Alice Glass estrena video

Un nuevo material visual para sencillo de Alice Glass.

La cantante y compositora canadiense Alice Glass ha pasado por duros momentos este último año debido a los conflictos legales que ha tenido con su antiguo compañero de banda Ethan Kath,contra quien hace unos meses ganó una demanda levantada en su contra por motivo de difamación, Alice Glass definió esta victoria como un auténtico triunfo.

Ahora Alice Glass presenta, en su faceta como solista, un video musical para el sencillo "Mine" que pareciera representar una especie de catarsis. Un trabajo visual oscuro y gráfico que cuenta con la aparición de Violet Chachki, ganadora del programa estadounidense RuPaul's Drag Race acompañando a Alice Glass personificando un arquetipo casi maternal.

Como parte de un comunicado de prensa emitido por Alice Glass, platica sobre el proceso de inspiración para hacer ésta canción y su respectivo video, lo describe como. "Una forma de autosacrificio y también un acto de libertad personal para alguien que se siente completamente fuera de control. No tolero la autolesión, pero como gran parte de mi música, "Mine" es sobre mi lucha por salir de una relación intensamente abusiva. En el ritual de lastimarme o quitarme algo, estoy al menos en control de ese acto, cuando en tantos otros aspectos de mi vida me sentía desesperado".

Mira el video aquí.

Nuevo tema de Dirty Projectors

Foto Jason Frank Rothenberg

Dirty Projectors lanza sencillo y video con "That's A Lifestyle".

En mayo, David Longstreth anunció su siguiente álbum de estudio, algo que nos tomó por sorpresa, ya que el año pasado hizo su regreso después de cinco años con un material de larga duración homónimo. Aún así, los fans siguen emocionados y a la espera de nueva música, así que para calmar los nervios, los estadounidenses compartieron un nuevo adelanto.

El reciente estreno de Dirty Projectors se llama "That's A Lifestyle", una canción de rock experimental, pero que a pesar de su naturaleza, encuentra dinamismo y espontaneidad en sus elementos.

El sencillo viene acompañado de un video, dirigido por la animadora, diseñadora y dibujante Kitty Faingold.

Lamp Lit Prose, el nuevo disco de Dirty Projectors sale el próximo 13 de julio a través del sello discográfico Domino Records. Este tendrá colaboraciones de Robin Peckold de Fleet Foxes, las hermanas Haim, Syd, Rostam y Empress Of.

También, para este material vuelven el bajista Nat Baldwin y el baterista Mike Johnson, este último se unió en 2012 al proyecto. De hecho, los tres músicos participaron en la composición de la canción "(I Wanna) Feel It All".

Puedes ver el video de "That's A Lifestyle", lo nuevo de Dirty Projectors, justo aquí:

 

Lemmy en nueva película

Podremos ver a Lemmy Kilmister protagonizar la próxima película de vampiros.

Se ha anunciado de manera oficial el estreno de la próxima película de vampiros bajo el nombre de Sunset Society  en la cual podremos ver al fallecido líder y fundador de la banda MotörheadLemmy Kilmister dándole vida nada más y nada menos que al jefe mayor de los vampiros en una realidad alterna.

La película Sunset Society cuenta, ademas del protagonismo del gran Lemmy, con el trabajo de dirección de Phoebe Dollar, quien también actúa, y un reparto que cuenta con la participación del guitarrista Tracii Guns perteneciente a la banda L.A. GunsDizzy Reed de Guns N' Roses, Robert Donovan, Ron Jeremy, entre otros.

El filme fue grabado antes del fallecimiento de Lemmy y se presentará en algunos teatros de Estados Unidos el próximo 6 de julio y estará disponible en Blue Ray y DVD el mismo mes.

La historia de la película gira en torno a un personaje a cargo de una organización secreta en Hollywood donde se llevan a cabo festines de sangre, reuniones de músicos y celebraciones. Sin embargo, de alguna manera los humanos están empezando a identificar a los vampiros, el papel de los protagonistas es evitar el flujo de información.

Mira el trailer de Sunset Society aquí.

Bitácora presentada por Tourism Toronto: Toronto

Fotos Diego Figueroa

Tourism Toronto nos llevó a Toronto a disfrutar de Field Trip 2018 y también a explorar su hermosa ciudad.

Viajamos del 1 al 5 de junio –gracias a la invitación de Tourism Toronto– en un vuelo directo de Air Canada Rouge. Llegamos a Toronto, una ciudad moderna, cálida, inclusiva y diversa que se caracteriza por su arquitectura, sus múltiples atracciones, sus eventos exclusivos y por supuesto su música. Es aquí donde se lleva a cabo el Canadian Music Week, el NXNE –su propia versión del SXSW– y el Field Trip, un festival que se realiza cada año desde el 2013 en donde –durante dos días– disfrutamos de comedia, comida, arte y buena música con presentaciones de bandas como Metric, Yeah Yeah Yeahs, Damian “Jr. Gong” Marley, Bahamas, Alvvays, Japandroids, Trombone Shorty, Cuco y más.

Además de disfrutar de este festival en donde vibramos con bandas internacionales y nos sorprendimos con las propuestas locales, tuvimos la oportunidad de explorar la ciudad, conocer su cultura, saborear sus platillos tradiciones, sentir la calidez de la gente y consentirnos en las cómodas instalaciones que nos brindó el Marriott y el Chelsea Hotel.

Comida

Visitamos sitios como el Kensington Market, un lugar multicultural –designado patrimonio de la humanidad– en donde puedes encontrar platillos, ingredientes y productos de diferentes países (incluyendo chocolate abuelita y chile Tajín de México). También comimos un brunch en KŌST, un rooftop muy fancy en el piso 44 en donde puedes ordenar desde un avocado toast, unos baked eggs, o unos coconut pancakes, hasta la especialidad de la casa: el Kōst Breakfast. Sin embargo, si deseas algo más sustancioso, puedes visitar Rectory Café –en el corazón de Toronto Island Park– y saborear unos tacos, un sándwich, una ensalada, o la extensa variedad de hamburguesas como la veggie, pulled pork sammy, y pulled chicken sammy.

Eventos exclusivos  

En el Royal Ontario Museum tuvimos la fortuna de presenciar una noche denominada Techno Fashion –similar a la Noche de los Museos en México–. Aquí escuchamos música en vivo de DJs y bandas locales; y nos sorprendimos con la exhibición de la holandesa Iris Van Herpen, que experimenta con materiales e innovación tecnológica para crear diseños de alta costura. Además, nos sumergimos en la mágica instalación Transforming Space del arquitecto Philip Beesley.

Atracciones

SeeTorontoNow.com te da la facilidad de adquirir el Toronto Attractions Passport, un pase con el que te ahorras hasta el 40% para visitar las atracciones más destacadas de la ciudad como Art Gallery of Ontario, la representativa CN Tower, el encantador Ripley’s Aquarium of Canada y hasta el Hockey Hall of Fame –entre muchas otras–. Aprovechamos este pasaporte para ir a Jack Layton Ferry Terminal para trasladarnos a Toronto Islands, también conocida como Toronto Island Park, un maravilloso lugar en donde puedes descansar en la playa, hacer un picnic, rentar una canoa o un kayaks y muchísimo más.

En nuestro último día quisimos conocer un poco más de la vida nocturna en Toronto, así que nos recomendaron disfrutar de una deliciosa cena en The Rec Room, para después pasar una noche divertida en el área de entretenimiento en donde encuentras toda clase de videojuegos, realidad virtual, juegos de habilidades y juegos de azar. Finalmente, viajamos al Pearson International Airport en el UP Express, un tren que te lleva rápidamente a tu destino acompañado de un magnífico paisaje. Toronto, Canadá es un lugar que tienes que visitar, vivir y disfrutar al máximo.

 

Si quieres visitar Canadá y otros destinos musicales, tu mejor opción es consultar Tourism Toronto #SeeTorontoNow

 

Nuevo video de Sierra León

Foto TUEK

Sierra León comparte el clip de "Sombras", uno de los temas de Hipersomnia.

