Arctic Monkeys comparte “505” en vivo desde Londres

Escucha en vivo uno de los legendarios temas de Favourite Worst Nightmare (2007).

Arctic Monkeys anunció hace unas semanas que su álbum en vivo directo desde el The Royal Albert Hall será lanzado el 4 de diciembre a través de Domino Records, en una edición especial de doble vinilo transparente. Con este material, la agrupación británica pretende ayudar a War Child UK, la organización benéfica que apoya los niños que tienen traumas de la guerra, y la cual se ha visto afectada económicamente por la pandemia.

A vísperas del estreno, Alex Turner y compañía liberan uno de los 20 tracks que serán incluidos en la larga duración. Se trata del icónico "505", tomado de su segundo LP Favourite Worst Nightmare (2007). Sin necesidad de un video que muestre las imágenes tomadas aquel 7 de junio del 2018 en la prestigiosa sala de conciertos de Londres, la banda logra capturar la emoción del momento en una pista que no necesita adornos y que por sí sola funciona bien. Te la compartimos a continuación para que la disfrutes:

En junio de 2018 tocamos un espectáculo especial en el Royal Albert Hall de Londres. Todas las ganancias de esa noche fueron donadas a War Child para apoyar el trabajo vital que hacen protegiendo, educando y rehabilitando a los niños que han experimentado el trauma del conflicto y el horror de la guerra", explicó Arctic Monkeys.

Arctic Monkeys Live at The Royal Albert Hall ya está disponible para ordenar y puedes hacerlo dando clic aquí ¡Sé parte de esta buena causa!

Mira “Kerosene!”, el nuevo video de Yves Tumor

El metraje que le da vida a este tema es un extracto del reciente álbum del artista: Heaven to a Tortured Mind.

Yves Tumor le continúa haciendo promoción a su más reciente material discográfico Heaven to a Tortured Mind lanzado por Warp Records, por lo que esta vez nos sorprende con el lanzamiento de un nuevo video musical para "Kerosene!". Este track cuenta con la colaboración de la cantautora Diana Gordon en las partes vocales, con lo que le ha otorgado un toque imponente en su escucha.

Por otro lado, el metraje para la canción ha sido dirigido por Cody Critcheloe, mejor conocido como SSION, y ha revestido este tema con una historia de un triángulo amoroso. El metraje se envuelve en una mini película llena de pelotas de golf en llamas, concesionarios de autos y solos de guitarra épicos que nos sumergen en esta distopía.

Cabe mencionar que el visual llega con dos ediciones diferentes debido a su contenido en imágenes, las cuales son: la versión familiar y la versión explícita. Naturalmente la primera de ellas se puede ver en YouTube, mientras que la segunda está disponible sin censura en Vimeo.

Te dejamos acá abajo el nuevo audiovisual (en sus dos versiones) de Yves Tumor hecho para "Kerosene!":

Yves Tumor - Kerosene! (Official Video) [XXX Uncensored Version] from Warp Records on Vimeo.

 

Eddie Vedder libera sus singles “Matter of Time” y “Say Hi”

El líder de Pearl Jam comparte dos temas en solitario con fines caritativos.

El músico estadounidense actuó junto con su esposa Jill Vedder, en caridad para EB Research Partnership, su organización dedicada a encontrar la cura para la epidermolisis bullosa. La acción se vio reflejada en un par de canciones, "Matter of Time" y "Say Hi" las cuales únicamente se habían escuchado durante su evento caritativo, aunque finalmente Eddie Vedder decidió compartirlas oficialmente en las diferentes plataformas de streaming.

