Ciclo Indie Rocks!: O Tortuga + Dinosaurios Surf Club

El garage surf que evocó la contemplación de los días más felices.

El pronóstico del día apuntaba para este miércoles 4 de agosto a que habría un clima templado con una gran probabilidad de lluvia, lo que la gran mayoría no sabía es que dentro del Foro Indie Rocks! habitaba un clima totalmente diferente; uno mucho más fresco que envolvía a los presentes con un velo de calidez que pegaba como los primeros rayos del sol por la mañana. El Ciclo Indie Rocks! arrancó con la presentación de O Tortuga y Dinosaurios Surf Club, dos proyectos mexicanos con una energía que se transmite al instante.

Las puertas del recinto se abrieron en punto de las 19:00 H para recibir a los primeros invitados. Con un poco de delay, Violencia River se apoderó del escenario para hacer una interesante selección de discos de vinilo; un set tranquilo que sirvió para animar a aquellos que ya se encontraban dentro del foro esperando el inicio de esta primer presentación. Tras una gran mezcla de sonidos y textuas, un par de horas más tarde Dinosaurios Surf Club hizo su aparición. El público ya esperaba con ansias este juego de guitarras alocadas y la energía de la batería que se concentra para ofrecer un estallido de surf garage punk.

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Temas como "Te Odio", "Cloro" y "Voy a Matarlos" resonaron durante esta presentación que consiguió animar a los presentes. El set fue corto, sin embargo lo suficientemente adecuado para conseguir que el Foro Indie Rocks! cambiara de clima. Al poco tiempo O Tortuga arribó desde Pantitlán a este recinto que lo esperaba con euforia y listo para imaginarse en un viaje por la playa. La agrupación saludó a los presentes, agradeció el tiempo dedicado a esa noche y la espera por verles; de la misma forma les animó a que sintieran toda la música que tenían preparada para esta noche. Y así fue.

Con sus flamantes guitarras, en instantes el cuarteto consiguió que todos empezaran a moverse al ritmo de esta potencia y energía que tanto los caracteriza. Definitivamente no podían faltar los clásicos como "Simple Vago" o "Azul", tema de su último álbum Se Necesita Libertad (2019), pero también resonaron temas nuevos, singles que la banda pronto compilará en su nuevo álbum de estudio. Un adelanto que ya pueden encontrar en plataformas es "Sirena Morena".

El arranque del Ciclo Indie Rocks! fue cálido y divertido. El aforo limitado fue un gran aliado para que todos disfrutaran de su espacio y de la música de estas dos grandes propuestas del dream pop y garage rock mexicano. La música te hace viajar a lugares paradisiacos y esto fue un claro ejemplo de ello.

TOP: Los mejores discos de la mitad del 2021

Llegó nuestro clásico top con los mejores 50 discos que el primer semestre del 2021 trajo ¿Quién crees que se lleva el primer lugar?

Deja que tu mente vuele por un momento al 2020 ¿Qué hacías? Seguramente te mantenías con cero expectativas hacia la vida, y está bien, nadie estaba listo para ponerle pausa a la rutina que llevaba día con día. Quizá aprendiste a hacer cosas que siempre habías querido pero no tenías tiempo y ese fue el momento indicado, o tal vez disfrutaste el paso de los días, así, sin planearlos, solo dejándote llevar.

Al mismo tiempo, algunos de tus artistas y bandas favoritas decidieron ponerse a trabajar en música nueva con los recursos que estaban a su alcance, en home studio, con el apoyo de la tecnología o viajando con todas las medidas correspondientes. De esta forma el 2021 pudo iniciar con el pie derecho en el ámbito musical y un rayito de luz y esperanza llegó a tus oídos en forma de materiales discográficos que probablemente te han hecho pensar "¡Wow, qué gran disco!".

En Indie Rocks! creemos que existen elepés que son verdaderas joyitas y merecen ser escuchados de principio a fin más de una vez, así que creamos un top con los mejores 50 álbumes que se han estrenado desde que inició el año y te los dejamos aquí para que les des play las veces que sean necesarias. Si aún no escuchas alguno de ellos, esta es la señal que necesitabas, te aseguramos que no te vas a arrepentir. No olvides contarnos en nuestras redes sociales cuál es tu favorito de la lista y cuál habrías agregado tú, tu opinión es importante para nosotros.

