King Gizzard and the Lizard Wizard comparte video de “Intrasport”

Como parte del nuevo álbum de la banda de Melbourne, lanza un video promocional.

King Gizzard and the Lizard Wizard ha compartido un video para "Intrasport", un extracto tomado de su nuevo álbum K.G., que se estrena hoy mismo. Se destaca este tema en específico puesto que es una de las canciones menos convencionales de su reciente trabajo discográfico, debido a que se inclina hacia una dirección del house con muchos sintetizadores y distorsiones. El clip surrealista fue dirigido por el colaborador frecuente John Angus Stewart, quien, además de muchos de los otros videos musicales de la banda, dirigió el filme de Chunky Shrapnel.

'Intrasport' fue filmado en mi pequeño apartamento de estudio. Por la razón principal de que es el lugar más pequeño que sé en el que alguien vive. El objetivo era encontrar la división 50/50: sentirse solo en una fiesta pero rodeado de gente. Sentir que eres el único allí y que nadie realmente te entiende (pero todavía tienes que traerlo). Usé 35mm anamórfico para dar al pequeño espacio tanto efecto panorámico como pude reunir. A veces los espacios más pequeños se sienten enormes cuando usted está de fiesta, ¿por qué crees que todo el mundo siempre se reúne en la cocina o el baño!", comentó John Angus Stewart.

Lo que se puede observar en el clip son imágenes con colores verde neón y a los integrantes de la banda reunidos dentro de un mismo espacio. Hay varias imágenes estáticas con ligeras distorsiones creadas a partir del objetivo de la cámara, lo cual le da mayor dinamismo a las acciones. Puedes ver el metraje a continuación:

Aunado a la salida del LP K.G., el decimosexto álbum de estudio de la agrupación, llega junto con un LP en vivo y un film del Live In San Francisco '16.

Fiona Apple estrena “Shameika Said” junto a Shameika

La inspiración para Fetch the Bolt Cutters (2020), hace un dueto con la artista estadounidense.

Tras varios años de ausencia, Fiona Apple cautivó a la audiencia con el lanzamiento de Fetch the Bolt Cutters (2020), uno de los mejores discos de todos los tiempos según Metacritic. Para este material la cantante tomó como inspiración diversas vivencias y a Shameika Stepney, una compañera que tuvo en el colegio y que la ayudó a sobrellevar el bullying que sufría. Gracias a su ayuda, es que se pudo concebir este quinto álbum de estudio dedicándole por completo una canción la cual tituló bajo el nombre de "Shameika".

El track dos del LP es un encantador encuentro sonoro con esa persona que fue un pilar en tu vida, pero que lamentablemente gracias al azar del destino no has tenido la oportunidad de volver a ver. La mala fortuna terminó para la también poeta estadounidense quien tuvo la dicha de volver a coincidir con esta persona que le sirvió de gran inspiración y con la que ahora comparte "Shameika Said", un rap suave que habla del potencial que se ve en las personas.

Por otra parte, Fiona Apple compartió el video oficial para "Shameika"; una animación sencilla realizada a blanco y negro por Matthias Brown. Te lo compartimos a continuación para que lo veas:

Lana Del Rey hace cover a “Summertime” de George Gershwin

Recuerda un clásico de 1935 en la voz de la cantante estadounidense.

Posterior al lanzamiento de "Let Me Love You Like A Woman", el primer adelanto de lo que será la nueva larga duración de Lana Del Rey, la artista decidió hacer un paréntesis para apoyar ciertas causas a través de su música. Recientemente liberó "You’ll Never Walk Alone", como parte del próximo documental del Liverpool FC y ahora conmueve con una desgarradora interpretación del clásico de George Gershwin, "Summertime".

Esta nueva versión para el tema de 1935 surge en apoyo a las orquestas filarmónicas de las ciudades de Los Ángeles y Nueva York, las cuales se han visto afectadas económicamente por la pandemia.

Estoy muy feliz de haber grabado esta canción para apoyar a las maravillosas instituciones de arte que son las orquestas filarmónicas de Los Ángeles y Nueva York, que se han enfrentado a desafíos tan difíciles este año. Donaré a ambos para poder apoyarlos. Me encantó hacer este vídeo. Espero que les guste", expresó Lana Del Rey.

