Porridge Radio — Every Bad

Posted on marzo 20, 2020 by -

Aprender a cantar emociones.

No es fácil ponerle palabras a eso que sucede entre la cabeza y el corazón. ¿Emociones? ¿Sentimientos? No es simple decir me siento triste, enojado o nostálgico. Primero reconocerlo y luego poder decirlo en voz alta. Como un ejercicio de autodescubrimiento, el nuevo disco de Porridge Radio explora esa capacidad humana de mostrarnos vulnerables y expresar emociones.

La forma ha cambiado con el tiempo… desde cartas hasta ir a terapia o mandar stickers de WhatsApp en la madrugada. Porridge Radio lo hace a través de un sonido pop punk lo-fi, ruidoso con guitarras distorsionadas y letras muy directas e intensas, de esas con las que cualquiera nos podemos identificar.

“Gracias por dejarme. Gracias por hacerme feliz”, canta desde las entrañas Dana Margolin, líder de la banda. Al cerrar la primera canción, repite la frase 47 veces como si hablara con su consciencia tratando de descifrar qué siente realmente. El estilo recuerda a Dolores O'Riordan con The Cranberries, una de las influencias de la banda.

Dana Margolin comenzó como una solista autodidacta. Tomaba el escenario en sesiones de open mic en el puerto de Brighton, Inglaterra, para presentar canciones que componía en su adolescencia. Una de esas noches terminó tocando con sus actuales compañeras; y así, sin conocerse, descubrieron que ya eran una banda.

Porridge Radio ha pasado de ser considerado un proyecto de la escena DIY, a una de las bandas revelación en la industria británica. Grabaron sus primeras canciones en un ático, con más impulso creativo que experiencia. Por eso, Every Bad es propiamente su primer álbum de estudio y publicado por el sello discográfico Secretly Canadian.

Su vocalista ha relatado que odiaba la idea de compartir temas personales, le parecía aterrador exponerse. La intención al componer el disco fue descubrir su relación con los demás y procesar emociones; cómo ser vulnerable y cómo mostrar sus sentimientos. Tiene tres ejes: la depresión, la empatía y el mar.

Como una ola catártica de emociones, cada canción explora inseguridades, relaciones, estereotipos, decisiones, todas desde la fuerza de la repetición, el principal recurso en sus letras. El momento clímax del disco es la balada “Pop Song”, que cuestiona la relación con el hogar. Con el mismo tema, “Homecoming Song” repite sólo 5 frases: “Voy a casa. Déjenme en paz. Necesito irme. Me estoy hundiendo. No hay nada en el interior”.

La contradicción es otro recurso fundamental en la narrativa de la banda. “Te digo que te amo aunque en realidad no siento nada. No confíes en mí. Por favor confía en mí”, cantan con la profundidad del auto tune en “(Something)”. ¿Sinceridad o sarcasmo? Ambas, pues las emociones (y las canciones) no son únicas ni definitivas.

La Organización Mundial de la Salud estima que en el mundo hay 300 millones de personas que enfrentan depresión, la mayoría sin tratamiento. Expertos del organismo explican que la salud mental ha sido históricamente relegada por estigmas y discriminación. Las generaciones más jóvenes tenemos la oportunidad de cambiarlo.

La música de Porridge Radio nació a la orilla del océano y allí encuentra alivio. “Quiero que seamos mejores. Quiero que seamos más amables. Con nosotros mismos y con los demás”, es el mensaje central de “Lilac”, una de las canciones que cierran el disco entre gritos. En seguida, “Circling” con un tono más dulce habla sobre explorar los sentimientos hasta agotarlos… como sumergirse en la inmensidad del mar buscando paz.

Entrevista con Yumi Zouma

Posted on marzo 20, 2020 by -

Truth Or Consequences: La más reciente (y personal) apuesta de Yumi Zouma para (re) posicionar a Nueva Zelanda como territorio de interés musical.

“Siempre creímos que el nombre era un acceso directo a nuestro sonido. Permite que la gente piense en individual o colectivo. Yumi Zouma puede ser cualquier cosa, persona o lugar. Para nosotros, la ambigüedad representa las posibilidades de ser y estar en diferentes rincones del mundo”, Josh Burgess.