La banda nayarita tiene un nuevo EP, Hipersomnia, un material que llega en momento perfecto tras las recientes sus recientes presentaciones en los festivales Vive Latino y el Corona Hell & Heaven, así como su show de apertura en el concierto de Nothing But Thieves en el Foro Indie Rocks!.

Ahora, con su nuevo disco en servicios de streaming, Sierra León comparte el video de uno de los temas, "Sombras". Esta canción cuenta con la participación de Luis Jiménez, guitarra y voz de Los Mesoneros, agrupación venezolana que llegó a tierras mexicanas el año pasado con el disco Caiga la noche.

El video fue editado por Mike de la Luz y dirigido por Efraín Arcadia. En el clip podemos ver a una mujer con una máscara de pug, bailar al ritmo de la canción en diferentes locaciones de Tepic, Nayarit. Por lo que se menciona en el comunicado, el disfraz y la danza simbolizan el hecho de sentirse libre a pesar de ser diferente.

Sierra León presentará Hipersomnia el 16 de junio durante su show en La Capilla de los Muertos en el centro de la Ciudad de México. Eyes of Sheila será el grupo invitado del evento.

Puedes ver el video de "Sombras" justo aquí:

Belle & Sebastian en Frontón México

Cómo bailar y cantar los problemas humanos con Belle & Sebastian. 

¿Será que ante esa inquebrantable y hasta espiritual conexión que existe entre México y Belle & Sebastian la permanente lluvia que ha estado sobre la CDMX era un aspecto climatológico para recrearnos un poco más de Escocia? No sé, suena a una predicción demasiado romántica y disparatada, pero para los afortunados que estuvieron  –como siempre, como de costumbre– cumpliendo el papel de fieles seguidores del colectivo de Glasgow en las inmediaciones del Frontón México, es un hecho absoluto, que el encuentro siempre resulta en algo inolvidable y para remarcarlo de manera indeleble en la memoria.

Una vez más Stuart Murdoch y compañía visitaban México, sin duda en un recinto que siempre resulta adecuado, con una de las congregaciones más intachables y puras, muchos dicen por ahí, adultos contemporáneos que por más corazón rockero que tuvieron, siempre les fue irresistible caer ante el encantador pop del país del norte del Reino Unido y que aún después de tantos años y de tantas visitas, siempre es capaz de revivir recuerdos y remover fibras sensibles de las emociones.

Y es que Belle & Sebastian sabe de la lealtad de su público en el país que se ha dado el lujo de venir a tocar desde sus éxitos, hasta piezas de bajo perfil de sus primeros años como aquella ocasión en el Pepsi Center del año 2015. Y al tratarse de una banda con un alma pura de pop inglés que ante los años parece no envejecer ni un poco, siempre es una cita donde se puede ser joven otra vez.

Así que la noche comenzaba bien a pesar de todas las complicaciones que parecieron sufrir los asistentes en una ciudad que con una lluvia parece vivir el Apocalipsis. Esto es punto y aparte en una celebración donde The Plastics Revolution resultó un tanto ajeno, pero no desagradables para un auditorio que parecía no tener mucho interés en saber quién era o al menos escuchar abiertamente su propuesta, pero que debido a esa energía y hasta cierto enfoque art que posee su música, siempre impregna un dejo de intriga para los más curiosos.

Pero vamos, todos esperaban por Belle & Sebastian, para gritarle y aplaudirle a Stuart Murdoch hasta ver su expresión de asombro en ese fino y tierno rostro que, dicho sea de paso, ahora tuvo más razón de ser porque el frontman apareció en el escenario con un jersey retro de la selección mexicana de fútbol (recuerden que hace poco jugó México VS Escocia, y que nuestro país está a punto de debutar en el mundial de Rusia). En fin, el colectivo de Glasgow vino esta vez con un setlist mucho más equilibrado, sí, con sorpresas, pero realzado con hits que siempre son necesarios.

Una extraviada “Dog On Wheels” inauguró el recital con preciosas trompetas. Claro que todo el foro se hermanó en baile con “I’m A Cuckoo” y ¿cómo no? Si ver a Murdoch danzar es por demás contagioso… que por cierto, será que Dear Catastrophe Waitress cumple 15 años este 2018 que por ello el set tomó otras canciones de ese álbum como “Stay Loose”, “If She Wants Me” y “Step Into My Office, Baby”. Y aquí, gracias a este bloque de aquel disco, se pudo constatar en la reacción del público que se trata de uno de sus más emblemáticos lanzamientos que le hacía falta darle su lugar en un concierto en México.

En efecto, hubo un repaso por su más reciente trilogía de EPs How To Solve Our Human Problems, no con canciones tan coreadas, pero sí profundamente amenas (“Sweet Dew Lee”, “We Were Beautiful” o “Show Me The Sun”). Sin embargo, no sería un concierto redondo de Belle & Sebastian completo, si no se diera espacio y el agradecimiento tangible a los fans. Primero porque hubo momentos destacados como invitar a una persona a bailar con “Jonathan David”, o la tradicional fiesta que se hace con “The Boy With The Arab Strap” al subir a casi 15 individuos del público para cantar, bailar, aplaudir, tocar y abrazar a los miembros del grupo. Segundo, porque literalmente se escogieron canciones en ese momento como la sugerencia de alguien para tocar “Get Me Away From Here, I’m Dying” o tomar de un ¿Tweet? La petición de “Funny Little Frog”. Que con lo anterior, queda manifiesto el altar en que están muchas canciones del gran The Life Pursuit (2006) además, con una “Another Sunny Day” que seguro provocó lágrimas, o una “The Blues Are Still Blue” que sonó con perfecta fuerza.

Como cierre, también se pudo constatar algo inédito: que “The Party Line” se ha consolidado como una canción para cerrar con broche de oro un gran concierto, y que Stuart Murdoch también ha encontrado el highlight a ejecutar durante la canción; sí, navegar entre el público, para hacerlos parte de la canción y ¿por qué no? Tomarse fotos.

Emocionante, edificador y sanador; para muchos fans, muchos que ya no son (somos) tan jóvenes, la música de Belle & Sebastian nos convida un poco de esa juventud infinita que parecen capturar sus autores de manera exacta en su música, tanto nueva como antigua, y no solo eso, sino que sin duda, a la salida, nos queda como una lección de cómo resolver nuestros problemas humanos… emocionales, pero a veces complicados y que solo la música puede disolver.

Sonic Boom le hace un remix a MGMT

MGMT comparte una remezcla de "James", la cual estuvo a cargo del ex Spacemen 3.

A pesar de que la banda ha estado cosechando por meses los éxitos de su cuarto álbum de estudio, publicado a principios de este año, los estadounidenses siguen con las sorpresas para sus fans, ahora con un remix de uno de los temas que se desprenden de su tan aclamado material.

La canción en cuestión es "James", uno de los tracks más sobresalientes de Little Dark Age, aunque no fue parte de los sencillos promocionales. La reversión estuvo a cargo de Sonic Boom, integrante de la agrupación inglesa Spacemen 3, debemos recordar que el músico británico y los de MGMT se conocieron cuando este participó en la producción del disco Congratulations.

El remix busca exaltar el lado space pop y la atmósfera de intriga de la canción original, logrando un sencillo que a pesar de su esencia etérea y fragilidad, también es turbio y memorable. Las melodías lucen de manera tenue entre el conjunto de efectos y sintetizadores.

Además de trabajar con MGMT, recientemente Sonic Boom produjo el último disco de Beach House, 7; y en un disco de vinilo de 12 pulgadas con Moon Duo, un material donde vienen sus covers a "No Fun" de The Stooges y " Jukebox Babe" del fallecido ícono del electropunk, Alan Vega.

Puedes escuchar ambas versiones de "James" justo aquí:

Kanye West — Ye

El extraño caso de un monstruo que se volvió ratón.

