más reciente éxito “Caracoles”, incluyendo sus temas más subversivos como “Saca Prende y Sorprende” e “Ideas Nuevas” para poder completar un cierre esperanzador, libre y amoroso. Tanto Cultura como todos nosotros que profetizamos su ideal musical, agradecimos sigamos de pie, respirando y libres… por lo menos musicalmente.

Peter Bjorn and John anuncia 'Endless Dream'

Posted on octubre 21, 2019 by -

Peter Bjorn and John celebra su vigésimo aniversario con el anuncio de Endless Dream.

A casi un año de la publicación de Darker Days, Peter, Bjorn and John sorprendió a sus fans con el anuncio de su noveno álbum de estudio. Se trata de Endless Dream, que será lanzado el próximo 13 de marzo a través de su propia compañía discográfica INGRID.

Además, la agrupación compartió –en todas las plataformas digitales– el primer sencillo que formará parte de este álbum, dale play a "Rusty Nail". Dale play a continuación:

Peter, Bjorn and John comentó que Endless Dream cuenta con un enfoque un poco diferente al álbum del año pasado.

Nos dimos cuenta de que queríamos cortar la basura, así que ensayamos canciones en la misma habitación y grabamos juntos. Para la post-producción, cada chico estaba solo cuidando a su bebé, y luego volvimos y tuvimos a nuestro bebé juntos".

Y por sí fuera poco, del 23 de marzo la banda arrancará con una pequeña gira por Estados Unidos para promocionar el nuevo álbum con presentaciones en Portland, Detroit, Chicago, Seattle, Denver, Portland, Okland entre otros estados, y finalizará el 11 de abril en un show en Boston en el Brighton Music Hall.

Entrevista Exclusiva con The Claypool Lennon Delirium

Posted on octubre 21, 2019 by -

Óptima simbiosis sonora.

Estamos a menos de una semana de presenciar por primera vez en México el show de The Claypool Lennon Delirium y tuvimos la fortuna de charlar con Sean Ono Lennon para conocer más sus inquietudes sobre el festival y todo lo que ha vivido junto a proyecto tan ambicioso en su ejecución.

Recuerdo bien la noticia de esta tremenda unión con la llegada del Monolith of Phobos al iniciar 2016. Vaya que era una gran gran sorpresa. En lo personal, demasiado abrumadora por la enorme casualidad de que dos de mis artistas top realizaran un proyecto juntos y sobre todo, de psicodelia y rock progresivo.

Al ponerme los audífonos para escuchar por primera vez con demasiada curiosidad el resultado de esta simbiosis sonora de dos locos genios creativos: "Cricket and The Genie", entendí que la mezcla “genética” que tenía esta nueva banda iba a ser un tremendo y bien realizado debraye. No fue ninguna decepción escuchar ese característico bajo lleno de fuerza y precisión que el líder de Primus posee, en conjunto con la voz de Sean Lennon que tanto criticaba mi padre por su tono agudo pero del que varios nos volvimos genuinamente seguidores con su proyecto solista. Incluso las aplicaciones de la guitarra que Sean Lennon le había aportado al proyecto emocionaron bastante y daban más curiosidad por conocer en vivo.

Por fin llegó el momento en el que pude hablar por teléfono con Sean y así conocer más sobre un proyecto que percibo en otras entrevistas como algo que se ha logrado de forma muy natural. Sin embargo, siendo dos personas con una carga tan fuerte de conocimiento musical e historia, la curiosidad aumenta por saber cómo han sobrellevado un proyecto así.

Con una actitud bastante amable Sean respondió al teléfono, me presenté como parte del equipo de HIPNOSIS a lo que él preguntó “¿Lo llamaron HIPNOSIS por la compañía Hipgnosis que hacía todos las portadas de Pink Floyd? amo la palabra Hipnosis, porque también mi estudio de arte gráfico favorito se llama Hipgnosis, ¿alguna vez has visto la portada del álbum Houses of the Holy de Led Zeppelin?”.

Él respondió a nuestro llamado estando en Kansas City, en medio de la larga gira que han tenido durante el año por EEUU. Un tour del que él ha estado encantado por compartir escenario con The Flaming Lips. “Me siento muy afortunado de haber estado en tour con The Flaming Lips, de verdad son el mejor show del mundo, no creo que haya nadie que haga un show tan emocionante como ellos. Sinceramente se siente imposible estar triste en un show suyo, son tan positivos y tan locos, lo amo”.

