Pet Shop Boys anuncia un paquete de "Burning The Heather"

Más sorpresas para los fans de Pet Shop Boys, además del disco podrás tener un paquete del sencillo "Burning The Heather" ¡Conoce todos los detalles a continuación!

Recientemente Pet Shop Boys estrenó "Burning The Heather", un tema en el que participa Bernard Butler (Suede) en la guitarra. Esta canción estará incluida en Hotspot, un disco que estará disponible el próximo 24 de enero 2020 a través de x2 Records/Kobalt.

Hoy Neil Tennant y Chris Lowe nos comparten la noticia de que este sencillo tendrá un Lado B y un remix que saldrá el 13 de diciembre en servicios digitales y en vinilo de 7 pulgadas. Además, este paquete incluye una nueva canción titulada "Decide" y su respectivo remix realizado por el dúo de progressive house, CYA.

Te dejamos con "Burning The Heather":

Mira la portada y el tracklist a continuación:

Burning the heather (digital)

1. "Burning the heather (radio edit)"
2. "Decide"
3. "Decide (CYA remix)"

Burning the heather (7-inch vinyl)

1. "Burning the heather (radio edit)"
2. "Decide"

Hotspot cuenta con 10 canciones entre las que se encuentra "Dreamland", un tema escrito en colaboración con Olly Alexander, líder de Years & Years. Si quieres preordenarlo da clic aquí.

El próximo año Pet Shop Boys comenzará una gira que los llevará por Berlin, Viena, Munich, Londres y Oslo.

Entrevista con Cecilia Toussaint

Viva la Vida, Cecilia…. Y que nos dure hasta “Tres metros bajo la Tierra”.

61 Años para Mi…Cecilia Toussaint: 

Recuerdo que en alguno de mis tantos tiempos muertos dejé por escrito que “en el mundo hay mucha gente y que en él debe haber alguien como yo”. No tengo la certeza de que también te sientas rara y con defectos, pero tu búsqueda de latas vacías por los callejones y tus súplicas a Godofredo por exorcizar tus miedos llaman mi atención y me hacen pensar en que, como siempre lo has dicho, “existe el amor a primer oído”. 

Escucho “Sirena de Trapo” y la melancolía que en 1946 me hizo pintar El venado herido se convierte en eso que llamas “alma de aserrín”. Por circunstancias inexplicables me llegó la noticia de que besas mi recuerdo con tu voz. “Frida no es solo una artesanía” replicaste a uno de los diarios con mayor circulación nacional y hasta ahora tengo la oportunidad de escuchar y sentirte en el rol de mi muy querida amiga Concha Michel. 

Te lo agradezco, Cecilia; has logrado lo que dije hace años: “Encarnar la autenticidad y ser lo más parecida a ti misma”. Viva la Vida para ti y para las y los que hacen posible Cada Quien su Frida: Ofelia Medina, Ángel Chacón, Montserrat Revah Federico Luna.

(***)

Frida Kahlo es un personaje entrañable y complejo que se ha convertido en un arquetipo. Puede gustar o no, pero lo que me importa es mi trabajo como cantante y lectora. Quiero tocar a la gente y dar a conocer el sentido y las palabras de otra persona” responde Cecilia Toussaint al narrar su experiencia al lado de José Alberto Parra y Carmen Domingo, equipo con el que ha colaborado durante los últimos meses para los 10 capítulos sobre la biografía de Frida. 

Anexo al proyecto de Storytel, la puesta en escena de Cada Quien su Frida en el Teatro Wilberto Cantón, el trabajo en su próximo álbum (Cromático) y sus planes de grabar fuera de México, Cecilia dio apertura a su permanencia (y novedad) entre la biblioteca musical de los sectores más jóvenes y -de la mano de One RPM- enriqueció el catálogo de Spotify con la digitalización de sus 11 álbumes. 

“Estoy en un momento de mucha creación. En enero voy a lanzar un sencillo en co-autoría con Gabriel Roffman. La idea global del disco la tuve desde el principio, pero estoy grabando poco a poco. Por otro lado, tengo en mente un proyecto que será un homenaje a autores que me gustan. Estoy muy ilusionada”.

“El rock es una forma de vida y se vuelve una bandera para las generaciones”, ha mencionado en más de una entrevista. En el borde de una década en la que proliferan vientos de pesimismo y desaliento, explicar el viaje cotidiano entre “Me siento bien pero me siento mal” e “Independencia y vida” resulta una válvula de escape. 

“Apoyarme en las plataformas de streaming fue un proceso importante, complejo novedoso y un camino totalmente nuevo. Para mí, esto no existía. Mi equipo y yo hemos ido aprendiendo a meternos en ese nuevo espacio que también es un nuevo mundo. Hay muchas cosas que de pronto van demasiado rápido; es muchísima información. Yo sola no iba a poder. Estuve viendo opciones y tomando decisiones para saber con quién iba a trabajar ese material”.

“Castillos de arena”… pero también para las y los que vienen atrás

Los 40 años de trayectoria de la cantautora han dejado claro que la digitalización ha sido solo uno de los múltiples (y significativos) esfuerzos para acercarse al público joven, pues no solo le interesa hacerlo como artista, sino también como mediadora. Para ella, el camino entre su primera presentación al lado del grupo Arpía (esta en septiembre de 1983) y sus planes de producir fuera de México le han enseñado dos cosas fundamentales: Es más útil compartir que ayudar y “uno tiene que saber quitarse y hacer espacio para los que nos suceden, sea en la composición, la parte técnica o la ingeniería”. 

Dentro de las y los jóvenes que han tenido la oportunidad de ser parte de la esquizofrenia musical de Cecilia Toussaint, se encuentra Ricardo Salvador, un músico “impecable, con letras y melodías hermosísimas” que logró captar la atención de la Sociedad de Autores y Compositores de México y la Secretaría de Cultura. 

Al hacer referencia al sustento de los 14 temas de Faro (2015), la participación de Cecilia como jurado en las becas María Grever parecería resultar una suerte de destino cruzado, pues -como bien lo expresa la voz detrás de “Latin Funk”- “es poco común encontrar ese amor a primer oído, pero no hay por qué darle vueltas a la decisión”.

“Tuve que esperar dos años para poder buscarlo porque si en ese momento estaba en el concurso no me parecía ético. A veces lo stalkeaba, me metía a Internet e investigaba su trabajo. Cuando dejé de ser juez, pedí a gente del auditorio si me podían dar su teléfono. Nos vimos e hicimos clic instantáneo. Originalmente lo llamé para grabar un tema y terminamos un disco completo. De pronto descubres gente talentosa en el camino y por supuesto quieres estar cerca”.

(***)

En la mayoría de las adaptaciones del diario de Frida Kahlo resalta el siguiente párrafo respecto al ir y venir cotidiano: “Cada tic tac es un segundo de la vida que pasa, huye y no se repite. Y hay en ella tanta intensidad, tanto desinterés que el problema es solo saberla vivir. Que cada uno lo resuelva como pueda”.

A pocos días de cumplirse el primer aniversario del nombramiento de Cecilia Toussaint como Patrimonio Cultural Vivo de la Ciudad de México, la artista insiste en el rechazo a cualquier relación como persona pública. En un paralelismo a su declaración de “Frida es mucho más que una imagen preconcebida”, Cecilia resuelve su vida a partir de una presentación que prolonga a quien interpreta “Prendedor” y “La Viuda Negra”. 

Para ella, afirmar la existencia de una mujer con polvo en las venas y corazón de cacto implica exaltar las partes (y personas) que -como escribiría Frida- “son lo más parecido a la propia María Cecilia Toussaint”: La simbiosis música/maternidad y la complicidad familiar frente a los públicos. 

“Estar arriba del escenario es como regresar al seno materno porque me hace recordar que el juego con mis hermanos siempre involucró la música. Había una comunicación que iba más allá de lo musical. Lo mismo me sucede con mi hijo; compartir el escenario a su lado es un regalo de la vida y un placer que disfrutaré hasta el día que nos dure. [André] me lee perfectamente. Lo traje en la panza cantando nueve meses, pateaba cuando escuchaba ciertas cosas. Era nuestra manera de jugar”.

Viva la Vida, Cecilia…. Y que nos dure hasta “Tres metros bajo la Tierra”

Julieta Venegas estrena 'La Enamorada'

La Enamorada, el nuevo material discográfico de Julieta Venegas, ya está disponible en todas las plataformas digitales. Conoce todos los detalles aquí.

Recientemente la compositora, cantante y activista mexicana, Julieta Venegas estrenó la obra La Enamorada en Buenos Aires, Argentina. Esta producción –escrita por Santiago Loza y dirigida por Guillermo Cacace– está inspirada en una mujer frágil e intensa que nos propone un viaje a través de confesiones y relatos pequeños entre lo musical, lo poético y lo plástico.

Todas las canciones que enmarcan la obra teatral, son justo las que componen La Enamorada, el primer álbum de Julieta Venegas desde el 2015.

'Mis muertos' es el focus track en este proyecto sonoro que enmarca la obra teatral. Una canción alegre que recuerda a aquellos seres amados que se adelantaron en el viaje de la vida. 'Quiero decirles, siento fuerza y serenidad... mis días seguirán. Estaremos juntos, aquí o en el más allá'", explica la cantante en un comunicado de prensa.

Te compartimos la portada a continuación:

La Enamorada, un disco íntimo en el que la timidez desborda y ensordece con su honestidad, ya está disponible a partir de hoy en todas las plataformas de streaming. Dale play a continuación:

Falleció Armando Molina, fundador del Festival Avándaro

Armando Molina, quien fuera creador del histórico festival ha fallecido.

Esta mañana se ha dado a conocer que Armando Molina, uno de los creadores del Festival Rock y Ruedas de Avándaro falleció. Desde hace unos días se había reportado que su salud estaba deteriorada.

A lo largo de su vida, el también músico, fue pieza fundamental de la historia del rock mexicano con su grupo La Máquina del Sonido y junto a Luis de Llano fundó el mítico festival. Algunos de sus colegas y amigos han externado su sentimiento ante esta noticia.

 

 

MUTEK 2019: A/ Visions 1

A/ Visions 1: Una noche entre semana en la Ciudad de México.

No cualquiera, sino una en martes con “M” de Mutek. Si el año pasado el Festival Internacional de Creatividad Digital festejó su “quinceañera”, ahora celebra sus sweet sixteen. Papalote Museo del Niño, un letrero de luces, que parece mortal para los fotosensibles, anuncia que el recinto, como cada año desde 2012, es sede A/Visions 1, una de las actividades principales de dicho festival.

Los sospechosos comunes, casi todos ataviados de negro, esperan en la fila mientras degustan cocteles con Red Bull y cognac Hennessy. Por fin se abre el paso y la sala que alberga el domo digital los recibe. Ellos se sientan y reclinan sus asientos para quedar casi acostados y cubiertos por el techo, que podría describirse como una esfera verde cubierta por una pantalla conformada por 401 paneles de aluminio micro perforado con un sistema digital, 48 bocinas y 5.1 canales de audio. Están por vivir una noche única, pues esta es quizá la única oportunidad en el año para vivir experiencias audiovisuales en el Domodigital

La experiencia inmersiva comienza con “Créatures”, pieza del artista parisino Vincent Houzé, elaborada en colaboración con Dave + Gabe, el estudio de instalación interactivo con sede en Brooklyn. Sus imágenes parecen una suerte de criaturas gelatinosas, pero al terminar la función, varios asistentes comentarán que su propuesta no fue la favorita de la noche. Le sigue “Nebulae”, obra creada por el francés Joanie Lemercier en conjunto con el artista belga-inglés Joshua Sabin. El resultado de su trabajo es un viaje único al cosmos que inicia con un paisaje terrestre familiar, para seguir por las estrellas, explorando galaxias y atestiguando eventos cósmicos del pasado. Exquisitez absoluta digna de un viaje de peyote. 

Finalmente llega el turno de Alain Thibault, compositor de música electroacústica que vive en Montreal, de mostrar lo que ha creado de la mano del especialista en animación de video experimental para dispositivos inmersivos Yan Breuleux (Juntos firman como el dúo PURFORM). La suma del talento de ambos se traduce en “Enigma”, performance audiovisual que se estrenó en México y en la que el sonido de percusión es central. Consta de imágenes sucesivas de pantallas de hacen al espectador caer en una suerte de “hoyo” al más puro Alicia en el País de las Maravillas. También incluye diálogos que cuestionan el fin de la vida, la muerte, los sentimientos y muchos conceptos filosóficos más. 

Así, con tres propuestas distintas, pero con la originalidad en común, Mutek dio inicio a una semana de actividades que promete dejarnos físicamente agotados, pero espiritualmente satisfechos

Björk a través de sus B-Sides

Conoce la historia detrás de algunos de los B-Sides más interesantes de Björk.

Todos los artistas tienen material no publicado o que no logró figurar en el corte final para sus discos. Desde sus inicios dentro bandas de punk y post punk hasta el día de hoy, Björk debe tener una infinidad de material del que ni siquiera tenemos idea.

Afortunadamente, durante los mejores años de la islandesa, la gente aún consumía los sencillos físicos cuando estaban formados por Lados A y Lados B y mucho del material que no lograba entrar a sus álbumes, podía ver la luz en ediciones de colección.

Conoce a continuación un poco más sobre algunos de estos cortes que hoy en día sus fans más clavados consideran como joyas.

"I Remember You" | "Venus as a Boy", 1993

Björk estaba cansada y lista para dejar a un lado el sonido post punk que tenía con The Sugarcubes. Además de sentirse atraída por la cultura club que crecía cada vez más en Londres, desarrolló un gusto por el jazz. "Like Someone in Love" (Jimmy Van Heusen/Johnny Burke) y "I Remember You" (Johnny Mercer) fueron dos tracks de muchos standards que grabó con la arpista de jazz Corky Hale, famosa por haber trabajado con artistas como Tony Bennett, Billie Holiday y James Brown

 

Aunque "Stígðu Mig" también aparece como lado B de "Venus as a Boy", esta tema proviene de algunas sesiones (1986) de The Elgar Sisters, dúo formado por Björk y la guitarrista Guðlaugur Kristinn Óttarsson. Este caso se repite con las canciones "Glóra" y "Síðasta Ég", lados B de "Big Time Sensuality". 

"Charlene" / "I Go Humble""Isobel"1995

En la era de Debut, Black Dog fue uno de los proyectos más cercanos a Björk y también uno de los grupos que definieron el techno del Reino Unido a principios de los 90. Realizó remixes para temas como "The Anchor Song" y "Come to Me", pero junto a productor Nellee Hooper se aventuraron a crear algo nuevo y así surgió "Charlene". 

 

Björk y Mark Bell también se conocieron tiempo antes de Post. Se volvieron tan cercanos que el productor le regaló a la islandesa un cassette con demos de LFO permitiéndole usar lo que quisiera en el futuro. Ella eligió una canción que usaría como base para "I Go Humble". Si bien esta canción no llegó al corte final de Post, el tema aparecería titulado como "Shove Piggy Shove" en Advance, segundo álbum de estudio del dúo británico. 


Esta canción sería interpretada en distintas ocasiones durante el Post Tour y años después en el Homogenic Tour con un breve extracto de "Wanna Be Startin' Somethin'" de Michael Jackson

"Karvel" | "I Miss You"1997

Pero no todas las canciones fueron nuevas para Post: "Army Of Me" y "The Modern Things" fueron concebidas en 1991 junto al productor Graham Massey. En esas mismas sesiones también se creó "Karvel". No obstante, en ese entonces ninguno de esos tres cortes se sentían listos, algo les faltaba. Algunos años después, el también integrante de 808 State continuó trabajando en ellas, pero la última volvió a quedar fuera.

"So Broken" | "Jóga", 1997

Luego del fallido ataque e intento de homicidio por parte de un acosador enojado en 1996, Björk escapó de inmediato a España para huir del hostigamiento de la prensa. Trevor Morais, baterista en tour de la islandesa, ofreció su estudio en Málaga y organizó una reunión con el guitarrista de flamenco Raimundo Amador. "So Broken" fue la primera canción que grabó durante las sesiones para Homogenic. Finalmente la canción no se incluyó en ese álbum pero si la interpretó en vivo en el famoso programa Later… With Jools Holland en 1998.

