Villagers anuncia su nuevo disco ‘Fever Dreams’

Un esperado regreso desde los confines de lo alternativo.

El aclamado proyecto de folk indie comandado por Conor O’Brien ha anunciado oficialmente el lanzamiento de su quinto álbum de estudio. Fever Dreams llegará a nuestras manos el próximo 20 de agosto a vía Domino Records.

El nuevo material nos transportará a lo largo de 10 pistas a través del largo proceso creativo al que se sometió O’Brien para dar a luz al futuro lanzamiento. Pasando de ser escrito y boceteado durante dos años a grabar las estructuras generales en sesiones full band entre finales de 2019 y principios de 2020, para finalmente ser meditado por el músico durante todo el confinamiento dentro de su home studio desde Dublín, Irlanda.

Fever Dreams, mezclado por David Wrench (Frank Ocean, The xx), nos transmitirá esa sensación de escapismo dulce que todos hemos percibido al toparnos de frente con la crudeza de la realidad, retomando una extensa gama de referencias sonoras entre las que resuenan nombres como David Lynch, Alessandro Alessandroni, Duke Ellington o Alice Coltrane.

Tenía la urgencia de escribir algo que fuera tan generoso al escucha como lo fuera sido conmigo. A veces los estados más delirantes pueden producir las más extasiantes, eufóricas y escapistas ensoñaciones”, compartió O’Brien sobre el nuevo disco.

Acá el tracklist y presave ya disponible para el futuro lanzamiento.

Villagers - Fever Dreams (Art)

  1. “Something Bigger”
  2. “The First Day”
  3. “Song In Seven”
  4. “So Simpatico”
  5. “Momentarily”
  6. “Circles In The Firing Line”
  7. “Restless Endeavour”
  8. “Full Faith In Providence”
  9. “Fever Dreams”
  10. “Deep In My Heart”

No te pierdas el IG Live con Paz Court en Indie Rocks!

Únete a la conversación con la compositora chilena, quien forma parte del Ciclo Indie Rocks!.

Paz Court presentó su tercer álbum de estudio titulado La Fuerza en 2020. Su trabajo consiste en nueve canciones que resultan ser un abrazo esperanzador al son del folclor latinoamericano. Para continuar celebrando su publicación, la cantante originaria de Santiago de Chile se presentará en el Foro Indie Rocks! el próximo 11 de agosto en compañía de Mariana Montenegro.

El show promete crear un ambiente conmovedor y muy ameno que deleitará a aquellos que aman las canciones tranquilas, relajadas y reconfortantes. Para que te enteres de todos los detalles del evento, te recomendamos unirte a la charla que María Letona tendrá con Paz Court previo a su presentación.

La plática será el martes 10 de agosto en punto de las 17:00 H a través de la cuenta oficial de Instagram de Indie Rocks!. Recuerda que puedes unirte con todas tus preguntas, saludos y buenas vibras, así que no te lo pierdas.

 

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Por otra parte, recientemente Paz Court compartió el videoclip oficial para su sencillo "De Que Sirve", con el cual la compositora "busca exorcizar demonios y visibilizar el tema de las enfermedades mentales". El clip fue grabado en Guadalajara, Jalisco, y la dirección corrió a cargo de Camila AguirreAlejandro BernalAlonso Garibay y la cantante misma.

Si aún no lo has visto, dale play a continuación.

¡No lo olvides! Puedes adquirir entradas para el show de Paz Court y Mariana Montenegro a través de este enlace, o bien directamente en el Foro.

black midi comparte “Cruising”

Un regalo sonoro desde el país del Sol naciente.

Geordi Greep, Cameron Picton, Morgan Simpson y Seth Evans vuelven a sacudir el mundo musical con la presentación oficial de nueva música para sus fanáticos occidentales, antes incluida exclusivamente en la versión japonesa de su último álbum.

“Cruising” se trata de uno de los tracks escondidos por la banda dentro de la versión en CD de Cavalcade, anteriormente sólo disponible como parte de las copias lanzadas dentro del país nipón. El nuevo corte, al menos para el resto del mundo, contó con la producción de la banda uniendo esfuerzos con el productor John ‘Spud’ Chestnutt, tal y como se vio a lo largo del último disco de los londinenses.

black midi nos entrega una suave cadencia de intensidad contenida, mezclando melodías experimentales, una profunda atmósfera de elementos jazz y la profunda voz de Greep debatiéndose entre el canto y la declamación, trayendo flashbacks de leyendas como la de Louis Armstrong.

