Astro en el Foro Indie Rocks!

"Ojalá se queden, y que no se vayan”, dijeron a Astro.

El pasado lunes 9 de mayo, un anuncio provocó el shock en la industria musical independiente: Astro se separa después de siete años de carrera. Eso hizo, automáticamente, a su presentación en el Foro Indie Rocks! anunciada meses antes la última en la CDMX, la ciudad en la que quizá vivieron más momentos clave en su carrera que en su país de origen: desde aquella primera presentación en México, en el Vive Latino 2010, donde solo asistieron alrededor de 100 personas, hasta el pasado viernes 13 de mayo, en la que hubo un foro lleno que les echaba porras como nunca, pues era el último encuentro entre los chilangos y los chilenos.

Previamente, la presentación comenzó con los muchachos de Future Feelings: propuesta de funk y disco, con esencia setentera en el sonido, tipo KC & The Sunshine Band o Tavares. El grupo pasó sin pena ni gloria y se les notaba algo incomodos al tener poco espacio para desenvolverse. A pesar de esos detalles, tuvieron mucho ritmo en las venas.

Posteriormente, comenzó la vibrante y a la vez melancólica despedida de Astro, con canciones como “Panda” y “Colombo”, que fueron muy coreadas y bailadas, para darle paso a “Caribbean”, de los pocos temas que tocaron de su último material Chicos de La Luz. El público festejó y agradeció que se ejecutaran cortes de su EP debut Le Disc de Astrou, tales como “Le Golden Ballon” y “Drogas Mágicas”.

Hubo instantes de improvisación, con largos solos electrónicos, percusiones y batucadas. Andrés Nusser interactuaba con el público, aventándose a la multitud, compartiendo el micrófono o arrojándoles agua, detalles que provocaron el pandemónium.

Después, continuaron revisando su primer largo homónimo, como “Volteretas” o “Pepa”. El éxtasis fue inminente cuando sonaron los primeros tonos de “Maestro Distorsión”, tema que Astro le dedicó al público mexicano que la pudo conocer en el lejano 2010 gracias a la radio y con la que inició un romance estrecho y enriquecedor, un momento clave muy festejado, para finalizar con “Coco” y “Ciervos”.

Los sentimientos se desbordaron en el escenario, pasaron de la alegría a la tristeza y de la emoción a la melancolía en unos cuantos segundos. Los chilenos se estrecharon cálidos abrazos, que transmitieron hasta el último momento una vibra conmovedora y un enorme gusto por hacer música. Su público mexicano les respondió gritando y cantando toda la noche, implorando que el concierto no se acabara, y por ende, que Astro no deje de brillar.

Cuando el grupo expuso sus motivos del adiós, la gente respondió con un fragmento de “Colombo”: “Ojalá se queden y que no se vayan”. Ese fue el emotivo final de una gran relación entre Astro y el país que, en palabras del grupo, “les abrió las puertas desde el año cero”.

Las 5 mejores canciones de la semana

Disfruta aquí abajo de las cinco mejores canciones que presentamos en Indie Rocks!

Pareciera que mayo es el mes de los estrenos. Bandas como Radiohead y los Red Hot Chili Peppers nos sorprendieron con música nueva y esta semana no es la excepción. Incluso, algunos grupos confirmaron el lanzamiento de nuevos materiales discográficos, como Peter Bjorn and JohnWill Butler y Thee Oh Sees.

En lo que todas estas bandas trabajan en nueva música, ¡disfruta nuestras cinco mejores canciones de la semana!

 

5. The Claypool Lennon Delirium - “Cricket & The Genie (Movement I, The Delirium)”

El proyecto conformado por Sean Lennon y Les Claypool estrenó esta semana una nueva canción acompañada de un psicodélico video lleno de colores y texturas que parecen haber salido de la imaginación de alguien bajo los efectos de algún alucinógeno. Si no nos crees, disfruta aquí abajo del video para "Cricket & The Genie" -bajo tu propio riesgo-.