Antes de comenzar es necesario hacer un par de preguntas, ¿para analizar una obra se puede separarla de su creador?, y sobre todo ¿se debe?, ¿es necesario? Hay quienes consideran indispensable dividirlos, de lo contrario, aseguran, no podrían disfrutar de la creación, particularmente cuando los creadores tienen conductas que a la vista son reprobables o incorrectas. Bajo esta idea se fragmenta al creador de la persona. Sin embargo, debemos preguntarnos si esos actos o declaraciones son parte de ese genio que empuja a los artistas a lograr sus trabajos. Finalmente son extensiones de su personalidad, expresiones artísticas que provienen de ellos, del mismo sitio de donde surgen las obras, las construcciones, aquellos trabajos que nos fascinan. Aunque eso no los exime de sus responsabilidades.

Estamos ante un caso que requiere esa precisión: el nuevo álbum de Kanye West –uno de dos que publica este año, el otro con Kid Cudi bajo el nombre de KIDS SEE GHOSTS– que simplemente se llama Ye, compuesto por siete temas y con una duración no mayor a los 25 minutos. El regreso del productor mesiánico luego de The Life of Pablo y su fallido tour que tropezó debido a las polémicas declaraciones y decisiones de West sorprende porque se aleja de que lo muchos esperábamos, una producción pulida, majestuosa (My Beautiful Dark Twisted Fantasy), compleja, que rompiera la estructura de la canción hip hop con sus sampleos disruptivos (Yeezus), es un verso que se queda corto, parece que por ahora el trono le pertenece a otro rapero.

Ye viene acompañado de una serie de encabezados mediáticos, Kanye West le dijo a TMZ que la esclavitud de los negros era una opción, el público ardió y tras esas criticas reescribió este álbum; se reunió con Donald Trump (lo cual no sería relevante de no ser porque la comunidad artística está contra el presidente de EE.UU.), se endeudó por intentar ingresar al negocio de la moda, se internó en un hospital psiquiátrico y sus manos no se contuvieron a la hora de publicar varios tuits que rayan en lo absurdo. Él es contradicción, tensión, dolor, rabia, presión y sueños, ¿no es esa la historia del hip hop? Se proclamó Dios en Yeezus y un monstruo en My Beautiful Dark Twisted Fantasy, pero ahora parece que la bestia indestructible se transformó en un ratón que habla sobre sus problemas mentales, la fallidas declaraciones que ha hecho, y la relación con Kim y sus hijos.

La portada del álbum con un mensaje irónico sobre la bipolaridad. “Odio ser bipolar, es increíble”, fue tomada por el propio West de camino a Wyoming en donde presentó el álbum llevando a un grupo de periodistas, amigos e influencers. Kanye West tiene un genio para producir, no tiene la mejor voz ni es el mejor compositor, pero sus creaciones son gritos de una mente violentada en un mundo agresivo, un relato visceral y directo. Furia y dolor. “I Thought About Killing You” es un diálogo hablado de los dos estados de ánimo que viven dentro del narrador. “Pienso en asesinarme, y me amo más de lo que te amo, hoy pensé en asesinarte, asesinato premeditado (…) Los pensamientos más hermosos siempre están encima de los más oscuros”. En el último minuto aparece el productor, tonos desmesurados y gritos de fondo.

“Yikes” es otra de las piezas angulares en este álbum, un viaje musical sobre su bipolaridad que a ratos se vuelve esquizofrénico, loop de percusiones y un sonido similar a un coro humano guiando su narración: la supuesta dosis de medicina que llegó a tomar, 2C-B. “Creo que Mike (Michael Jackson) y Prince trataron de advertirme, sabían que tenía demonios en mí (..)” y hacia el final del track deja de rapear para confesar en un grito demencial. “¿Ven? ¿ven? De eso es de lo que hablo, por eso jodo con Ye, esa es mi tercera persona, esa es mi mierda bipolar, negro, ese es mi superpoder, negro, no es una discapacidad, soy un superhéroe, soy un superhéroe”.

“Ghost Town” y “Violent Crimes” los dos últimos cortes de Ye muestran a un personaje arrepentido… por haber sido un monstruo con las mujeres (“los negros son monstruos, son proxenetas, hasta que tienen hijas, padre perdóname, tengo miedo del karma, porque ahora veo a las mujeres como nutrientes y no como una conquista”), por la adicción a los opiáceos, por las deudas; dos potentes narraciones cuya fuerza radica no en la producción, sino en la música por sí misma y en el relato agridulce que va contando.

Y volvemos al principio. ¿Debemos separar a Kanye West de sus creaciones? ¿Nos está haciendo reflexionar con su música? ¿Está cuestionando el sistema machista, homófobo, misógino, tiránico, xenófobo? ¿Debería hacerlo? ¿Está arrepentido de lo que ha dicho? ¿Su música y sus letras son un reflejo de la tensión en Estados Unidos? ¿Musicalmente está empujando sus propias creaciones a terrenos desconocidos? No. Es solamente él hablando de su caída. Es su ego. Y nada más.

Sigur Rós — Route One

Route One: música para contemplar Islandia.

Este es el álbum más reciente de Sigur Rós, en el que se contempla el trabajo realizado durante su instalación audiovisual de 2016 en la que recorrieron Islandia durante 24 horas y musicalizando su entorno. El disco nos transporta musicalmente a conocer Islandia por medio de combinaciones sonoras.

Esta producción es en realidad un manifiesto a la música instrumental, pues lo que busca es demostrar que la sonorización de la vida se da en momentos particulares y que para construir una realidad sonora es necesario tener un contexto que le de sentido a la posibilidad de expresar sentimientos a través de la música.

No se trata de generar una pieza musical individual sino de generar todo un entramado sonoro que cree todo un escenario audiovisual. Si bien el primer momento de este viaje fue el crear una transmisión en vivo que le diese sentido a la música que creaban, el siguiente paso es generar la experiencia musical sin la necesidad de las imágenes.

Por medio de coordenadas, que son los títulos de las canciones, podemos ir develando el viaje que la banda tuvo en su tierra natal. Lo cual implica la generación de un hipertexto dentro del disco, pues al generar coordenadas reales, podemos referir a otro lugar que no se queda inserto en el disco en sí mismo sino que se comunica con el mundo y otros elementos tecnológicos, generando una obra que trasciende a la materialidad o al streaming y abriendo la posibilidad de comunicar la música con otros medios, como el experimento Biophilia de Björk que combinó música y aplicaciones móviles.

Los ocho tracks que conforman el álbum marcan diferentes regiones del viaje de Sigue Rós, por lo cual podemos armar un mapa de las 24 horas del viaje que tuvo la banda. Las piezas musicales son para escuchar en su totalidad y elegir las más destacadas sería traicionar la lógica del disco que es conformar una unidad de sentido de las conexiones musicales, dicho en otras palabras, el álbum es el vehículo que te transporta a conectar el sonido con la imagen. Ese es el mayor acierto.

Entrevista con Chancha Vía Circuito

Es momento de la bienaventuranza: Entrevista con Chancha Vía Circuito.

Podría parecer que la música de Pedro Canale como Chancha Vía Circuito no es ninguna novedad ni tampoco alguna clase de exploración especial, sin embargo el camino para que su labor fuera normalizada ha sido largo. Hace diez años, en 2008, vio la luz su primer disco Rodante, y desde entonces Canale ha sido una figura clave para el desarrollo de una estirpe musical cálida y acogedora como lo es la música de raíz enmarcada en tintes electrónicos. Es una idea que nació como un entusiasmo generacional y que ahora, a más de una década de su auge, por fin goza de ese reconocimiento al que siempre estuvo destinada.

“Al principio, hace unos 11 o 12 años, éramos pocos los que hacíamos este tipo de música. Ahora es lindo porque ya es una escena grande con muchos artistas de todo el mundo y con mucha presencia internacional”, recuerda Pedro en entrevista con motivo del lanzamiento de su cuarto disco de estudio. “Es bueno que haya un círculo en donde trabajar y mucho material para crecer y para seguir investigando también”.

“Investigación” es una palabra que pudiera sonar más académica que musical, pero para este tipo de amalgama es necesaria, pues está basada en instrumentos, ritmos, culturas y significados de una época menos complicada y más abierta a la espiritualidad. Esto podría explicar lo que Pedro menciona después. “No a todo el mundo le gusta la música de raíz y los híbridos, la fusión”. Suena lejano, pero algún tiempo fue así. Por suerte ahora todo es distinto y, mientras la lucha ahora es contra el reggaetón, este híbrido que corre por las venas de otros artistas como Nicola Cruz o Dengue Dengue Dengue, sigue su curso al ascenso.

Tan es así que Chancha Vía Circuito acaba de editar Bienaventuranza, un cuarto disco que parece celebrar esa alegría de la que Canale hablaba con anterioridad. No solo es el título, las canciones que lo conforman son alegoría de un optimismo especial. “Sin querer el disco salió más alegre. Es una etapa en donde la parte más sombría de mi vida quedó atrás y ahora es momento de la alegría, de la bienaventuranza”.

La pieza central para entender este concepto es “La victoria”, una colaboración con Lido Pimienta y Manu Ranks que contiene las letras más esperanzadoras del disco y, tal vez, la mezcla de ritmos más luminosa. Sobre eso Canale dice. “Es una canción que compuso Lido hace como nueve años con una amiga suya de acá de Argentina. Ellas me compartieron el tema en su momento y el coro me había gustado mucho. Pasaron los años y no habían hecho nada, lo habían dejado ahí abandonado. Decidí agarrarlo, producirlo y meterlo en el disco para que llegara a más personas y para que más personas puedan escuchar esta canción tan linda”.

El resultado es un destello de luz que le da corazón a todo el disco y una de las distintas colaboraciones que ahí se incluyen, mismas que le inyectan con versos todavía más vitalidad al resto de Bienaventuranza. “Los significados de cada canción son propias de cada cantante, las colaboraciones, la gente que colaboró como Lido Pimienta, Manu Ranks, Mateo Kingman, Miriam García, Gianluz y Kaleema”. Es un desfile de nombres efectivo y tremendamente bien armado.

Bienaventuranza, además, se escucha mucho más orgánico y menos sintético que Río Arriba y Amansara, los discos que salieron antes que él. Aquí se siente una vibra más espiritual y esto no es en vano. “Es un disco que tiene mucho de Chancha, pero también algo más místico”, dice Canale. Y es un misticismo que proviene del uso de más instrumentos y la atención especial a su utilización. “Fue todo natural este proceso en donde sucedió de esta manera, un coro más acústico, menos presencia de elementos electrónicos. Fue un proceso más largo y con un poco más de banda”.

¿Cuáles son esos recursos que lograron el objetivo? “En Bienaventuranza hay más presencia de flautas, más color andino. El charango no es la primera vez que aparece, pero aquí lo utilizo más. Hay más voces también y mucha percusión grabada, no sampleada”. Suena como una bocanada de aire fresco en la carrera de Chancha Vía Circuito y como un acto de sabiduría que solo los años pueden dar.

¿Pero qué hay de sus descendientes? Después de tanto tiempo han brotado proyectos que decidieron continuar la línea trazada por ZZK Records y Chancha hace más de diez años. Él recomienda. “Hay una banda que me gusta mucho que se llama EvaEl Viejo Hombre de Los Andes, que es una banda donde también canta Mateo Kingman, es ecuatoriana. También es muy interesante lo que hacen los chilenos de Matanza que lo llevan hacía un costado más techno, más house”.

Son recomendaciones de alguien que ha estado en esto desde el inicio y que se ha dedicado a revitalizarlo con cada nuevo disco que edita. Bienaventuranza vio la luz el pasado 8 de junio en todas las plataformas disponibles y, si todavía no lo han escuchado, el mismo autor tiene un consejo para que sea todavía más efectivo. “Pónganselo a escuchar detenidamente en la soledad de la casa, en la tranquilidad del hogar para poder saborearlo bien”. El espíritu de sus raíces nunca estuvo tan cerca del oído como ahora.