La manera en la que la cantante interpreta esta melodía con tal entusiasmo alimenta al escucha de energía, pasión y amor; sentimientos que también se ven reflejados en el video musical que acompaña al single en el cual se observa cómo la artista llega con su banda, se coloca en un kiosko y toca "Summertime". Te compartimos a continuación el metraje:

Las artes escénicas se han visto especialmente afectadas por la pandemia, pero esperamos el día en que la orquesta y los artistas, incluida Lana, puedan volver a nuestros escenarios de nuevo", explicó Chad Smith, Director Ejecutivo de la Filarmónica de Los Ángeles.

Fobia lanza “Pesadilla”, el primer corte de su MTV Unplugged

"Pesadilla" es la primera muestra del concierto MTV Unplugged de Fobia.

Será el 17 de diciembre cuando salga a la luz el concierto MTV Unplugged de Fobia. La legendaria banda mexicana prepara un show único que llevará sus más grandes canciones a un formato íntimo y fresco. Como parte de la promoción, comparten su primer avance, se trata de una reversión de "Pesadilla".

Esta canción también fue el tema elegido por la banda para abrir su presentación, y es el único que pertenece a su último disco de estudio, Destruye Hogares. Además, es la primera vez que los cinco integrantes de la agrupación la tocan en vivo, algo que El Chá! considera como una deuda saldada.

Hay sueños recurrentes. Hay ciudades invisibles. Hay instrumentos musicales que se derriten y transforman. La verdadera 'Pesadilla' sería dejar de soñar", comparte Iñaki respecto a la canción.

"Pesadilla" ya se encuentra disponible en las distintas plataformas de streaming. Da play a continuación y échale un vistazo al primer adelanto de lo que será este gran encuentro con su MTV Unplugged.

Fobia MTV Unplugged será una experiencia única e íntima para la banda y su historia. Además, es el primer show de este formato realizado sin público y con un músico a distancia, se trata de Joe Gore. El setlist ofrecerá un repaso por 13 de los temas más entrañables de la banda, así como una puesta en escena con diseños realizador por Cha!

Katy J Pearson — Return

El álbum debut de Katy J Pearson será el soundtrack de la etapa de tu vida en que lo escuches.

"Estas en un momento importante de tu vida, aunque no lo sepas", me gusta creer en eso y darme cuenta que esa frase es cierta cada que miro al pasado. A veces, las canciones son ese pasaje de vuelta a aquellos momentos de alegría, que sonaban en las fiestas o que nos acompañaron mientras hacíamos trabajo o estudiábamos. Y no es algo que se pueda elegir del todo, son casualidades. De manera curiosa y muy placentera, Return de Katy J Pearson tiene esa mística de álbum que se queda guardado en el subconsciente como puerta para volver justo al momento que sonó en tu vida por primera vez.

Además es una obra llena de plenitud, la cual comenzó a cimentarse desde hace tres años, cuando la cantante de Bristol sufría las presiones de un label discográfico que dio como resultado el fracaso de su anterior proyecto artístico. Ahora, de la mano de Heavenly Recordings nace un álbum bastante disfrutable, esto gracias a la seguridad y honestidad que planta Pearson sobre cada canción.

Dentro de 40 minutos podemos disfrutar de 10 temas que deambulan de manera juguetona y elegante entre el country, rock, pop, dance e incluso el folk. Hay destellos discretos de arreglos de viento, más guitarras básicas que conviven con baterías fluidas. El resultado es un ambiente baladezco, el cual se llena de drama y ficción con la potente voz de Katy.

Katy J Pearson_

"Tonight" es el tema con el que abre el disco, una aventurada canción pop country que termina por ser una crónica de una noche en una fiesta, donde conoces a alguien, bailas y te das cuenta de lo vulnerable que puedes llegar a ser si no expresas lo que sientes o quieres desde el primer momento.

A este tema se le parecen otras canciones suaves pero con insignias fáciles de recordar como "Fix Me Up", que representa uno de los climax del disco o incluso "Hey You""On The Road". Estas tres canciones con texturas folk amigables, ligeras pero contundentes intervenciones de pianos, sintetizadores y guitarras celestiales intervienen para ofrecer letras nobles, que sin duda serán cantadas en los conciertos.

En un segundo plano de este soundtrack, Return se torna un poco más dramático y visceral. Katy J Pearson no exagera cuando menciona que este es su disco más honesto, ya que lleva su interior a historias profundas y pasionales. "Beautiful Soul" levanta la potencia de este disco gracias al impresionante juego de voces (que a veces juega como un instrumento sonoro extra para marcar notas) más la dinámica de arreglos de vientos y cuerdas que aparecen en la segunda parte.

"Something Real" y "Miracle" también forman parte de este claroscuro más rockero del disco, donde los arreglos de piano toman mayor protagonismo y la elegancia de la cantante se combina con sus deseos más profundos para recordar que la vida es ese camino donde buscamos cumplirlos. La serie de texturas implementadas sobre cada canción es algo muy importante a destacar, ya que no hay un abuso de elementos, y todo se complementa poco a poco.

El punto más alto del disco termina por ser "Take Back The Radio", una canción donde explota toda la energía sonora sobre una canción que sugiere ser un reflejo del camino que tuvo que tomar Katy J Pearson para poder dar ese salto y comenzar su carrera de solista. Es un tema emocionante, con todas las bases para volverse un himno, y sobre todo suena a ese recuerdo de un momento memorable de tu vida, aunque aún no haya pasado este.

Finalmente, se puede emparejar un último plano en este álbum con canciones como "Waiting For The Day" y "Return". En estas podemos acercarnos un poco a una mirada más introspectiva de la cantante. El tema homónimo al disco habla de esa necesidad de regresar a buscar las cosas que amamos y nuestros sueños, mientras la última canción del disco, "Waiting For The Day" es un alentador recuerdo para no perder la esperanza y mirar al futuro con buenos ojos.

Katy J Pearson

La obra debut de Katy J Pearson parece ser un punto muy alto en producción y discurso, mas no es el techo de la artista. Cada canción tiene un toque de magia, que sin duda se quedará plasmado como recuerdo del día, mes y año en que lo escuchaste, aunque la formula de las canciones puede sonar reiterativa. Como sea te invitamos a disfrutar Return a continuación, también puedes adquirir tu copia en este enlace.

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The Cribs — Night Network

Con frenesí, el trío londinense reanuda su camino musical en un viaje directo a los 70.

La desilusión por un terrible enfrentamiento legal, hizo que The Cribs entrara en un paro musical de tres años. Los percances que la banda tuvo con su antiguo representante lograron que el proyecto de los hermanos Jarman se cuestionara diariamente si realmente merecía la pena volver a la industria. No fue hasta hace poco, que el líder de Foo Fighters, Dave Grohl, les tendió la mano ofreciéndoles grabar en los Studios 606. La oferta se aceptó de inmediato y fue en ese lugar donde la banda pudo concebir su anhelada octava duración: Night Network.

Lanzado vía Sonic Blew, este material engloba en 12 pistas el amor que Gary, Ryan y Ross tienen por sus fanáticos, mostrándoles una carta en la que renacen y se desprenden de sus antiguos problemas. No hay tiempo para estancarse. Los de Wakefield dan inicio a esta era con “Goodbye”, un tema que bien pude servir como una especie de prólogo en la que se despiden de sus contratiempos y saludan a quienes siempre han estado ahí para ellos. Un inicio misterioso, melancólico y tranquilo. La fuerza comienza casi hasta el final para poder levantar los ánimos y recibir a “Running Into You”, una canción que desde el primer segundo te llena de alegría; un reflejo del entusiasmo que sintieron a la hora de volver al estudio y grabar. Bajo el rápido sonido de la guitarra y la batería, el trío le canta a esa persona que no puede olvidar.

El cambio de ritmo es evidente en “Screaming in Suburbia”, una pieza sencilla que de igual manera se ve envuelta por el fiel sonido de la guitarra y la constante batería. No es tan enérgica como la anterior, pero el ritmo se mantiene. Al escuchar esta canción se podría volver fácilmente a For All My Sisters (2015). En esta larga duración, The Cribs apuesta por una gran variedad de sonidos y “Never Thought I’d Feel Again” es una muestra de ello, pues esta canción se escribió con el objetivo de hacer algo bailable y positivo; su intento por hacer una rola pop. Un contraste musical de lo que presentó la banda anteriormente con 24-7 rock star shit (2017).

La influencia hacia la música de los años setenta es muy evidente en este material. Se siente la energía con la que fue construido, sin ser necesariamente sofocante. Un reflejo de ello “Deep Infatuation”, una pista más lenta y con voces ahogadas que se apoya mucho de lo que se avecina “I Don’t Know Who I Am”, un single en colaboración con Lee Ranaldo, guitarrista de Sonic Youth, con quien en conjunto presentan un tema orgánico e incluso abstracto. El sonido de la guitarra te embriaga y te lleva a cuestionar lo que ellos plantean: los roles de género y las estructuras sociales ¡Intercambia opiniones sobre la masculinidad!

La idea de crear canciones más cohesivas es algo que también se muestra en Night Network. “She’s My Style” nos vuelve a levantar el ánimo entregando una atmósfera de dulzura, amor y esperanza, en compañía de la misma batería constante que lo da todo en esta nueva era. De la mano, The Cribs presenta “Under The Bus Station Clock”, un track sereno que derrocha alegría; algo que tanto le hace falta a la población este 2020. La melodía termina y da paso a “The Weather Speaks Your Name”, un tema que hace un contraste sonoro al arrastrar los ritmos enérgicos que con anterioridad se habían escuchado, dejando una pista lenta y hasta cierto punto pesada.

“Siren Sing-Alone” retoma la fortaleza de este material con un toque de carisma nostálgica que solo The Cribs podría realizar. Definitivamente una de las mejores canciones de este material que no deja de sorprender para su final, pues para “Earl & Duke” la banda nos presenta un tema con tintineos dulces y delicados donde la voz se vuelve el instrumento principal.

El final de Night Network llega con “In The Neon Night”, una muestra de la energía y sutileza con la que fue realizada el material. La influencia a The Beatles es evidente sobre todo en esta canción en la que sobresale por primera vez el sonido de un piano que se complementa a la perfección con los efectos de sonido galácticos.

Aunque el disco no fue realizado bajo un concepto, se entiende que los hermanos Jarman lo construyeron como una muestra de que sí existe una luz al final del túnel; mostrando una faceta sublime, honesta, y adecuada para estos tiempos complejos en los que uno solo quiere dar vuelta a la hoja, retoñar y seguir avanzando. El trío británico está entusiasmado de poder presentar esta larga duración.

El bajista de Los Cogelones necesita tu ayuda

Hace un par de días el bajista de la banda sufrió un accidente y tu apoyo es importante.

Los Cogelones nos ha regalado grandes momentos musicales llenos de diversión y rock experimental, es por ello que es momento de demostrar nuestra empatía y regresarles un poquito de lo que nos dan. Hace algunos días, Adrián, bajista de la banda, sufrió una caída en la que desafortunadamente se rompió el peroné y hubo deslizamiento; como consecuencia, es necesario que reciba lo más pronto posible una operación para que, eventual y naturalmente, el hueso en cuestión solidifique.

Todos los integrantes y personas cercanas a la banda, han apoyado tanto moral como monetariamente para que la operación de Adrián se lleve a cabo, sin embargo, es un proceso bastante caro ($35,000) y un granito de tu ayuda puede hacer la diferencia.

Puedes donar directamente en este enlace o realizar un depósito/transferencia en las siguientes cuentas:

Número de cuenta CLABE para transferencias interbancarias:

         1271 8001 3086 2086 16

Número de cuenta para transferencias en Banco Azteca:

         2131 1308 6208 61

Número de tarjeta para envíos desde otros bancos:

         5512 3823 8828 3212

Las donaciones por los medios mencionados, son a nombre de Víctor Hugo Sandoval García y el número telefónico asociado para los envíos es: 55 2998 0770.

¡Tu ayuda hace la diferencia!

Los_Cogelones_2020

Sam y Marx, pop nostálgico que masajea tus oídos

Mover tus miedos y hacer lo que te gusta para poder ser feliz, dio como resultado el álbum homónimo que Sam y Marx presenta este frío otoño.

Chihuahua no solo es el Estado más extenso del país, sino que también es el lugar donde nace gran talento, como es el caso de Samuel Márquez. A lo largo de su trayectoria como baterista, ha participado con artistas como Robert Dobbs y Ruzzi, pero no ha sido suficiente para el artista y ahora decide ir por más.

Luego de pasar un tiempo en un ir y venir entre Los Ángeles y CDMX, toma la magnífica decisión de regresar a la tierra que lo vio nacer y llenar de vida y poder a Sam y Marx, un proyecto que, hasta el momento, considera es el más personal y donde las percusiones toman un segundo plano y encontramos una voz suave que te transporta a una atmósfera de paz y tranquilidad.

Esta nueva etapa como Sam y Marx dio inicio hace apenas algunos meses con el single “Luna”, desde ese momento supimos que eventualmente llegaría un álbum con magia y acompañado de un saxofón que da un toque funk bastante agradable.

Y así fue, el pasado 13 de noviembre Sam y Marx estrenó su álbum debut y homónimo con un total de 13 tracks, en ellos se repasan temas personales e internos como inseguridad, temores y ansiedad. En este álbum, podemos encontrar también temas como “31000”, que recientemente estrenó videoclip con algunas tomas aéreas que estuvieron a cargo de Studioc208.

El disco de Sam y Marx me ha mostrado esa parte de mí que no conocía: la inminente necesidad de expresar emociones y sentimientos profundos a través de la música. Algo que estuvo por mucho tiempo dormido. Atravesar el miedo y despertar reconociendo mis pensamientos e ilusiones, ha desencadenado en mí el deseo de seguir creando música y hablar de esas cosas que antes sólo se quedaban en mi cabeza”.

Te recomendamos seguir a Sam y Marx en sus redes sociales y espera más noticias de él en Indie Rocks!

 

Conoce la nueva cerveza artesanal de Pantera

Pantera Golden Ale será la primer bebida oficial de la legendaria banda y estará en el mercado a partir de marzo de 2021.

Recientemente ha sido anunciado un nuevo producto referente a Pantera. Ahora se trata de una bebida artesanal en la que la banda tuvo alianza con la empresa cervecera Texas Ale Project, la cual saldrá al mercado estadounidense en marzo de 2021, aunque se espera que también tenga distribución internacional a mediano plazo.

La Pantera Golden Ale es un producto único, contiene 5.4 grados de alcohol, lo que le convierte en una bebida de carácter fuerte. Aunque por la textura y la base elaborada con lúpulos cascade y citra otorgan un sabor ligero que en palabras de la empresa es acorde a la esencia de la banda.

Estamos muy emocionados de unir estas dos pasiones bajo nuestro techo, esta vez en sociedad con el todopoderoso Pantera. No podría estar más entusiasmado con este proyecto", señaló el director de Texas Ale Project, Brent Thompson.

Su llegada a los mercado locales de Texas está programada para el 1 de marzo, días después serán posibles los envíos a distintas localidades del país. Da clic aquí para actualizarte sobre la llegada de la nueva cerveza Pantera Golden Ale, que se espera también sea posible de obtener en otros países.

Con el lanzamiento volvió al foco una de las historias de Pantera narradas en la biografía del bajista Rex Brown, quien señala que la banda siempre estuvo ligada a la cerveza, e incluso el guitarrista fallecido, Dimebag Darrell, tenía la capacidad de tocar sin equivocarse aún bajo los efectos de la bebida.

Pantera Golden Ale_

MOLE anuncia su regreso y nueva música

La banda liderada por Charly Alberti, MOLE, está formalmente de regreso y ha anunciado una serie de sencillos para los próximos meses.

A través de sus redes sociales, esta semana ha sido anunciado el regreso de MOLE. La agrupación argentina conformada actualmente por Charly Alberti, su hermano Andrés y Sergio Bufi ha dado a conocer su reunión oficial tras 12 años de ausencia, ahora junto a The Orchard y con el ideal de quedarse en activo por mucho tiempo.

Todo esto lo dio a conocer el ex Soda Stereo desde el pasado mes de agosto, cuando las redes sociales de la banda comenzaron a difundir el hashtag #VuelveMOLE, y con él se anunció la remezcla de tres canciones de su único disco, las cuales son "Gladiador", "Agua Castradora" y "El Bote".

Este 20 de noviembre se materializará la nueva etapa de MOLE con la llegada de su primer sencillo "Elixir (La Muerte de Mi Otro Yo)". El cual será el principio de una serie de sencillos con los que la agrupación comenzará su regreso. También ha sido señalado que aún no hay planes de la llegada de algún disco, pero cada canción será presentada en español y en inglés.

Pensamos en grabar, editar, e ir viendo cuál es el desarrollo de cada canción. Tenemos un nuevo contrato con The Orchard, y eso nos da la posibilidad de ahondar en otra forma de hacer y distribuir la música. Hoy las cosas cambiaron, es todo más lúdico e inmediato", señaló Alberti para Enremolinos.com.

No te pierdas los detalles de MOLE y su regreso en Indie Rocks! y a través de sus plataformas sociales.

MOLE 2020