 

4. Pet Shop Boys - “Twenty-Something”

El mes pasado, Pet Shop Boys estrenó su más reciente disco titulado Super. El último sencillo que pudimos escuchar de esta producción, “The Pop Kids”, se caracterizó por contar con un sonido house que nos recuerda  la escena musical de los años noventa. Pero en “Twenty-Something” se alejan por completo para incursionar en ritmos más latinos.

 

3. Iggy Pop y Josh Homme - “Sunday”

El buen Iggy nos ha dado mucho de qué hablar recientemente, pues además de confirmar un libro biográfico sobre su banda The Stooges, también hizo oficial su regreso al séptimo arte en la película Blood Orange, en donde protagonizará a un rockstar maniático. Asimismo, esta semana estrenó la canción "Sunday" en compañía de su colega Josh Homme y en la que destaca un sonido oscuro e hipnotizante pero agradable al oído.

 

2. Metronomy - “Old Skool”

Luego de anunciar, hace un par de semanas, que estrenarían nuevo material este año, los ingleses nos comparten por fin el primer single de este esperado disco. “Old Skool” es una canción que posee beats electrizantes que te atraparán desde los primeros segundos para hacerte bailar al ritmo de la melodía y terminar en un total frenesí. Incluso, se nota la mano de Mix Master Mike, con ese scratch que nos recuerda a la música hip hop también de los noventa.

 

1. The Stone Roses - “All For One”

Pareciera que nunca se fueron, que siempre estuvieron ahí. Tuvieron que pasar más de 20 años para escuchar nueva música de este cuarteto inglés y la espera valió la pena. En 2015, la agrupación conformada por Ian Brown, John Squire, Gary Manny “Mani” Mounfield y Alan “Reni” John Wren, anunció su regreso a los escenarios y esperemos que aumenten las fechas e incluyan a México en su camino. Mientras eso sucede, déjate seducir por capas infinitas de guitarras y voces etéreas en “All For One”.

¿Te gustaron los estrenos de esta semana? Dinos cuál fue tu canción favorita y sigue nuestras redes sociales para conocer los tracks más recientes de tus artistas favoritos.

 

Avant MUTEK: Four Tet + Ben UFO en el Auditorio Blackberry

Avant MUTEK: un espiral galáctico de sonidos cósmicos.

Ben UFO y Four Tet visitaron la Ciudad de México con motivo de las celebraciones de MUTEK Montreal que comenzarán en unas semanas, y también como parte de los preparativos para MUTEK México que se estará celebrando el próximo mes de octubre.

La cita fue el 12 de mayo de 2016 en el Auditorio Blackberry, recinto que se ha caracterizado por albergar parte de los últimos eventos de MUTEK y algunos de música electrónica ya que, desde sus inicios, este recinto ha recibido muy buenas críticas debido a su excelente acústica, que permite una mejor y mayor percepción de los sonidos.

Ben UFO inició su sesión en punto de las 21 horas con ritmos bastantes experimentales, melódicos e incluso difíciles de comprender -aunque esto fue cambiando con el paso de los minutos para dar paso a momentos de techno bastante duro, y dubstep muy a la inglesa-. Durante 2 horas, este relativamente nuevo productor y DJ logró cautivarnos con su gran calidad y una excelente manera de calentar la pista, mientras esperábamos el acto de la noche: Four Tet.

Kieran Hebden, mejor conocido como Four Tet, es uno de los DJ y productores ingleses más reconocidos y respetados de la escena de la música electrónica mundial. Headliner de algunos de los festivales más importantes y fiel representante del característico sonido inglés de esta nueva generación de grandes talentos, Four Tet inició su presentación a las 23 horas con sonidos bastante ambientales, que se sentían como si los asistentes estuviéramos disfrutando del fresco en algún bosque. La intensidad fue aumentando hasta llevarnos por un viaje interespacial, representado en forma de un caldo sonoro con una gama infinita de géneros que atravesamos, como el techno más fino y exquisito que hay, pasando por un house bastante alegre, lleno de vocales fantásticas que por momentos se confundían con melodías disco y pop, hasta llegar a ritmos con tintes tribales y voces que nos hicieron recordar hasta el último rincón del mundo. Al llegar a las casi 3 horas de actuación por parte de Four Tet, la pista estaba a reventar: el ánimo a tope, la sangre hirviendo y todos pidiendo más bajones y subidas representados en cada track.

Como acto final de la noche, Ben UFO regresó al escenario para acompañar a Four Tet en un espectacular cierre Back to Back durante una hora en la que siguieron mostrando sus armas y su calidad, bajando la intensidad aunque no el estándar de las múltiples melodías que ayudaban a ir descendiendo de ese espectacular viaje que habíamos comenzado.

MUTEK, de nuevo, cumplió con las expectativas y siguió demostrando la razón por la que es uno de los festivales más respetados e imitados del mundo. No había persona en el lugar que no estuviera bailando o resistiéndose a los ritmos cósmicos de los maestros de ceremonia.  

Juan Soto regresa con "The Effort"

Disco y música electrónica digerible sobre el esfuerzo de las cosas.

Juan Soto se hace llamar productor en lugar de DJ, aunque comúnmente se le conozca como el segundo y se presente en festivales de música electrónica como el EDC. Sea como sea, Juan ha cruzado las fronteras de México y ha llevado su sonido –una mezcla de disco, funk, pop y electrónica– hasta Francia, Alemania, Latinoamérica y más.

El álbum debut de Juan vio la luz en 2014, y se llamó Oscurecía. Con música electrónica digerible y pop de calidad logró posicionar al mexicano en la escena. Desde entonces, el productor se ha mantenido activo tocando en cada uno de los clubes de la CDMX y acompañando a artistas como Hercules & Love Affair en el escenario.

Ahora, Juan Soto estrena "The Effort", un nuevo tema inspirado en el esfuerzo que toma realizar cada una de las actividades que construyen el día, desde las más pequeñas e insignificantes hasta las que se hacen en completa conciencia.

"The Effort" suena a los pantalones acampanados de los ochenta, y esa sensación de plenitud que te permite sólo mover la cabeza con el ritmo de la canción. Es una excelente mezcla de disco y electrónica actual que cabe perfecto en una playlist para manejar en carretera.

King Krule en Boiler Room

El compositor y productor incursiona en el mundo de la electrónica.

King Krule es un jovencísimo compositor con una productividad apabullante. A pesar de su difícil biografía –sus padres estuvieron en prisión y fue diagnosticado con una enfermedad mental, además de padecer de insomnio–. En 2013 debutó con el excelente 6 Benneath The Moon, y en 2015 estrenó A New Place 2 Drown bajo su propio nombre, Archy Marshall. Con apenas 22 años, este compositor ha conjugado diversos estilos que van desde el jazz, el folk, el punk, y ahora, la música electrónica, posicionándose como una de las propuestas sonoras más prolíficas y versátiles, aún cuando su carrera sea corta. Las producciones de King Krule son las de un músico arriesgado.

King Krule

Ahora, bajo el nuevo alias Edgar The Beatmaker, presentó en Londres en el marco de Boiler Room un set de 20 minutos que incluye material de su disco firmado como Archy, además de otros experimentos que abarcan los registros del hip hop y el trap.

En un ambiente típico de las fiestas organizadas por Boiler Room –una casa tomada por el flow–, podemos ver a Edgar The Beatmaker manipular las consolas a lado de algunos colegas. El público no deja de contonear sus cuerpos al tiempo que no aparta la atención de este alias de Archy. ¿Se trata, acaso, de un nuevo proyecto?

 

Escucha "Final Song", lo nuevo de MØ

MØ regresa con un tema muy veraniego.

La cantautora  pasó por la cabina de BBC Radio One con la productora, DJ y locutora Annie Mac para compartir un nuevo tema llamado "Final Song". Este es el primer estreno de la danesa desde que su álbum debut, No Mythologies To Follow, vio la luz en 2014 y "Kamikaze" –su sencillo más popular y en el que colaboró con Diplo– alcanzó los lugares más altos en las listas de popularidad y reproducción en plataformas digitales.

"Final Song" es introspectiva, dulce y alegre. la coescribió en Los Ángeles con MNEK -quien también produjo la canción- y Noonie Bao -Charlie XCX- y se trata de reconectar con la fuerza interna de uno mismo. "I lose my rythm, I lose my song"  es la letra que suena sobre acordes rítmicos veraniegos, no sorprendería que por su estilo tuviera pronto un remix.

Aunado a la canción,  mencionó que su próximo álbum ya está casi listo y sólo necesita los toques finales, por lo que tendrá su lanzamiento este mismo año. No sería raro que "Final Song" fuera el primer sencillo de esta producción. Actualmente, la cantante se encuentra de gira mundial, que terminará en diciembre con presentaciones en Latitude y Lollapalooza.

COLUMNA: Sobre la importancia de Radiohead

¿Por qué Radiohead es la banda más importante de la historia?

Sabía que ella iba a morir, no de la misma forma que morimos la mayoría de nosotros. Acostados. Consternados. Aferrándonos. Sabía que ella iba a morir, dejando el eco de sus latidos en nuestros oídos, el olor de su vagina en mis manos, y el alma de quienes la amamos, hecha añicos. Pero aquella vez en su departamento de Miramontes 15, la vi contonearse moviendo la cadera, un baile propio de ella, los pies juntos, los brazos flexionados hacia el frente en un twist singular. Se mordía el labio inferior y sonreía, apretaba los puños pequeños y miraba al vacío. No había música, pero ella bailaba. Desde el rincón de un sillón, con la resaca golpeando mi cabeza, la veíaSu primer graffiti fue una frase de "True Love Waits": "I'm not living, I'm just killing time". Cuando me contó eso la imaginé rayando una pared y escribiendo frases existenciales mientras yo sufría por alguna chica, supongo. No tengo idea de que sucedía en mi vida cuando escuché por primera vez esa guitarra moribunda de un espíritu que vive un suplicio por amor.

Pensé en todas las veces en que he descubierto a Radiohead, porque cada tema nuevo es un descubrimiento, un dispositivo-canción que desencadena emociones, recuerdos y pensamientosPor mi edad he tenido conciencia de casi todos los lanzamientos de la banda, he visto operar toda su maquinaria anti sistema, anti globlalización, anti mercado/pro mercado, pro reinvención; así como los anuncios de que vienen a México y que han acompañado la vida de millones de individuos, muchos dentro de otras coordenadas que, como yo, se vuelven locos cuando alguien pone "Idioteque" y queremos, en vano, imitar el ataque epiléptico de Thom Yorke cuando baila dicha pieza sobre el escenario.

Su nombre empezaba con C, como la cocaína, la droga a la que fue adicta durante cuatros años, según me dijo. Y eso era ella. Esnifazos de cocaína sobre un auto, esnifazos sobre un libro de Cumbres Borrascosas, esnifazos en el baño en medio de una noche de excesos en donde lo único que no abundaba era sexo. Pero había de todo en esas fiestas de los niños privilegiados de universidades caras. El cliché del peligro era real y ellos lo vivieron. Esnifazos antes de entrar a clase. Esnifazos en la calle. Y ella era mi esnifazo. Una droga potente que te ponía a tope, hacía latir tu corazón a velocidades demenciales y al final, te dejaba derrumbado...

Radiohead no volvió a aparecer en nuestras conversaciones, no así como The BeatlesAhora que no nada de ella me parece un poco injusto que le hayamos dedicado tanto a ellosEl mito de The Beatles se ha vuelto una religión mejor conocida como "el Cuarteto de Liverpool", en la que está prohibido hablar mal de ellos, decir que tal o cual era mejor o que no inventaron mucho en realidad. La historia es una suerte de invenciones a la que todos le vamos agregando un poco cada día, pero The Beatles era un grupo de cuatro chicos geniales que aparecieron en una época en que no había individuos con ese encanto. No fueron los primeros. Pero hemos crecido creyendo que . Y cuando la recuerdo bebiendo cerveza y celebrando el sabor, llego a considerar que si existe una banda que debe ir acompañada detrás de la frase "la mejor banda de la historia", es Radiohead.

No The Beatles, no The Rolling Stones, no Pink Floyd, no Elvis, no Zepellin, no Michael Jackson, no The Doors, no Metallica, no Black Sabbath, no Berry y no -aunque por muy poco- Bowie o Hendrix. Casi todos ellos emergieron en un contexto que les permitió ser los dioses del rockSer los primeros en algo o llevar la magia a puntos inimaginables. En la época de crucifixión en redes sociales por pensar distinto, esto merecería vivir en el oscurantismo de quienes acaban de negar la existencia de una "verdad". Los dioses del rock cambiaron la historia, produjeron las canciones más increíbles de la existencia humana, pero posiblemente se trate de circunstancias, de personalidades -y no de conjuntos-, de situaciones favorecedoras. Del otro lado, Radiohead ha ido de menos a más, de las canciones de rock "alternativo", "rock británico" cuasi grunge, de tener la vena del rock americano de principios de los 90, a ser una banda que ha marcado un hito para misma.

Radiohead no pertenece a una época, sino a distintas erasHan formado parte de la historia del video/sencillo y de la radio, y atestiguado cómo cae el viejo imperio. Son parte de la era digital y de la era líquida. De la era del capitalismo a la postindustrial, de la ecología-capitalista a la biotecnología. Del modernismo a la ultracontemporaneísmo, a la deshumanización del individuo frente a las pantallas negras de la hiperconectividad. Empero, su grandeza no radica en que solo les ha tocado producir música en dichos períodos y que han reflexionado sobre ello, sino son responsables de algunos cambios incidiendo de manera directa en la "realidad". O en una de ellas. La distribución de In Rainbows fue el atentado contra el imperio, fue el golpe de Estado, fue la revolución.

In_Rainbows_Official_Cover (1)

C. prefería tener sexo que hablar de músicaNo se apasionaba con las descripciones de las canciones o con el debate de si el álbum debía ser producido por alguien más, como con compartir mis sábanasHuía por las mañanas. Tomaba un café y desaparecía, nunca le pregunté hacia adónde iba o si salía con alguien másA excepción de su trabajo, no sabía nada de sus hábitos, de qué hacía por las tardes o de cuándo descansaba, pero sentía que llevaba muchas vidas, tantas que ni ella sabía cuál estaba viviendoEstar con ella era similar a escuchar "Paranoid Android", creías que se trataba de algo y la historia daba un giro inexplicable que te dejaba a la deriva. C. y yo solo hablamos brevemente sobre la importancia de las bandas clásicas, escuchábamos The Alan Parsons Project, America, Toto, pero nunca Radiohead. No lo entiendo. Pero en aquellas noches de cerveza en mi departamento no daba la impresión de que disfrutara la melancolía de "Videotape" o el existencialismo de "Street Spirit (Fade out)".

You're my center when I'm spinning around

Muchos temas de Yorke rondan en el existencialismo, pero han encontrado la manera de distribuir el mensaje en cada reinvención musical. No hablemos de su reinvención a través de géneros, sino del desarrollo de nuevos conceptos sonoros. Por ejemplo, las percusiones de The King Of Limbs o la electrónica paranoica de Kid A. Pero quizá lo más importante de esta banda es que llevan el concepto del rock a sus cauces, a su manto original: la revolución tras comprender un poco las letras, comprender de qué se trata un álbum o sentir la música. Entendemos que hay algunas cosas que no están bien allá afuera y que van más allá de la política visible; cosas relacionadas con el orden mundial, con las decisiones económicas a niveles inimaginables, con el cambio climático, con el entorno sociodigital, con la vida misma¿Quién no termina de escuchar Hail to the Thief y quiere volverse loco porque lo que acaba de escuchar no se parece en nada a Amnesiac, porque si lo escuchaste a profundidad, es posible que entres a tu existencia mundana y porque tu experiencia sensorial fue modificada para siempre tras pasar por "The Gloaming"?

Radiohead - A Moon Shaped Pool

Un día C. desapareció, no supe si la extraña enfermedad que padecía la alcanzó o decidió alejarse de . No quise ir a buscarla, se había mudado de casa y no conocía su nueva dirección. Alguna vez mencionó que estaba cerca de la línea azul del metroPor lo menos, tengo certeza de que se pondrá muy contenta cuando vea que el nuevo álbum de Radiohead, A Moon Shaped Pool, incluye la versión de estudio de "True Love Waits". Podrá volver a rayar "I'm not living, just killing time" o, en todo caso, si la muerte la tumbó, aquel graffiti arderá nuevamenteNo importa si este lanzamiento vino en medio de un hype por su publicidad viral, fue una idea brillante desaparecer sus post en Twitter o Facebook y desaparecer sus lados B de los servicios de streaming, argumentando un cambio de distribuidora. No importa si algunos álbumes no son perfectos, ellos se han mantenido durante 30 años produciendo música relevante para el mundo entero. Y no importa si te gustan o no, ellos están cambiando al mundo, lo hacen dar vueltas y lo llevan haciendo desde hace años mientras otras bandas son conocidas por las disputas al interior, por los excesos, por sus polémicas declaraciones o por producir música mala. No importa si ya no nada de C., Radiohead la trae de vuelta a mi cabeza como un recuerdo desencadenado con una gran canción como "Glass Eyes" -¿no es la primera vez que Radiohead usa orquesta en un álbum?-, y aunque solo es una imagen, su rostro es igual de cálido a cómo era en realidad.

Cuando el recuerdo se acaba, cuando la canción languidece, cuando sus huellas comienzan a borrarse, aún habrá dispositivos propios de la nueva era, las fotografías digitales contando alguna historia que pudo ser pero que no ocurrió, pero ahí está, en esas grabaciones que son como una advertencia de la temporalidad:

This is my way of saying goodbye
Cause I can't do it face to face
So talking to you after it's too late
From my videotape

Y así como hay historias que adquieren otra perspectiva tras miles de círculos recorridos por las manecillas, estoy seguro de que en algún punto estaremos de acuerdo en que Radiohead es la banda más grande de la historia que jamás ha existido. Se contarán mitos de los genios que, tras muchas investigaciones, formularon cuestiones sobre el rock y su relación con el entorno. En la memoria de cada uno nos diremos que si The Beatles eran más famosos que Dios, entonces Radiohead es más importante que The Beatles. Amén.

Die Antwoord comparte "Dazed and Confused"

¡Escucha el nuevo sencillo de Die Antwoord!

Hace dos años que disfrutamos de la última producción discográfica del grupo sudafricano, Die Antwoord. Donker Mag (2014) reafirmó el poder de Ninja, Yo-Landi Vi$$er y DJ Hi-Tek en la industria musical.

Justo pudimos comprobar ese poder en sus visitas a la Ciudad de México con motivo de sus presentaciones en el Corona Capital -2012-  y el Vive Latino -2015. También se presentaron en el Hellow Festival de Monterrey.

Después de compartir un extravagante video para su sencillo "Ugly Boy", en el que hubo apariciones estelares de la supermodelo Cara Delevingne, Jack Black, Marilyn Manson y muchos más, hoy por fin podemos escuchar un nuevo tema de la banda.

Se trata de "Dazed and Confused feat. God", canción que será parte de un mixtape al que titularon Suck On This y verá la luz el próximo 19 de mayo.

Die Antwoord Dazed and Confused
 

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Beyoncé — Lemonade

En el caso de Beyoncé, la vida no solo da limones.

Hablar de Beyoncé puramente en términos musicales ya es casi imposible sin tener que recurrir a su vida personal. Al igual que otros intérpretes pop, como Taylor Swift o Justin Bieber, el trasfondo con dramas maritales o frustración mediática no solo sirve de inspiración para el contenido lírico, sino como paleta sonora. Mientras que Bieber quiso orillarse al lado minimalista tipo The xx para sus recientes confesiones, y la señorita Swift ventiló sus inseguridades disfrazadas de un disco de pop ochentero, la Queen Bey se vale de un arsenal caleidoscópico de géneros, colaboradores y sampleos para detallar una supuesta infidelidad, cortesía de su marido y mogul del hip hop, Jay-Z. Lemonade, su sexto álbum de estudio, es abrumador en todos los sentidos si solo lo vemos en el plano de “música de despecho”, pero en realidad es más que eso. 

Al escuchar entre líneas, sabemos que la tejana no sólo nos habla de una serie de anécdotas que terminarán siendo citadas en memes, cuentas de Tumblr o tatuajes inscritos en sus fieles seguidoras de "la colmena”. Lemonade habla del desgastante día a día físico y mental que sufren no solamente aquellos que llenan estadios, firman acuerdos lucrativos con refrescos o son rostros recurrentes en 9gag, sino también tu vecina, el primo de un amigo y hasta la tercera en discordia. Por supuesto que todas terminan siendo metáforas acusatorias que ponen en vergüenza a su cónyuge y a todo hombre -o mujer- que obstaculiza la felicidad bajo falsas pretensiones… La famosa “Becky with the good hair” en “Sorry” de la que tanto se ha hablado y presunta culpable de la crisis matrimonial de la pareja más poderosa de la industria musical.

Adicionalmente, Bey sabe que todos nos rodeamos de sonidos que provienen de distintas fuentes y estilos. Puedes ser un fan acérrimo de la electrónica y entrar a un mercado justo después de un truene donde te recibe el reguetón del puesto de la esquina: inmediatamente, el estado emocional se transforma. Sonoramente, Lemonade se trata de eso, de captar instancias e inseguridades en un momento donde tienes ganas de rockear o bailar pegadito cuando la ocasión realmente no lo amerita. ¿Te sientes vengativo? Deja que los riffs de Jack White te acompañen en “Don’t Hurt Yourself”. ¿La insuficiencia económica te lleva al homicidio? Los sampleos de “Walk On By” de Isaac Hayes y la urgencia de The Weeknd lo acentúan en “6 Inch”. ¿Los traumas paternales sólo se resuelven con sangre y country en el sur? Ahí está ese deleite campirano delicioso llamado “Daddy Lessons”. Al igual que en una zona de comida en un centro comercial, aquí hay algo para todos.

Sin embargo, las colaboraciones no aumentan meramente el factor estético del disco, son plan con maña. Si podrán notar en la lista de colaboradores -el ya mencionado White, Kendrick Lamar, James Blake, Ezra Koenig, Diplo, entre otros- verán que muchos de ellos forman parte de los equipos creativos e influyentes de los servicios de streaming más relevantes de hoy en día, entre ellos Tidal, la dicha y orgullo de Jay-Z. ¿Será una especie de cachetada con guante blanco gigante? ¿El mantener a tus amigos y enemigos cerca? Aquí es el punto cuando comprendemos que Lemonade no es ni un disco ni un concepto ni una estrategia mercadológica para fomentar la dignidad humana ante la adversidad, o para decir “suscríbanse a tal plataforma por $99 al mes”... Ok, sí es todo eso, pero es otra bestia mucho más cerebral y compleja. Es Beyoncé diciendo lo que es ser humano -masculino o femenino, soltero o casado, celebridad o vil mortal- en 2016.

James Blake – The Colour In Anything

Después de tres años, llega el esperado tercer álbum de estudio de James Blake: The Colour In Anything.

Pocos son los artistas que sobreviven a la “maldición” del segundo disco, pero después de su exitoso debut homónimo en 2011, el productor, músico y escritor James Blake llegó con un magnífico sucesor titulado Overgrown. Este material fue aclamado por la crítica: llevó a Blake de gira por distintas partes del mundo y pisó los escenarios de los festivales internacionales de música más importantes. Incluso, Overgrown lo hizo ganador del prestigioso Mercury Prize en 2013 y merecedor de una nominación a "Mejor Artista Nuevo" en los Grammy de 2014. Las cosas pintaban muy bien para Blake quien, junto a otros artistas, fue de los pioneros de un estilo musical donde ligeros fragmentos electrónicos y voces melancólicas iban construyendo la canción a lo largo de su curso. De alguna manera, esta estructura musical fue influenciando a otros productores y músicos a tal grado que, cinco años más tarde, podemos seguir percibiendo sus remanentes en canciones para ídolos del pop.

Pero con su tercer álbum de estudio, titulado The Colour In Anything, Blake nos muestra que, a pesar de colaborar con artistas de otros géneros musicales como Beyoncé, Kanye West, Chance The Rapper o Drake, él se encuentra justo donde quiere y puede sonar tan fresco y auténtico como lo desee. La frase con la que empieza el disco, “I can’t believe this, you don’t want to see me”, nos muestra sin tapujos el ánimo que tendrá gran parte del disco. En “Radio Silence”, Blake plantea una especie de metáfora en la que, al igual que la repentina ausencia de transmisiones de radio, la persona que él ama se ha ido, dejando atrás todo lo que tenían juntos. Renunciar a la persona que amas es de las cosas más difíciles que deben existir, y en “Love Me In Whatever Way” podemos notar lo lejos que puede llegar esta necesidad por alguien, hasta llegar a un punto en que aceptas cualquier forma de afecto que esa persona pueda darte. Es entonces cuando despiertas un día y no puedes encontrar los colores que antes veías cuando eras feliz. “The Colour In Anything” relata, al ritmo de un piano afligido, cómo a pesar de esforzarse por enmendar las cosas la lucha no siempre es recíproca. La relación que tienes no es más lo que solía ser. Las cosas cambian con el tiempo, y en “Modern Soul” Blake habla del proceso del colapso, cómo se dio cuenta que todo era diferente para después llegar a la conclusión de que debía terminar. Tras la pérdida, comienza un intenso viaje emocional para la sanación: en “Choose Me”, James se pregunta a sí mismo en qué falló, si fue malo. 

Después de un incendio fuera de control, lo que sigue es comenzar de nuevo. Y es que tras la destrucción que trae el fuego, en “I Need a Forest Fire”, James y Justin Vernon de Bon Iver hablan sobre la oportunidad que hay para restaurar lo dañado en un nuevo terreno totalmente fértil. En este álbum, además de las relaciones trágicas, el tema constante es el cambio. Los cambios son necesarios. Lo más complicado es quizá decidir si es mejor adaptarse a ellos, o hacerte a un lado y crear un nuevo sendero. Algo que también es cierto es que James Blake está tomando un nuevo curso en el estilo de su música. Algunos elementos nos parecieron familiares, como la voz distorsionada en “Meet You In The Maze” o los loops de frases en “Points”, así como el upbeat en “I Hope My Life”; mientras que los metales en “Waves Know Shores”, las percusiones de “Two Men Down” y algunos elementos electrónicos en canciones como “Noise Above Our Heads” pueden parecer un poco ajenos a Blake, y sin embargo no molestan en lo absoluto.

La participación de Frank Ocean tampoco pasa desapercibida: “My Willing Heart” es uno de los más sobresalientes en todo el disco, tanto por lo que dice y por cómo se escucha. No obstante, muchos nos quedamos con las ganas de escuchar a Kanye West en “Timeless”. Desafortunadamente, Blake confirmó que el verso nunca se materializó.

El esquema de un disco inspirado en un heartbreak sigue dando mucho material, la diferencia entre si son buenos o son una porquería la va a aportar el artista, y a pesar de que en “Put That Away And Talk To Me” James habla sobre un bloque creativo que tuvo al realizar este disco y su intento de solucionarlo al fumar marihuana, el resultado es magnífico.