"Matter of Time" es una melodía totalmente a piano que habla de la voluntad de vivir y de la fortaleza que los niños necesitan para alcanzar esa luz al final del túnel. La canción viene en compañía de una emotiva animación realizada por Matt Finlin y Jeff Lemire a través de la cual se observa al cantante interpretar la pieza, mientras un niño refleja la incertidumbre que vive al estar vendado todo el día. Te lo compartimos ahora:

Por su parte, "Say Hi", fue escrita para Eli Meyer, un niño de seis años que lucha contra la epidermolisis bullosa, y que inspiró a la pareja Vedder para seguir apoyando esta causa de encontrar una cura. Da play ahora para poder escuchar a Eddie Vedder cantar en acústico cómo fue que Eli le robó el corazón.

Ambas canciones están disponibles para ordenar en formato de vinilo de 7". El costo del LP es de 10 dólares ($203 pesos aproximadamente). Si deseas adquirirlo puedes hacerlo dando clic en el siguiente enlace.

Yoko Ono ha cedido derechos de ocho empresas a Sean Lennon

Algunos derechos sobre creaciones de John Lennon, la dirección de Apple Corps y demás destacan en las empresas que Yoko Ono ha cedido a su hijo Sean.

Según The Daily Mirror, el pasado mes de octubre fue nombrado Sean Lennon como director de Apple Corps, uno de los legados de The Beatles. Dicho cargo fue cedido por Yoko Ono, así como la participación en otras siete empresas y consejos, de donde destaca Lensolo, consejo que tiene a su cargo distintas obras en solitario de su padre.

La razón de este movimiento en la familia sugiere ser la condición física y de salud por parte de la artista. El mismo medio señaló que no ha sido vista en público desde hace más de un año, y medios de Nueva York añaden que necesita una silla de ruedas para desplazarse.

Sean Lennon entonces será la cabeza de al menos ocho empresas vinculadas a su padre, su madre e incluso The Beatles. Un portavoz añade al diario que su madre "Sigue supervisando el patrimonio de John, pero ha decidido que Sean sea nombrado como director para ayudarla cuando sea necesario”.

A partir de 2016 el estado de salud de Yoko Ono ha ido a la baja. Luego de un presunto derrame cerebral, la cantante añadió en 2017 un comentario sobre "aprender a vivir con esta enfermedad", la cual nunca se especificó, y con el paso del tiempo ha tenido menos apariciones.

A 50 años del álbum debut de Kraftwerk

El sonido de la agrupación alemana dio pauta a nuevas formas de composición en la música experimental, la electrónica y diversas escenas nacientes.

Sin duda el surgimiento de Kraftwerk fue un hito para la música experimental, la electrónica y para la realización de composiciones a partir de sintetizadores con un juego de diferentes frecuencias.

La forma en la que se dio a conocer Kraftwerk fue de forma coyuntural en 1970, para ese entonces la música había mudado totalmente de lugar, pues lo que se conocía como "académico" o "música culta" se transformó casi por completo. La idea de lo lineal dejó de existir a partir de la creación de La Segunda Escuela de Viena comprendida por Arnold Schönberg, Alban Berg y Anton Webern. Esto dio lugar a nuevas formas musicales como la dodecafonía, la música preparada, la música aleatoria, la música electroacústica y la música electrónica. Al aprovechar el momento histórico de cambio, la agrupación alemana comprendida en ese entonces por Ralf Hütter, Florian Schneider, Andreas Hohmann y Klaus Dinger lanzó su primer álbum homónimo. La producción estuvo a cargo de Konrad "Conny" Plank y salió a través de Philips Records. El diseño de la portada, se le atribuye a Ralf Hütter y tiene una influencia cargada en el arte de Andy Warhol y el entonces movimiento del por art contemporáneo.

Kraftwerk álbum

Kraftwerk tuvo que recorrer un sinuoso camino que incluyó el desafío de encontrar un sonido propio dentro de una escena naciente. Por lo que su álbum debut fue la prueba de experimentación e innovación con la nueva tecnología musical que contenía sintetizadores y diversas posibilidades sonoras dentro del contexto de una ciudad industrial.

El tema que da apertura al lado A de este LP es "Ruckzuck", una canción que le apostó muchísimo a la composición del krautrock, llevándonos por momentos diferentes durante su transcurso, con aceleraciones de tempo y cortes abruptos antes de las secciones extendidas. El final cierra de forma interesante, pues el tema inicial se repite, pero con un ritmo más rápido.

El siguiente track corresponde a "Stratovarius", el más largo de los cuatro temas que componen el álbum, pues tiene una duración de 12 minutos. Esta canción es una de las más importantes a destacar dentro de su naciente composición, incluso es lo más "rockero" que podemos escuchar en Kraftwerk. Por su parte desarrolla una introducción de órgano que converge con la batería con una sucesión de jams que van construyendo y rompiendo nuevas atmósferas.

Lo que respecta al lado B, se le da apertura con "Megaherz", un dúo interpretado por Hütter y Schneider. Comienza con melodías industriales que se desenvuelven hasta llegar en un profundo sonido ondulante creado por teclados con tonos graves. La composición se disuelve y mezcla con la entrada de melodías creadas con una flauta hasta llegar a la parte del clímax de cierre.

El fin del álbum llega con "Vom Himmel Hoch". Su inicio está lleno de incertidumbre al crear una atmósfera de Efecto Doppler, con una melodía que hace alusión al sonido que generan los aviones sobrevolando; posteriormente se le da entrada a un teclado que emula lanzamientos de bombas, con irrupciones sónicas que se aceleran para llegar a un silencio y así culminar con un final explosivo.

Tras la exposición de Kraftwerk, la agrupación pudo prever lo que haría posteriormente, logrando una evolución implacable en su sonido y en la naciente escena de la electrónica. De esta manera, los intérpretes de "Das Model" se volvieron precursores en la composición y experimentación con sinterizadores y sonidos ambientales recreados con diversos instrumentos. Y con ello, trazaron un nuevo camino para el futuro musical.

Entrevista con Future Islands

El livestream no es una opción viable.

Future Islands es romanticismo musical. Es la voz de la tragedia humana en el mundo contemporáneo. Algo tan real que suena como el propio corazón cuando duele. Su música se parece a la sensación de la felicidad pura, ese espasmo en que la luz es brillante, y también, se asemeja al dolor de escuchar a alguien decir que su madre ha muerto. Future Islands es real. Pocas bandas logran capturar la esencia de lo que es ser una persona con la complejidad de las emociones. Es la sangre recorriendo las venas hasta llegar a un corazón que permite que la vida siga existiendo. Indie Rocks! conversó con Future Islands a propósito de su nuevo álbum, As Long As You Are; de lo que implica no dar conciertos desde hace once meses y de la elección en Estados Unidos.

El nueve de octubre la banda presentó su nueva pieza en un livestream que jugaba con el nombre de un tema de su aplaudido Singles, A Stream Of You And Me. El bajista William Cashion relata la experiencia de ese show. “Fue genial estar de nuevo juntos tocando nuestra música, es la primera vez que lo hacemos desde diciembre del año pasado. Fue muy extraño tocar sin público, incluso cuando lo hacemos en televisión, siempre hay una audiencia, esta vez solo estaba el equipo de grabación moviéndose de un lado a otro”.

En As Long As You Are el cuarteto continua explorando el lado sentimental del individuo, la apertura de sus emociones, el descubrimiento de la felicidad y la libertad personal. Pero lo que hace a esta banda tan especial es la ejecución en vivo del vocalista, Samuel T. Herring, su actuación es tan vívida y dramática como una pelea de box. Interpreta, actúa y convierte las canciones en una presentación deportiva. Golpea y es golpeado. Lanza jabs y uppers, aún así regularmente le ponen una paliza. Y como lo hacía Rocky, Sam se levanta en los últimos números del conteo y gana al final. La pandemia ha impedido que se realicen conciertos y si eso está afectando a la industria musical de manera general, ha hecho impacto en aquellas agrupaciones que se caracterizan por tener más fuerza en los shows en directo que en el estudio, como en el caso de este cuarteto que también integran Gerrit Welmers y Michael Lowry.