La instrumentación dentro de “Cruising” reluce pasando del clásico guitarra bajo batería a herramientas sonoras como acordeones, órganos, flautas y resonadores que aportan un toque único a los cimientos armónicos del nuevo material, ya disponible en plataformas y desde la página oficial de la banda.

black midi - Cruising

 

Carl Barât abrirá su propia cafetería y bar

LOVE Cafe busca ser un lugar inmerso en creatividad, arte, música y buena comida; todo acompañado de una increíble vista al mar.

Carl Barât no solo se destaca por su profesión como músico sino que su visión emprendedora ya está dando frutos. El guitarrista de The Libertines anunció que a finales de agosto inaugurará su propia cafetería, llamada Love Cafe, en compañía de Edie Langley (líder de Cruel Hearts Club y pareja de Barât),  Ronnie Traynor (conocedor de la industria musical) y Gizzi Erskine, quien es una chef reconocida, así como una celebridad de la televisión inglesa.

Finalmente estaba cumpliendo una promesa borracha de crear el mejor bar bistró del mundo", comenta Barat en un comunicado de prensa, y agrega: "Para que florezcan la música y las ideas, el refrigerio y la inspiración. Esto requerirá de un chef experto, una amante, un viejo amigo, esfuerzo, aceite de medianoche, paciencia y un amor insondable".

Love Cafe abrirá sus puertas a finales de agosto en la costa de Margate, Inglaterra. El menú se enfocará en los platillos del desayuno y sándwiches, sin embargo, también habrá bebidas alcohólicas y no alcohólicas. Además, Gizzi Erskine aseguró que todos los productos serán sostenibles y de proveedores y agricultores locales.

Hay algo en el aire. Margate es tan hermosa, está cerca de Londres, todavía es relativamente barata. Es un poco como Shoreditch antes de que se mudara Foxton [agencia inmobiliaria británica]. Es inevitable que lleguen [Foxton] eventualmente, pero por ahora, tenemos esta maravillosa ciudad y la oportunidad de hacer cosas creativas sin que nadie se congele financieramente.  

Margate está llena de diversión y creatividad. Sé que hay una larga historia de gente de Londres. Pero creo que hay una unión con los lugareños, no se siente como una invasión. 

Ese es el objetivo de Love Cafe: ser inclusivo y construir algo para todos en la comunidad", comentó Carl Barat en entrevista para el sitio web de noticias inews

¿Qué dices? ¿Te animarías a viajar a Margate para tomarte un cafecito? Si quieres conocer más sobre el restaurante, te recomendamos seguir su página oficial en Instagram.

 

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Duran Duran libera el sencillo “More Joy” con CHAI

La legendaria banda de Birmingham presenta una electrizante canción con vibes de videojuego retro.

Duran Duran ha compartido un nuevo adelanto de su próximo álbum de estudio FUTURE PAST, el primer material de larga duración de la banda desde Paper Gods del 2015.

La nueva canción, titulada "More Joy" es una magnífica colaboración con la banda femenina de punk japonés CHAI. ¡Escúchala a continuación!

Sobre el sencillo, Nick Rhodes, el teclista de Duran Duran, explicó:

La canción 'More Joy' nació de una loca improvisación con Duran Duran, Graham Coxon y Erol Alkan. Era una pieza tan inusual que no estábamos muy seguros de si encajaría al principio. Me recordó a uno de esos videojuegos japoneses retro, que siempre encontré bastante edificante. Se nos ocurrió el canto 'more joy' desde el principio, y eso se convirtió en la clave del resto de la pista " —y agregó— “Todos estuvimos de acuerdo en que sonaría realmente genial con voces femeninas japonesas, y fue entonces cuando Simon  tuvo la inspirada idea de preguntarle a CHAI si posiblemente colaborarían con nosotros. Para nuestra alegría, estuvieron de acuerdo, y el resultado ciertamente trajo una nueva energía increíble a la canción. ¡¡Son tan especiales !! "

Junto con el estreno de “More Joy”, Duran Duran compartió la lista de canciones que conformaran su disco FUTURE PAST, así como los nombres de los invitados que participaron en su realización, como Graham Coxon de Blur, quien coescribió y tocó la guitarra de varias canciones, así como Giorgio Moroder y Erol Alkan,  quienes trabajaron en la producción del disco. Otros nombres destacados son Tove Lo, Ivorian Doll y Mark Ronson.

future past_duran duran

FUTURE PAST Tracklist:

  1. "INVISIBLE"
  2. "ALL OF YOU"
  3. "GIVE IT ALL UP (feat. Tove Lo)"
  4. "ANNIVERSARY"
  5. "FUTURE PAST"
  6. "BEAUTIFUL LIES"
  7. "TONIGHT UNITED"
  8. "WING"
  9. "NOTHING LESS"
  10. "HAMMERHEAD" (feat. Ivorian Doll)
  11. "MORE JOY" (feat. CHAI)
  12. "FALLING" (feat. Mike Garson)

FUTURE PAST está programado para el 22 de octubre. Sigue atento a Indie Rocks! para más novedades.

Ciclo Indie Rocks!: O Tortuga + Dinosaurios Surf Club

El garage surf que evocó la contemplación de los días más felices.

El pronóstico del día apuntaba para este miércoles 4 de agosto a que habría un clima templado con una gran probabilidad de lluvia, lo que la gran mayoría no sabía es que dentro del Foro Indie Rocks! habitaba un clima totalmente diferente; uno mucho más fresco que envolvía a los presentes con un velo de calidez que pegaba como los primeros rayos del sol por la mañana. El Ciclo Indie Rocks! arrancó con la presentación de O Tortuga y Dinosaurios Surf Club, dos proyectos mexicanos con una energía que se transmite al instante.

Las puertas del recinto se abrieron en punto de las 19:00 H para recibir a los primeros invitados. Con un poco de delay, Violencia River se apoderó del escenario para hacer una interesante selección de discos de vinilo; un set tranquilo que sirvió para animar a aquellos que ya se encontraban dentro del foro esperando el inicio de esta primer presentación. Tras una gran mezcla de sonidos y textuas, un par de horas más tarde Dinosaurios Surf Club hizo su aparición. El público ya esperaba con ansias este juego de guitarras alocadas y la energía de la batería que se concentra para ofrecer un estallido de surf garage punk.

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Temas como "Te Odio", "Cloro" y "Voy a Matarlos" resonaron durante esta presentación que consiguió animar a los presentes. El set fue corto, sin embargo lo suficientemente adecuado para conseguir que el Foro Indie Rocks! cambiara de clima. Al poco tiempo O Tortuga arribó desde Pantitlán a este recinto que lo esperaba con euforia y listo para imaginarse en un viaje por la playa. La agrupación saludó a los presentes, agradeció el tiempo dedicado a esa noche y la espera por verles; de la misma forma les animó a que sintieran toda la música que tenían preparada para esta noche. Y así fue.

Con sus flamantes guitarras, en instantes el cuarteto consiguió que todos empezaran a moverse al ritmo de esta potencia y energía que tanto los caracteriza. Definitivamente no podían faltar los clásicos como "Simple Vago" o "Azul", tema de su último álbum Se Necesita Libertad (2019), pero también resonaron temas nuevos, singles que la banda pronto compilará en su nuevo álbum de estudio. Un adelanto que ya pueden encontrar en plataformas es "Sirena Morena".

El arranque del Ciclo Indie Rocks! fue cálido y divertido. El aforo limitado fue un gran aliado para que todos disfrutaran de su espacio y de la música de estas dos grandes propuestas del dream pop y garage rock mexicano. La música te hace viajar a lugares paradisiacos y esto fue un claro ejemplo de ello.

TOP: Los mejores discos de la mitad del 2021

Llegó nuestro clásico top con los mejores 50 discos que el primer semestre del 2021 trajo ¿Quién crees que se lleva el primer lugar?

Deja que tu mente vuele por un momento al 2020 ¿Qué hacías? Seguramente te mantenías con cero expectativas hacia la vida, y está bien, nadie estaba listo para ponerle pausa a la rutina que llevaba día con día. Quizá aprendiste a hacer cosas que siempre habías querido pero no tenías tiempo y ese fue el momento indicado, o tal vez disfrutaste el paso de los días, así, sin planearlos, solo dejándote llevar.

Al mismo tiempo, algunos de tus artistas y bandas favoritas decidieron ponerse a trabajar en música nueva con los recursos que estaban a su alcance, en home studio, con el apoyo de la tecnología o viajando con todas las medidas correspondientes. De esta forma el 2021 pudo iniciar con el pie derecho en el ámbito musical y un rayito de luz y esperanza llegó a tus oídos en forma de materiales discográficos que probablemente te han hecho pensar "¡Wow, qué gran disco!".

En Indie Rocks! creemos que existen elepés que son verdaderas joyitas y merecen ser escuchados de principio a fin más de una vez, así que creamos un top con los mejores 50 álbumes que se han estrenado desde que inició el año y te los dejamos aquí para que les des play las veces que sean necesarias. Si aún no escuchas alguno de ellos, esta es la señal que necesitabas, te aseguramos que no te vas a arrepentir. No olvides contarnos en nuestras redes sociales cuál es tu favorito de la lista y cuál habrías agregado tú, tu opinión es importante para nosotros.

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Entrevista con Bandalos Chinos

Previo a su visita a México, Bandalos Chinos reflexiona sobre el impacto de Paranoia Pop y la gloria en tiempos pandémicos.

Aún existe demasiada incertidumbre dentro de la industria musical con respecto a las giras de conciertos. Aunque existan reaperturas de venues, presentaciones en vivo limitadas y uno que otro festival pequeño, realmente no había ningún proyecto que diera el paso adelante de salir de su país y visitar México, hasta que se atrevió Bandalos Chinos.

Sorpresivamente, es bastante lindo pensar que la batuta de la primer gira por distintas ciudades de México será tomada por una agrupación independiente, que ha ganado peso en la industria con un sonido bastante noble y que ha cautivado a miles de personas de nuestro país a lo largo de los últimos cinco años. Por otra parte, y conociendo las restricciones que vive la capital del país, parece que esta oportunidad es especial para los locatarios del interior, ya que por lo normal son ellos quienes tienen que hacer el viaje.

La agrupación de Béccar, Buenos Aires, anunció el pasado 29 de junio una extensa gira de 24 fechas en al menos 15 ciudades al interior de la republica mexicana, esto para presentar Paranoia Pop, su más reciente producción discográfica. Significa, al menos de manera popular, la primer gira de una agrupación internacional por México desde marzo de 2020, previo al confinamiento. Goyo, vocalista de la banda, expresa para Indie Rocks! la emoción previa a un viaje que le hará reencontrarse con el escenario en un contexto aún atípico.

Estamos muy contentos y agradecidos por esta oportunidad en un contexto pandémico. Esto es lo que debe sentir una banda gigante como Metallica, que no tocan en todo el año, luego se juntan, ensayan y salen a tocar. Esta cosa se va generando y yo ya siento que estoy por explotar, necesito subir al escenario. Creo que es la mejor gira que hemos armado en México y vemos que no hay muchas bandas teniendo la oportunidad así, por eso lo vivimos con mucha gratitud".

Bandalos Chinos 2021

Es necesario señalar que Bandalos Chinos hizo diferentes esfuerzos entre 2020 y 2021 por aparecer aunque sea de a poco en escenarios para presentar el material nuevo, aunque nunca en una gira como tal. En Argentina la agrupación tuvo oportunidad de presentarse bajo protocolos estrictos durante la primer mitad del año, y respecto a la aparición de a poco de los conciertos Goyo expresa lo siguiente. "La verdad es que a priori uno pensaba 'qué ganas de un concierto a la vieja usanza', pero en estas condiciones es mucho mejor que nada y te das cuenta de lo importante que es por lo menos tener este espacio de encuentro con la música, y creo que está buenísimo que podamos hacerlo en México".

Para concluir el tema de su gira por México, Goyo señalaba días antes de su llegada a México que no podía confirmar o negar la llegada de nuevas fechas por territorio azteca, principalmente por las restricciones. Aunque recientemente se ha anunciado una fecha en CDMX, esto será el 29 de agosto en la Curva 4 del Autódromo Hermanos Rodríguez. "Tenemos muchas ganas de arribar a México, hay mucha ansiedad y expectativa de nuestra parte y estaremos ahí dándolo todo y esperamos que ustedes también vayan con ganas de bailar y de moverse".

Como exclusiva además, afirma que en diferentes presentaciones habrán invitados amigos de la banda, eso es seguro. Por otra parte, la puesta en escena será la mejor con las herramientas que se tienen al alcance, será distinta en ese aspecto a su musical en streaming presentado el año pasado, aunque no descarta la posibilidad de hacer una gira con ese formato a futuro.

Me encantaría tocarlo en un teatro, hacer una temporada, quizás sea algo que podamos hacer en otro momento. Esta gira va a ser más de batalla en donde vamos a ir a tocar y a qué la música hable de nosotros, y quizás si plantear un buen show, pero bueno, el contexto hace que reduzcamos un poquito. Ni siquiera vamos con el full team, un saxofonista de allá va a trabajar con nosotros, vamos a intentar hacer lo mejor que podemos en este contexto"

Paranoia Pop: La grandeza de evolucionar haciendo lo mismo.

Se puede colocar a Paranoia Pop como uno de los álbumes latinos más importantes de 2020. Su impacto ha sido bastante provechoso para la agrupación ya que algunos de los nuevos temas se han transformado en referentes de las estaciones de radio gracias a la buena respuesta de sus escuchas. "Paranoia Pop es un hijo de la pandemia y creemos que va a generar un lindo impacto en la gente y una comunión de música que creo que es algo importantísimo", es lo que señala Bandalos Chinos respecto al álbum. Cabe señalar que esta obra fue compuesta antes de que la pandemia comenzara, y mientras el contexto cambiaba para el mundo lo hacía de igual manera en la promoción y gestión del disco.

Cuando salió Paranoia Pop se resignificó, e incluso con el paso del tiempo y a medida que la experiencia del público fue generando resultados y creencias, nos dio vivencias en nosotros muy lindas. Para nosotros se ha resignificado y es como nuestro pequeño hijo que durante la pandemia estuvo encerrado y ahora lo dejan salir a jugar", comenta con alegría Goyo.

Uno de los reflejos más inmediatos con respecto al impacto de Paranoia Pop fue su reciente estatuilla en los Premios Gardel de Argentina como Mejor Álbum Grupo Pop. Si bien la agrupación expresa de forma honesta que ellos no hacen música con la finalidad de obtener premios, les parece un reconocimiento lindo y de gran mérito ya que el proyecto ha mantenido hasta la fecha una estructura autogestiva, y aún entre ellos son llevadas las decisiones en producción artística, creativa y ejecutiva. De hecho la placa compitió por el Gardel de Oro a mejor álbum junto a Nathy Peluso y Fito Páez, siendo este último el ganador con La Conquista del Espacio.

Dentro de un sistema tan antiguamente guiado por las grandes discográficas recibir este tipo de reconocimiento es lindo y también es un lindo mensaje para las bandas que vienen de abajo con los mismos modelos de autogestión, y lo que demuestra es que sí se puede con los recursos que hay y laburando y apostando a largo plazo creo que se pueden lograr resultados".

Bandalos Chinos ha tenido un crecimiento bastante pronunciado en los últimos cinco años, fue desde su segundo EP llamado En El Aire que el sexteto comenzó a pisar con más fuerza y a tener apariciones en los grandes festivales de Latinoamérica. Goyo mira esta obra que cumple cinco años en este 2020 como un "disco bisagra" donde los integrantes comenzaron a entender y trabajar mejor sus producciones, con el tipo de sonido al que querían llegar.

Tras un lustro de ese lanzamiento la banda considera esencialmente ser lo mismo, con el mismo motor que les impulsa que es el juntarse para hacer canciones, solo que ahora con un sonido más propio y un enfoque más profesional, honesto y no tan de pose. El hecho de volver a la banda un equipo más sólido, así como la inclusión de Adan Jodorowsky en producción, les hace no buscar sonar como a otras bandas, más bien les ha ayudado a plasmar su personalidad de forma contundente en Paranoia Pop o incluso en BACH. Spoiler Alert: los set lists de la gira por México incluirán algunas canciones de En El Aire.

Bandalos Chinos Premios Garde

Siempre en movimiento con la nueva generación.

El desarrollo de Bandalos Chinos ha ido en paralelo con una nueva generación de artistas argentinos que de manera autogestiva han crecido en combo. La generación de espacios por parte de proyectos independientes así como el apoyo mutuo ha generado que decenas de bandas tomen por mérito propio lugares altos de la industria local. Artistas como Marilina Bertoldi, LOUTA, WOS, Usted Señalemelo, El Kuelgue y muchos más se han vuelto referentes de la música en Argentina, y dentro de ellos también figura Bandalos Chinos como un abanderado y representante internacional de este movimiento.

Aquí no había muchas oportunidades, así que empezamos a unir fuerzas y en distintos espacios a generar conexiones para armar fechas en conjunto y después festivales, y a partir de eso empezar a generar un público que se pueda sentir identificado con esa movida. Y creo que si, con los años eso fue creciendo y permitió también que aparecieran proyectos super eclécticos, que me parece que responde también a la era de la playlist donde existen menos prejuicios", expresa con orgullo Goyo.

Para fortuna de la misma música, el vocalista de Bandalos Chinos considera que vivimos en una era donde hay mayor tolerancia, y que por ello es que existe una mayor participación del público. Ya no se vive en aquel contexto donde los fans de Los Redondos y los de Soda Stereo eran enemigos, sino que hay una intención de escuchar música y disfrutar, así como de crecer en conjunto por parte de los artistas.

Esta fusión ha transgredido géneros, y como ejemplo está el homenaje en los Premios Gardel que Bandalos Chinos hizo a Catupecu Machu en compañía de 1915, Emmanuel Horvilleur y Rosario Ortega. Si bien, no había un punto de unión muy fijo entre Bandalos y la legendaria banda, este homenaje fue en honor a Gabriel Ruíz Díaz, quien falleciera hace unos meses a causa de un accidente. Y Goyo comparte que la respuesta de Catupecu a su performance fue de agradecimiento.

Por otra parte, Bandalos Chinos también asegura recibir mucha influencia de proyectos mexicanos, mismos con los que ha forjado alianzas y también ha tenido colaboraciones. Goyo destaca el trabajo solista de León Larregui, y también la unión que ha tenido la banda con Daniela Spalla, Jay de la Cueva, Caloncho, Reyno y también algunos otros más jóvenes como Ramona, Noa Sainz, Girl Ultra y Wet Baes, puntualiza que para ellos en México hay mucha buena música.

Finalmente, Bandalos Chinos reflexiona sobre lo importante que ha sido este tiempo para dimensionar la importancia que ha tenido el proyecto. Asegura Goyo que el aprendizaje es que "nunca se puede prever nada y en cualquier momento pueden existir problemas", considera que las consecuencias de la pandemia tardarán años en verse reflejadas, pero de algún modo es bueno tomar conciencia de todo lo que ha ocurrido para un futuro mejor. Finaliza diciendo que ahora valora más lo bien que le hace subir a un escenario, y hace hincapié nuevamente en el deseo de volver a la ruta, ahora en México y con un Paranoia Pop en estado de gracia.

Veníamos de una vorágine de shows y de cosas que venían sucediendo, y el hecho de no tener tiempo de parar la pelota nos hacía no valorarlo tanto. Creo que aprender a valorar las pequeñas cosas, porque en cualquier momento podemos volver a estar encerrados en casa... Spinetta decía que 'nadie se salva solo', y por eso hay que cuidar al de al lado, entonces lo estamos intentando vivir y experimentar en carne propia y es hermoso que eso suceda".

Adquiere tus entradas para la gira de Bandalos Chinos en este enlace, además te invitamos a calentar motores con Paranoia Pop a continuación.

Bandalos Chinos es nuestro artista del mes de agosto en Indie Rocks!, no te pierdas sus novedades y únete a la conversación a través de nuestras redes sociales.

Billie Eilish — Happier Than Ever

La joven superestrella Billie Eilish nos muestra su lado más vulnerable.

Para su segundo material discográfico de larga duración, Billie Eilish tenía toda la presión del mundo encima. A su corta edad, todos los reflectores parecían apuntar hacia ella y su hermano Finneas en 2019 con la salida de su álbum debut, When We Fall Asleep, Where Do We Go? El posterior mega éxito de este álbum solo elevó su estatus de celebridad a niveles que ella nunca esperó y, a la vez, generó otra oleada de atención negativa hacia su imagen y de gente que pensó que su aclamo era inmerecido. Todo ello lo puedes ver más a detalle en el filme documental The World’s a Little Blurry

Una serie de premios más tarde, incluyendo el Grammy por Álbum del Año, también después de hacer un tema Bond con Hans Zimmer y tener un libro y un documental sobre ella, Billie Eilish parece no preocuparse mucho por complacer, sino que nos brinda un segundo álbum que no busca ser una calca de su debut, pero que no se distancia demasiado del sonido que le ganó tantos adeptos. 

Billie-Eilish-Happier-Than-Ever

Happier Than Ever contiene algo de ironía en su título y se siente más personal que cualquier cosa que haya hecho en el pasado la joven cantante, temas como la superación de una relación abusiva y el lidiar con la atención negativa son clave en estos 16 temas. A lo largo de 56 minutos, Eilish batalla con diversas emociones desde la angustia, la pérdida, la ira y la autoaceptación al ritmo de sonidos tan diversos como R&B, pop, folk, electrónica, industrial y hasta rock.

La impecable producción de Finneas, el arma secreta de Billie Eilish, brilla una vez más aquí, desde sonidos delicados de guitarra acústica, bajos que demandan escuchar con audífonos o un buen estéreo y en un ambiente libre de bullicio, hasta experimentos interesantes con el R&B y la electrónica minimalista. Uno puede perderse en la delicadeza y emotividad de “Your Power” o moverse suavemente al ritmo de “Billie Bossa Nova”.

“Getting Older” introduce el disco con un distante arpegiador y una descripción de lo que se siente madurar para la cantante estadounidense, los obstáculos de la fama y el reto de superar una relación abusiva. Estos son temas que explora de nuevo más adelante en “Your Power”, “NDA” y el tema titular, es un adelanto de lo que nos espera.

Con “I Didn’t Change My Number”, Finneas nos da una probada de aquel sonido electrónico minimalista, parte ominoso, parte seductor que explotará en diversas partes del álbum con la peculiar y etérea voz de su hermana que describe su lado más vulnerable. 

Donde brilla más la parte experimental de la producción viene más adelante con “Oxytocin” y “Goldwing”, dos de los cortes más interesantes que nos ha dado Billie Eilish. El primero recuerda la combinación entre lo siniestro y lo sensual de la música de Trent Reznor, el segundo combina una especie de canto gregoriano compuesto por delicadas y bellas armonías vocales con una especie de beat de reggaeton, suena confuso, pero funciona.  

En cuanto a los sencillos promocionales, “My Future” tiene una carga muy personal, de empoderamiento y autoaceptación (“I’m supposed to be happy with someone, but aren’t I someone?”), por otra parte, “Lost Cause” de sonido R&B noventero se siente un tanto superficial a comparación a pesar de que entra en la parte de la superación del susodicho.

“Not My Responsability” con su minimalismo es más que solo un interludio, líricamente hablando es fundamental para adentrarnos en la mente de la artista y comprender cómo lidia con el body shaming y la atención negativa hacia su sonido y su forma de ser y actuar. Hace un año Billie Eilish lanzó un videoclip con el mismo título, en el cual se le veía a media luz despojándose de sus vestimentas holgadas características, al ritmo de un sintetizador ascendente y descendente, encima de todo su voz cuestiona las críticas que recibe sobre su imagen y su decisión de cubrir su cuerpo por comodidad y para evitar ser sexualizada. Como parte de un álbum tiene sentido y es un mensaje que vale la pena escuchar, pero después de escucharlo muchas veces, probablemente te la saltarás. Afortunadamente hace la transición a “Overheated” que aprovecha su sintetizador minimalista para un tema más movido e interesante.

“Your Power” es uno de los momentos más emotivos del álbum, la voz de Billie Eilish brilla más que nunca en medio de una cámara de eco y con tan solo una guitarra acústica para acompañarla. “Try not to abuse your power / You might not wanna lose your power, but power isn´t pain”, canta la joven con una voz que parece que en cualquier momento romperá en sollozos. Es arrulladora y a la vez muy potente, prueba de que menos es más cuando se trata de transmitir emoción, es una tema sobre control y manipulación en una relación con el que muchas personas se pueden sentir identificadas y empatizar. 

La parte media del álbum baja un poco el impulso inicial con “Halley’s Comet” o “Everybody Dies”, pero hacia el final cobra nuevo vuelo. “NDA” es la canción que más se acerca al sonido de When We Fall Asleep, Where Do We Go? con sus armonías vocales y sonido un tanto tétricos, es un continuo crescendo que hace una transición perfecta hacia “Therefore I Am”, el momento más movido, pegadizo y el hit más evidente del disco. 

La recta final del álbum continúa en ascenso con “Happier Than Ever”, una balada acústica muy retro en su primera mitad, la cual da un giro y se convierte en la canción más estridente y catártica que nos ha dado Billie Eilish. Guitarrazos y gritos expresan la angustia de la cantante -con influencia de Phoebe Bridgers por ahí- y su deseo de desprenderse de una persona nociva. Desafortunadamente, después de una serie de señales de superación personal, “Male Fantasy” cierra en una nota agridulce y desalentadora donde Eilish admite que no podrá superar a esta persona por más que intente olvidarla. 

En general, Happier Than Ever es un álbum redondo, emocionante y cohesivo, expande el sonido de la cantante, pero con casi una hora de duración pudo prescindir de momentos que lo vuelven un tanto tedioso a la mitad. Por suerte, se recupera en el último tercio y hace de este un exitoso segundo esfuerzo -sin contar su EP debut- que está a la altura de las expectativas. 

Si no te enganchó el particular sonido y estilo de Billie Eilish en el pasado, difícilmente cambiarás de parecer con este nuevo disco. Si, por el contrario, ansiabas más de lo que te hizo fan en primer lugar y a la vez algo nuevo mientras esperas que aquel concierto cancelado en el Palacio de los Deportes se reprograme algún día, no estarás decepcionado. 

 

Canciones esenciales: "Oxytocin", "NDA", "Therefore I Am", "Happier Than Ever", "I Didn’t Change My Number"

A 55 años del ‘Revolver’ de The Beatles

El final de la inocencia para dar paso a la madurez musical y cómo un álbum transformó la cultura popular.

Es bastante común, por no decir obligatorio, que siempre que una banda publica un nuevo álbum asegure que es el mejor trabajo de su carrera. Ocurre hoy y ha pasado siempre en todos los géneros. Todos los músicos aseguran que cada uno de sus trabajos es una evolución sonora aunque la mayoría de las veces no es así. Aunque cuando se trata de The Beatles y el LP publicado el 5 de agosto de 1966 existen muchos elementos para creer que sí se trata de su obra más destacada y una pieza fundamental para entender la cultura popular del siglo 20.

Para este momento de la historia el cuarteto de Liverpool se encontraba en la cima de su carrera. Apenas unos meses antes John Lennon aseguró que eran más populares que Jesús y sus palabras le ganaron críticas y la enemistad de la iglesia. A la fecha muchos consideran una blasfemia que alguien se atreva a decir algo así. ¿Pero acaso no había una cierta razón en su afirmación?

Después de conquistar el Reino Unido el paso obvio era invadir Estados Unidos. Fue así que el 7 de febrero de 1964 los cuatro integrantes del combo inglés arribaron al Aeropuerto Internacional John F. Kennedy de Nueva York. Muchos consideran el inicio oficial de la Beatlemania por la recepción de los seguidores americanos. Desde entonces todo fue un vertiginoso ascenso que trajo consigo tanto aspectos positivos como negativos.

Adiós a los conciertos para concentrarse en el estudio de grabación.

Después de ejecutar melodías alegres y festivas los integrantes de The Beatles se cansaron de seguir las estructuras clásicas. Los primeros pasajes de esta nueva etapa de maduración se pueden escuchar en Rubber Soul (1965). la siguiente decisión radical fue olvidarse de ofrecer conciertos y utilizar el estudio de grabación como un instrumento musical. Para John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr era decepcionante que los gritos de sus fanáticas fueran más estridentes que los sonidos emanados de sus amplificadores.

De esta manera dieron comienzo las grabaciones de uno de los materiales más experimentales grabados hasta ese momento. Además también se incorporaron de manera clara algunos elementos de la cultura popular. La revelación de la juventud en torno al uso de los alucinógenos y el descubrimiento del mundo oriental forman parte importante del séptimo LP del conjunto.

Lo más sencillo hubiera sido repetir lo hecho en sus trabajos previos para garantizar la continuidad del éxito pero el camino más fácil no siempre es el más gratificante. En su lugar, los cuatro integrantes junto al eterno George Martin en la producción llevaron la experimentación a nuevos límites. Se vivían tiempos de cambios y Bob Dylan ya había mostrado que la música era mucho más que la suma de ritmo, armonía y melodía.

Por su parte, el material también se distingue por su versatilidad de sonidos. Tan solo la abridora "Taxman" contiene una adictiva batería que es considerada influencia directa del hip hop que surgiría más de una década después en la Costa Este de Estados Unidos. Mientras que la guitarra es heredera del movimiento mod que en ese momento tenía a The Who como máximo emblema.

Concebir al estudio de grabación como un instrumento más permitió agregar instrumentos de cuerda a "Eleanor Rigby" y convertirla en una pequeña orquesta de bolsillo. Además parece predecir la futura batalla entre The Beatles y The Beach Boys que daría como resultado dos álbumes fundamentales de la música del siglo pasado: Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band y Pet Sounds, ambos de 1967.

Para continuar en el sendero de las innovaciones, "Tomorrow Never Knows" es una pieza adelantada a su tiempo. Por petición de Harrison se incorporaron elementos de la cultura hindú como una hipnótica cítara que le ofrece misticismo a la pieza. A su vez, también está considerada como una canción que acercó la música electrónica al público de masas. No es gratuito que tres décadas después The Chemical Brothers le rindiera homenaje en “Setting Sun” con el acompañamiento de Noel Gallagher.

"We all live in a yellow submarine

Yellow submarine, yellow submarine

We all live in a yellow submarine

Yellow submarine, yellow submarine"

Pero aunque prevalecen los sonidos arriesgados y de vanguardia también hay una composición que destaca por su enorme sencillez. A la fecha muchas secundarias en México suelen utilizar "Yellow Submarine" para enseñar a tocar la flauta. Aunque en la grabación de la pieza original destacan las colaboraciones de Pattie Boyd y Brian Jones de The Rolling Stones quien siempre se mantuvo cercano al combo de los peinados de bacinica.

El legado del LP permanece vigente hasta nuestros días y no es coincidencia que las listas con los mejores álbumes de la historia incluyan a Revolver entre sus primeros lugares. A lo largo de 35 minutos se consigue una amalgama que funciona para demostrar la transición entre la inocencia del rock & roll y la madurez del rock. Parecen lo mismo pero son bastante diferentes entre sí.