Gorillaz y Beck se presentaron en Animal Talking

El tema colaborativo de Gorillaz y Beck fue parte del programa de entrevistas del juego Animal Crossing.

Dentro de esta nueva normalidad, las presentaciones remotas son parte del curso en estos días, por lo que Gorillaz encontró una forma única e innovadora de promover la primera temporada recién lanzada de su proyecto audiovisual: Song Machine. Su aparición se llevó a cabo en el último episodio de Animal Talking, el programa de entrevistas de la vida real presentado por Gary Whitta dentro del mundo de los videojuegos de Animal Crossing. Allí, se presentó una actuación de la colaboración con Beck, "The Valley Of The Pagans". Debido a las limitaciones de Animal Crossing, solo 2D y Beck pudieron aparecer dentro del estudio Animal Talking para el show.

Antes de la actuación, los autores intelectuales de Gorillaz, Damon Albarn y Jamie Hewlett (también en forma de avatar) se sentaron en el sofá animado y hablaron sobre su último proyecto contando algunas anécdotas y sobre cómo definen su música al no considerarse como tal una banda, sino un dúo.

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Puedes ver las presentaciones en el video de abajo, tomando en cuenta que la entrevista comienza en el minuto 48:35 y la actuación de "The Valley Of The Pagans" con Beck a partir del minuto 1:27:2:

Artistas independientes piden justicia a Spotify

Mayores regalías y transparencia en la plataforma de streaming son algunas de las demandas que piden artistas como Zola Jesus, Thurston Moore, Julia Holter, Sasami, entre otros.

Este año la industria de la música ha sido de las más afectas debido a la pandemia, en especial la de los músicos independientes que no cuentan con el apoyo de grandes casas disqueras. Hoy se ha dado a conocer el movimiento Justice At Spotify en el que artistas exigen que la plataforma de streaming otorgué mayores regalías, termine con la payola y hacer públicos los contratos que se firman a puerta cerrada.

Como dato los artistas que tienen música en Spotify reciben $.0038 USD algo así como $0.080 centavos mexicanos. Obvio los artistas que generan millones de reproducciones pueden encontrar algo de ganancia pero quienes no, han batallado.

En su sitio web se puede leer lo siguiente:

Spotify es la plataforma más dominante en el mercado de transmisión de música. La compañía detrás de la plataforma de transmisión continua acumulando valor, pero los trabajadores de la música en todas partes ven poco más que centavos en compensación por el trabajo que realizan.

Con todo el ecosistema de música en vivo en peligro debido a la pandemia del coronavirus, los trabajadores de la música dependen más que nunca de los ingresos por transmisión. Hacemos un llamado a Spotify para que ofrezca mayores pagos de regalías, transparencia en sus prácticas y deje de luchar contra los artistas.

Lo que estamos pidiendo

Pagarnos al menos un centavo por flujo
Adopte un modelo de pago centrado en el usuario
Hacer públicos todos los contratos a puerta cerrada
Revelar la payola existente, luego terminarla por completo
Acreditar todo el trabajo en las grabaciones
Poner fin a las batallas legales destinadas a empobrecer aún más a los artistas".

Algunos artistas y proyectos que han firmado dicha petición son: DIIV, Zola Jesus, Thurston Moore, Julia Holter, Jay Som, Sasami, entre otros.

Esta iniciativa surge por el Sindicato de Músicos y Trabajadores Afines (Union of Musicians and Allied Workers por sus siglas en inglés) que se formó a principios de este año debido a la crisis de la pandemia de coronavirus.

Puedes checar más detalles en su sitio oficial

Mexican Institute Of Sound presenta canción junto a Graham Coxon

¡América, tierra de oportunidades!

A pesar de todos los acontecimientos que marcan al mundo día con día, no se debe perder la idea de que la unión hace la fuerza. El continente americano se ha enfrentado solo a muchos problemas sociales, políticos y naturales; en respuesta a ello Camilo Lara de Mexican Institute Of Sound entrega su nuevo sencillo "My America Is Not Your America" en compañía de Graham Coxon.

La colaboración entre el famoso guitarrista de Blur y el proyecto mexicano surge como parte de su nuevo material discográfico el cual nuevamente está fuertemente conceptualizado en poner en alto el nombre de México a través de sonidos populares. En esta ocasión, el músico inglés impregna su sello con una fuerte dosis de riffs de guitarra eléctrica, que en conjunto enaltecen el mensaje: cantar por la unión de los pueblos de América.

My America Is Not Your America_IMS

El reconocido cineasta Adam Neustadter, se encargó de dirigir el video musical que acompaña a "My America Is Not Your America" el cual fue grabado durante las protestas del Black Lives Matter en Estados Unidos, y en algunos escenarios icónicos de la CDMX como la Plaza de las Tres Culturas en Tlatelolco y el Mercado de Jamaica. Te lo compartimos ahora para que lo disfrutes:

Mexican Institute Of Sound lanzará este año su próximo material discográfico DF, mientras eso sucede puedes disfrutar de sus más recientes singles "Dios", “Yemayá” junto a Gaby Moreno, "Se Compran" y "Cruzando el Río". 

The War On Drugs dio a conocer el tema “Ocean of Darkness”

Lo nuevo de la banda de Filadelfia es un track lleno de nostalgia con una letra que empuja a la reflexión introspectiva.

Durante los primeros meses de la pandemia, The War On Drugs reveló que estaba trabajando en un nuevo álbum. Ahora, la agrupación ha presentado una nueva canción titulada "Ocean of Darkness" durante su presentación del viernes en The Tonight Show Starring Jimmy Fallon.

Este tema es el primero en salir desde la liberación del álbum A Deeper Understanding a través de Atlantic Records en el año 2017. "Ocean of Darkness" suena un tanto propulsora por el ritmo de batería marcado a lo largo de toda la canción, pero a su vez tiene tintes de folk con una nostalgia presente, lo que la hace similar a su material pasado.

Por su parte, se nota a Adam Granduciel portando una gorra que decía "VOTE", mientras cantaba las líneas: "You’re just a poor boy/ Your blood rushes through me/ Alone in the great divide/ To love and understanding."

Checa a continuación la presentación de este nuevo track:

Por otra parte, antes de iniciar la actuación virtual de la banda, Fallon llamó a "Ocean of Darkness" una nueva canción "inédita" y mostró lo que parecía ser la obra de arte del sencillo. No es sorprendente que pareciera una costa negra, haciendo metáfora a la letra de este nuevo tema.

No está claro en su totalidad cuándo se lanzará este nuevo álbum de The War On Drugs, pero la banda hizo una vista previa de tres "canciones casi terminadas" durante una transmisión en vivo en marzo, por lo que probablemente haya una buena parte del material listo para poder ser mostrado.

AC/DC estrena videoclip para “Shot in the Dark”

Después de seis años sin música, la agrupación australiana está lista para romper los amplificadores.

Hace seis años AC/DC lanzó Rock or Bust (2014), su último material discográfico. Tras un buen tiempo sin música nueva, la agrupación compartió hace unas semanas, algunos indicios de lo que podría ser su esperado retorno a la industria musical, mismo que hoy se concibe al ritmo de “Shot in the Dark”, tema tomado de su próximo álbum de estudio.

Power Up es el nombre de este material que corrió bajo la producción de Brendan O'Brien. Durante una entrevista, la banda explicó que comenzó a trabajar el LP desde hace dos junto a su alineación completa, la cual incluía ideas de Malcolm Young, quien lamentablemente falleció hace tres años.

Nos reunimos en 2018 y trabajamos en un montón de ideas que Malcolm y yo habíamos hecho a través de los años. Había temas de AC/DC en los que nunca habíamos tenido la oportunidad de trabajar y fue genial que todos quisieran ser parte de ello. Hemos logrado recuperar lo que el mundo ha conocido como AC/DC desde 1980 cuando Bon Scott falleció", expreso la banda.

“Shot in the Dark”, es el primer adelanto que presenta AC/DC. Su tradicional sonido compuesto por las guitarras chirriantes y la batería constante acompañan a la desgarradora voz de Brian Johnson, que parece no cambiar con el tiempo. David Mallet se encargó de dirigir el video que acompaña a este sencillo en el que se observa a la agrupación interpretar el tema mientras permanecen sobre una gran plataforma negra que es iluminada por luces neón. Da play ahora para poder disfrutarlo.

Power Up estará disponible a partir del 13 de noviembre vía Columbia Records. Si deseas pre-ordenarlo puedes hacerlo directo en el siguiente enlace.

ACDC-Power-Up

Tracklist de Power Up:

01. "Realize"
02. "Rejection"
03. "Shot in the Dark"
04. "Through the Mists of Time"
05. "Kick You When You’re Down"
06. "Witch’s Spell"
07. "Demon Fire"
08. "Wild Reputation"
09. "No Man’s Land"
10. "Systems Down"
11. "Money Shot"
12. "Code Red"

Woodkid — S16

Woodkid: De la fantasía a la cruda realidad.

Yoann Lemoine, mejor conocido como Woodkid, llegó hace más de un lustro al panorama musical como una especie de cuenta cuentos de la era moderna. En The Golden Age (2013) sus historias encontraban espacio, acompañadas de una sinfonía electrónica provista de todo artilugio posible y una producción, por momentos excesiva, pero siempre puntual.  Todo esto acompañado de visuales que mostraban otro de sus talentos: darle imagen a la música.

Luego de colaborar en los videoclips de Lana Del Rey, Drake y Harry Styles; un exitoso concierto en el Montreux Jazz Festival y colaborar en la banda sonora de la película Desierto de Jonás Cuarón; Lemoine regresa con nuevo disco: S16. La fantasía continua, pero desde una visión más madura, Woodkid se ve obligado a poner los pies en la tierra y reflexionar acerca del amor y como este hace replantear su existencia y todo lo que le rodea.

En esta aventura no está solo, en el departamento de letras co-escribe con Ryan Lott (conocido por su proyecto Son Lux), la arreglista Sally Herbert se encarga de la parte orquestal y en la producción su mano derecha es Tanguy Destable, ex integrante y productor de la agrupación francesa Yelle, pese a ser un equipo numeroso, S16 se siente mucho más austero en arreglos e incluso por momentos acústico.

El disco abre con “Goliath”, tema de crítica social ante la problemática ambiental. En "Pale Yellow" la adicción y la lucha por mantenerse resiliente es acompañada por sonidos industriales, intentando reflejar el interior de una máquina, el ser humano en este caso. Así durante 11 tracks, Woodkid nos habla de pedir ayuda ante el caos mental (“Enemy”) a falta de valentía para afrontar el amor (“Drawn to you”) y como una persona se transforma en el “químico” para seguir vivo (“So Handsome Hello”). El punto cumbre llega en “Reactor”, dónde un coro de niños acompaña Woodkid en un canto lleno de oscuridad y el aire cinematográfico que tanto busca su música. El disco cierra con la favorita de los fans “Horizons Into Battlegrounds” dónde admite que tal vez el problema es él mismo y “Minus Sixty One” dónde reflexiona acerca de tenerlo todo y no poder ser feliz. Mucho más oscuro, arriesgado y por momentos de difícil escucha, así se puede definir a S16.

En una época donde el hedonismo se convirtió en la herramienta perfecta para evitar caer en la locura, Woodkid nos invita a ser valientes, mirar hacia adentro, enfrentar nuestros propios demonios y encontrar el equilibrio en medio del caos.

Rubio — Mango Negro

Rubio presenta Mango Negro.

‘El agua que no se mueve, se estanca’; ese dicho popular nunca fue más acertado, pues durante este año, todos debimos movernos para mantenernos a flote y no desertar. Segura estoy que ha sido complicado y hemos encontrado nuevas versiones propias y hasta hemos roto límites que estaban allí por los miedos. En este 2020 tan impredecible, la cantante andina Francisca Straube, mejor conocida como Rubio lanza su segundo disco Mango Negro, que es el resultado de toda esta experimentación que el parón forzado le trajo a su vida, que la llevó incluso a alejarse al campo para desconectarse del bullicio de la ciudad. Tras el lanzamiento de los EPs La Pérdida, La Existencia y El Fruto, que contienen cuatro tracks cada uno, nació Mango Negro, un disco que habla sobre lo que no es tangible, como el amor, la avaricia, la vida, la muerte, los celos y lo mundano, lo simple de la madre tierra. Con 15 tracks, la chilena se expresa al máximo sin encasillarse en algún género, lo que la hace más atractiva.

El álbum se abre con el interludio “La Pérdida”, con notas relajantes que preparan la mente a ser abierta para absorber lo que se viene; después, “Oro”, un track que mezcla hip hop con ritmos étnicos y habla de ese dicho popular que ‘no todo lo que brilla es oro’ y pone la interrogante sobre la existencia de la vida eterna. Una de las más interesantes del repertorio es “Pájaro Azul”, que fue una de las que vieron la luz antes del lanzamiento, una canción que experimenta con el techno, la electrónica, los sonidos sintéticos y la voz de Fran que sorprende por ser suave.

La versatilidad del proyecto de Rubio es uno de los atractivos musicales, pues en “Nudo” escuchamos una canción que le tira más al pop romántico, con gospel y ambient, además de tener letra desgarradora, una rola que habla del desamor, con voz suave y que transmite un sentimiento de desolación. La que da nombre al disco, “Mango Negro”, es un concepto que se manifestó en la mente de Straube mientras dormía y donde describe que todo era selvático y surrealista; “Compañera” es un canto a la mujer, donde asegura en su letra ‘me haces bien, tú paz me calma, mujer hermosa, mis ojos brillan por ti’. Recordemos que la imagen de Fran Straube en Rubio se muestra andrógina e inquieta, sin casillas que la limiten, expresa la libertad de su sentir con toda naturalidad y sin tapujos.

Entre otras que destacan en Mango Negro están “Agua”, con voz sintetizada y mezclas de techno, guitarra acústica y sonidos naturales, “Niño Iceberg”, que expresa la fragilidad que las almas tienen en el mundo terrenal; “Solo Quiero Que Me Salves Tú”, donde sale su personalidad amante del folk de Dylan, sobre las co-dependencias mundanas de la humanidad. Sobre este disco, la sudamericana comentó que la realidad del mundo y sus acciones la desgarran, espera que la humanidad encuentre el hilo de lo que nos desconecta.

Si no has escuchado a Rubio, te encontrarás con muchas mezclas, sin etiquetas, ideas racionales sobre el mundo y una imagen fría, prístina, inocente, andrógina y limpia de la contaminación visual, auditiva y energética de este planeta, Mango Negro será un álbum que te alimente el alma y explore con las exigencias de tu espíritu.

Los Tres en Ocesa Irrepetible

Los Tres en vivo y un fin de semana feliz para Chile.

En tiempos tan convulsos como los que vivimos, en los que la posibilidad de confinamiento riguroso vuelve a acechar y la desgracia está a la orden del día, cualquier acercamiento con la música que vaya más allá de la experiencia individual a través de los audífonos es, por decir lo menos, una bocanada de aire. Y el show que ofrecieron Los Tres en la plataforma de Ticketmaster Live fue una prueba de eso.

Ejecutado con solemnidad, el set que brindó el escuadrón encabezado por Álvaro Henríquez y Roberto “Titae” Lindl fue también un guiño a sí mismos... A esa época en la que irrumpieron en el panorama del mainstream latinoamericano con su mezcla de rock y sonidos basados en el folclor andino.

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Con 24 años recién cumplidos, los arreglos originales de su Unplugged se hicieron presentes y tuvimos la oportunidad de revisitar las versiones acústicas de clásicos como "Gato Por Liebre" y "Tírate".

Coincidencia o no, resulta curioso que este concierto se diera en el marco del plebiscito que puso al pueblo chileno a decidir sobre la legislación de una nueva Constitución que pretende erradicar los vestigios del sistema pinochetista; y entonces, volvieron a sonar esas canciones con las que, en ese mismo recital desenchufado de 1996, la alineación original de la banda rindió homenaje a Roberto Parra, disidente y oposición activa de aquel régimen militarizado.

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No todo fue memoria y nostalgia: la inclusión del acordeón Rodolfo "Primo" Henríquez revitalizó la interpretación de varias canciones hasta llevarlas a los terrenos del folk, el norteño y hasta la sonoridad circense.

Dadas las circunstancias, la interacción con el público fue prácticamente nula; sin embargo, los seis músicos sobre el escenario lo compensaron con energía y virtuosismo, mismos que se vieron privilegiados por una producción notable de audio, video e iluminación.

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La experiencia de los conciertos en streaming no deja de ser anómala -y quizá, esa sensación no cambie pronto- pero eventos tan puntuales como éste, en donde el arte y las ideas generan vínculos inmunes a los virus, nos recuerdan que no estamos solos... Incluso si lo único que podemos hacer es platicar en la sección de comentarios de la transmisión mientras Los Tres cantan "Quién Es La Que Viene Ahí".

A 20 años del ‘Stories from the City, Stories from the Sea’ de PJ Harvey

PJ Harvey, una mujer que transforma los sentimientos en poemas musicales.

La participación de las mujeres dentro de la música siempre ha estado presente. Desde el surgimiento del blues y jazz han destacado nombres como Mamie Smith y Bessie Smith, quienes tuvieron que enfrentar la retrógrada mentalidad de inicios del siglo 20. Inclusive décadas después, ya con la consolidación del rock, cantantes como Janis Joplin vivieron una fuerte represión por el simple hecho de no ser hombres.

Ahora bien, dentro de la historia reciente, una persona que ha logrado trascender en la música gracias a la calidad de su trabajo ha sido Polly Jean Harvey. Su voz es su principal herramienta y destaca por las tonalidades que alcanza. Lo mismo puede emitir gritos furiosos que dulces susurros que parecen cantos de cuna. Aunque también destaca por su habilidad con los instrumentos al poder ejecutar más de una decena, entre ellos la guitarra, saxofón, piano y violín.

Su inicio en la música se remonta a finales de los ochenta cuando se unió a Automatic Dlamini, pero sería en 1992 cuando alcanzaría notoriedad en su natal Reino Unido con la publicación de su primer álbum en solitario, titulado Dry. Las críticas de la época alabaron su habilidad en la composición al retratar la vida cotidiana desde la óptica femenina.

Una novela musical dividida en 12 capítulos

A mediados de los 90 vivió un intenso romance con Nick Cave, pero después de más de un año de relación llegaría el rompimiento. El hecho le sirvió a él para componer algunos temas de su disco The Boatman's Call. Mientras que ella se fue a vivir una temporada a Nueva York y la ciudad que nunca duerme la inspiró, al menos de forma parcial, para su siguiente material. Aunque en declaraciones futuras negaría que sus letras sean autobiográficas sino que combinan lo real con lo fantástico.

Titulado Stories from the City, Stories from the Sea, contiene 12 composiciones que van de la melancolía a la introspección pero siempre con un sonido refinado que logra erizar la piel por los sentimientos proyectados.

La pieza que abre el material es “Big Exit”, en donde sobresale su potente voz que por momentos recuerda a lo hecho por Kim Gordon con Sonic Youth. Sus gritos retumban en los oídos mientras ella relata lo que se siente estar perdida en una tierra desconocida. A su vez, “Good Fortune” es otra canción en la que hace alusión a las vivencias que tuvo en la Gran Manzana, como sus paseos por el barrio chino e italiano. Además la canción adquiriría notoriedad gracias a un sencillo pero efectivo video dirigido por Sophie Muller, quien tiene una larga trayectoria en donde sobresale su trabajo junto a proyectos encabezados por mujeres, como otros videos para No Doubt, Björk, Garbage y Annie Lennox.

¿La Patti Smith de las nuevas generaciones?

Mientras que la faceta más estridente del LP se puede escuchar en “This Is Love” con una guitarra a máximo volumen mientras ella le canta al amor sin temor a mostrar sus emociones. Sus gritos emulan a un dragón y cada una de sus frases amenaza con quemar a los que se atrevan a escucharlas. Por su actitud y habilidad en la escritura es que son comunes las comparaciones con Patti Smith, lo cual siempre será un halago.

Por otra parte, para esta material PJ Harvey solicitó el apoyo de un amigo que conoció una década atrás cuando ninguno de los dos era famoso: Thom Yorke. La participación del cantante de Radiohead se puede escuchar en cuatro temas, aunque uno que sobresale es “This Mess We're In" por la melancolía que imprimen ambas voces. La letra se puede entender como una carta de despedida a un ser querido y en donde ninguna de las partes quiere irse.

El consenso general de la crítica y el público fue de reconocimiento inmediato. Todas las revistas musicales incluyeron al álbum en sus listas de los más destacados del 2000 e inclusive llevaría a la cantautora a ganar el prestigioso Mercury Prize un año después. De hecho, tanto Time como la Rolling Stone lo tienen catalogado como uno de los 500 mejores de la historia. En ninguno de los casos es una exageración porque la calidad ha logrado trascender la barrera del tiempo.

A 20 años del 'Hybrid Theory' de Linkin Park

Al final, tantas cosas importan.

Año 2000, suena la alarma del reloj despertador, preparándote para un día más de escuela, casi han pasado los 12 primeros meses de un nuevo milenio y no hay gran diferencia del todo. Una playera World Industries, un par de Adidas campus, transporte público y tu reproductor de música sonando Linkin Park. Eras feliz y no lo sabías. 

Recientemente en una conferencia de prensa, la banda comentó que jamás dimensionó el éxito que tendría su primer disco: “nosotros solo pensábamos en volver a nuestra van a comenzar la gira por carretera, y cuando recibimos los primeros números de ventas tuvimos que cambiar nuestros planes”. El extenso tour de promoción los llevaría a lugares que nunca imaginaron, incluso México, donde teloneando a Korn, ofrecieron una de las noches más memorables para la historia del nu metal en nuestro país. 

A 20 años de distancia y con una re edición que colocó a la banda de nueva cuenta en los charts, y después de la dolorosa e irreparable pérdida de Chester Bennington, la nostalgia sigue ganando al pasar de los años y demuestra que la música se convierte en algo infalible para alentar los recuerdos y el gusto por una banda. Estamos destinados a ver cómo cada uno de nuestros ídolos se va desvaneciendo, pero siempre nos dejarán la obra que tanto nos acercó a ellos. 

“One Step Closer”, tal vez tienes infinidad de razones para estar enojado, puede ser algo tan insignificante como el hecho de esperar a que pasaran este video en MTV y mientas tanto tuvieras que soportar la vida loca de Ricky Martin o los mensajes de Shakira que no eran para ti, querías golpear la cara de esos niños bonitos que bailaban y cantaban una coreografía y que aparecían en las portadas de las revistas cuando aún se consumían, o tal vez la furia emanaba por razones más reales: el rechazo de una chica, el sentirte el freak del salón, la separación de tus padres, n razones para alzar la voz y hacer headbanging: “I need a little room to breathe 'cause I'm one step closer to the edge”,

Y esos gritos de Chester en “With You”, tan ajenos pero tan constantes, el ansia de rapear como Mike Shinoda en “Points of Authority”, el estallar de “Crawling”, la misma catarsis que para una generación evocaba Nirvana, con esta mutación entre el heavy metal que tal vez te parecía cosa de viejos, y con el rap que tanto te decía y que tal vez no comprendías. La fusión perfecta para sentirte rudo y enojado, el soundtrack perfecto tanto para patinar como para figurar que le rompías la tabla en la cabeza a aquel profesor que pensaba que no tenías futuro. 

Linkin Park nunca pensó en ser vocero de una generación, Hybrid Theory fue el comienzo del camino para forjar una leyenda que se vio tristemente coartada por un misterio sin resolver. Pasaron los años y la evolución los llevó por rumbos tal vez difusos para algunos fans que los dejaron atrás, pero una nueva legión se encargó de mantenerlos en el inconsciente y el futuro. Hubo una brecha enorme entre aquel primer show en el Foro Sol y la última en la Arena Ciudad de México, pero, como bien dice la que podría ser su opus magna, al final siempre quedarán grandes recuerdos de la banda. 

Año 2020, imagina que pronto podremos volver a la normalidad, de cierta forma, como lo quieren hacer creer, porque ya nada será lo mismo, una pandemia global ha cambiado completamente nuestro panorama, nuestra rutina, nuestros modos y nuestro ánimo. Poco a poco se retoman las actividades, se abren los negocios, y vas a un karaoke con tus amigos después de meses de no verlos. Con las debidas precauciones llegaste al lugar, te quitas el tapabocas, aún no te sientes con mucha confianza al respecto del contacto humano, pero que diablos, te hacía falta tanto un abrazo que no puedes evitarlo.

Y al llegar el momento de elegir la primera canción, piensas en “In The End”, en aquella primera vez en directo que te jodiste la garganta, en las veces que la escuchabas una y otra vez en tu habitación, en esa ocasión pasados los años que en una fiesta comenzó a sonar y la cantaste y un desconocido se unió a ti y hasta te abrazó, y casi toda la fiesta a coro los acompañó para hacer un memorable momento de borrachos. Cuando la cantaste con una ex-novia de la que ahora no sabes nada en el RockBand, cuando te causó escalofríos el video de su interpretación en una estación del metro de Nueva York, y ahora que la escuchas, recordando que Chester Bennington se ha ido, y que al final, nada importa. 

Ni la confianza que pusiste en alguien que te decepcionó, ni todo lo que intentaste por permanecer en un lugar en el que no correspondías, el no reconocerte a ti mismo al mirarte al espejo, tratar de dividir tus pensamientos entre sueños y memorias, perderlo todo, y sin embargo, volver a intentarlo de nuevo, porque al final, siempre debemos levantarnos y dejar todo lo malo atrás. Esas lecciones de vida que a veces se te olvidan, pero que siempre te recuerdan las canciones.