William prosigue en su experiencia. “Es la primera vez que trabajamos con un diseñador de luces (Pierre Claude), que por cierto estaba en París, así que teníamos un diseñador local que operó el show y que oscurecía completamente el escenario al final de cada canción. Eso fue inesperado, fue divertido, me gustan los momentos extraños de los shows como cambiar la lista de canciones, cambiar las luces o algo en el sonido. El livestream nos mostró que más bandas pueden considerarlo como otra opción, incluso, cuando se acabe la pandemia, para gente que no pueda asistir por cualquier razón. Pero no creo que por sí solos puedan sustituir una gira, la única forma en que eso pueda funcionar es si hiciéramos transmisiones separadas por cada estado. No es viable, es una opción que está ayudando, pero no es la solución”.

Samuel T. Herring vive en Suecia con su pareja, la actriz de Midsommar, Julia Ragnarsson. Para la grabación de As Long as You Are volaba cada dos meses a Baltimore para ensayar, cuando regresaba a Suecia se mandaban los resultados para saber qué opinaban de las grabaciones. “Sam tiene una lista de canciones de años atrás que no se terminaron por alguna razón, las escucha ocasionalmente y algunas veces nota algo en ellas que hace que las trabajemos de nuevo. Por ejemplo, ‘For Sure’ viene de una idea que tuvo Gerrit en 2015, y Sam la redescubrió hace un par de años. Al igual que 'Moonlight' o 'City’s Face' que son ideas que tuvimos en ese año, pero nunca encontraron su camino en aquel momento. Gerrit ha descrito este álbum como de objetos perdidos”. Por su parte Gerrit Welmers, el tecladista, afirma que para este álbum querían tener más control en el estudio.

No teníamos una idea clara de qué tipo de álbum íbamos a crear, teníamos un par de canciones que habíamos tocado en vivo y queríamos escribir más para el álbum, queríamos un disco en el que tuviéramos más control. Teníamos experiencias previas de trabajar con productores y queríamos darnos una oportunidad de ver qué sucedía si lo hacíamos por nuestra cuenta, lo intentamos y nos dio más responsabilidad sobre diferentes detalles”.

Fue un proceso más lento que, de acuerdo a sus integrantes, se asemejó a la grabación del segundo álbum, In Evening Air. Pasaron tiempo escuchando las canciones, pensando en qué funcionaba o qué no funcionaba de ellas, cuál era la fuerza de cada una. Lo describen como un proceso pasivo. Grabaron muchos temas y las que quedaron en el resultado final fue por decisión unánime. “El álbum se presenta por sí mismo”.

En "Born in a War", Sam canta que proviene de un pueblo marcado por las armas y la mala educación. Indudablemente la nación se caracteriza por la defensa férrea para tener armas, una política que ningún presidente ha intentado siquiera cambiar. Sobre la elección en Estados Unidos en la que hasta ahora parece que será Joe Biden el próximo presidente,  Gerrit Welmers, se mantiene optimista. “Estoy pensando en si hay algo de cierto detrás de estas acusaciones de fraude que hace Trump, espero que los resultados no cambien, las proyecciones son muy positivas. No estaba muy adentrado en la política hasta la elección previa, en donde me di cuenta de que era importante prestarle atención, pero en lo que respecta a la creación de sonidos no tomo en cuenta la política, probablemente esté en algún lado, porque las circunstancias afectan el ánimo. A lo mejor está escondido”.

La política inexorablemente está en todo, es una red de la que nadie puede escapar. Y es esa política que han tomado diferentes países para enfrentar una pandemia que entre sus secuelas está la ausencia de conciertos, la falta del espacio y la tranquilidad para ver a Future Islands y presenciar su espectáculo de box. El drama a lo largo de doce rounds, de gritos, de cervezas volando, de lágrimas y de júbilo. Aquí estaremos esperando el reencuentro para apostarle todo a Sam porque sabemos que aunque sufriremos con su emocionante actuación, al final, al final triunfará.

Ólafur Arnalds — some kind of peace

Muchos artistas están buscando crear la diversión en tiempos de encierro; ya sea en interiores grandes o pequeños.

En el caso de Ólafur Arnalds es un viaje de amplitud baja hacia la nostalgia de cerrar ciclos en busca de días mejores. Su nuevo disco Some Kind of Peace ofrece un viaje ambiental por lugares mucho más íntimos y cercanos para el productor, en un ejercicio de introspección que obliga al escucha a prestar atención.

El álbum de acuerdo con el músico, es su disco más vulnerable hasta la fecha, por vulnerabilidad entendemos que es un trabajo sin muchos aspavientos. Al contrario, si bien hay un hilo conductor en todas las canciones, es más un recuento de ciertos pasajes de la vida del autor, mezclados con la situación actual mundial y como estos le ayudan a ser otra persona. Una de las pistas más importantes del disco existe en "Back to the sky", en compañía de la cantante islandesa JFDR, dónde se habla de un futuro esperanzador en el cual el protagonista espera tener la suerte de conectar con alguien, aunque al final esto sea algo incierto.

Este tipo de conversaciones dentro del trabajo son un acierto, que le da un respiro a los paisajes más inhóspitos del inicio. Dónde se evoca la oscuridad con algunas delicadas secuencias. Lo mismo sucede con “The bottom line” dónde Josin le canta a Ólafur sobre lo doloroso e inevitable que es el cambio y la renovación.

Estos dos temas siembran la idea clara del autor acerca de los nuevos horizontes, pero el resto de los tracks, de corte instrumental, también cuentan con samples que evocan el pasado de distintas maneras: “Woven song”, contiene un piano y el audio de una tribu de las amazonas, todo ello a volumen bajo pues para él, eso le permite estar en más libertad de experimentar. Así el artista utiliza el cilindro de un fonógrafo, para evocar el soundtrack de una serie que nunca se hizo (Spiral) o crea una modulación sonora para evocar el inicio de un nuevo día en “Zero”.

El disco cierra con “We contain multitudes” y “Undone” el primero es un homenaje a Talk Talk en el que se habla de la necesidad de contener todas las personalidades que convergen en uno mismo, con la esperanza de saber quién eres. Mientras que el tema final es un texto recitado por la fallecida cantante Lhasa de Sela, quien habla de morir, pero no como un final, si no como el inicio para transformarte en algo más, justo la visión de cambio que busca el autor, revisando en los lugares más íntimos para depurar y comenzar de nuevo.

 

Gibson Custom replica dos guitarras de Jimi Hendrix

Los icónicos modelos de guitarra SG Custom y Flying V que usó Jimi Hendrix durante los años sesenta han sido recreados y lanzados al mercado por Gibson.

Recientemente Gibson ha sido puesto en el mercado un par de réplicas de las guitarras que usó Jimi Hendrix en su apogeo como artista. Se trata de una SG Custom 1967 basada en el modelo que el guitarrista portó durante su debut en televisión, así como la Flying V 1969, ambas limitadas a pocas piezas en la tienda oficial de la empresa.

La intención de Gibson es hacer volver a ambos instrumentos, el diseño que es modelo Murphy Lab Aged logra adaptar toda la estética y características al sonido que tuvo la leyenda. También incluyen con su compra una serie de fotografías personales, así como una pequeña colección de anécdotas narradas por quien fuera su ingeniero y productor, Eddie Kramer.

Puedo imaginar la expresión en los rostros de los fans cuando abren el estuche de la guitarra y envuelven sus manos alrededor del cuello de una de estas bellezas, se conectan y tal vez cambien el mundo", señala Kramer.

Jimi Hendrix_gibson_

El modelo de SG Custom 1967 fue utilizado por Hendrix en The Dick Cavett Show, transmitido pocos días después de su participación en Woodstock. Este modelo se encuentra limitado a 150 piezas, todas para diestro, por su parte, la Flying 1969 cuenta con 125 piezas para diestro y 25 para zurdo.

Adquiere tu modelo en este enlace, sus costos son de $10,000 dólares más cargos por envío. Checa más de sus características en el siguiente video.

Kimi Hendrix_sg custom

Jimi Hendrix_Flying

Kevin Morby comparte video de “Don't Subestimate Midwest American Sun”

La reciente entrega visual del compositor hace un homenaje al amor y al ambiente del medioeste norteamericano.

El pasado mes de octubre, Kevin Morby lanzó su sexto álbum de estudio titulado Sundowner a través del sello Dead Oceans. En dicho LP se incluye una canción titulada "Don't Subestimate Midwest American Sun" en la que el compositor trasmite un mensaje de confianza y fe hacia su país. Hoy por la mañana, Morby compartió el video oficial del track en la que interpreta una historia de amor, con un particular estilo melancólico y nostálgico.

De acuerdo con Kevin, la intención era mostrar una parte de su vida y la de su pareja Katie Crutchfield, (líder del proyecto Waxahatchee) en la que pudiera representar un  sentimiento de soledad y aislamiento.

¡Dale play, a continuación!

En el momento de escribir el álbum, sentí que Katie y yo éramos las únicas dos personas en la tierra, viviendo en los suburbios de Kansas lejos del caos de nuestras vidas en la carretera y en las costas y nuestros días se volvieron muy infantiles e inocentes: andar en bicicleta, inventar juegos y cantar canciones.

Cuando nos encontramos de vuelta en un entorno similar debido al cierre, y llegó el momento de hacer videos, quería representar nuestras vidas en soledad desde que escribí el álbum", expresó Morby.

Ahora bien, esta nueva entrega funciona como contraparte del video para "Campfire" y fue dirigido por Johnny EastlundDylan Isbell, quienes se inspiraron en la película París, Texas (1984) del reconocido director Wim Wenders. Además, es la última parte de la trilogía de clips planeada para Sundowner.

Te invitamos a que leas la conversación que Indie Rocks! tuvo con Kevin Morby en el siguiente enlace. ¡No te olvides de seguirlo en todas sus redes sociales!

 

View this post on Instagram

 

A post shared by Kevin Morby (@kevinmorby)

 

Velter libera el video de “Transmute 3.0”

El primer movimiento de esta trilogía con videos dancísticos ya está disponible para su visualización.

La agrupación mexicana de rock psicodélico, Velter, nos muestra un corte artístico nuevo después del lanzamiento de "Vishnú". En esta ocasión, la banda se unió con Alejandra Corona para colaborar en un proyecto interdisciplinario que se acompaña de música y danza contemporánea, el cual saldrá en tres episodios. El primer adelanto corresponde a "Transmute 3.0" que ha sido lanzado a través de la firma de Amatista.

En este sentido, el track tiene como tópico el tema de la muerte, en donde se rescata la aceptación, el final del viaje y el momento en donde se deja de luchar para aceptar el lugar en el que se encuentra cada quien. Además, remarca el sentimiento que se genera a partir de la dualidad entre abrazar la finitud sin dejar la esperanza de que hay algo más

En tiempos de incertidumbre, Velter plantea que caer hacia la muerte no es más que soñar en círculos la vida y nos desafía con este sencillo a transmutar o, lo que es lo mismo, abrir los ojos antes del impacto contra el suelo del destino, para conseguir despertar y trascender el eterno retorno convertidos en nosotros mismos", comentó la agrupación.

Para tener una experiencia completa, se reveló el metraje de "Transmute 3.0", donde Alejandra Corona se encargó de la ejecución dancística, mientras que Pablo Camarena le dio vida a la música a partir de la dirección y montaje. Esto dio como resultado un video en blanco y negro lleno de momentos de clímax impresionantes, los que se mezclan a la perfección con la música realizada por Velter.

No te lo pierdas y dale play a continuación: