She's A Tease – II

Guitarras regias: She’s A Tease y el esperado II.

Cuando la vida te pone en el camino con la gente adecuada y el tiempo te da razón para perpetuar con talento, los proyectos alternativos como She's A Tease crecen y se hacen más fuertes, atemporales. Después de tres años de ser arquitectos de su propia carrera y de su esperado  segundo álbum, los regiomontanos presentan II, un álbum que había sido presentado a cuentagotas y que nos dejaba con ansias de más.

Los nueve tracks de II presentan novedades en los instrumentos. Hay nuevos sonidos y ritmos, los coros melódicos y las guitarras predominantes dejan el mix del antiguo sonido con la evolución notoria de un nuevo She's A Tease.

La primera es “Fogatas”, que de entrada exhibe sonidos de guitarra muy ochentera y una voz tímida que va ganando fuerza. No da tiempo de respiro, pues hay cambios de ritmo muy agradables al oído, e incluso hay uno que otro solo sobresaliente que deja una buena impresión.

El primer sencillo fue “Jugar Con Nosotros” y a finales del año pasado revelaron “Ven A Soñar”,  el segundo track que daba presentación al disco.  

Con nuevos sonidos en las guitarras sobresalientes, con rolas melódicas sin caer en lo melancólicas como “Las Cosas Que Nos Separarán”  y “Desesperando Al Amor”, los músicos se notan muy sueltos en su sonido y seguros de su proyecto.

“En Mi Cuarto” es una de las más catchy sin siquiera pretenderlo. Las guitarras ordenan el ritmo y aparecen sonidos de batería y de voz descarados, tiene la esencia de aquel Millonaria que los catapultó en la escena indie.

Completan el repertorio “Nueve Nueve”, que expone guitarras desprolijas y voces igualmente no arregladas con intención dudosa; “Juntos”, con sonidos orgánicos, naturales y un tanto analógicos pero mucho más potentes y con el sonido que sólo es equiparable con su primer EP. “Pasarlo Bien” es aún un misterio pues es el fantasma oculto del disco, seguro es el tesoro que hará explotar y cerrar el ciclo de II.

El disco era muy esperado y mucho se les cuestionaba a los norteños sobre su salida pero ellos pedían calma, prometían entregar algo no menos que perfecto en el sentido estricto de lo que ellos buscaban. Este material refleja justamente eso. Los elementos naturales, orgánicos y atemporales que el disco con una paleta de hielo doble en la portada establecen su camino en los escenarios.

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Checa el video de "Boyfriend" de Tegan and Sara

Emociones exageradas y risas contenidas en el video de "Boyfriend".

A principios de mes, las gemelas Tegan and Sara compartieron el primer sencillo de la octava producción en su carrera. El álbum tiene por nombre Love You To Death y de ahí se desprende "Boyfriend", una canción basada en hechos reales.

Al estrenarla a través de Beats1Sara comentó que la idea tras la canción es que a la mayoría de la gente ha pasado por una historia como la que inspiró a "Boyfriend": una relación que no pudo concretarse porque una parte estaba dispuesta a darlo todo mientras que la otra no pudo decidirse. Aunque la letra nos revele tal inconformidad, la música nos pone a mover la cabeza con ese característico beat de pop sintético que distingue a Tegan and Sara.

Ahora este ritmo está acompañado de un video dirigido por la actriz Clea DuVall (Argo), quien ya había trabajado con el dúo antes. En 2013, Clea dirigió una serie de entrevistas con ellas para promocionar su disco Heartthrob. Además, el debut como directora de cine de DuVall titulado The Intervention fue musicalizado por las gemelas y se estrenó en el Festival Sundance de este año.

En el video, Tegan and Sara se divierten frente a pantallas verdes con fondos tan aleatorios como el perro que aparece junto a ellas después –el cual, de hecho, provoca la risa incontenible de una de las gemelas–. Niños jugando al ula ula aparecen en cámara y las gemelas miran al espacio mientras muchos ventiladores a su alrededor provocan el movimiento de su cabello. Estos y otros clichés son los que utilizan las poperas para burlarse un poco de las superproducciones de Hollywood.

White Lung estrena "Below"

White Lung reflexiona sobre la belleza y el glamour en el video de su tercer sencillo "Below".