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Entrevista con Bandalos Chinos

Previo a su visita a México, Bandalos Chinos reflexiona sobre el impacto de Paranoia Pop y la gloria en tiempos pandémicos.

Aún existe demasiada incertidumbre dentro de la industria musical con respecto a las giras de conciertos. Aunque existan reaperturas de venues, presentaciones en vivo limitadas y uno que otro festival pequeño, realmente no había ningún proyecto que diera el paso adelante de salir de su país y visitar México, hasta que se atrevió Bandalos Chinos.

Sorpresivamente, es bastante lindo pensar que la batuta de la primer gira por distintas ciudades de México será tomada por una agrupación independiente, que ha ganado peso en la industria con un sonido bastante noble y que ha cautivado a miles de personas de nuestro país a lo largo de los últimos cinco años. Por otra parte, y conociendo las restricciones que vive la capital del país, parece que esta oportunidad es especial para los locatarios del interior, ya que por lo normal son ellos quienes tienen que hacer el viaje.

La agrupación de Béccar, Buenos Aires, anunció el pasado 29 de junio una extensa gira de 24 fechas en al menos 15 ciudades al interior de la republica mexicana, esto para presentar Paranoia Pop, su más reciente producción discográfica. Significa, al menos de manera popular, la primer gira de una agrupación internacional por México desde marzo de 2020, previo al confinamiento. Goyo, vocalista de la banda, expresa para Indie Rocks! la emoción previa a un viaje que le hará reencontrarse con el escenario en un contexto aún atípico.

Estamos muy contentos y agradecidos por esta oportunidad en un contexto pandémico. Esto es lo que debe sentir una banda gigante como Metallica, que no tocan en todo el año, luego se juntan, ensayan y salen a tocar. Esta cosa se va generando y yo ya siento que estoy por explotar, necesito subir al escenario. Creo que es la mejor gira que hemos armado en México y vemos que no hay muchas bandas teniendo la oportunidad así, por eso lo vivimos con mucha gratitud".

Bandalos Chinos 2021

Es necesario señalar que Bandalos Chinos hizo diferentes esfuerzos entre 2020 y 2021 por aparecer aunque sea de a poco en escenarios para presentar el material nuevo, aunque nunca en una gira como tal. En Argentina la agrupación tuvo oportunidad de presentarse bajo protocolos estrictos durante la primer mitad del año, y respecto a la aparición de a poco de los conciertos Goyo expresa lo siguiente. "La verdad es que a priori uno pensaba 'qué ganas de un concierto a la vieja usanza', pero en estas condiciones es mucho mejor que nada y te das cuenta de lo importante que es por lo menos tener este espacio de encuentro con la música, y creo que está buenísimo que podamos hacerlo en México".

Para concluir el tema de su gira por México, Goyo señalaba días antes de su llegada a México que no podía confirmar o negar la llegada de nuevas fechas por territorio azteca, principalmente por las restricciones. Aunque recientemente se ha anunciado una fecha en CDMX, esto será el 29 de agosto en la Curva 4 del Autódromo Hermanos Rodríguez. "Tenemos muchas ganas de arribar a México, hay mucha ansiedad y expectativa de nuestra parte y estaremos ahí dándolo todo y esperamos que ustedes también vayan con ganas de bailar y de moverse".

Como exclusiva además, afirma que en diferentes presentaciones habrán invitados amigos de la banda, eso es seguro. Por otra parte, la puesta en escena será la mejor con las herramientas que se tienen al alcance, será distinta en ese aspecto a su musical en streaming presentado el año pasado, aunque no descarta la posibilidad de hacer una gira con ese formato a futuro.

Me encantaría tocarlo en un teatro, hacer una temporada, quizás sea algo que podamos hacer en otro momento. Esta gira va a ser más de batalla en donde vamos a ir a tocar y a qué la música hable de nosotros, y quizás si plantear un buen show, pero bueno, el contexto hace que reduzcamos un poquito. Ni siquiera vamos con el full team, un saxofonista de allá va a trabajar con nosotros, vamos a intentar hacer lo mejor que podemos en este contexto"

Paranoia Pop: La grandeza de evolucionar haciendo lo mismo.

Se puede colocar a Paranoia Pop como uno de los álbumes latinos más importantes de 2020. Su impacto ha sido bastante provechoso para la agrupación ya que algunos de los nuevos temas se han transformado en referentes de las estaciones de radio gracias a la buena respuesta de sus escuchas. "Paranoia Pop es un hijo de la pandemia y creemos que va a generar un lindo impacto en la gente y una comunión de música que creo que es algo importantísimo", es lo que señala Bandalos Chinos respecto al álbum. Cabe señalar que esta obra fue compuesta antes de que la pandemia comenzara, y mientras el contexto cambiaba para el mundo lo hacía de igual manera en la promoción y gestión del disco.

Cuando salió Paranoia Pop se resignificó, e incluso con el paso del tiempo y a medida que la experiencia del público fue generando resultados y creencias, nos dio vivencias en nosotros muy lindas. Para nosotros se ha resignificado y es como nuestro pequeño hijo que durante la pandemia estuvo encerrado y ahora lo dejan salir a jugar", comenta con alegría Goyo.

Uno de los reflejos más inmediatos con respecto al impacto de Paranoia Pop fue su reciente estatuilla en los Premios Gardel de Argentina como Mejor Álbum Grupo Pop. Si bien la agrupación expresa de forma honesta que ellos no hacen música con la finalidad de obtener premios, les parece un reconocimiento lindo y de gran mérito ya que el proyecto ha mantenido hasta la fecha una estructura autogestiva, y aún entre ellos son llevadas las decisiones en producción artística, creativa y ejecutiva. De hecho la placa compitió por el Gardel de Oro a mejor álbum junto a Nathy Peluso y Fito Páez, siendo este último el ganador con La Conquista del Espacio.

Dentro de un sistema tan antiguamente guiado por las grandes discográficas recibir este tipo de reconocimiento es lindo y también es un lindo mensaje para las bandas que vienen de abajo con los mismos modelos de autogestión, y lo que demuestra es que sí se puede con los recursos que hay y laburando y apostando a largo plazo creo que se pueden lograr resultados".

Bandalos Chinos ha tenido un crecimiento bastante pronunciado en los últimos cinco años, fue desde su segundo EP llamado En El Aire que el sexteto comenzó a pisar con más fuerza y a tener apariciones en los grandes festivales de Latinoamérica. Goyo mira esta obra que cumple cinco años en este 2020 como un "disco bisagra" donde los integrantes comenzaron a entender y trabajar mejor sus producciones, con el tipo de sonido al que querían llegar.

Tras un lustro de ese lanzamiento la banda considera esencialmente ser lo mismo, con el mismo motor que les impulsa que es el juntarse para hacer canciones, solo que ahora con un sonido más propio y un enfoque más profesional, honesto y no tan de pose. El hecho de volver a la banda un equipo más sólido, así como la inclusión de Adan Jodorowsky en producción, les hace no buscar sonar como a otras bandas, más bien les ha ayudado a plasmar su personalidad de forma contundente en Paranoia Pop o incluso en BACH. Spoiler Alert: los set lists de la gira por México incluirán algunas canciones de En El Aire.

Bandalos Chinos Premios Garde

Siempre en movimiento con la nueva generación.

El desarrollo de Bandalos Chinos ha ido en paralelo con una nueva generación de artistas argentinos que de manera autogestiva han crecido en combo. La generación de espacios por parte de proyectos independientes así como el apoyo mutuo ha generado que decenas de bandas tomen por mérito propio lugares altos de la industria local. Artistas como Marilina Bertoldi, LOUTA, WOS, Usted Señalemelo, El Kuelgue y muchos más se han vuelto referentes de la música en Argentina, y dentro de ellos también figura Bandalos Chinos como un abanderado y representante internacional de este movimiento.

Aquí no había muchas oportunidades, así que empezamos a unir fuerzas y en distintos espacios a generar conexiones para armar fechas en conjunto y después festivales, y a partir de eso empezar a generar un público que se pueda sentir identificado con esa movida. Y creo que si, con los años eso fue creciendo y permitió también que aparecieran proyectos super eclécticos, que me parece que responde también a la era de la playlist donde existen menos prejuicios", expresa con orgullo Goyo.

Para fortuna de la misma música, el vocalista de Bandalos Chinos considera que vivimos en una era donde hay mayor tolerancia, y que por ello es que existe una mayor participación del público. Ya no se vive en aquel contexto donde los fans de Los Redondos y los de Soda Stereo eran enemigos, sino que hay una intención de escuchar música y disfrutar, así como de crecer en conjunto por parte de los artistas.

Esta fusión ha transgredido géneros, y como ejemplo está el homenaje en los Premios Gardel que Bandalos Chinos hizo a Catupecu Machu en compañía de 1915, Emmanuel Horvilleur y Rosario Ortega. Si bien, no había un punto de unión muy fijo entre Bandalos y la legendaria banda, este homenaje fue en honor a Gabriel Ruíz Díaz, quien falleciera hace unos meses a causa de un accidente. Y Goyo comparte que la respuesta de Catupecu a su performance fue de agradecimiento.

Por otra parte, Bandalos Chinos también asegura recibir mucha influencia de proyectos mexicanos, mismos con los que ha forjado alianzas y también ha tenido colaboraciones. Goyo destaca el trabajo solista de León Larregui, y también la unión que ha tenido la banda con Daniela Spalla, Jay de la Cueva, Caloncho, Reyno y también algunos otros más jóvenes como Ramona, Noa Sainz, Girl Ultra y Wet Baes, puntualiza que para ellos en México hay mucha buena música.

Finalmente, Bandalos Chinos reflexiona sobre lo importante que ha sido este tiempo para dimensionar la importancia que ha tenido el proyecto. Asegura Goyo que el aprendizaje es que "nunca se puede prever nada y en cualquier momento pueden existir problemas", considera que las consecuencias de la pandemia tardarán años en verse reflejadas, pero de algún modo es bueno tomar conciencia de todo lo que ha ocurrido para un futuro mejor. Finaliza diciendo que ahora valora más lo bien que le hace subir a un escenario, y hace hincapié nuevamente en el deseo de volver a la ruta, ahora en México y con un Paranoia Pop en estado de gracia.

Veníamos de una vorágine de shows y de cosas que venían sucediendo, y el hecho de no tener tiempo de parar la pelota nos hacía no valorarlo tanto. Creo que aprender a valorar las pequeñas cosas, porque en cualquier momento podemos volver a estar encerrados en casa... Spinetta decía que 'nadie se salva solo', y por eso hay que cuidar al de al lado, entonces lo estamos intentando vivir y experimentar en carne propia y es hermoso que eso suceda".

Adquiere tus entradas para la gira de Bandalos Chinos en este enlace, además te invitamos a calentar motores con Paranoia Pop a continuación.

Bandalos Chinos es nuestro artista del mes de agosto en Indie Rocks!, no te pierdas sus novedades y únete a la conversación a través de nuestras redes sociales.

Billie Eilish — Happier Than Ever

La joven superestrella Billie Eilish nos muestra su lado más vulnerable.

Para su segundo material discográfico de larga duración, Billie Eilish tenía toda la presión del mundo encima. A su corta edad, todos los reflectores parecían apuntar hacia ella y su hermano Finneas en 2019 con la salida de su álbum debut, When We Fall Asleep, Where Do We Go? El posterior mega éxito de este álbum solo elevó su estatus de celebridad a niveles que ella nunca esperó y, a la vez, generó otra oleada de atención negativa hacia su imagen y de gente que pensó que su aclamo era inmerecido. Todo ello lo puedes ver más a detalle en el filme documental The World’s a Little Blurry

Una serie de premios más tarde, incluyendo el Grammy por Álbum del Año, también después de hacer un tema Bond con Hans Zimmer y tener un libro y un documental sobre ella, Billie Eilish parece no preocuparse mucho por complacer, sino que nos brinda un segundo álbum que no busca ser una calca de su debut, pero que no se distancia demasiado del sonido que le ganó tantos adeptos. 

Billie-Eilish-Happier-Than-Ever

Happier Than Ever contiene algo de ironía en su título y se siente más personal que cualquier cosa que haya hecho en el pasado la joven cantante, temas como la superación de una relación abusiva y el lidiar con la atención negativa son clave en estos 16 temas. A lo largo de 56 minutos, Eilish batalla con diversas emociones desde la angustia, la pérdida, la ira y la autoaceptación al ritmo de sonidos tan diversos como R&B, pop, folk, electrónica, industrial y hasta rock.

La impecable producción de Finneas, el arma secreta de Billie Eilish, brilla una vez más aquí, desde sonidos delicados de guitarra acústica, bajos que demandan escuchar con audífonos o un buen estéreo y en un ambiente libre de bullicio, hasta experimentos interesantes con el R&B y la electrónica minimalista. Uno puede perderse en la delicadeza y emotividad de “Your Power” o moverse suavemente al ritmo de “Billie Bossa Nova”.

“Getting Older” introduce el disco con un distante arpegiador y una descripción de lo que se siente madurar para la cantante estadounidense, los obstáculos de la fama y el reto de superar una relación abusiva. Estos son temas que explora de nuevo más adelante en “Your Power”, “NDA” y el tema titular, es un adelanto de lo que nos espera.

Con “I Didn’t Change My Number”, Finneas nos da una probada de aquel sonido electrónico minimalista, parte ominoso, parte seductor que explotará en diversas partes del álbum con la peculiar y etérea voz de su hermana que describe su lado más vulnerable. 

Donde brilla más la parte experimental de la producción viene más adelante con “Oxytocin” y “Goldwing”, dos de los cortes más interesantes que nos ha dado Billie Eilish. El primero recuerda la combinación entre lo siniestro y lo sensual de la música de Trent Reznor, el segundo combina una especie de canto gregoriano compuesto por delicadas y bellas armonías vocales con una especie de beat de reggaeton, suena confuso, pero funciona.  

En cuanto a los sencillos promocionales, “My Future” tiene una carga muy personal, de empoderamiento y autoaceptación (“I’m supposed to be happy with someone, but aren’t I someone?”), por otra parte, “Lost Cause” de sonido R&B noventero se siente un tanto superficial a comparación a pesar de que entra en la parte de la superación del susodicho.

“Not My Responsability” con su minimalismo es más que solo un interludio, líricamente hablando es fundamental para adentrarnos en la mente de la artista y comprender cómo lidia con el body shaming y la atención negativa hacia su sonido y su forma de ser y actuar. Hace un año Billie Eilish lanzó un videoclip con el mismo título, en el cual se le veía a media luz despojándose de sus vestimentas holgadas características, al ritmo de un sintetizador ascendente y descendente, encima de todo su voz cuestiona las críticas que recibe sobre su imagen y su decisión de cubrir su cuerpo por comodidad y para evitar ser sexualizada. Como parte de un álbum tiene sentido y es un mensaje que vale la pena escuchar, pero después de escucharlo muchas veces, probablemente te la saltarás. Afortunadamente hace la transición a “Overheated” que aprovecha su sintetizador minimalista para un tema más movido e interesante.

“Your Power” es uno de los momentos más emotivos del álbum, la voz de Billie Eilish brilla más que nunca en medio de una cámara de eco y con tan solo una guitarra acústica para acompañarla. “Try not to abuse your power / You might not wanna lose your power, but power isn´t pain”, canta la joven con una voz que parece que en cualquier momento romperá en sollozos. Es arrulladora y a la vez muy potente, prueba de que menos es más cuando se trata de transmitir emoción, es una tema sobre control y manipulación en una relación con el que muchas personas se pueden sentir identificadas y empatizar. 

La parte media del álbum baja un poco el impulso inicial con “Halley’s Comet” o “Everybody Dies”, pero hacia el final cobra nuevo vuelo. “NDA” es la canción que más se acerca al sonido de When We Fall Asleep, Where Do We Go? con sus armonías vocales y sonido un tanto tétricos, es un continuo crescendo que hace una transición perfecta hacia “Therefore I Am”, el momento más movido, pegadizo y el hit más evidente del disco. 

La recta final del álbum continúa en ascenso con “Happier Than Ever”, una balada acústica muy retro en su primera mitad, la cual da un giro y se convierte en la canción más estridente y catártica que nos ha dado Billie Eilish. Guitarrazos y gritos expresan la angustia de la cantante -con influencia de Phoebe Bridgers por ahí- y su deseo de desprenderse de una persona nociva. Desafortunadamente, después de una serie de señales de superación personal, “Male Fantasy” cierra en una nota agridulce y desalentadora donde Eilish admite que no podrá superar a esta persona por más que intente olvidarla. 

En general, Happier Than Ever es un álbum redondo, emocionante y cohesivo, expande el sonido de la cantante, pero con casi una hora de duración pudo prescindir de momentos que lo vuelven un tanto tedioso a la mitad. Por suerte, se recupera en el último tercio y hace de este un exitoso segundo esfuerzo -sin contar su EP debut- que está a la altura de las expectativas. 

Si no te enganchó el particular sonido y estilo de Billie Eilish en el pasado, difícilmente cambiarás de parecer con este nuevo disco. Si, por el contrario, ansiabas más de lo que te hizo fan en primer lugar y a la vez algo nuevo mientras esperas que aquel concierto cancelado en el Palacio de los Deportes se reprograme algún día, no estarás decepcionado. 

 

Canciones esenciales: "Oxytocin", "NDA", "Therefore I Am", "Happier Than Ever", "I Didn’t Change My Number"

A 55 años del ‘Revolver’ de The Beatles

El final de la inocencia para dar paso a la madurez musical y cómo un álbum transformó la cultura popular.

Es bastante común, por no decir obligatorio, que siempre que una banda publica un nuevo álbum asegure que es el mejor trabajo de su carrera. Ocurre hoy y ha pasado siempre en todos los géneros. Todos los músicos aseguran que cada uno de sus trabajos es una evolución sonora aunque la mayoría de las veces no es así. Aunque cuando se trata de The Beatles y el LP publicado el 5 de agosto de 1966 existen muchos elementos para creer que sí se trata de su obra más destacada y una pieza fundamental para entender la cultura popular del siglo 20.

Para este momento de la historia el cuarteto de Liverpool se encontraba en la cima de su carrera. Apenas unos meses antes John Lennon aseguró que eran más populares que Jesús y sus palabras le ganaron críticas y la enemistad de la iglesia. A la fecha muchos consideran una blasfemia que alguien se atreva a decir algo así. ¿Pero acaso no había una cierta razón en su afirmación?

Después de conquistar el Reino Unido el paso obvio era invadir Estados Unidos. Fue así que el 7 de febrero de 1964 los cuatro integrantes del combo inglés arribaron al Aeropuerto Internacional John F. Kennedy de Nueva York. Muchos consideran el inicio oficial de la Beatlemania por la recepción de los seguidores americanos. Desde entonces todo fue un vertiginoso ascenso que trajo consigo tanto aspectos positivos como negativos.

Adiós a los conciertos para concentrarse en el estudio de grabación.

Después de ejecutar melodías alegres y festivas los integrantes de The Beatles se cansaron de seguir las estructuras clásicas. Los primeros pasajes de esta nueva etapa de maduración se pueden escuchar en Rubber Soul (1965). la siguiente decisión radical fue olvidarse de ofrecer conciertos y utilizar el estudio de grabación como un instrumento musical. Para John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr era decepcionante que los gritos de sus fanáticas fueran más estridentes que los sonidos emanados de sus amplificadores.

De esta manera dieron comienzo las grabaciones de uno de los materiales más experimentales grabados hasta ese momento. Además también se incorporaron de manera clara algunos elementos de la cultura popular. La revelación de la juventud en torno al uso de los alucinógenos y el descubrimiento del mundo oriental forman parte importante del séptimo LP del conjunto.

Lo más sencillo hubiera sido repetir lo hecho en sus trabajos previos para garantizar la continuidad del éxito pero el camino más fácil no siempre es el más gratificante. En su lugar, los cuatro integrantes junto al eterno George Martin en la producción llevaron la experimentación a nuevos límites. Se vivían tiempos de cambios y Bob Dylan ya había mostrado que la música era mucho más que la suma de ritmo, armonía y melodía.

Por su parte, el material también se distingue por su versatilidad de sonidos. Tan solo la abridora "Taxman" contiene una adictiva batería que es considerada influencia directa del hip hop que surgiría más de una década después en la Costa Este de Estados Unidos. Mientras que la guitarra es heredera del movimiento mod que en ese momento tenía a The Who como máximo emblema.

Concebir al estudio de grabación como un instrumento más permitió agregar instrumentos de cuerda a "Eleanor Rigby" y convertirla en una pequeña orquesta de bolsillo. Además parece predecir la futura batalla entre The Beatles y The Beach Boys que daría como resultado dos álbumes fundamentales de la música del siglo pasado: Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band y Pet Sounds, ambos de 1967.

Para continuar en el sendero de las innovaciones, "Tomorrow Never Knows" es una pieza adelantada a su tiempo. Por petición de Harrison se incorporaron elementos de la cultura hindú como una hipnótica cítara que le ofrece misticismo a la pieza. A su vez, también está considerada como una canción que acercó la música electrónica al público de masas. No es gratuito que tres décadas después The Chemical Brothers le rindiera homenaje en “Setting Sun” con el acompañamiento de Noel Gallagher.

"We all live in a yellow submarine

Yellow submarine, yellow submarine

We all live in a yellow submarine

Yellow submarine, yellow submarine"

Pero aunque prevalecen los sonidos arriesgados y de vanguardia también hay una composición que destaca por su enorme sencillez. A la fecha muchas secundarias en México suelen utilizar "Yellow Submarine" para enseñar a tocar la flauta. Aunque en la grabación de la pieza original destacan las colaboraciones de Pattie Boyd y Brian Jones de The Rolling Stones quien siempre se mantuvo cercano al combo de los peinados de bacinica.

El legado del LP permanece vigente hasta nuestros días y no es coincidencia que las listas con los mejores álbumes de la historia incluyan a Revolver entre sus primeros lugares. A lo largo de 35 minutos se consigue una amalgama que funciona para demostrar la transición entre la inocencia del rock & roll y la madurez del rock. Parecen lo mismo pero son bastante diferentes entre sí.

 

Paz Court estrena video para “De que sirve” (Versión extendida)

La cantante y compositora chilena presenta un sombrío audiovisual protagonizado por ella misma.

Paz Court está de estreno con el nuevo video de su tema "De Qué Sirve" (Versión extendida), extraído de su álbum La Fuerza que fue publicado a finales del año pasado.

Esta nueva versión mezcla "De Qué Sirve" con "Canto de Ordeño", una canción de folklore venezolano compuesta por Antonio José Tévez y que Paz interpretó el pasado mes de marzo junto a un coro conformado por Carmen María, Anthony Escandón y Sofia Campos. Escúchala a continuación.

El sombrío visual en blanco y negro que acompaña a la versión extendida de "De Qué Sirve", fue dirigido por Camila Aguirre, Alejandro Bernal, Alonso Garibay y Paz Court. En él podemos ver a la cantante chilena cubierta por un larguísimo velo negro, tocando y cantando su canción en las ruinas de una vieja construcción abandonada. ¡Velo a continuación!

Recientemente Paz Court presentó nuevas versiones de sus temas "Pajarillo Negro" en colaboración con Vivir Quintana y Cancamusa,  así como "Un Día Planté una Rosa" junto a Benjamin Walker. Se espera que la artista siga realizando lanzamientos en lo que resta del año, por lo que te recomendamos seguirla en sus redes sociales para que no te pierdas ninguno.

No te pierdas a Paz Court en el Foro Indie Rocks! Conoce los detalles aquí.

Escucha “June”, el nuevo sencillo de Inner Wave

¿Qué es más poderoso que los recuerdos de un viejo amor?

Solo nos separan un par de meses para el estreno de Apoptosis, el cuarto álbum de Inner Wave, con el que la banda que celebrará 15 años de trayectoria. Ahora, para aligerar la espera, el grupo de California acaba de lanzar un nuevo sencillo titulado “June”, que seguro te llenará de nostalgia.

En “June”, Inner Wave hace acopio de todos los sonidos que ha recorrido durante su carrera, desde las guitarras acústicas hasta los efectos electrónicos. Con éstos, crea una balada melancólica sobre los recuerdos de la juventud y los viejos amores. Mira el lyric video a continuación y déjate atrapar por la letra de esta canción.

El próximo álbum de Inner Wave, será un trabajo que verá al grupo madurar en su sonido y enfrentarse a los retos que impusieron la pandemia y los cambios de integrantes.

‘Apoptosis’ es un término biológico para la muerte de las células […] Básicamente, es cuando tu cuerpo deja morir algunas células para que crezcan otras completamente sanas. Es una metáfora de todo lo que hemos atravesado este año, con la pérdida de un integrante, de administración, de tours, de amigos y de casi todo, para después volver a comenzar desde cero”, comenta Inner Wave.

Inner Wave estrenará Apoptosis el próximo 30 de septiembre de manera independiente, y pronto habrá más información de este material. Mientras tanto, no olvides que tienes una cita con Inner Wave en el festival Ruido Fest de Chicago.

 

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Últimas fotografías de Chris Cornell se subastarán como NFT

Randall Slavin, reconocido fotógrafo de celebridades y amigo del músico, fue el encargado de estos retratos.

No cabe duda de que los token no fungible (NFT) han creado uno de los mercados más lucrativos del mundo del arte digital contemporáneo debido a su cualidad de ser documentos irrepetibles y que garantizan autenticidad. Por ello, el fotógrafo de Hollywood Randall Slavin ofrecerá en subasta NFTs de la última sesión fotográfica de Chris Cornell, realizada meses antes de su fallecimiento en 2017.

La subasta de NFT se llevará a cabo con dos obras de Randall Slavin. La primera lleva el título de “White Roses For My Soul To Keep”, y es un collage animado de fotografías de Chris Cornell de pie en diferentes posiciones. La segunda, titulada “Until We Disappear”, es un retrato en primer plano del rostro del cantante, con animaciones de niebla detrás de su cabeza.

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Randall es como familia. Estoy muy agradecida de que la última sesión fotográfica de Chris fue realizada no solo por un increíble fotógrafo, sino por un gran amigo”, comentó Vicky Cornell, viuda del músico, para Rolling Stone.

La subasta de estos NFT se realizará el próximo 5 de agosto a las 13:00 H a través de Cryptograph. Parte de los ingresos será destinada a Phoenix House, fundación con base en Nueva York dedicada a ofrecer rehabilitación para casos de abuso de alcohol y drogas.

Anímate a participar y no te pierdas más noticias de Chris Cornell en Indie Rocks!

 

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Goat comparte “Fill My Mouth”

Un blast de psicodelia fusión augurando nueva música.

La banda con base en Gothenburg, Suecia, ha compartido un nuevo sencillo como adelanto a lo que será Headsoup. El nuevo álbum, próximo a ver la luz este 27 de agosto vía Rocket Recordings, contendrá una serie de b-sides, singles anteriores y canciones completamente nuevas dentro de la fructífera discografía de la banda.

“Fill My Mouth” nos atraviesa compulsivamente con oleadas de experimentación que terminan por permear cada aspecto del nuevo corte. Empezando con el paneo radical de las percusiones enfrentándose con el fuzz de las guitarras colocadas al otro extremo, la canción nos lleva por un frenesí de psicodelia fusión valiéndose de instrumentos como sintetizadores vintage, tambores y flautas para terminar de aderezar esta exótica experiencia sonora, cubriendo en su espectro géneros como garage, funk, new wave y ritmos africanos.

El nuevo lanzamiento de Goat fue acompañado del videoclip realizador por el artista visual y animador John O’ Carroll, presentándonos un mar de figuras lisérgicas, transiciones psicotrópicas y colores vibrantes que logran transportarnos a una tierra lejana, teniendo como protagonista los rojos labios a los que se hace alusión en la lírica del nuevo track.

Omar Apollo interpreta el tema sesentero “California Dreamin”

Un cover que seguramente ya has escuchado y querrás volver a escuchar. 

El cantautor méxico-americano, Omar Apollo, comparte dos versiones especiales para Spotify Singles sessions; La primera es una reversión de su más reciente título musical “Go Away”, y la segunda un cover del conocido tema del conjunto sesentero The Mamas & the Papas, “California Dreamin”. Esto como seguimiento promocional a su último lanzamiento. 

El músico de 24 años realizó una extrapolada versión de su tema, el cual entra con voces con auto tune, progresiones de lo que parece ser un piano rhodes y un caja de ritmos. Mientras que para “California Dreamin”, el cantante transiciona del sunshine pop a una interpretación más nostálgica, espaciosa y coral.  

Elegí esa canción porque la escuché en Chungking Express de Wong Kar-Wai. La pusieron tantas veces en la película que me obsesioné con ella. Definitivamente me sentí  como si estuviera en una máquina del tiempo, en East West Studios, es cool saber la historia detrás de la canción cuando grabé mi versión”. Relata Apolonio

A más de un mes de su última publicación con “Go Away”, Omar dio apertura a su nueva gira Desvelado Tour, con una exitosa presentación en el festival de Chicago, IL, Lollapalooza 2021. Con esta serie de fechas Apollo regresa oficialmente a los escenarios y se prepara para realizar más de 30 conciertos alrededor de los Estados Unidos.

Escucha Omar Apollo, Spotify Singles aquí:

"Go Away" versión original:

“California Dreamin” versión original: