Festival Marvin: Entrevista con Gang of Four

Posted on mayo 2, 2018 by -

Foto Leo Cacket

Los años pasan, la esencia de Gang of Four no cambia.

La banda de culto de los 70, Gang of Four, visitará México por primera vez en su historia para presentarse en la última fecha del Festival Marvin en la capital del país, el 19 de mayo. “Me han dicho que es un festival importante, así que creo que tocar por primera vez ahí, para gente que conoce nuestra música, será una experiencia emocionante, porque por alguna loca razón nunca hemos dado conciertos en México”, dijo el guitarrista y vocalista Andy Gill, el único miembro original de la agrupación.

A pesar de ser una banda activa desde 1977, Gill comentó que existe en él cierta frustración por no haber venido de gira antes, pero explicó que ninguno de sus agentes tenía contactos en este lado del mundo. “Hay mucha gente en México que quiere vernos, y creo que puede ser una buena experiencia para todos. Espero que eso abra las puertas para más visitas en el futuro, y que conozcamos gente que nos ayude a regresar pronto”.

El músico inglés ha visitado el país como turista, haciendo paradas en la capital y en la Península de Yucatán durante la década de los ochenta. “Quedé fascinado con la arquitectura, incluso me obsesionó un poco y me puse a leer sobre sus sitios arqueológicos. No creo que los demás hayan ido, así que están muy emocionados por visitarles”.

Recientemente, el conjunto sacó a la luz el sencillo “Lucky”, que habla sobre cómo Donald Trump juega un papel importante en la vida de muchas personas. Trata de un personaje que a veces considera que nació con suerte, y otras veces piensa todo lo contrario. Se queja, pero al siguiente minuto se siente orgulloso de lo que logra. “Se llama así porque mucha gente cree que por vivir en otros países tienen suerte. Algunos nacemos en Inglaterra, otros nacen en México, o en Siria. Personalmente, creo que la canción es genial y la respuesta de los fans ha sido muy buena cuando la tocamos en vivo”.

El tema forma parte del EP Complicit, que fue lanzado el 20 de abril. Además de “Lucky”, este nuevo material está compuesto por otras tres canciones: un remix del sencillo (que Gill prefiere comparado con la versión original) “I’m A Liar” e “Ivanka”, esta última con una conexión a la hija del presidente de los Estados Unidos. “Creo que sería fácil escribir una canción sobre cuánto odiamos a ese hombre, o de las tonterías que ha hecho. Es muy fácil ser extremadamente negativo sobre él. Pienso que es más interesante usar frases de la propia Ivanka para explicar la situación. No pude evitar mencionar él tiene deseos incestuosos con su hija”, declaró el músico.

Usualmente, Gill escribe la música, y para este EP. “Usé distorsiones diferentes para lograr un sonido interesante. Busco hacer las melodías que no sean convencionales. La idea es encontrar una relación crucial entre todos los instrumentos, pero al final del día, es la misma esencia, aunque cada álbum es distinto”, externó sobre la evolución en el sonido de la banda.

Estando en la escena por 40 años, Gill ha vivido diversas etapas en la distribución de sus creaciones sonoras, y aceptó que la situación actual no lo tiene muy contento, pues la gente ya casi no compra discos, ya que ahora todo es por descarga digital y streaming. De acuerdo con Gill, esto representa  un reto para los músicos en cuanto a las finanzas, pues los presupuestos son menores. “Los productores ganan menos dinero y las bandas no pueden pagar un estudio porque ya no ganan igual. Muchos prefieren tocar en vivo porque así hay más ingresos. Espero que la situación mejore y superemos esto, porque se requiere de mucha gente para lograr un álbum y es una pena que solo aparezca el nombre del artista en la portada del álbum, rara vez sabes quién lo produjo”, concluyó.

Gang of Four es una de las tres bandas que encabezan la octava edición del festival que se celebrará en el circuito Condesa–Roma y que contará con conciertos, proyecciones de cine, arte, stand up y conferencias.

Tendremos nuevo disco de Suede

Posted on mayo 2, 2018 by -

Foto Christopher Roberts

Suede confirma todos los detalles de su nuevo disco, The Blue Hour.

La banda finalizó la gira promocional de Night Thoughts, con una presentación en el festival Corona Capital del 2016, y después de eso poco se supo de ellos. Pero parece que el grupo está de regreso, ya que los londinenses han anunciado oficialmente el lanzamiento de su octavo álbum de estudio, el tercero desde que regresaron en 2010.

El siguiente disco de Suede llevará el nombre de The Blue Hour y saldrá el próximo 21 de septiembre a través de su propio sello discográfico, aunque se espera que Warner Music sea uno de los distribuidores. Esta será la segunda publicación de la banda con su disquera.

Esto fue lo que dijo Brett Anderson, vocalista de la agrupación. "Este es un álbum muy complicado, mucho más que el anterior también, y más diverso. Es todo un viaje. Hay muchos elementos que no hemos usado antes. Hay más coros, spoken word y hasta diálogos. También hay muchas grabaciones de campo para unir las ideas".

También, Suede celebra los 25 años de su álbum debut con un box set de CDs y un DVD que incluirá el material original remasterizado, b sides, demos, una sesión para la BBC y hasta su aparición en el show The Leadmill en 1993.

Puedes ver el trailer de The Blue Hour justo aquí:

Tracklist The Blue Hour:

01. "As One"
02. "Wastelands"
03. "Mistress"
04. "Beyond The Outskirts"
05. "Chalk Circles"
06. "Cold Hands"
07. "Life Is Golden"
08. "Roadkill"
09. "Tides"
10. "Don't Be Afraid If Nobody Loves You"
11. "Dead Bird"
12. "All The Wild Places"
13. "The Invisibles"
14. "Flytipping" 

Entrevista con The Boxer Rebellion

Posted on mayo 1, 2018 by -

No strings attached: la libertad dual de la vida divina.

Un ser humano lleno de dolor puede ser peligroso para sí mismo; es bien sabido y de más comentado que las muertes de personas reconocidas como Chester Bennington, las de los iconos de los noventa Chris Cornell y Dolores O’Riordan, generaron tal controversia y atención, que de pronto pensar en la fama y la fortuna como la solución mágica a felicidad, nos hace replantearla. Hace poco pudimos hablar con Nathan Nicholson, cuya banda The Boxer Rebellion, lo ayudó en momentos tan adversos que hubiesen debilitado a cualquiera; la plática giró inevitablemente sobre la muerte y su llegada eminente, sobre su sexto disco Ghost Alive, lleno de nostalgia, la campaña CALM de la que son voceros y, con voz entrecortada, brindó algunos tips para encontrar una salida y no solo seguir la luz que nos lleva al túnel.

El nombre de la banda se cruzó en su camino por casualidad al tomar un diccionario y decidir que ese movimiento histórico oriental fuese el que les diera identidad. “The Boxer Rebellion lo escogimos al abrir la primera página de un diccionario histórico; es un seudónimo que suena cool, que tiene poder y sin duda llama la atención; además, éramos jóvenes y raros, ese nombre era como nosotros. Al ser artistas independientes, el desarrollo de estos 17 años ha sido difícil, tratamos de hacer música al alcance de todos, creamos para que guste y nos guste; por supuesto que una de las mayores limitantes es la falta de recursos y lo entorpece, pero nos gustan esos retos”, expresó Nathan.

Su sexto álbum se vio lleno de adversidades y pruebas de resistencia, sobre todo para el propio Nicholson, cuyo proceso creativo en Ghost Alive se vio marcado por la muerte inesperada y desafortunada de su padre. “Mentir no es mi fuerte, lo mío es desnudar el alma entre letras y es por eso que Ghost Alive se convirtió en un LP tan personal, que tan solo al escuchar las canciones, parece que se abre mi diario personal. Los momentos adversos sacan tanto de uno, pero se nos olvida que la vida es binaria; que si hay día, hay noche; que si hay sol, hay luna y por tanto, para que la vida pase, también debe haber muerte. Hoy, la música se ha vuelto escéptica, evita las verdades y quiere consolar en lugar de desmembrarse”, comentó.

Bien dicen que tratar de alcanzar la felicidad es como escalar una montaña; en ese andar, soportar la materia rocosa lastimándonos es obligatorio, resistir el dolor y motivarse con la utopía de que arriba el sufrimiento termina es la analogía de la vida. ¿Qué hacer con los jóvenes, cuya orientación les dicta que es mejor soltarse y ven esa cima como algo inexistente?. “La banda decidió ser vocera de la campaña CALM, que se ha enfocado a los jóvenes cuyos problemas creen ser más grandes que su esperanza; la idea es devolvérselas y mostrarles que ninguna dificultad es más importante que la pérdida de la vida misma. Tristes tragedias de grandes personalidades pudieron evitarse con orientación, tratamos que esto no ocurra a ningún individuo; si están en situación adversa, por favor, pidan ayuda”, enunció de manera efusiva.

Speedy Ortiz — Twerp Verse

Posted on mayo 1, 2018 by -

Los versos no tan tontos de Speedy Ortiz.

En su libro de 1999, The Perks of Being a Wallflower, Stephen Chbosky decía que cuando alguien está molesto, de nada sirve recordarle que hay niños muriéndose de hambre en otras partes del mundo, porque el que otros lidien con problemas peores, realmente no cambia el hecho de que uno tiene lo que tiene.

Sadie Dupuis no comparte esta mentalidad. Cuando empezó a componer el tercer disco de estudio de Speedy Ortiz en 2016, se dio cuenta de que sus inquietudes resultaban completamente banales comparadas con el clima político por el que pasaba Estados Unidos —y el mundo— en ese momento. Así que en el transcurso de casi dos años, se dedicó a inyectarle significados sociopolíticos y contraculturales a las letras de Twerp Verse. De esta forma, convirtió los problemas de la vida cotidiana en metáforas para retratar cuestiones de mayor escala.

Retomando el sonido del riot grrrl noventero, el álbum es un compilado de 11 canciones que hablan sobre abuso físico y verbal, relaciones tóxicas, crisis existenciales, críticas al sistema o, simplemente, sobre la importancia de alzar la voz. La canción que abre el disco, por ejemplo, es una invitación a que la gente deje de reprimirse por querer complacer a los demás. En “Buck Me Off”, Sadie invita al escucha a hacer lo que se le dé la gana, aunque esto le resulte incómodo a algunos.

Posteriormente escuchamos “Lean In When I Suffer”, una canción dedicada a los malos amigos que se hacen de la vista gorda cuando las cosas se ponen realmente difíciles. Y una vez adentrados al tema de las relaciones tóxicas, “Backslidin’", alude a lo difícil que es separarse de una pareja codependiente. Se dice que repetimos patrones dañinos porque al menos los consideramos territorios conocidos y cómodos. Dupuis resume a la perfección estas situaciones con una sola frase: At least we know each other here in hell (al menos en el infierno nos conocemos bien).

Conforme el álbum avanza, las canciones se vuelven cada vez más complejas. “Villain”, trata uno de los temas más poderosos de Twerp Verse. El sencillo es acompañado de un video en donde –muy al estilo de La forma del agua– la cantante aparece acompañada de una criatura marina. Sin embargo, en vez de tratarse de una historia romántica digna de un Oscar, la cantante está describiendo a un acosador sexual. I want to know if a "no" means "alright" (quiero saber si un “no” significa un “tal vez”). Los versos narran diferentes pensamientos que pasan por la mente de una mujer durante un abuso, convirtiéndola en una de las canciones más honestas y desgarradoras del álbum.

A pesar de la crudeza en las letras, la voz dulce de Sadie Dupuis y las melodías pegajosas de las canciones, hacen digeribles temas que de otra forma serían tabúes. El título del disco podría traducirse literalmente como “versos tontos”, lo cual es una contradicción absoluta de lo que en realidad representa Twerp Verse. El álbum es un manifiesto de 36 minutos para decir ya basta. Ya basta de quedarse en silencio, ya basta de conformarse, ya basta de abusos. Speedy Ortiz utiliza la música como plataforma para centrar la atención en los verdaderos problemas de la vida, en vez de distraerse con banalidades.

Festival Marvin: Entrevista con Planeta No

Posted on abril 30, 2018 by -

Planeta No viene a México a ponernos a bailar.

La escena chilena lleva varios años conquistando corazones mexicanos, y Planeta No es una de las bandas que con poco material logró meterse en el gusto del público, el grupo formado por Gonzalo García (voz, guitarra), Camilo Molina (bajo) y Juan Pablo Garín (batería) es muy querido por su estética y por manejar un discurso con mucho filo.

Los andinos están próximos a visitar el país para tomar uno de los escenarios del Festival Marvin, y platicamos con Juan Pablo para ahondar en el tema y sobre el momento en el que se encuentran. Para empezar, la conexión entre los dos países y las muestras de apoyo que han recibido han sido muy especiales.

“Hay una relación de mucho amor entre México y Chile y desde la primera vez, siempre hemos sido bien recibidos, todos conocían las canciones, todos cantando fue muy gratificante darte cuenta que por muy lejos que estés de tu país, hay gente que conoce tu música, incluso más que acá (Chile), en ese entonces”, dijo el baterista.

Quien además asegura que estar en México es como estar en su país, y que las similitudes culturales e históricas detonan un intercambio musical exitoso, ahora a casi un año de su última visita se declaran listos para encarar el compromiso, además de asegurar que el Festival Marvin estaba en su listas de objetivos desde hace varios años, por lo que como aseguran ellos. “Estamos con hartas ganas”.

Si bien ven el festival sin expectativas sobre el resultado, entienden que tienen una base de fans que los esperan con muchas ganas y asumen la responsabilidad. “Sabemos que tenemos público a través de la web y nos damos cuenta que la gente está expectante, no sé con qué músicos nos vamos a encontrar, hay muchas bandas y los vemos como una oportunidad de conquistar nuevo público, estamos preparando un show específico para el festival, con un par de canciones nuevas, tenemos ansiedad por poder conquistar nueva gente”, expresó el músico.

Además ya sabemos qué esperar cuando se monten en la tarima. “Será un show mucho más bailable que en el disco, sin tantas pausas, algo muy, muy arriba, con mucha energía, somos cinco músicos, muchos piensan que somos tres, pero en el escenario somos cinco, ojalá la pasen muy bien”, agregó.

Sobré lo nuevo del grupo, Juan Pablo asegura que está presupuestado que esté listo para agosto, argumenta que son muy lentos para componer, además que un artista debe tener un discurso alguna respuesta a las interrogantes de la sociedad, y asumen esa responsabilidad. ¿Pero qué esperar del nuevo disco?

“El disco Odio es muy adolescente, se compuso cuando Gonzalo tenía 19 años y lo sacamos muy tarde, y empezamos esta estética muy juvenil teniendo 25 años, ahora el momento actual de la banda es mucho más maduro, el estilo musical sigue manteniéndose, pero el discurso no es tan revolucionario, quizás es más tranquilo un poco más ad hoc a lo que estamos viviendo, el bajista fue papá hace un año, estamos más viejos y vemos las cosas que mucho más calma que antes, que era más de quemarlo todo”.

Juan Pablo acepta que artistas como Javiera Mena o Gepe han sido una punta de lanza para la escena independiente chilena, lo que ha provocado que muchos jóvenes se contagien y haya muchas bandas, lo cual califica como bacán, sin embargo también reconoce que el camino no ha sido fácil, pero vale mucho la pena.

“Es un desafío mantener una relación de cuatro o cinco personas y más aún en la independencia, acá en Chile hay cero industria musical, hay un montón de ideas, pero no hay cómo desarrollarlas, no hay recursos y no hay consumo, y hemos tenido un camino complicado, y el paso es buscar otros países para seguir creciendo”, finalizó.

Frankie Cosmos estrena "Apathy"

Posted on abril 30, 2018 by -

Como parte de su más reciente material, Frankie Cosmos dio a conocer un nuevo visual.

La era Vessel ha dado otro videoclip, se trata de "Apathy", track de corte rock pop que nos habla sobre la experiencia de una chica y su desinterés por conocer a alguien.

El clip dirigido por Tom Scharpling nos muestra una historia de dos bandas que comparten el mismo nombre: Frankie Cosmos. Luego de encontrarse en una tocada, las dos agrupaciones discuten sobre el nombre, pero pasa algo inesperado. Descúbrelo a continuación:

El pasado 30 de marzo Greta Kline —mente detrás de Frankie Cosmos— dio a conocer Vessel, un material en el que los tópicos de independencia, crecimiento y sobre todo, amor se hacen presentes a lo largo de 18 temas. Además, cuenta con la participación de Vishal Narang, Anna McClellan y Alex Bailey.

Para darle promoción a este proyecto la banda compuesta por Greta, Luke Pyenson, David Maine y Lauren Martin estará de gira en distintas ciudades de los Estados Unidos y países como Alemania, Países Bajos, Francia, Reino Unido e Italia. Durante su paso por estas naciones contarán con la presencia de The Goon Sax, Nadine y Florist and Lala Lala.

Escucha lo más reciente del grupo aquí:

A Perfect Circle estrena disco holograma

Posted on abril 30, 2018 by -

El primer álbum del mundo representado en hologramas a manos de A Perfect Circle.

Después de 14 años de inactividad, la espera del lanzamiento del álbum Eat The Elephant a cargo de los estadounidenses A Perfect Circle venia acompañado de grandes expectativas y es así como la banda decide realizar el primer álbum holograma en la historia de la música.

Adicional a lo que podríamos esperar del lanzamiento de colección: la versión en vinilo de Eat The Elephant, tarjeta para su descarga digital, CD y hasta una baraja de cartas; llega también, para complementar el box set, la recreación visual de todo el álbum en holograma.

El documentalista Steven Sebring fue el encargado de recrear este álbum en forma de holograma. "Tener la confianza de Maynard y Billy para crear esto para A Perfect Circle fue el sueño de un verdadero artista", afirmó Sebring durante un comunicado. "Su descanso de 14 años permitió que la tecnología se pusiera al día con su música innovadora y me dio la oportunidad de aplicar nuevas ideas de captura dimensional a este impresionante álbum".

Para poder ver este holograma basta con colocar, sobre un smartphone, el prisma que viene dentro del box set y registrar un código por internet.

Mira el unboxing de este lanzamiento aquí.

U2 estrena video

Posted on abril 30, 2018 by -

"Love Is Bigger Than Anything in Its Way" de U2 pertenece a Songs of Experience y tiene un visual que busca promover la igualdad.

David Mushegain fotógrafo de la revista de moda Vogue, estuvo a cargo de la dirección del video de la banda de Dublín, lugar que inspiró al director para su creación, pues el visual documenta el estilo de vida de aquella cultura adolescente con un enfoque igualitario.

Mushegain regresó repetitivas veces a Dublín para darle seguimiento a este proyecto que lo había cautivado. "Hice amistad con muchas personas y me mantuve en contacto con ellos. Me di cuenta que tenían un toque único en su expresión personal, la forma en que creaban sus estilos, sus colores, lo que hacían con su ropa y peinado.

La idea de expresar la belleza y diversidad de la juventud estaba en la mente de David, pero no encontraba el medio adecuado hasta que –platicando al respecto con el manager de U2, Guy Oseary– le mostró el último disco del grupo  Songs of Experience y ahí conoció "Love Is Bigger Than Anything" en ese momento supo que ahí estaba el material que necesitaba para culminar su proyecto.

El trabajo inicial era enfocado a la comunidad LGTBQ, pero el resultado fue más allá de lo que se buscaba. "La comunidad LGBTQ se compone por supuesto de personas que son LGBTQ, pero la comunidad también incluye a amigos y familiares, por lo que realmente incluye a todos. Se trata de ser joven y expresarse, se trata de cómo todos tenemos amigos y parientes que se visten, se miran o se marcan de otra manera pero, como dice la canción, el amor es más grande que cualquier cosa en su camino. Siempre me ha encantado la comunidad LGBTQ, voy a desfiles de orgullo por todo el mundo, no puedo imaginar una fiesta mejor, y la idea detrás del video es sobre una celebración, celebrar el amor, celebrar la individualidad, celebrar a todos".

Te compartimos el visual a continuación.

Melvins — Pinkus Abortion Technician

Posted on abril 30, 2018 by -

35 años de una institución, el inalcanzable King Buzzo.

Un material discográfico de Melvins siempre será noticia, nunca pasará desapercibido. Su prolífica carrera ha sido cimentada por medio de puro ruido, sonidos rebeldes, letras con un alto grado de simplicidad y el terrible fuzz. No existe la calma, ni algún respeto de tronar uno o dos amplificadores en el trayecto para lograr la distorsión adecuada. El deseo de siempre estar en una tarima explotando cabezas ha llevado a Buzz Osborne y Dale Crover a subsistir con miembros rotativos, pero conservando en cada producción dicho concepto en el mayor estado de pureza posible.

Ahora, después de más de 20 discos en su historia nos presentan Pinkus Abortion Technician, un álbum que resulta complicado encasillar en un género –caso similar a Melvins–. La placa comienza con “Stop Moving To Florida”, sencillo que nos habían dejado escuchar hace unos meses y en el cual pareciera que J. Mascis hubiera estado presente en el día de la grabación guiando a la mítica banda. Un cover con dos caras que parte en el noise y que culmina con el poder del grunge. Los de Washington crearon una conjunción única donde el poder de sus dos bajistas se denota. Un notable primer balazo.

“Embrace The Rub” es punk, puro y sucio punk. Acordes simples, una batería poderosa y bajos ejecutados de forma rápida y concisa. No hay mucho qué criticar, solo se aprecia una banda que no le teme a rayar en la nostalgia y puede tocar cualquier género cuando lo decida. Un poco de caos en una canción que no rebasa los dos minutos de duración.

“Don’t Forget To Breathe” regresa al noise, pero con un bajo aletargado funcionando como base. Las guitarras con distorsión y el hipnótico coro que auspicia un funeral generan un ambiente lúgubre y con detalles bastante siniestros. Melvins sigue con una intensidad fulminante y sus 35 años de vida son relativos. Un King Buzzo que solo su cabello canoso da la impresión de más años en su espalda, pero que la actitud de vándalo sigue vigente.

Y cómo si fuera un disco completamente distinto, una guitarra acústica da pie a “Flamboyant Duck”, pista que posteriormente tiene una ruptura con riffs de grunge y un final apocalíptico dónde un solo de guitarra es el personaje principal. Con cambios bruscos de género, Melvins crea un disco que hace una reverencia a toda su historia y su concepción. Sigue su amor hacia Black Flag y el sonido del sludge metal. Nada ha cambiado en una banda que se niega a ser eclipsada por la historia y el poco reconocimiento que se le ha otorgado. Cosa que nunca les ha importado y que al parecer no lo necesitan.

Tal vez uno de los momentos más divertidos de Pinkus Abortion Technician sea el cover de “I Wanna Hold Your Hand” de The Beatles. Emblemático y clásico tema que se respeta hasta el último minuto, pero que claro, tiene la esencia y poderío de la banda de Montesano, Washington.

“Prenup Butter” sin lugar a duda es uno de los mejores temas del álbum. Sonidos densos y voces graves que dan a luz un espectro que quema las entrañas de una manera ralentizada. Todo para abrir camino al glorioso final, “Graveyard”, que casi como una advertencia, abre con un riff pantanoso que cubre nuestros oídos para adentrarnos en un terreno que te hace hundir a cada minuto. Una de las mejores canciones de Melvins hechas hasta hoy en día.

Y sí, aunque parezca extraño, este disco de Melvins suena bastante extraño. Pero la misma banda lo es y lo ha sido en toda su carrera. Un popurrí que rebobina en la historia y también un recordatorio de que son grandes y pueden hacer sumergirte en pesados acordes cuando lo decidan. Cabe aclarar que no es su mejor disco, pero si es una de sus mejores producciones en su era actual.

Festival Vaivén 2018

Posted on abril 30, 2018 by -

Calor, energía y belleza por doquier.

Nos llevamos una muy agradable experiencia en la edición 2018 del Festival Vaivén, quienes han emergido y aprendido de los errores del pasado para brindarnos un mágico evento lleno de buena música, color y diversas opciones de hacer de este festival una posible tradición a repetir año con año.

Lejos de la rutina citadina, en Jardines de México deleitamos nuestra pupila desde el acceso principal, pues luego de atravesar un bonito puente de madera sobre una laguna y ser recibidos por un inmenso pavo real hecho con miles de flores, una gran rotonda con una fuente interactiva al centro distribuía los caminos hacia los diferentes puntos y escenarios del festival.

Tayrell con su live show fue responsable de iniciar las acciones en el festival, repitiendo su participación por segundo año consecutivo, pero ahora en el escenario principal Vaivén. Frente, el Globo de Experiencias Vaivén saltaba inmediatamente a la vista, ofreciendo la oportunidad de que sus pasajeros tuvieran una vista periférica de todas las amenidades con las que contaba este festival.

El escenario Áurea fue mi favorito por su ubicación, pues se aísla del flujo constante de la gente, está montado a los pies de una colina que favorece una buena visión de la banda sobre el escenario y el camino que hay que tomar para llegar a él está rodeado de flores, verdes pastos y árboles de denso follaje. Wet Baes inauguró este bonito escenario trayendo lo mejor de su live set para iniciar a calentar los ánimos.

¡Vaya calor! El clima en Vaivén es algo que lo caracteriza, pues con temperaturas entre los 36° por el día y 21° por la noche, aunado a la humedad de la región, hizo sacar a los asistentes sus más frescos, y en algunos casos diminutos outfits para no sufrir este primaveral ambiente. Afortunadamente a lo largo y ancho del festival, se dispusieron zonas de descanso con amplias palapas y tapetes para tomar un descanso.

CLUBZ fue una acertada alineación en este festival, pues sus beats bailables y letras pegadizas de "Épocas", "Afrika" y "Popscuro" ponen de buen ánimo. Al finalizar, tenemos de nuevo en un escenario de festival a Hello Seahorse!, que viene con su nuevo sencillo bajo el brazo "Dónde estabas (azul)", un buen momento para refrescarse con una cerveza.

Continuando su participación en festivales nacionales, Rey Pila sigue haciendo bailar a la gente con su último EP Wall of Goth, mientras que en el escenario contrario, muchas parejas disfrutaban de una dulce presentación de Caloncho, que con "Bésame morenita", "Palmar" y "El derroche" complementaban el caer del sol a las espaldas del escenario Vaivén.

Pues bien, una experiencia distinta estaba por comenzar, pues en contraste con el ambiente bailable, cantable y hasta cierto punto pasivo del día, la noche trae consigo a sus bestias nocturnas, quienes con la ayuda de beats más sensuales, densos, psicodélicos y duros de los actos finales, hacen que la euforia colectiva lograda sea el clímax de este festival.

Neon Indian llena de colores psicodélicos los nítidos páneles del escenario Vaivén, que pese algunas fallas técnicas al tocar "Baby's Eyes", supo ganarse al público con su energía sobre el escenario.

Momento de bailar fuerte sobre el pasto con el trance de Goldroom, quen armó una gran fiesta dentro del Bud Light Warehouse, llena de luces, ágiles visuales y un celebrado remix de "Lady" de Modjo.

Los alrededores de los jardines y la fuente principal eran iluminados por múltiples colores, dándole muchísima vistosidad a los trayectos entre escenarios, situación que percaté mientras iba de vuelta al escenario Vaivén a ver una nueva presentación de Bob Moses en México, dando un show de gran calidad, ideal para este festival y para inyectar sensualidad a la noche.

El escenario Áurea se convierte en una pista de baile verde cuando Claptone está en los controles, pues sabe cómo manejar a su público y no dejarlo descansar, siendo la perfecta antesala al impresionante show que estábamos por contemplar de la mano del dúo francés Justice.

El show más esperado por muchos llegaba. Justice cierra el escenario Vaivén, con una excelente respuesta por parte de sus espectadores, pues logré observar júbilo, fascinación y asombro entre la gente que me rodeaba. Dado a las dimensiones estrechas del escenario Vaivén y mi cercanía, mi campo visual estaba rodeado por toda la infraestructura que su imponente show tiene, y si a esto sumamos sus temas llenos de energía y de otra dimensión parecía cual si una nave nodriza estuviera por abducirnos. Mis momentos favoritos: "LOVE S.O.S." coreada por la multitud, "Waters Of Nazareth" que nos llevo al frenesí, "Chorus" y sus miles de luces bajo la luna llena, y la apertura y clausura con la mezcla de "Safe and Sound" y "D.A.N.C.E".

Finaliza este festival para la mayoría de los asistentes, sin embargo la fiesta continuó para aquellos que optaron por la zona de camping o simplemente continuaban con energía suficiente para seguir bailando hasta las 5 H.

Vaivén es toda una aventura en la que vale la pena adentrarse, con un ambiente agradable y con una logística, producción y cartel mejorados notablemente en esta edición, por lo que esperamos regresar y sorprendernos nuevamente el próximo año.