Previo al lanzamiento de su cuarta producción titulada Paradise, los canadienses de White Lung estrenaron el tercer sencillo que se desprende de él. "Below" llega con todo y video para demostrar la madurez y profundidad que la banda ha alcanzado.

En un comunicado la líder del trío, Mish Barber-Way, mencionó que necesitaba intentar hacer una balada sobre mujeres glamorosas, una canción sobre la preservación del glamour y la belleza. El resultado fue lo que ella misma describió como "una balada que mezcla a Stevie Nicks con Céline Dion""Below" está inspirada en una cita de la escritora y profesora estadounidense Camille Paglia quien en una entrevista, dijo "La belleza se desvanece. La belleza es pasajera. Por eso es que la valoramos".

Esta idea es la que rige al video que acompaña al sencillo, dirigido por Richard Bates Jr. con la modelo AnnaLynne McCord, quien actúo en el refrito de la serie 902010 como protagonista. White Lung toca en un escenario de teatro frente a un pequeño público de imitadoras de Marilyn Monroe. Ellas se dan cuenta que su esfuerzo por ser alguien más de nada vale, pues, como dice la canción "you know this means nothing if you go die alone".

El director mencionó que "Below" es "una carta de amor para todas las mujeres artistas influyentes del pasado. Nuestro video sirve para reforzar la noción de que lo que hace a un artista especial no puede ser manufacturado".

Paradise tiene como fecha de lanzamiento el 6 de mayo a través del sello Domino y cuenta con 10 tracks producidos por Lars Stalfors -Matt and Kim Cold War Kids-.

Ibeyi en el Foro Indie Rocks!

Las gemelas Ibeyi llenaron de espiritualidad y energía positiva el Foro Indie Rocks!

La tarde comenzó a refrescar y la hora marcada para el evento estaba cada vez más cerca. Al llegar al recinto, la fila para el acceso crecía conforme pasaban los minutos y muchos ya se notaban preocupados por el miedo a no encontrar un buen lugar para ver al dueto franco-cubano. Otros ya adentro, prefirieron comer o beber un trago antes de acomodarse entre la audiencia.

En punto de las nueve, las luces se apagaron y el público dio la bienvenida a MAVERICK STN, una banda que ayudó a la audiencia a encender los ánimos para lo que estaba por venir. Su set duró aproximadamente media hora, y al terminar la última canción, el público los despidió con una calurosa ronda de aplausos.

Conforme los asistentes de producción terminaban de colocar los teclados, percusiones y demás elementos en el escenario, los ánimos y la emoción seguían creciendo más y más.

Faltando escasos minutos para las diez de la noche las luces se apagaron de nuevo y se escuchó la primera armonía de “Eleggua”,  la deidad yoruba que abre y cierra los senderos. Después de las ovaciones, las gemelas se presentaron con un fluido español: “Somos Ibeyi, Ibeyi significa gemelas” y así dieron paso a “Ghosts”, una de las canciones más coreadas de la noche. La gente no podía con su propia alegría y se la contagiaron a las hermanas, quienes dejaron que los presentes las acompañaran hasta el final de la melodía.

Los synths penetrantes de “Lost My Mind” llenaron el lugar para después comentar acerca de la importancia que han tenido las mujeres en su vida, y así comenzó el momento emotivo de la noche con “Mama Says”, dedicada a su madre. 

El dúo no dejó caer el ánimo e invitó a la audiencia a cantar “I’m On My Way”, y en seguida comenzó “River”, uno de los momentos cumbre de la noche, con la que todas las personas cantaron a todo pulmón como para que ese río purificara sus espíritus.

Lisa también nos dio una breve lección acerca de cómo llegó la religión yoruba a Latinoamérica y sobre los orishas, las deidades de dicha doctrina, explicando que ellos eligen a sus hijos, siendo Naomi hija de Shango, el trueno y Lisa, hija de Yemaya, el mar.

Tras los cantos yorubas a sus respectivos orishas, “Oya” fue la siguiente melodía en ser coreada por todos los presentes para después devolver la energía con “Better in Tune With The Infinite”, un cover de uno de sus raperos favoritos, Jay Electronica.

“Weatherman” tampoco decepcionó, pues los arpegios del piano de Elisa era como un alivio para el alma de cada uno de los presentes. Al escucharse los primeros versos de “Chains” la música inundó el foro, haciendo bailar a los presentes al ritmo de las percusiones mientras las hermanas le cantaban a Ochosi, clamando justicia para un amor esclavizante.

Otro momento emotivo llegó cuando las franco-cubanas dedicaron “Think of You” a su padre, y después devolvieron la energía haciendo un mash-up con la canción "Watch Me (Whip/Nae nae)" y "Por la Noche" de la Mala Rodríguez. El público, al ver bajar a Ibeyi del escenario, gritaron de inmediato "¡otra, otra!". En breve, las chicas regresaron al escenario para hacer una versión solo con beats de "River" para cerrar con broche de oro esta mágica noche.

A pesar de que algunos sintieron que les quedaron a deber más canciones del álbum homónimo, el concierto fue un éxito rotundo, con un lleno total en el Foro Indie Rocks! y con una noche llena de emociones encontradas por las íntimas historias que cuentan, a través de la interpretación, cada una de las canciones.

Algo seguro es que las gemelas Elisa y Naomi se quedaron con ganas de más, pues la calidez con la que fueron recibidas en el evento fue incomparable, nadie se quedó con las ganas de cantar cada uno de los temas en los que Ibeyi se entregó al cien por ciento.

Kikagaku Moyo: sonidos que inspiran

Si lo tuyo son los sonidos diferentes o gustas del rock psicodélico, esto te interesa.

Kikagaku Moyo, una banda que surgió en los pasillos de la universidad un verano tokiota de 2012, estrenará próximamente nuevo disco al que tituló House In The Tall Gras a través de Guruguru Brain, sello que difunde el talento asiático.

Recientemente, la banda lanzó un pequeño adelanto de esta producción, la canción "Green Sugar". Kikagaku Moyo menciona que el tema se inspira en un paseo matutino. Go Kurosawa, baterista de la agrupación, describe que la idea se encuentra dividida en tres partes: primero, una tormenta de nieve; luego, un suave paseo en el bosque donde se encuentran aves, zorros y ardillas; finalmente, un descenso a una cueva sin fondo en el que se cae a un río negro. La letra fue creada en colaboración con todos los integrantes. En estudio, posteriormente, se añadieron sonidos de percusión y teclado.

Kikagaku Moyo declara tener influencias que incorporan elementos de la música clásica de India, el krautrock, folk tradicional y rock de los setentas.  House In The Tall Grass se compone de 9 canciones llenas de energía y vibra psicodélica. Ya puedes adquirir el disco en preventa aquí.

Te presentamos el tracklist del disco y el primer sencillo del álbum:

  1. Green Sugar
  2. Kogarashi
  3. Old Snow, White Sun
  4. Melted Crystal
  5. Dune
  6. Silver Owl
  7.  Fata Morgana
  8.  Trad
  9.  Cardigan Song

Nothing comparte “The Dead Are Dumb”

La banda estadounidense nos comparte un nuevo adelanto de su próximo disco, Tired of Tomorrow.

Falta muy poco para escuchar el nuevo disco de Nothing, Tired of Tomorrow. Su segundo material de larga duración estará disponible a partir del próximo 13 de mayo vía Relapse Records. Este álbum será el sucesor de Guilty of Everything de 2014, y estará conformado por 10 tracks.

Previo a su lanzamiento, la agrupación oriunda de Philadelphia ha estrenado un par de sencillos como “Vertigo Flowers”, “Eaten By Worms” y “ACD (Abscessive Compulsive Disorder)”. Ahora están de vuelta con un nuevo tema.

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La canción se titula “The Dead Are Dumb”, una melódica pieza musical que te sumergirá en un viaje por paisajes oníricos gracias a su sonido ensoñador con toques dream pop.

Nothing formará parte de los festivales Shaky Knees Music Festival y The Governors Ball, ambos con sede en Estados Unidos. Asimismo, anunciaron un par de fechas por Londres como parte de la promoción de su más reciente material.