Es probable que no hayamos presenciado el éxito de “(Glad I’m) Not a Kennedy” en las radiodifusoras, seguido las novedades de Flexipop o tenido a Split Enz y Jenny Morris en nuestras listas de reproducción. Para la mayoría de las y los que nacimos a finales de los 90, la euforia por los paisajes pop de Christchurch, Auckland y Queenstown fue gracias al debut de Kimbra (Vows), la propuesta audiovisual de Ladyhawke, las (primeras) recomendaciones de Theia en los foros de música, los ritmos experimentales de Laura Hunter y la prohibición de “Royals” por parte de las estaciones de San Francisco. 

Además de recuperar y revitalizar el legado del pop neozelandés, la temporada buzzcut de Lorde cumplió (algunos de) los objetivos de la Comisión de Música de Nueva Zelanda (NZMC), contribuyó al (re) posicionamiento del país como territorio de interés musical y logró el (re)conocimiento de bandas que -en palabras de Josh Burgess (Yumi Zouma)- “tienen la capacidad de controlar y transformar viejas estructuras de la industria”.

Everything's cool when we're all in line for the throne

(***)

Desde sus presentaciones en la Arena Horncastle, Christie Simpson (vocales), Charlie Ryder (guitarra), Sam Perry (guitarra) y Josh Burgess (bajo) dejaron claro que su sonido no remitiría exclusivamente a los paisajes sonoros de Nueva Zelanda. “A diferencia de Yoncalla (2016), en Willowbank (2017) nos guiamos por los ambientes a nuestro alrededor, pero estamos convencidos de que estos no se limitan a las fronteras neozelandesas. El mundo es muy extenso y queremos recorrerlo por completo”, expresó Christie durante una entrevista con i-D en marzo de 2017. 

Con temas como “A Long Walk Home for Parted Lovers”, “Alena” y “Riquelme”, la agrupación comenzó a escribir las primeras líneas de lo que a pocos días del lanzamiento de su tercer álbum de estudio (Truth Or Consequences) daría un significado más sólido a Yumi Zouma como “una propuesta musical que desbloquea diversos territorios, explora diferentes ciclos creativos y habita diversas dimensiones humanas”.

Desde el punto de vista de Josh, la manera más acertada (y merecida) de narrar los siete años de Yumi Zouma es a través de su propia música. Para él, tracks como “Southwark”, “Cool For A Second” y “Truer Than Ever” son el retrato sonoro de sus personalidades, planes a futuro y vínculos afectivos. “Además de ser canciones que remiten de inmediato al sonido de Yumi Zouma, expresan lo que sucede en y detrás de los escenarios. Somos divertidos, sensibles y alocados. Nos complementamos mutuamente”, detalla para Indie Rocks!

El verdadero significado de escuchar “A World Alone” y “Bravado” en Dunedin Town Hall  

Durante el transcurso entre “A Long Walk Home for Parted Lovers” y “Lie Like You Want Me Back”, los miembros de Yumi Zouma nunca han manifestado mayor molestia al ser cuestionados sobre su participación en el Love Club de Lorde. Desde su perspectiva, esta experiencia les ayudó a identificar y entender las dinámicas de los principales espacios de la industria: las plataformas de streaming. 

A la par de la planeación de su primer EP, el triunfo de Lorde en Spotify continuaba como tema de conversación e interés; Billboard acentuaba los beneficios de la amplia oferta musical y -en secciones enteras de Rolling Stone- Daniel Ek insistía en “la democratización de oportunidades para las y los artistas emergentes”. 

Tras el alcance de Pure Heroine (2013) a 45 millones de suscriptores, Yumi Zouma optó por considerar a estos servicios como un referente en su carrera, pues en palabras de Josh. “Son canales que recuerdan cuáles son las rutas a seguir en una nueva producción, permiten descubrir nuevos ritmos y ayudan a conectar con bandas que deambulan entre diferentes géneros”. 

(***)

Para mayo de 2019, Yumi Zouma prestó atención al trabajo de SOAK, Perfume Genius y Lola Marsh para dar identidad a un single que -inicialmente- formaría parte del catálogo de “Powder Blue/ Cascine Park”, “Crush (It’s Late, Just Say)”, “In Camera” y “Looking Over Shoulders”. Con la producción de “Bruise”, el cuarteto trajo de vuelta la fórmula Furtado/Timbalan, despidió a Sam Perry de su alineación, ambientó la bienvenida de Olivia Campion como baterista, desempolvó los 150 demos de reserva y dio algunas pistas de lo que las y los fans podrían esperar para Truth Or Consequences (2020).