"Generous Palmstroke", "Verandi", "Mother Heroic", "Foot Soldier" | "Hidden Place", 2001

Mientras trabajaba en el melodrama musical Dancer in the Dark del director Lars Von Trier ―así como en el soundtrack del mismo titulado Selmasongs―, Björk ya comenzaba a producir y componer nuevos temas para su siguiente material. Durante reuniones con músicos y productores que ella llamaba "Domestika Sessions" en un loft en Nueva York, convocó a la arpista Zeena Parkins, fue así como nacieron "Generous Palmstroke" y "Verandi". “Mother Heroic” y “Foot Soldier” también se incluyeron en ediciones especiales del sencillo “Hidden Place"

 

“Hidden Place” fue quizá el sencillo que tuvo más lados B originales, sin embargo, “Domestica” y “Batabid” incluidos en “Pagan Poetry” y “Amphibian” en “Cocoon” no pasaron desapercibidos.

 

En 2004 fue publicado Medúlla y ese mismo año se publicó The Inner or Deep Part of an Animal or Plant Structure, un breve filme sobre cómo se grabó dicho álbum. Aquí resaltan dos cortes titulados "Komið” y “The Ice Song”―o "North"―. Probablemente mucho del material que no se usó en su quinto álbum de estudio evolucionó para formar parte del soundtrack del largometraje Drawing Restraint 9 de Matthew Barney en 2005, que en su mayoría constaba de sonidos guturales, gemidos y susurros. 

“Trance” | To Lee, with Love, 2010

Para su siguiente álbum, Björk optó por melodías y arreglos con instrumentos de metal. Volta fue publicado en mayo de 2007 y los siguientes dos años la llevaron a tourear por el mundo. En febrero de 2010 el reconocido diseñador y su amigo y colaborador por muchos años, Alexander McQueen falleció. A finales de ese año, trabajó junto al fotógrafo de moda y director Nick Knight para publicar en forma de homenaje un breve filme titulado To Lee, With Love. En este se muestran algunas piezas de sus colecciones más destacadas acompañado por música original de Björk

Existe otro tema conocido por el nombre “Softly”, que figuró en seleccionados shows durante el Volta Tour. Esta canción es muy similar en armonía a “I See Who You Are”, incluso también muestra al músico malí Toumani Diabaté tocando la kora. 

En años consecutivos, no hay mucho registro de B-Sides para discos como Biophilia (2011) o Vulnicura (2015). Sin embargo durante estas dos eras proliferaron una gran cantidad de remixes creados por artistas de música electrónica que van desde Omar Souleyman y Matthew Herbert hasta Lotic y Juliana Huxtable

Previo al lanzamiento de Utopia (2017), Björk comentó en diversas entrevistas que tenía mucho material incluso dio nombres de canciones que no lograron entrar a este disco. En su momento también mencionó sus intenciones de hacer una edición con más flautas. Ojalá muy pronto esta artista nos vuelva a sorprender con alguna de estas rarezas.

Prepárate para la primera entrega de Spotify Awards

La primera edición de Spotify Awards se llevará a cabo en la Ciudad de México.

Desde hace algunos días, Spotify, la plataforma de música en streaming, aprovechaba cada momento para hacer un anuncio entre cada canción. Nosotros sin saber de qué se trataba solo podíamos ver los números, 0503. Hoy el misterio ha sido revelado: se llevará a cabo la primera edición de los Spotify Awards.

La primera entrega de estos premios se llevará a cabo el próximo 5 de marzo, y tendrá como sede la Ciudad de México, ¿Por qué? esto se debe a que México es el país en el que más personas usan Spotify para escuchar música.

Por esta ocasión no será un jurado quien elija a los ganadores, sino que serán los mismos oyentes quienes tomarán la decisión por medio de las reproducciones.

Ve preparando tus oídos y dale play a esta playlist que Spotify hizo con los éxitos más escuchados en México.

Gracias al streaming, los usuarios están en control como nunca antes. Decidimos celebrar esta revolución premiando la música que los fans aman, basándonos completamente en sus hábitos de escucha”, comentó Mia Nygren, directora general de Spotify para Latinoamérica

Los premios se transmitirán por medio del canal de televisión de paga TNT, quédate al pendiente de las redes sociales de Spotify para más información acerca de la primera entrega de Spotify Awards.

Circa Waves en El Plaza Condesa

Cuestión de calidad, no de cantidad.

El peligro de tener dos actos abridores, es que menos de un cuarto del recinto los escuchará. Una lástima en este caso; pocas bandas “desconocidas” he visto que hagan valer su spot al abrirle a un grupo como Circa Waves

MILK desató unos guitarrazos sólidos a las 19:30 en punto. Con una entrega rockera envidiable, esta banda podría ser algo que te encontrarías en SXSW. Su mezcla jovial de The Strokes con un poco de cursilería y aires de Yellowcard, puede salir adelante si se sabe mover. 

Después, tras un eterno soundcheck que nos  rompió el oído con ecos y fallas de sonido, Rodeo Way salió al escenario. Frente a mí, una chica le preguntaba a su amiga quienes eran ellos, a lo que la otra contestó: “Se llaman algo así como Rancho Rosa. Afortunadamente, el vocalista de la banda la corrigió a tiempo: “Somos Rodeo Way, gracias por escucharnos antes de Circa Waves. Su sonido estaba ligeramente saturado, pero supieron llamar la atención de El Plaza que seguía prácticamente vacío. Sin embargo, su estilo no concordaba mucho con el del acto principal que esperábamos. 

Unos momentos más para que salieran los ingleses. Mientras tanto, la gente cantaba lo que salía por las bocinas, The Strokes, Two Door Cinema Club y un poco de Kaiser Chiefs

21:16 Oscuridad. 21:17 Celulares arriba. 21:18 Gritos del público y Circa Waves con instrumentos en mano ante una luz roja. “Wake Up” abre un concierto que esperábamos desde ¿cuándo? ¿abril? Y, después del cambio de fecha de junio a noviembre, no cabe duda que aquí solo hay fans reales.

Sigue “Fossils”. Ni siquiera hay un fondo detrás del escenario. Sin embargo, no es necesario. El juego de luces es suficiente para que nosotros pongamos el ambiente cantando a todo pulmón: “The one day I want something I just can’t get. I’m a long way from home”. “Movies” marca el inicio de la locura. El baile comienza y la emoción comienza a crecer. Al finalizar la canción, el vocalista, Kieran Shudall sonríe genuinamente y nos pide bajar y quedarnos en cuclillas, para luego brincar lo más alto que podamos al iniciar “Get Away”. En cualquier otro lugar y concierto, esto hubiera sido un problema, pero lamentablemente El Plaza estaba a la mitad de su capacidad. Por lo tanto, no tuvimos problema en cumplir su petición y brincar a alturas que no sabíamos que podíamos.

Con “Times Won't Change Me” nos relajamos un poco. El baile era conservador mientras quienes iban acompañados se cantaban el uno al otro disfrutando la canción. “Stuck”: hitazo. Los celulares arriba de nuevo y saltos por todos lados. “Es nuestro primer show en solitario en México y el último de nuestro tour. Vamos a hacerlo valer”, dijo en inglés Kieran.

“Sorry I’m Yours” fue la cima de la emoción. Después, algo que no es muy común, el público cantando una canción nueva. Tan nueva que estrenó el día anterior al concierto. La primera vez que Circa Waves toca “Jacqueline” y ya nos la sabemos. La gratitud se nota en las sonrisas de toda la banda. A pesar de ser pocos, somos los que debemos estar. Esta vez se trata de calidad y no de cantidad y ellos lo entienden. No se desaniman al ver los espacios vacíos, sino que les llena el corazón que los queramos tanto. 

“¿Quien nos vio en el Corona Capital?” Los gritos los ensordecieron. “Tal vez se acuerden de esta”. “Goodbye”: no hay nadie que no se la sepa, al igual que la siguiente, “Fire That Burns”. Era gracioso ver cómo entre cada canción bajaban y subían los celulares. Era como si los asistentes no quisieran grabar todo, pero al final, en cada canción pensaran que esa pieza también merecía un recuerdo digital. 

Los Circa salieron unos minutos. Nos estaban cumpliendo al 100 tras hacernos esperar tanto y ellos también merecían un respiro. 

Regresaron para tocar “The Way We Say Goodbye”. Pero faltaba el broche de oro: “T-shirt Weather”, su mayor éxito, la más conocida y una sorpresa. El baterista Colin le dio el lugar al baterista de MILK para tocar con ellos. ¿Lo hizo bien? Definitivamente. Y ¿nosotros? También. Brincamos, bailamos y cantamos con ellos como si nos conociéramos desde siempre.

Wu-Tang Clan podría tener su propio parque temático

Cruzamos los dedos para que Wu-Tang Clan sea la primer agrupación en tener un parque de atracciones.

La agrupación de rap Wu-Tang Clan podría estar muy cerca de crear su propio parque temático. Según un artículo de Mass Live, el vicepresidente de la agrupación Jimmy S. Kang actualmente está en un proceso de negociación para poder hacer posible este parque de diversiones. En caso de que se llegará a cerrar el trato, éste estaría ubicado en Seul, Corea del Sur.

Aunque Kang ya está desarrollando el parque de atracciones, por el momento no ha revelado más detalles acerca de este nuevo proyecto de Wu-Tang Clan, sin embargo, la agrupación ha estado en constante crecimiento, no solo en la música, pues recientemente también lanzó su propia línea de calzado, entre otros proyectos audiovisuales.

Sin duda alguna este año ha estado lleno de éxitos para la banda, pues este clan acaba de finalizar una gira mundial con motivo de celebrar su aniversario número 25, y no olvidemos que en septiembre estrenó su propia serie-documental Wu-Tang: An American Saga. Da clic aquí para obtener más información acerca de la historia de esta legendaria agrupación.

No olvides mantenerte informado de las redes sociales de Wu-Tang Clan e Indie Rocks! para obtener mayor información acerca de este proyecto.

Black Marble — Bigger Than Life

Bigger Than Life: explorando nuevos paisajes a través de la música.

Hablar de cambios es hablar de un cúmulo infinito de posibilidades. El cambio es inevitable y nos obliga a mantenernos en evolución constante. En ocasiones, este proceso trae consigo una dosis de renovación, esencial para cualquier proyecto creativo.

Bajo estas condiciones surge el trabajo detrás de Bigger Than Life, tercera placa de estudio del proyecto neoyorquino Black Marble. Un álbum libre de pretensiones, el cual se percibe más alegre y menos sombrío al momento de compararlo con sus predecesores.

En esta ocasión, Chris Stewart toma la batuta de un navío análogo que nos dirige a través de diversos paisajes sonoros llenos de influencias electrónicas, con tintes new wave, dark wave y synth pop. La intimidad de una habitación en los suburbios de Brooklyn fue sustituida por la experiencia de trabajar en un estudio en la ciudad de Los Angeles, en el que cada sonido que conforma el álbum fue procesado de forma independiente.

Sintetizadores, cajas de ritmos y sonidos análogos nos dan la bienvenida en “Never Tell”, un tema introductorio de 4 minutos y medio, encargado de despertar el interés del escucha en el resto del álbum. Inmediatamente después llega “One Eye Open”, como el primer plato fuerte del álbum. Las secuencias y sonidos ascendentes conforman la personalidad y la esencia de este primer single.

Los primeros destellos del bajo se fusionan con los suaves rasgueos de guitarra en “Daily Driver”, mientras que “Feels” llega como otra de las apuestas fuertes del álbum, con una melodía pegadiza y ritmos alegres.

Después de estas tres piezas está “The Usual”, corte instrumental que ejecuta un cambio de ritmo en los sonidos del álbum, antes de llegar a uno de los temas más alegres y con más personalidad, “Grey Eyeliner”.

Tras poco más de 20 minutos nos refugiamos en el track que da nombre a la entrega. “Bigger Than Life” nos ofrece la oportunidad de explorar diversos paisajes sonoros en nuestras mentes a través de contagiosos sonidos análogos, mientras que los primeros instantes de “Private Show” ofrecen un deleite sonoro para los amantes del bajo, tomando por completo el protagonismo en la melodía, que es acompañada por la armonía de diversos sintetizadores.

Al escuchar “Shoulder” centramos nuestra atención a las cajas de ritmo que marcan la base sonora del tema, mientras que “Hit Show” se presenta como un segundo corte instrumental que precede el final de la entrega.

Call” es quizá el tema menos colorido del álbum, el cual funciona como un cierre que nos hace permanecer con la sensación de que se pudo haber hecho algo más, que terminara por cautivar nuestros sentidos.