Tracklist de Tired of Tomorrow:

  1. Fever Queen
  2. The Dead Are Dumb
  3. Vertigo Flowers
  4. ACE (Abcessive Compulsive Disorder)
  5. Nineteen Ninety Heaven
  6. Curse Of The Sun
  7. Eaten By Worms
  8. Everyone Is Happy
  9. Our Plague
  10. Tired Of Tomorrow

Korn en el Pepsi Center WTC

Seguimos siendo Childrens of the Korn.

El perímetro del Pepsi Center WTC comenzó a poblarse rápidamente ante el anochecer tardío provocado por el cambio de horario. En su interior, un cuarteto de enmascarados invadía el escenario para predicar su mensaje de Terror Universal. Con una dinámica sonora que por momentos evocaba a Mudvayne, este proyecto alterno de integrantes de Ill Niño fue el aditivo perfecto para comenzar el incendio: el calor sofocante, el humo de la nicotina prohibida, el correr de la cerveza que se vio volar ante la orden de abrir fuego: Are you ready?

Ante el mando de Jonathan Davis comenzó el frenético saltar con “Blind”, los gritos de emoción, el desfogue absoluto. Después, los riffs de “Right Now”, el momento adecuado; “Here To Stay”, el lugar perfecto; “Love & Meth” para los diferentes tipos de parejas entre los asistentes: los que cuidan celosamente a sus novias y otros que incluso juegan con ellas a hacer slam.

“Somebody Someone” para levantar los brazos como ademán de bienvenida a Korn en su séptima visita a nuestro país que ha sido testigo de su mutación creativa y de la inclusión de nuevas tendencias en su sonido, “Narcissistic Cannibal” como muestra de estos cambios y “Falling Away From Me” para regresar a aquel tiempo cuando el muñeco de trapo como ambientación en el escenario adornaba una de las 4 portadas del disco Issues.

El preludio de “Shoots and Ladders” como llamado a la batalla, cual guerreros escoceses que chocan unos a otros ante los saltos y el movimiento que provocan los riffs de Head el iluminado, el eterno Munky y los golpes al bajo de Fieldy. “Hater” para calmar la tormenta, el momento de admirar la habilidad de Ray Luzier en la batería y su forma de manipular las baquetas en el aire. “Did My Time” para reiniciar las hostilidades, uno de los momentos más notables de la noche ante el manifiesto de “Faget”: somos diferentes en un mundo normal, aquellos que brincan y emulan tocar una guitarra, los que gritando liberan sus demonios.

“Another Brick In The Wall” rindiendo honores a la influencia de Pink Floyd y el gran final para seguir al líder, el combo “Got The Life” y “Freak on a Leash” por aquellos días de gorras one size fit, tenis, pantalones cargo y playeras de talla extra. Eventualmente volveríamos a la normalidad pero aquel último encore fue liberador e ideal, una última oportunidad para cantar y para agradecer a Korn que haya complacido a sus viejos y cansados fans y a aquellos que en los hombros de sus papás los vieron por primera vez.

Holy Fuck comparte el video “Tom Tom”

Previo al estreno de su nuevo álbum, la banda canadiense nos comparte un nuevo video.

Después de una pausa de casi seis años, Holy Fuck está de vuelta para apoderarse de nuestras cabezas con un nuevo material discográfico. Se trata de su cuarta placa titulada Congrats con fecha de salida para el próximo 27 de mayo vía Innovative Leisure.

El primer sencillo que se desprende de este material se llama “Tom Tom”, una pieza musical bastante placentera que deambula entre lo electro y lo industrial. Posteriormente escuchamos “Xed Eyes” y ahora es turno de disfrutar el video para su primer single.

El videoclip para “Tom Tom” fue dirigido por Michael Leblanc y filmado en Rumania. Las personas que actúan son habitantes de la zona. Al respecto, Holy Fuck dijo: "El casting fue muy divertido, ya que sólo caminamos alrededor de Zarnesti y preguntamos a la gente si les gustaría estar en un video musical".

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La historia gira en torno a un niño que deambula por las calles de su ciudad, un niño que sufre maltrato tanto por su padre como por otros chicos de su edad. Las personas a su alrededor lucen deformes, mientras que él trata de escapar de ese tormento para nunca regresar.

Congrats fue grabado durante tres días bajo la misma alineación con la que trabajaron en su anterior disco: Brian Borcherdt, Graham Walsh, Matt “Punchy” McQuaid y Matt Schulz. “Cuando estás sentado en una camioneta y mirando por las ventanas, empiezas a soñar sobre otras cosas que quieres hacer”, comenta Borcherdt en un comunicado. “Este álbum es exactamente lo que no podíamos hacer”.

Aquí abajo te dejamos con el nuevo video de Holy Fuck:

 

Tyler, The Creator incursiona en el doblaje

 El rapero dará voz a un gato en The Adventures of Drunky, una película animada para adultos.

 

El cómic y la animación para adultos, desde Robert Crumb, ha sido una vía para la narración más arriesgada en lo que se refiere a humor negro, la escatología y la incorrección política. Para los fanáticos de esta manera -demasiado distinta- de ver televisión, los Augenblick Studios, responsables de caricaturas legendarias como Ugly AmericansThe JellisWonder Showzen y la compleja Superjail, una de las obras más exigentes en el circuito de esta clase de caricaturas, han anunciado la producción de la película The Adventures of Drunky.

La casa productora lanzó una campaña de fondeo a través de Indiegogo para financiar la historia de Drunky, un alcohólico cuya vida es alterada por la intervención de Dios, personificado bajo la voz de Jeffrey Tambor. El reparto de voces para The Adventures of Drunky a Steve Coogan, Abby Elliott, Jay Pharaoa, entre otros. La película estará bajo la dirección de Aaron Augenblick, quien declara "siempre quise hacer una película animada que se sintiera como un cómic underground, por lo que inicié mi estudio en 1999.  Ahora, es tiempo de tentar a la bestia: con tu ayuda, podemos hacer de The Adventures of Drunky la mejor película que pueda existir sin comprometer su integridad. Considero que The Adventures of Drunky iniciará una nueva forma de producir animación".

Tyler, The Creator dará voz a Oscar, un gato malhumorado que luce cicatrices de peleas y que le dice a Dios "pedazo de caca ebria" en el anuncio de la campaña, que te dejamos aquí:

Si consideras que Tyler, The Creator no tiene madera para este tipo de humor, te dejamos un video en el que un usuario de Twitter captó al rapero bailando en pleno tránsito vehicular:

 

 

Mogwai – Atomic

Con Atomic, Mogwai reversionó el sonido de la post-destrucción.

Este es el más reciente material de estudio que presenta Mogwai, parte del soundtrack creado para el trabajo documental titulado Atomic: Living In Dread and Promise. Partiendo de lo ya creado para dicho documental, la banda originaria de Glasgow re-versiona su trabajo y nos presenta una serie de pistas que pierden el status de música exclusiva para un soporte visual y nos proponen un disco donde demuestran que su post-rock puede configurarse como discurso musical para así establecer su propia interpretación del instante posterior al caos.

La creación del disco parte de la necesidad de la banda de construir una explicación musical a partir de un solo concepto, influenciados por las imágenes que el documental presenta.

Mogwai articula en Atomic el sonido apocalíptico de la destrucción. "U-235" será símbolo de esta destrucción del mundo habitable –imposible no notar la referencia al Uranio 235- , se crea sentido sin la necesidad de que exista un discurso verbal dentro de toda la obra, se trata de construir experiencias y no de imponérselas al escucha.

Señalar los tracks que más destacan dentro del álbum es un atentado contra el mismo trabajo de la banda, pues cada uno de ellos va creando imágenes subsecuentes para el espectador. Es decir, el logro de esta pieza musical es desapegarse de su primer momento como música que acompaña a un conjunto de imágenes, para ser ella misma la que propicie la construcción de las imágenes de la desolación.

Puede resultar tedioso el escuchar el disco si no se tiene paciencia con los álbumes enteramente instrumentales; sin embargo, otorgarle la oportunidad a Atomic, es adentrarse en el proceso creativo de la agrupación, compenetrarse con el sonido y dejar que éste guíe el proceso experiencial del receptor.

El experimento sonoro que en esta ocasión nos presenta Mogwai deja entre ver que la música puede tener salida como un discurso que puede omitir el uso de la lengua hablada y permitir al sonido ser el foco central de atención del escucha. ¿Acaso no la música es crear experiencias a partir del entrecruzamiento de los sonidos? Para Mogwai es así y lo han demostrado una vez más.