Este año la banda liberó su segundo material South of Reality, el cual vendrán a promocionar por primera vez en México. Un increíble material progresivo y mucho más psicodélico que el primero, inspirado en bichos, rarezas y curiosidades de autores de libros que Sean y Claypool han leído en su vida e ideas que emergen de la personalidad de ambos, creando un mundo nuevo sonoro.

“Definitivamente es muy difícil de describir cómo es para el temperamento de los demás; pero es como un mundo más juguetón, como una boba combinación entre la imaginación de Les y la mía. Nuestras canciones tratan de ser divertidas. No lo sé, es como un extraño y demente universo cómico. Pero es divertido para mí, me estoy divirtiendo mucho porque me está empujando a tocar más la guitarra, y seguir el ritmo de cómo toca Les es difícil, así que cada noche es como un reto para volverme mejor en la guitarra”, confiesa Sean con respecto a esta aventura con Claypool.

La creación de la banda narrada por ambos ante los medios y biografías es similar sin embargo Sean nos relata “Mi banda con Charlotte, The Ghost of a Saber Tooth Tiger, estaba de tour abriendo el show de Primus. Siempre nos llevamos bien con Les, empezamos a salir juntos, así que básicamente empezamos a tocar en backstage. Un día sentado con Primus toqué su canción “Southbound Pachyderm”, y a todos les gustó. Les dijo que había hecho un buen trabajo, que tocara con ellos. Fue muy gracioso porque no sabía qué hacer, nunca había estado en un escenario con él antes, y le pregunté qué hacer justo antes de salir al escenario y me dijo 'haz sonidos de ballena'. Eso me hizo sentir muy bien, porque sí sé hacer sonidos de ballena con la guitarra, hay muchas cosas que no sé, pero definitivamente puedo hacer extraños sonidos de ballena, fue fácil para mí y creo que hemos tenido un tiempo muy cómodo tocando juntos porque compartimos varios intereses con sonidos extraños o de vanguardia, le gusta ese tipo de cosas”.

Y ¿qué piensa Sean del rock ahora? “Es raro,­ mucha gente ya no hace música con instrumentos, de verdad, algunos tocan algún instrumento, pero la mayoría lo hace con computadora, ¿Sabes? Así, que no sé, hay algunas bandas que tocan la guitarra, pero es como si trataran de mantenerlo vivo. Siento que de un modo está bien, a mí no me importa, el rock & roll murió hace mucho tiempo, esto quita la presión de alguna forma, y podemos disfrutarlo, eso no significa que no podemos tocarlo. Se siente como si ahora fuera algo más underground, y está bien. Digo, ya ni siquiera quiero tocar en Coachella, digo, ya no me importa, prefiero ir a Desert Daze y Levitation”.

Varias personas estamos cruzando información actualmente entre generaciones para mantener la armonía y un balance generacional de ideas que nutran. Por lo que la duda sobre esta relación entre dos personas tan diferentes, no solo de edad, sino donde se han construido en caminos musicales lejanos –incluso físicos (NY / California)–, me conduce a preguntar sobre la fluidez de la relación en el proyecto. “Sí, compartimos las mismas ideas en varias cosas, como música y arte, pero también somos muy diferentes. Creo que el acercamiento a la música de Les es más a su instrumento, es como un músico prodigio que tiene un estilo específico en cuanto al bajo, y escribe sus canciones alrededor de sus habilidades con este instrumento, es como un patrón escrito y es muy específico. Creo que yo me baso más en los acordes, así que somos distintos en nuestra forma de escribir, esto nos complementa muy bien”. Sean afirma.

The Claypool Lennon Delirium es un experimento de rock de dos grandes nuevos amigos. No fue sino hasta este pasado Desert Daze que logré ver el impecable show con mis propios ojos para presenciar esta carga energética de ambos en el escenario. Una impresionante ejecución de rock. Sean nos cuenta sobre su show en vivo y la emoción que siente por venir a México. “Teníamos un tecladista diferente, así que las canciones han cambiado un poco, y creo que como banda hemos mejorado tocando juntos. Igualmente, ahora tenemos muchas más canciones, así que nuestro show está más lleno. Antes solo teníamos un disco así que estábamos cortos de alguna forma, ahora tenemos dos y varios covers”.

“Además aprendimos a tocar juntos e improvisar juntos, así que creo que mejoramos nuestras presentaciones y se siente bien. Estoy muy emocionado, sé que tenemos muchos fans en México para los que nunca hemos tocado antes, y eso me pone muy feliz. Sé que muchas bandas que me encantan aman a México y que ustedes los aman a ellos, siento que hay muy buen gusto ahí. Será un muy buen ambiente cuando vaya, y eso en verdad me emociona. Además, los festivales en los que he tocado en México tienen de los mejores públicos que he tenido, una vibra muy positiva, estoy deseando que ya sea. Incluso en mi Instagram, en mis redes sociales hay muchos seguidores de México, así que ya quiero estar ahí”.

Traducción por Geraldine Flores.

No te pierdas en vivo de The Claypool Lennon Delirium tocando a las 9:40 PM en Hipnosis 2019.

Nina Kraviz en el Foro 360e

Posted on octubre 20, 2019 by -

Nina Kraviz, la dentista más popular del mundo de la electrónica regresa triunfante a México.

Nina Kraviz es probablemente la dentista más popular del mundo. Antes de empezar a producir música, el trabajo de la DJ rusa no era detrás de las tornamesas, sino detrás de un taladro y unas pinzas para dientes.

Antes de viajar por todo el mundo, de festival a festival, y presentarse ante más de miles y miles de personas, Nina le abría la boca a veteranos de guerra para cubrir caries, sacar dientes o hacer prótesis dentales. Tal vez por eso, su logo es el de una carita con una gran sonrisa. Pero desde entonces, ya ha pasado más de una década.

Ahora el nombre de Nina Kraviz es reconocido en el mundo de la electrónica como Colgate en el mundo de los dentistas. Y no es por nada, sus producciones están llenas de capas de sonidos y beats psicodélicos que dejarían a cualquiera desmayado, como si se tratara de una anestesia dental.

Tal ha sido su impacto y popularidad en la música electrónica, que México la ha recibido varias veces. En 2015 se presentó en SALA, y en 2017 fue parte del line up de MUTEK. Y una el pasado 19 de octubre, volvió a la Ciudad de México.

Gracias al Bar Américas, un espacio dedicado a la música electrónica en Guadalajara, Nina Kraviz se presentó en el Foro 360e que está a las afueras de la Ciudad de México. Casi en el límite con el Estado de México. No es un espacio tan común para la música electrónica en México, no como el Foro Normandie o el Museo Cuatro Caminos, por ejemplo. Pero eso es justamente lo que hizo especial a esta presentación.

Nina Kraviz ha tocado en el escenario de Coachella, Primavera Sound y el Sónar, por sólo mencionar algunos, pero para una DJ como ella, los mejores espacios son los improvisados, los inusuales; aquellos que toman calles, azoteas o incluso un sótano. Por eso el Foro 360e era perfecto. Un espacio cerrado, en el que la gente rodea casi por completo al escenario, como si se tratara de un show estilo Boiler Room, sólo que un poco más grande.

Antes de Nina, tocaron otros tres DJs. Para dar comienzo a las actividades, el mexicano RH González tomó las tornamesas. Y con un set de 45 minutos, su set fue el que empezó a ver entrar a la gente al recinto.

Flor Capistran fue la siguiente en tomar el escenario. Una mexicana que ya tiene más de una década experimentando con el techno, el acid house y el llamado minimal. Ella fue quien le dio el contexto adecuado a la presentación de Nina. Con beats y bajos pesados, pero sin alienar a todos aquellos que querían moverse. Con un cigarro en mano durante las casi dos horas de sus set, Flor vio el reciento llenarse y llevarse los primeros temblores en el piso del lugar, debido a la cantidad de gente moviéndose al mismo tiempo.

Øostil fueron los siguientes en tomar las tornamesas, la dupla compuesta por Antü Coimbra & Hugo Ibarra, quienes sólo tienen un año de haberse formado y empezaron su carrera a lo grande en el ya legendario festival Afterlife. Su lóbrego sonido está lleno de texturas y sus beats son contemplativos, pero no tanto para dejar a los que escuchan sin ganas de moverse.

Eran las 2 de la mañana cuando Nina Kraviz salió al escenario. Y la gente la recibió cantando su nombre. “Nina, Nina, Nina...” gritaban todos. Y no pasó un segundo de que la DJ rusa le pusiera play a sus tornamesas y ya todos estaban bailando. Un mar de celulares inundo el lugar y Nina no podía hacer nada más que sonreír y por supuesto concentrarse en su presentación.

El piso se movía, y no sólo por la potencia del equipo de sonido, sino porque la gente estaba bailando y saltando al mismo tiempo. Todos parecían imitar a Nina, quien parecía que disfrutaba su presentación tanto, como todos los presentes.

Fue una noche que será difícil que se repita, pero quien sabe. Mutek se acerca.

HIPNOSIS Presenta: Jonathan Bree en el Foro Indie Rocks!

Posted on octubre 20, 2019 by -

Una noche sin tiempo, ni espacio.

Fryda Magaña en los sintetizadores y la voz, y Arturo Tranquilino en la guitarra crean la fusión llamada Fryturama que calienta los ánimos para la presentación del neozelandés, Jonathan Bree.

La guitarra ultra ruidosa acompañada por gritos llenos de eco, reverb y delay generan una atmósfera un tanto meditabunda o lo que pareciera una “banda cetácea” según se escucha en una plática proveniente del público.

Fryturama en realidad no tiene un sonido muy ligado a lo que hace Jonathan Bree, pero esa no es la idea, la verdadera idea es que la música esté ligada al concepto HIPNOSIS y con su shoegaze, dream pop, este power duo se ajusta muy bien a los conciertos sellados por HIPNOSIS.

Comienza la presentación de Jonathan Bree, todos salen con sus característicos spandex debajo de sus ropas para no mostrar sus caras, como si estuvieran desasociados de la realidad y hacerlo de alguna manera una presentación virtual. Podemos ver todo lo que hacen, pero no saber quienes son.

“Sleepwalking”, “Weird Hardcore” y “Say You Love Me Too” es la trilogía de piezas que encienden el show y con ellas podemos notar algunos detalles de la puesta en escena de Bree.

La vestimenta de las bailarinas, sus técnicas de composición y los samples que acompañan la música en vivo hacen una mezcolanza entre la época victoriana, los psicodélicos 60 y un toque de la era moderna, un combo adecuado para el goce tremendo.

Toda la teatralidad de la puesta en escena esta bien pensada, la caracterización de las bailarinas, por ejemplo, sus coreografías asemejan algunos beats, replican con momentos corporales motivos melódicos y apoyos rítmicos como campanas o triángulos con baile y su coreografía también interpreta situaciones de las letras.

Momentos cumbres

El público se pasó un buen rato en la mayoría del concierto, pero hubo tres momentos en los que la gente perdió la calma para alocarse gritando sin control.

En “Say You Love Me Too”, Bree cargaba un ramo de rosas para darle mayor potencial histriónico a la interpretación en vivo, un toque que su público agradeció dedicándole bailes teatrales.

Pero el momento que desquició de emoción fue cuando Jonathan comienza a desmoronar las rosas y las arroja a sus fans. Todos estaban vueltos locos como si fuera el ramo de novia en una boda.

Este tipo de show es completamente visual, totalmente instagrameable, pero curiosamente el público no tenía el celular grabando todo el tiempo, la mayoría estaba para prestar máxima atención y disfrutar cada instante.

A excepción del segundo momento más psicótico, “You’re So Cool” comienza a sonar y entre gritos frenéticos todos levantan celulares, la cosa era un festival de pantallas.

Al final del show, Bree se acomoda un poco la mascara que lleva puesta y la gente se desquicia de emoción pensando que esta por quitársela, pero estas no son las luchas nadie va a desenmascararse y este fue el momento con más gritos de la noche.

Aunque, quizás solo estaba acomodándose para respirar un poco después de una hora de concierto.

Sí, apenas una hora de concierto, bastante corto, pero me parece que llevar puesta una mascara sin orificios para la nariz, ni la boca, debe ser muy cansado y bastante incomodo. Tal vez por eso el show está pensado tan solo para esa cantidad de tiempo.