Hasta ahora, 'Bruise' es la máxima expresión de que -para este nuevo álbum- no teníamos interés en regresar a temas como 'Drachma' o 'Second Wave'. Exploramos muchas listas de Spotify, SoundCloud y Tidal, la mayoría de ellas con ritmos relajantes. De ahí nuestra elección por el piano como instrumento central”.

Anexo a seguir las tendencias musicales de 2018, “Bruise” fue un factor importante al momento de buscar un nuevo sello discográfico (Polyvinyl), elegir el tema que guiaría el decálogo de Truth Or Consequences, adoptar nuevas dinámicas de trabajo, recuperar (parcialmente) la oferta musical de Nueva Zelanda y establecer un punto medio entre la interpretación de los miembros de Yumi Zouma y sus audiencias. 

Fue la primera vez en la que no desperdiciamos (tanto) tiempo en saber qué queríamos y qué no. Estuvimos seguros desde un principio. Con 'Bruise' supimos lo que era estar por cuenta propia. Para esta nueva etapa, queríamos ampliar al equipo. Consideramos que eso representa diversificar nuestros imaginarios creativos. Trabajamos con mucha más gente y aprendimos a comunicarnos de otra forma. Truth Or Consequences es el resultado más tangible”.

(***)

Si bien es difícil establecer ritmos distintivos entre (algunos de) los temas de Truth Or Consequences, Willowbank y Yoncalla, lo que separa a “Lonely After” de “Barricade (Matter Of Fact)” y “Depths (Pt I)” son el carácter personal y la honestidad lírica de la agrupación. Pues tal y como lo expresan Josh Burgess, Christie Simpson, Charlie Ryder y Olivia Campion. “Yumi Zouma ha alcanzado su madurez musical a través de la exploración consciente de las relaciones afectivas. Ha (re)construido estadios emocionales y (re)estructurado dimensiones humanas a partir de la comunicación y conexión con otras subjetividades”.

Una fortuna para el equipo creativo del Ministerio de Cultura y Patrimonio de Nueva Zelanda y (sobre todo) para las y los que muestran su entusiasmo al discutir las canciones de Yumi Zouma en un grupo de WhatsApp. 

 

“Omissions never flare, they go out if you let them

Changing every year, I was cool for a second”.

 

happy new year world, may the twenties be your best decade yet. lots of love from the YZ squad xx

Posted by Yumi Zouma on Tuesday, December 31, 2019

 

Nick Murphy — Music for Silence

Posted on marzo 20, 2020 by -

¿Alguien dijo estrés?

Nick Murphy sorprende a sus fans con el lanzamiento de su más reciente álbum Music for Silence, un LP compuesto por 10 tracks que previamente estuvieron disponibles en la famosa aplicación “Calm”,conocida por su capacidad para mejorar la tranquilidad, descanso y meditación de sus usuarios.  

El compositor y cantante australiano, también conocido como Chet Faker, ha declarado en su cuenta de Instagram que Music for Silence ha sido un trabajo sumamente catártico para él, debido a que pasó por un momento donde no sabía cómo encontrarse a sí mismo, y fue gracias a las composiciones de este álbum que comenzó a sentirse curado. Y es justo el objetivo que menciona para este compilado: la curación del alma del escucha “Todo es tan pesado estos días que es importante tomar un descanso espiritual cada vez que se pueda”.

El LP es instrumental, únicamente el track “Tongue (Lift 4)” es acompañado de la voz del autor, quien vocaliza a lo largo de los poco más de 4 minutos de duración de la canción, pero nunca menciona una palabra. Como bien lo dice la procedencia de Music for Silence, este es un álbum para estar “en calma”. Si estás buscando escuchar canciones parecidas a las de su trabajo del 2019 Run Fast Sleep Naked aquí no las encontrarás, pero si lo que quieres es tener un momento para reflexionar y dormir mejor, este es el álbum para ti.

Quizá este no es el tipo de composiciones que los fans esperan de un artista como Nick Murphy, pero en el tiempo actual, donde el miedo por las enfermedades virales que están invadiendo nuestro planeta se ha apoderado de la gente, es un buen instrumento para despejar la mente y alejarse del ajetreo, es una oportunidad de ver las cosas con más tranquilidad y analizar si vale la pena la paranoia o si todo se puede arreglar con una buena estrategia y un poco de calma. 

Así que si el pánico, el estrés o los problemas se están apoderando de tu día, no dudes en darle una oportunidad a Music for Silence, puede que con un poco de meditación tengas una visión más clara para encontrar una solución a aquello que te aqueja. Al final de cuentas, todo se trata de estar en paz contigo mismo para poder estar en paz con el mundo.

A 30 años del 'I do not want what I haven't got' de Sinéad O'Connor

Posted on marzo 20, 2020 by -

Sinéad O'Connor: No quiero lo que no tengo.

Los compañeros de Kahlo

parecen sus demonios.

En Irlanda hubiera usado un vestido de terciopelo…,*

Kerry Hardie, poeta irlandesa.

Sinéad O'Connor yergue voz y ojos enalteciendo su femenina individualidad. Los clamores se alzan en exaltadas letras que fulguran en abatidas noches. En la verde mirada se reconocen los imbatibles acantilados irlandeses. En su segunda producción, I do not want what I haven't got, todos estos elementos blanden la espada de los desafíos. 

El disco compacto, lanzado al mercado un 20 de marzo de 1990, principia, de rodillas, con "Feel So Different", pieza que eleva una plegaria, la oración de la serenidad. "Dios, concédeme la serenidad para aceptar las cosas que no puedo cambiar, el valor para cambiar las cosas que puedo cambiar y la sabiduría para conocer la diferencia", el rezo es socorrido por el apesadumbrado sonido de un violín que no para de lacerar durante toda la pieza. La voz, doliente, incluso abatida, mantiene siempre el arrojo. 

Un poema anónimo gaélico del siglo XVIII¹ es la letra de la segunda canción. El título de ambos, "I Am Stretched on Your Grave", muestra el duelo del amor perdido por siempre. "Estoy tendido en tu tumba / y yaceré aquí por siempre, líneas adelante atestigua, desde la noche hasta la mañana / estoy tendido en tu cabeza / llamando a la oscuridad / con lágrimas ardientes y salvajes". Esta elegía irlandesa es acompañada por el ímpetu del Funky Drummer** y del brioso sonido de un violín celta.

La protesta política marcha con la bandera en alto y el racismo es denunciado sin corta piezas en "Black Boys on Mopeds", la letra declara e imputa a Margaret Thatcher un cinismo e hipocresía propio de políticos y, designa. "Inglaterra no es la mítica tierra de madame George y de rosas / es el hogar de la policía que mata chicos negros en motonetas", aludiendo claramente la muerte de Colin Roach a manos de la policía.  

La porción comercial del disco la conformaron sus cuatro sencillos. En el primero, "Jump In The River", Sinéad O'Connor despliega algunas destrezas al encargarse de letra, guitarra, teclados y de la programación de la batería. El segundo sencillo enmudeció al mundo, "Nothing Compares 2 U", piadosamente entonado, recorre aflicciones sin remedio. En "The Emperor's New Clothes", la música sacude con la guitarra de Marco Pirroni, ex integrante de The Banshees y de Adam and the Ants, con el bajo de Andy Rourke, quien previamente estuvo con The Smiths, mientras que, en la batería, quien fuera su esposo, John Reynolds, dispersó ritmo a esta pieza con nombre de cuento de Hans Christian Andersen. "Three Babies", el cuarto sencillo, evoca sufrimientos maternales, una alegoría a sus tres abortos sufridos. 

Durante sesenta años los Grammys han sido recibidos con guiños a la fama y de brazos abiertos, salvo una ocasión, en 1991, Sinéad O'Connor rechazó el premio a Mejor Álbum de música alternativa por el I do not want what I haven't got, pues estos reconocimientos solo son falsos valores materialistas y destructivos². 

Determinaciones así causan aversión, otras, como romper la fotografía de un solapador de pederastas, exalta la ignominia de religiosos y paganos. Sinéad O'Connor, por mostrarse como es, ha sido fácilmente enjuiciada y vilipendiada, apedreada por una errada crítica autoritaria, a la que ella enfrenta mostrándose imbatible, como una encumbrada Nahui Olin***.

 

 

* Fragmento del poema, El terreno del sufrimiento: Frida Kahlo en Irlanda. 
** Clyde Stubblefield, autor del Funky Drummer, pocas veces acreditado por este ritmo.
¹ Sheinman M. 1994. A Frank O´Connor Reader. (Epub), Syracuse University Press Edition. Pag 233. 
² Allie Gemmill. (2019). Who Is The Only Artist To Refuse To Accept A Grammy Award? 16 de marzo 2020. ScreenRant.
*** Carmen Mondragón, Nahui Olin. Pintora, poetisa, modelo de pintores y fotógrafos. Retrato pintado por Dr. Atl: 
 

Scribd abre el acceso a su biblioteca digital

Posted on marzo 19, 2020 by -

Scribd ha dado acceso a su biblioteca digital hasta finales de abril. Puedes encontrar libros sobre música, partituras y demás para llevar la crisis del COVID-19 con entretenimiento.

Si eres de los que ya están en casa aplicando cuarentena, voluntaria o home office; esta información te interesa ya que Scribd ha dado acceso a su biblioteca digital hasta el día 30 de abril.

Puedes registrarte con tu cuenta de Facebook o correo electrónico para tener acceso a más de un millón de libros y audiolibros incluidos 75 mil títulos en español. Puedes usar el hashtag #YoMeQuedoEnCasaLeyendo. Sobre esta acción la pagina web declaró.

La apertura de su sitio web es una respuesta para apoyar a la población mundial en estas semanas de precauciones sanitarias en las que el distanciamiento social debe ser primordial. Ahora más que nunca es esencial que la gente se mantenga informada e incluso entretenida a través de los libros. La lectura puede ofrecer mucha tranquilidad y ayudar a reducir la ansiedad, entre otros beneficios".

Algunos libros sobre música que puedes leer son:

Cured: The Tale of Two Imaginary Boys // Lol Tolhurst
Autobiografía // Steven Patrick Morrissey
Rockeras: Las protagonistas de la historia del rock  //  Anabel Vélez
La verdadera historia de Frank Zappa: Memorias  //  Frank Zappa y Peter Occhiogrosso
Memorias de Neil Young: El sueño de un hippie //  Neil Young
Cash - Man in Black: Su propia historia en sus propias palabras // Johnny Cash
Con los ojos bien abiertos: Milagros y errores en mi camino de regreso a KoRn  //  Brian Welch

Se estrenan dos videos de Mac Miller

Posted on marzo 19, 2020 by -

La familia de Mac Miller estrenó los videos "Right" y "Floating".

A principios de marzo fue lanzada la edición deluxe de Circles, el álbum póstumo de Mac Miller. Este material incluye "Right" y "Floating", canciones  que hoy estrenan sus respectivos videos musicales.

Ambas producciones fueron llevadas a cabo por Anthony Gaddis y Eric Tilford en colaboración con languaje.la. Además el encargado de las fotografías que ilustran estos videos es Christian Weber.

En el video musical de "Right" podemos observar una fotografía de Mac con un llamativo background. Este tiene un movimiento continuo y muestra un cielo verde, con una serie de elementos naturales que juegan al ritmo de la música. La letra habla de ese momento en que la relación con una persona ya no es genial, pero tampoco aburrida.

"Floating" presenta una animación con movimiento de un cielo al atardecer. En el que se percibe una sensación confortable, acompañada del ritmo lento de la música. Por otros momentos se vuelve turbio el ambiente cuando entra el arreglo de bajo de Thundercat, siguiendo los movimientos de la canción. La letra habla de la persecución de la libertad, y del momento en el que se puede volar y dejar todo atrás.

El próximo 17 de abril será lanzado el vinilo de la edición deluxe de Circles, puedes pre-ordenarlo dando clic aquí. Este material será lanzado a través de Warner Records, y contendrá estas dos canciones extra, las cuales fueron estrenadas en la radio de Inglaterra antes que en cualquier otra parte.

Escucha “Say It All”, lo nuevo de Norwayy

Posted on marzo 19, 2020 by -

Sumérgete en “Say It All”, una catarsis musical de Norwayy.

Norwayy, el dúo integrado por las tapatías Gabriela Navarro y Rocío Márquez sorprendió a sus seguidores con el estreno de su nuevo sencillo titulado “Say It All”, el cual marca su regreso a la música luego de tres años de ausencia.

El sintetizador y la batería convergen como uno solo en un tema cool wave y lo-fi que mezcla géneros como el synth pop y shoegaze. “Say It All” formará parte de un compilado de Doberman Records, una disquera independiente de la CDMX.

Mira el lyric video a continuación, el cual fue grabado precisamente en los estudios Doberman:

A pesar de su corta trayectoria, Norwayy cuenta con un EP homónimo lanzado en 2017 y además, ya saben lo que es compartir stage con Thermo y ser teloneras de Hanson. En 2016, las tapatías formaron parte del Festival Marvin y en 2018 estuvieron en la novena edición del Festival NRMAL.

Si las medidas de seguridad del país prosperan sobre el tema del COVID-19 (Coronavirus), Norwayy se presentará el próximo 2 de mayo en Anexo Independencia de Guadalajara como banda invitada de Last Dinosaurs.

Mantente al pendiente de Indie Rocks! para más noticias de Norwayy.

Sonic Emerson estrena “En Algún Punto”

Posted on marzo 19, 2020 by -

Dale play a "En Algún Punto", segundo sencillo del nuevo álbum de Sonic Emerson.

Sonic Emerson, nombre del proyecto solista del músico y productor mexicano Sebastián Neyra, compartió el audiovisual para “En Algún Punto”, su nuevo sencillo tras el lanzamiento del corte “Reflexiones”, estrenado el mes pasado.

En la canción, que no pasa los dos minutos de duración, predomina el dream pop, la psicodelia y el shoegaze, acompañados del característico bajeo y desenfrenado rasgeo de guitarra que caracteriza al artista. En cuanto al video, dirigido por Daniela Solís, muestra lugares aleatorios como una cocina, tomas áreas de un suburbio y pastizales de una carretera.

Te dejamos con el video a continuación:

Sebastián Neyra ha colaborado con bandas como Mint Field y Los Blenders. Actualmente se encuentra produciendo el próximo álbum del quinteto juvenil de surf rock Señor Kino.

Además, el próximo 28 de mayo estrenará su nuevo álbum titulado Si Tan Solo Supiera Por Qué Estoy Aquí, bajo el sello Arts & Crafts México. Según el comunicado de prensa, este disco...

Es perfecto para los amantes del kraut, punk, shoegaze y la psicodelia y tendrá 45 minutos llenos de saturación, distorsiones y reverb".

Mantente al pendiente de Indie Rocks! para más detalles acerca de Sonic Emerson.

The Men — Mercy

Posted on marzo 19, 2020 by -

Mercy: el nuevo trabajo de los inclasificables The Men.

The Men podría sacar otros 233 discos y, probablemente, en el mundo del periodismo musical se le seguiría conociendo como “una banda de punk”. Esa es una clasificación injusta —y hasta un poco floja— para una banda que, disco a disco, ha demostrado que si algo no quiere hacer con su proyecto, es caer una generalización. Le dicen que no a los etiquetados. Aunque es cierto que, con determinadas etapas, parecen hacerse más afines a algún sonido en particular. Los años a veces nos remiten a la nostalgia, a las cosas que conocimos en otros días. En el 2020, The Men, la “banda de punk”, sacó un disco de country/folk/rock titulado Mercy.

Mark Perro y Nick Chiericozzi han sido los dos únicos miembros constantes de un experimento musical que, según sus propios creadores, no iba a durar mucho. Jamás pensaron romper la barrera de los 10 años. Mucho menos se imaginaron que en el trayecto iban a tener un catálogo de ocho elepés bajo el brazo. Han sido comparados con clásicos como MC5, con Sonic Youth o Dinosaur Jr., también han gritado como viejas glorias del hardcore o han abrazado la baja fidelidad como bandera de presentación. Si intentaras explicar la carrera de The Men a alguien que nunca haya escuchado alguno de sus discos, podrías hacer un ejercicio interesante. Escoge cinco canciones diferentes. Toma, por ejemplo: “Praise the Lord and Pass the Ammunition”, “L.A.D.O.C.H.”, “Open Your Heart”, “Dark Waltz” o la reciente “Fallin’ Thru” y seguro que, el escucha quedará despistado ante el hecho de que todas las firma la misma banda. 

Mercy empieza con un órgano. Luego viene la guitarra, seguida de la voz y las percusiones. Una clásica estructura que te remite a los Estados Unidos. “Cool Water” tiene esa áurea vetusta, y la iconografía que, incluso no siendo estadounidense, te remite a un paisaje en específico: la botella de alcohol, un camino por recorrer, la persona especial que espera un mensaje, los mismos errores que se quieren corregir y la nostalgia por noches mejores. Una vieja fórmula que se funde en un mantra que dice “cool water, cool water, cool water, wash over me”. De repente, ese camino parece haber sido alterado por algo más que alcohol. 

“Wading in Dirty Water” es un blues psicodélico de esos que parecen tener la autonomía para reproducirse a sí mismos. Un trance en el que cada miembro de la banda puede dejarse ir, liberarse de las ataduras convencionales en una canción de pop, y avisarnos de qué irá el disco (¿realmente lo podemos saber?). “Fallin’ Thru” es un lamento casi a capela. Palabras que parecen estar sacadas de alguien que, en el marco de una puerta, se sienta abatido y embriagado por el rechazo de quien se resguarda tras ella. Tras el lamento, nos ponemos una bandana en el pelo rebosante de spray para entonar “Children All Over the World”. Un sintetizador adorna una canción que bien pudo ser un himno para Universal Stereo de haberse hecho 34 años antes. De nuevo el artificio. El arrasar con el encasillamiento.

“Call the Dr.” trae de vuelta los aires campiranos. Las cuerdas punzantes y prístinas. Da paso a “Breeze” que bien podría ser un ejemplo perfecto de la transición entre la agresividad inicial de The Men, y el nuevo rumbo volteando a géneros como el hard rock, el country o folk. Y luego llega “Mercy”. La canción que da título al disco. Una plegaria que aspira a la redención y busca responder una pregunta que suele atormentar las mentes tras las rupturas: “¿de verdad te importé?”.

The Men podrían sacar otros 233 discos y seguirían siendo una banda inclasificable, de las que se aprecia que existan, porque demuestran que las fórmulas clásicas, y las identidades de una banda construidas sobre su género musical, bien pueden ser transmutadas, masticadas, machacadas, re-revisitadas y continuar con calidad.

PREMIERE: McKlopedia regresa con "Rap"

Posted on marzo 19, 2020 by -

En exclusiva para Indie Rocks!, McKlopedia estrena "Rap".

McKlopedia, el nombre del proyecto musical del venezolano Ramses Meneses, está de vuelta con "Rap". Se trata del primer sencillo de su próximo proyecto, el cual será un trabajo conceptual al lado de Orestes Gómez y llevará por título Dealers In Caracas. Ramses definió su estilo musical experimentando con ritmos tradicionales y mezclando un gran rango de géneros como el R&B, funk y soul mientras les inyectaba sus propias improvisaciones.

Tras más de 15 años impulsando la escena del hip hop y freestyle en Latinoamérica, McKlopedia apunta a nuevas fronteras. En esta ocasión explorará mezclar nuevos sonidos, fusionando el estilo urbano con ritmos provenientes del folclor de Venezuela, el dance hall y hasta las baladas.

La cadencia de Meneses y la producción musical de Gómez hacen de "Rap" un vertiginoso track en el que no existen los frenos. Desde que comienza la pista con un cello podemos apreciar los distintos sonidos que busca integrar el rapero. Los tres minutos y medio que dura el tema son una muestra llena de la energía y maestría de esta dupla. Queda eliminada cualquier duda de que Dealers In Caracas llegará para volarnos la cabeza.

La masterización corrió a cargo de Franc “El Médico” Rodríguez, quien ha colaborado previamente con actos del calibre de Major Lazer y Buraka Som Sistema. El disco entero estará disponible desde el 26 de junio mediante el sello La Bestia. Mientras tanto, puedes disfrutar del primer sencillo exclusivamente por Indie Rocks!

Horas más tarde, el MC estrenó el video oficial a través de sus redes sociales.

Estuve tantos años dudando de mí mismo que ahora todas las dudas se fueron, perdóname si soy pedante pero tu artista favorito necesita de la ayuda de 5 compositores para hacer esto. Nosotros somos lo más real que existe como comer arepa con la mano, como el pinshi pulque, como el quesillo de Oaxaca, como el asado en tiras, así de real como América latina", expresó el músico.

Mira a continuación el video dirigido por Mauricio Padilla y Gerardo Rodriguez: