IDLES lanza video para "Kill Them With Kindness"

En el nuevo video de la banda de Bristol vemos cómo se inmortaliza en dibujos animados.

El pasado 25 de septiembre, IDLES reveló su tercer material discográfico a través de Partisan Records, éste corresponde a Ultra Mono. La banda no ha detenido su promoción y el trabajo en este último mes, por lo que nos sorprende al mostrar un video animado para darle vida a la canción "Kill Them With Kindness". Este clip ve a los punks de Bristol inmortalizados en forma de dibujos animados, junto con una serie de imágenes que se vuelven surrealistas conforme va avanzando el metraje.

El video embona a la perfección con el ritmo de la música, podemos ver cómo los diversos personajes cobran vida gracias a los acordes que suenan en el momento, pues las acciones se van hilando acorde a lo que se escucha. La animación está hecha en una escala de grises y muestra a la banda de una forma muy divertida. Por su parte, la dirección estuvo a cargo de James Carbutt y la animación en manos de Pip Williamson.

El ambiente de pub lúgubre de la película se basa en los clubes de hombres trabajadores de mi ciudad natal (Barnsley). Fue agradable imaginar a IDLES irrumpiendo y difundiendo un mensaje de amor. Durante nuestra investigación, descubrimos que no hay dos alfombras de Wetherspoons iguales, todas son únicas como los copos de nieve, así que sí, hacer este filme fue un viaje salvaje", dijo James Carbutt sobre el video en un comunicado para NME.

No te pierdas el nuevo video de "Kill Them With Kindness" y chécalo a continuación:

Robert Smith hace remix a "Teenager" de Deftones

Chino Moreno revela que su colaboración con el líder de The Cure fue todo un sueño.

El próximo 11 de diciembre vía Warner Records, Deftones liberará Black Stallion, el álbum de remixes para White Pony, su álbum que precisamente este año celebra 20 años de su lanzamiento. Para este LP, la agrupación de Sacramento, California convocó a una gran variedad de proyectos musicales quienes pusieron su sello personal en cada una de las pistas que trabajaron. Hasta el momento, se han revelado "Knife Prty", versionada por Purity Ring y "Passenger",  junto a Mike Shinoda (Linkin Park). Previo al estreno, la banda libera "Teenager", quien contó con la participación de la leyenda Robert Smith.

Según explicó Chino Moreno durante una entrevista para la revista NME, trabajar este tema junto al líder de The Cure fue todo un sueño, que ni él mismo se podría creer hasta que lo vio realizado.

Es increíble escuchar a Robert rehacer una de nuestras canciones con su voz ahí. Si me hubieran dicho eso cuando tenía 15 años, habría perdido la cabeza y no habría creído ni una palabra. Fue un sueño", expresó durante su charla.

La interpretación de Robert Smith para "Teenager" es cósmica y un poco más lenta que la versión original; lo cual te permite dejarte llevar y olvidarte de este mundo por un momento. Da play a continuación para escuchar el tema y disfruta de la animación que realizó Deftones para esta entrega:

Escucha "Brillo", la nueva canción de Policías y Ladrones

Medita sobre lo sucedido en una atmósfera relajante.

Alonzo (voz y guitarra), Andrés (teclados), Luis (batería) e Iván (bajo) se conocieron desde muy jóvenes, y fue la inquietud de estar juntos lo que los llevó a lanzar un primer EP influenciado sobre todo, por la música garage. No obstante, tiempo más tarde, Policías y Ladrones definió su sonido el cual está particularmente influenciado por proyectos musicales como Pixies logrando una agrupación con absolutos toques de nostalgia al ritmo del bedroom pop y shoegaze.

El cuarteto oriundo de Tijuana, Baja California se encuentra promocionando lo que será la continuación de Flores (2019) con su nuevo sencillo "Brillo". Este track grabado en Long Beach, California durante el verano 2020, logra capturar la empatía del cuarteto por la situación actual llena de incertidumbre. Reflexionar y contemplar el entorno que nos rodea es una de las misivas para esta canción en la que bajo el tenue susurro de Alonzo se nos dice que hay que mantenernos positivos ante cualquier situación.

Con toques de sonidos noventeros, Policías y Ladrones te cautivará con esta melancólica pieza que no dejarás de escuchar. Da play a continuación para poder disfrutar de ella:

"Brillo" se desprende de Nubes, el segundo álbum discográfico que la banda prevé lanzar próximamente ahora en su nueva casa discográfica independiente, Arts & Crafts México. Mientras este encuentro sucede, te invitamos a escuchar sus más recientes sencillos "Nada Te Va a Matar", "Todo Bien" y ":)". Te recomendamos mantenerte al pendiente de sus redes sociales para que no te pierdas ninguno de sus próximos lanzamientos.

brillo_policías y ladrones

¡Feliz Cumpleaños, Ozzy Osbourne!

Nunca serás un hombre común y corriente, felicidades y gracias Ozzy Osbourne.

En su más reciente disco Ordinary Man, mencionó: “¿Qué pensaré al pronunciar mis últimas palabras? ¿Qué pensaré al dar mi último suspiro?" Y él mismo se respondió “No quiero morir como un hombre común y corriente”.

Un día su padre le dijo que haría algo grande o terminaría en la cárcel y es tan cabrón (no hay otra palabra para describirlo) que consiguió las dos cosas. Estuvo preso unos meses por un robo durante su juventud y es conocido como “El padre del heavy metal”.

Por más que le di vueltas, no tenía idea de cómo iniciar este texto. ¿Qué le podrías decir a alguien que contra todo pronóstico está cumpliendo 72 años? Y sí, digo, contra todo pronóstico porque si la vida no es fácil, con el rock and roll menos.

Muchas leyendas se hicieron al morir a temprana edad, algunas, me atrevería a decir, quizá no lo serían si hubieran tenido un destino menos fatal. Pero Ozzy, no Ozzy, él, pareciera ser inmortal, de lo contrario no sería “El príncipe de las tinieblas”.

¿A quién le tenemos que dar gracias por la vida de Osbourne? A dios o al diablo, posiblemente a ambos y a todos los que quizá no conozcamos. Ozzy, es el claro ejemplo de lo que es vivir al máximo y contarla al final de cuentas.

Hay múltiples anécdotas acerca del fundador de Black Sabbath, algunas que al final, se convirtieron en leyendas urbanas (o reales) que siempre acompañarán la figura de Osbourne. Que si mordió un murciélago, lamió orina del piso o inhaló hormigas, que si se rompió el cuello alguna vez, ahora tiene Parkinson, enfisema y ahora le tiene miedo a la covid (lo afirmó recientemente en una entrevista para GQ).

Podrá pasar lo que sea y afortunadamente Ozzy sigue ahí, en la música que creo con su banda, en la que sigue haciendo como solista, en todos los músicos que influyó y que ahora se dedican a ello por haberlo visto en un escenario o por escucharlo en la radio.

En su momento algunas personas dijeron que era “satánico”, incluso, lo acusaron de haber influenciado a un joven con su música a suicidarse; pero para otras, era el hombre de familia que sin miramientos nos dejaba verlo viajar y convivir con su familia.

Si esperabas leer algo sobre su vida, este quizá no sea el texto adecuado, para eso está Wikipedia. Aquí solamente y lo único que haré, es decirle felicidades a un personaje que posiblemente nunca lea esto, pero tú sí y probablemente después, irás a escuchar tu canción favorita del buen Ozzy.

No sabemos a ciencia cierta cómo es que sigue vivo, (él tampoco lo sabe) a mi una cruda ya me está tumbando, no le tuvo miedo a nada, vivió al límite y ahora, ya que lo vemos algo aquejado por la edad y sus secuelas, sigue pensando en hacer rock. A penas sacó nuevo disco y nos debe un tour mundial, esa fortaleza, no la tiene ni Obama.

Ozzy Osbourne es una leyenda viviente y es por eso que prefiero escribir en su cumpleaños y no un epitafio. Él ha vivido como ha querido y lo sigue haciendo, nos ha inspirado, nos ha hecho cantar, brincar y emocionarnos con su voz.

Solo tienes que escuchar el inicio de “Crazy Train” para aflojar la cabeza, dejar de hacer lo que estabas haciendo, levantar lo que sea que estés bebiendo y decir “Gracias por tanto Ozzy, feliz cumpleaños”.

Quizá llegar a los 72 años para la esperanza actual de vida sea poco, pero dada la vida que llevó Osbourne, es un milagro, de dios o del diablo, pero ¿a quién le importa? A él le preocupa ser un hombre ordinario, cuando prácticamente ya nos cambió la vida.

Flohio — No Panic No Pain

FLOFLO! y su búsqueda por aligerar el dolor.

FLOHIO, también conocida bajo el nombre de Funmi Ohiosumah, es una rapera británica-nigeriana de Bermondsey, una localidad al sur del Río Támesis, en Londres; metrópoli europea donde convergen infinidad de manifestaciones musicales provenientes de diferentes latitudes del mundo.

Dicho espacio geográfico concede —de manera casi natural— una notoria influencia cultural a cada persona que habite y mantenga sus oídos abiertos ante los estímulos sonoros que respiran por las calles londinenses.

Ante ello, no resulta extraño que No Panic No Pain se trate de un mixtape que heredó la fría temperatura de los sonidos provenientes de la escena rave inglesa potenciados bajo la agresiva identidad del drill y el grime; ritmos nacidos de la evolución y fusión del trap estadounidense con el rabioso clamor de los migrantes africanos que habitan Inglaterra y el basto Reino Unido. Géneros que FLOHIO abrazó como su manera de liberar el peso de las emociones turbias que le taladraron la mente durante el ultimo año.

Bajo ese contexto ensombrecido por la vulnerabilidad, FLOHIO se acompaño del dúo de productores, Take a Daytrip, para salpicar de una atmósfera absolutamente sofocante al beat de “Unveiled” y darle mayor protagonismo al estrés que traen consigo los trastornos que visitan cada madrugada al subconsciente de FLOFLO! Es así, que la rapera nos sitúa en sus noches en vela mas agobiantes, donde las horas transcurren con una lentitud y pesadez durante este corte del mixtape.

Mismo que fue estrenado como adelanto durante el pasado 16 de septiembre; fecha con gran relevancia para FLOHIO, ya que se trató de su cumpleaños. Motivo que nos hace sospechar que estemos ante el tema que más satisfecha dejó a la rapera, al grado de auto regalarse este lanzamiento y añadirle un significado de liberación personal al track.

Parte de esa euforia es compartida en “Roundtown”, canción donde nos comparte al oído sobre lo plena que se siente al girar por el mundo, con la música como el timón que dirige el rumbo que conquiste nuevos oídos dispuestos a escucharla. ‘Who said that I can't win?’ cuestiona FLOHIO en una de los versos más cargados de (válido) egocentrismo; donde reconocerse a sí misma ha significado uno de los mayores triunfos para ella.

Para el caso de “Medicine” la agresividad y el ego ceden (momentáneamente) para dar paso a la introspección y dejar que su yo interior respire un momento, ya que, se trata de la canción más contemplativa de FLOFLO!, en la que hace una revisión de sí misma a la par que desliza sus raps sobre un arreglo de guitarra producido por Jimmy EDGAR & Machinedrum. ¿Cuántas veces podemos pisar freno ante la inercia de la vida para obsequiarnos un momento de calma que nos dosifique algo de paz.

Este material se trata de un lanzamiento que bien pudo portar la responsabilidad de ser considerado como el primer álbum del catálogo de la rapera londinense. No obstante, la decisión de lanzarlo a manera de mixtape trae consigo dos posibilidades, por un lado, podríamos pensar que FLOHIO aún tiene en la mira trabajar con otros conceptos para su primer larga duración; donde los alcances, proyección y recursos disponibles para su música marquen una diferencia notoria en relación con el par de referencias que ya tiene publicadas.

O por el otro lado, seguir la vertiente más sencilla de mantener lanzamientos que no rebasen los 30 minutos —como es el caso de No Panic No Pain— estrategia que obedece a la manera de producir, editar y consumir música en la era de la inmediatez.

Cual sea la razón, la decisión ya fue tomada. Y como consecuencia FLOHIO entregó un material que sirvió de catarsis para liberarse de los demonios que habitan por su mente; procesar los temores que genera el pánico y el dolor para depurarlos con furia y raps. Con la promesa de que estamos ante la llegada de su mejor versión.

A 55 años de ‘My Generation’ de The Who

Canciones de rebeldía e inconformidad contra los mayores.

En algún momento el rock era mucho más que diversión y un simple sonido de fondo. Desde Chuck Berry y su canto en contra de Beethoven, los movimientos sexuales de Elvis Presley y los peinados de The Beatles, todos lograron causar la incomodidad de los adultos. Pero fue hasta que unos adolescentes con los que los jóvenes de la época se sentían identificados crearon un himno de rebeldía que se marcó un precedente. Es una canción de poco más de tres minutos que resume el choque de pensamientos a los que todas las generaciones se enfrentan. Su autor es The Who y más de medio siglo después permanece vigente.

Eran apenas los primeros días posteriores al término de la Segunda Guerra Mundial cuando en Inglaterra nacieron cuatro personas que algunos años después serían los embajadores de la juventud rebelde. Los primeros baby boomers que pudieron conocer un planeta en apariencia sin conflictos pero que tuvieron que reconstruir lo que sus predecesores provocaron.

La formación perfecta para una banda de rock

Roger Daltrey (voz), Pete Townshend (guitarra), John Entwistle (bajo) y Keith Moon (batería) se conocieron en Londres pero fue hasta 1964 cuando tomaron una decisión que cambiaría la vida de cada uno para siempre. Fue en ese momento cuando optaron por crear una banda que en un inicio se limitó a ejecutar covers de temas de R&B de la época. No había grandes pretensiones pero sí un fuerte compromiso.

Los ensayos constantes permitieron que cada integrante lograra un dominio de su instrumento que al poco tiempo rindió los primeros frutos. The Who con su formación original fue el antecedente a los Bulls de Chicago en el basquetbol de los 90. Aunque podía existir un protagonista, en realidad era la suma de talentos lo que generaba los resultados sobresalientes. No había elementos débiles ni minoritarios sino que cada uno era el mejor en su posición.

Por una parte, en su libro de memorias Who I Am (HarperCollins, 2012), Townshend menciona que una de sus máximas influencias es Link Wray. Escuchar “Rumble” en la radio a finales de los cincuenta fue definitivo para que eligiera la guitarra y se enfocara en hacerla sonar lo más fuerte y sucia posible. Inclusive en algún momento la agrupación fue catalogada como la más ruidosa del mundo. En tanto que Moon tomó una fuerte inspiración de las big bands y en especial de Gene Kupra, uno de los máximos virtuosos de la batería antes de la aparición del rock. Su manera salvaje de dominar los ritmos ha permanecido por décadas e inclusive traspasó la música al servir de inspiración para la creación del personaje Animal de The Muppets.

El calendario marca el 3 de diciembre de 1965 como la fecha en que se publicó el primer LP del cuarteto inglés. Se trata de un día especial porque marcaría el inicio profesional de una productiva trayectoria que hasta el momento permanece vigente. De hecho, ha logrado superar con dignidad la mitad de sus integrantes.

En sus primeros años The Who se dio a conocer por ser uno de los principales representantes del mod, movimiento de gran apogeo en Inglaterra que a diferencia del rock & roll, se caracteriza por la elegante forma de vestir. La portada del álbum es la muestra más clara de cómo era la moda en los jóvenes de los 60.

“Prefiero morir antes que envejecer”

Aunque el material contiene un sonido asociado a la ola inglesa que recién se había adueñado del mundo con The Beatles, The Rolling Stones y The Kinks a la cabeza, hay una canción en particular que destaca y fue lanzada como primer sencillo. Titulada igual que el material, “My Generation” ya es considerada como una de las mejores composiciones de la historia. La letra es obra de Pete y muestra su inconformidad ante los adultos que siempre creen tener la razón. Además también se distingue por un impoluto solo de bajo de Entwistle. A la fecha permanece como una de las piezas que más veces ha sido replicada y los covers incluyen desde Green Day hasta Oasis.

Aunque dentro del disco prevalecen los temas propios también hay lugar para las interpretaciones que el combo inglés hace de otros artistas. Dentro de la selección se encuentran “I Don't Mind” y “Please, Please, Please" de James Brown, además de "I'm a Man" de Bo Diddley como una muestra de la importancia de los afroamericanos en el desarrollo del rock & roll.

La grabación del LP no fue sencilla y en su autobiografía Thanks a Lot, Mr. Kibblewhite: My Story (Blink Publishing, 2018), Daltrey afirma que por lo menos hubo un par de separaciones durante las semanas que se recluyeron en el estudio de grabación. Aunque la relación entre todos siempre era más fuerte y al siguiente día había una reconciliación.

Algunos años después llegarían los excesos, los álbumes conceptuales, las películas, las guitarras aventadas contra los amplificadores y la experimentación con los sintetizadores. Pero el inicio de todo está contenido en los 35 minutos del primer álbum del cuarteto británico que ha sido el emblema de más de una generación inconforme con lo que sucede a su alrededor. Pasan los años pero los reclamos siguen siendo los mismos.

Entrevista con MULA

Explicando el mundo a través de la fantasia.

El mundo no se ha detenido para Rachel Rojas y las gemelas Anabel y Cristabel Acevedo, mejor conocidas como MULA, quienes se encuentran en una etapa fructífera en su carrera. Prueba de ello es su nuevo trabajo Mundos, un compilado de relatos de ciencia ficción hechos música, dónde capas de electrónica se mezclan con voces etéreas, para probar que aún se le puede dar una vuelta a la pista de baile a partir de la fantasía.

A través de la ficción puede uno transportarse y transportar sensaciones que la gente no acostumbra a vivir porque precisamente, son ficción. Entonces es encontrar ese punto, en ese tipo de cosas que no necesariamente te suceden, pero te puedes sentir relacionado”, comentaron el trío en exclusiva para Indie Rocks!

Para la creación de este disco, el primero en salir con la ayuda de Discos Panoram, tuvo detrás 3 años de duro trabajo, cerca de 90 canciones fueron compuestas, pero las que no se salían de su cabeza fueron las elegidas para formar los 13 tracks que componen este disco. Un ejemplo del giro narrativo que presenta el trío se puede encontrar en “Ciborg”, tema introductorio, que habla de una persona que vive en un cuerpo casi humanoide. Mientras que “En el Aire” parece hablar de una cita romántica en tiempo de distopia total, siempre con la constante de mostrar que es posible vivir en una misma dimensión con diversas identidades.

“Este disco se llama Mundos, porque cada una de las canciones se cuenta desde un lugar diferente, cuenta universos y atmósferas muy únicas. Entonces era como partir de que cada canción sonara de un modo particular y perteneciera a un mismo universo sonoro”.

Una de las cosas que como agrupación querían demostrar, son las tablas que años de giras por el mundo y dos discos habían dejado al trio. Para Rachel Rojas representó encontrar en la producción el sonido de la banda, a través de nuevos procesos de experimentación, grabación y composición, hasta sentir que había un nuevo camino, pero sé que mantenía la esencia de la banda.

“De ahí partió todo, la idea era evolucionar nuestro sonido, que sonara lo más nítido posible, haciendo que lo mínimo suene a mucho, porque en el disco de AGUA (2017) yo siento que me excedí mucho en instrumentos. Aquí trate de bajarle un poquito y lograr el mismo objetivo”.

Si bien las voces de Anabel y Cristabel se mezclan en vivo para dar mayor fuerza, en este disco se percibe una voz con mucho con más protagonismo, pese a que, en palabras de Anabel, su voz es un instrumento más.

La forma en la que percibimos la voz de MULA es como si fueran sintetizadores, muy etéreas, en este disco todo fue muy de adentro, con cada una de las canciones, yo siento que se puede casi tocar el sonido de las voces de este disco, y es por eso porque son muy sensoriales y cuentan mucho desde la experiencia, si sentí que conecté mucho más conmigo y con las cosas que quería decir, tanto de la voz como de las melodías que se producían con esta”.

Otra característica de esta etapa se encuentra en la estética de esta era, que tiene un toque futurista pero que apela a muchos elementos del pasado, desde las gráficas de inicios de Windows, hasta modelos en 3D y tipografías neón, y aunque en aquel entonces el futuro parecía lejos, para la agrupación es el ahora:

“Nosotras somos niñas de los 90, y creo que en ese tiempo se hablaba mucho del futuro, yo recuerdo cuando pasamos a eso del año 2000, que era como ‘wow se va a acabar el mundo’ se hablaba mucho de eso, del futuro, y realmente yo siento que ahora estoy en el futuro”.

Y como él ahora es lo importante, las chicas se preparan para presentar este disco en el formato que les sea posible: ya sea en vivo, frente a una audiencia, a través de streaming, ellas se adaptarán a los nuevos tiempos, siempre mostrándose como son, para ellas la autenticidad viene por delante y es el arma principal para romper con cualquier estigma.

“Mientras más haya personas, independiente de la rama del arte o de la rama del mercado que sea que estén viviendo, pero gente que este siendo y haciendo lo que quieren y representando su cultura, mientras más haga uno lo que le sale de adentro, eso va a trascender".

Peter Hook y Yamaha lanzan un bajo edición especial

Desde el inicio de su carrera artística, Peter Hook ha sido un gran cliente de Yamaha y para celebrarlo, la marca ha lanzado su propio modelo de bajo eléctrico.  

Recientemente, Yamaha Corporation of America anunció el lanzamiento de un bajo edición especial que lleva por nombre BB Peter Hook Signature. De acuerdo con la compañía, el objetivo de este nuevo instrumento es "extraer ese sonido más dulce de las cuerdas agudas y el sonido más apretado de las cuerdas del bajo", además de celebrar la relación que el compositor ha mantenido a lo largo de su trayectoria musical con Yamaha. 

Ahora bien, el nuevo bajo de Peter Hook combina las características de los antiguos modelos que posee el músico (Yamaha BB600, BB1200S BB734A) y fue diseñado por él mismo en compañía de Pat Campolattano (diseñador senior y luthier). Tiene un costo de 2,000 dólares (aproximadamente 40,000 pesos mexicanos) y existen solamente 14 piezas en Estados Unidos. Puedes consultar los detalles en el siguiente enlace.

Es un gran cumplido ser reconocido por lo que has hecho y que se complete el círculo y culmine con mi propio bajo característico, hecho según mis especificaciones y para satisfacer mi forma de tocar, es un gran honor, y estoy muy feliz.

Estoy muy orgulloso de haber trabajado con Yamaha para desarrollar el BBPH y creo que es una de las mejores guitarras del mundo, si lo digo yo mismo", expresó Hook.

Te invitamos a ver las entrevistas exclusivas que Yamaha preparó con el fundador de Joy Division y New Order, para contarnos mucho más sobre el proceso de elaboración del nuevo BB Peter Hook Signature. Además, en el segundo clip, encontrarás declaraciones de algunos colegas de Hook, como es el caso de miembros de The Smashing Pumpkins, Fred Sablan y Eric Avery, en el que hablan sobre el impacto que causó el músico en sus diferentes proyectos artísticos.

¡Míralos, a continuación!

New Order estrena video para “Be A Rebel”

La confusión y los sentimientos tras romper una relación son narrados por New Order en su nuevo video musical.

Para continuar con la promoción de su más reciente sencillo, "Be A Rebel", New Order ha lanzado su clip audiovisual, el cual ha sido dirigido por la productora española NYSU y está disponible vía Mute. Además complementa la recopilación de remixes del tema, mismo que salió a mitad de noviembre y cuenta con colaboraciones de Bernard's Renegade y Stephen's T34.

El video de "Be A Rebel" cuenta con una estética excepcional, los efectos visuales sirven como espectros y ciclos que no se detienen, las tomas se abren hacía arriba en loop, y cada pequeño ciclo va narrando la historia de una pareja que está llegando a su fin. La manera en que se refleja la confusión, las heridas, las distancias y los sentimientos negativos tienen una ilustración muy creativa.

New Order_be a rebel

Además, el video complementa la letra de la canción, que es una despedida donde ya no importa lo bueno o lo malo, solo desear a esa persona que ya se marcha de tu vida un buen futuro, que sea un rebelde y no un diablo. La música, a pesar de estar llena de energía, refleja una sensación de melancolía, un baile agridulce coloreado por un beat fluido, voces pop y sintetizadores que recorren la cabeza de lado a lado gracias su brillante producción.

Te invitamos a que disfrutes a continuación del nuevo video de New Order, que fue dirigido por NYSU.

Toro y Moi se une a Nike para lanzar línea de ropa deportiva

Además de componer y cantar, Chaz Bear crea sus propios diseños gráficos.

Chaz Bear, mejor conocido por su proyecto Toro y Moi, anunció esta mañana el lanzamiento de dos nuevos pares de zapatillas deportivas en colaboración con Nike, bajo el nombre de Nike Air Zoom Pegasus y Nike React Infinity Run Flyknit AIR Chazen. Además, el músico también diseñó  una camiseta, un longsleeve, una gorra de béisbol y un par de pantalones cortos.

De acuerdo con el compositor, el proyecto comenzó hace dos años y es hasta ahora que te invita a adquirirlo a través de la tienda en línea de Nike.

No es la primera vez, que Chaz se avienta a crear sus propios diseños y arte visual, pues durante 2016 fundó una empresa de diseño gráfico llamada Company Production en la que se dedica a gestionar proyectos sobre dirección de arte, murales e instalaciones y producción de eventos y videos. Además, ha realizado diversas exposiciones de arte alrededor del mundo.

¡Checa las imágenes de los lanzamientos, aquí!

 

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Recientemente, Toro y Moi fue nominado al premio Grammy en la categoría de Mejor Grabación de Baile por "The Difference", canción que realizó en compañía de Flume y que Apple retomó para promocionar sus nuevos AirPods Pro en conjunto con la bailarina Matilda Sakamoto. El video fue grabado en la Ciudad de México y dirigido por Kim Gehrig.

¡Dale play, a continuación y no te olvides de seguir a Indie Rocks!