Ramona se une a Daniela Spalla en “Nada Que No Quieras Tú”

Posted on octubre 22, 2020 by -

La fusión entre Ramona y Daniela es es una canción que habla del amor y el afecto que guardamos dentro de nosotros para los seres que amamos.

Ramona libera un nuevo sencillo que formará parte de su próxima producción discográfica, el cual lleva por título "Nada Que No Quieras Tú" y ha sido lanzado a través de Amuse. Además, cuenta con la participación de Daniela Spalla. Esta colaboración se dio de una forma inesperada, pues mientras la banda estaba radicando en México, tuvieron la oportunidad de verse y grabar en un estudio de Coyoacán.

El tema principal de la canción es el amor, especialmente remarca la importancia de disfrutar lo cotidiano y de no olvidarlo, sin sobreponer lo mundano y todo aquello que se interponga de forma material. Su objetivo es hacernos reflexionar sobre los momentos del día a día, que, aunque parezcan efímeros, son lo que al final de todo, nos permiten salvarnos de todo lo negativo.

Respecto a la música, podemos escuchar un juego entre el piano, cuerdas frotadas y la batería, que le dan una entrada fuerte a la voz de Jesús Guerrero, para que posteriormente se fusione con la dulce voz de Daniela Spalla. Si bien, el final es poco abrupto porque cierra de forma inesperada con la percusión de un platillo, pero es un final interesante, debido a que la pieza completa está construida de una manera armónica que nos permite disfrutarla por completo.

Dale play a continuación a "Nada Que No Quieras Tú":

Win Butler alude que habrá más de un material de Arcade Fire

Posted on octubre 22, 2020 by -

Cuando la situación mejore, la agrupación canadiense regresará al estudio por más de una entrega.

Los fanáticos de Arcade Fire han estado viviendo episodios de incertidumbre debido a las diversas declaraciones que los miembros de la banda han realizado a lo largo del año. Hace unos meses, Win Butler comentó que la agrupación se encontraba trabajando en la producción de su siguiente material discográfico, solicitando a sus fanáticos un poco de paciencia, pues la pandemia les estaba impidiendo trabajar con regularidad.

Sin embargo, en el marco de la celebración del décimo aniversario de The Suburbs, Rick Rubin de Broken Record, entabló conversación con el músico, quien comentó que aprovechó el confinamiento para escribir mucho material que servirá como continuación de Everything Now (2017), insinuando que probablemente no lanzaran una sola entrega, sino incluso hasta tres.

Ahora estaríamos llegando al final de la grabación de un nuevo álbum, creo; así que en vez de eso escribimos dos o tres. Después de la última gira, se sentía como estar en la montaña rusa y una vez que tu cuerpo trabaja, no hay quien lo pare, así que sólo he estado escribiendo. No puedo recordar un momento en el que haya escrito más. Se siente como tener 18 años, sentado al piano durante cinco días seguidos trabajando en una melodía", expresó Win Butler.

Da play ahora para escuchar la entrevista completa:

La grabación de su nuevo material se tuvo que posponer debido a las dificultades a las que se enfrentaron al momento de grabar. No obstante, los fanáticos de Arcade Fire han recibido un poco de música de Will Butler y Jeremy Gara; quienes lanzaron una larga duración como parte de su proyecto en solitario.

Pop que sabe a punk, la enérgica apuesta de Temerario Mario

Posted on octubre 22, 2020 by -

¿Estás carente de emoción? Temerario Mario viene a batearte y besarte con su single debut y su energía sonora.

Pensar en la gran escena de bandas que en España se ha cimentado a lo largo de más de 30 años sugiere creer en un amplia gama de sonidos. Estos van desde sus características agrupaciones de pop y rock hasta sus enigmáticas bandas de punk o metal. Justo en medio encontramos a Temerario Mario, que con su primer single muestra una energía sin precedentes.

Mario Del Valle Montero, conocido por su trabajo como guitarrista en la banda Carolina Durante, emprende su proyecto como solista bajo el alter ego de Temerario Mario. Y recientemente ha sacado a la luz su sencillo debut "Quiero Besar", que llega gracias al sello Sonido Muchacho en compañía de la producción de su colega Juan Pedrayes.

Temerario Mario

Un cañonazo de 59 segundos representa "Quiero Besar". Literalmente, en menos de un minuto el artista logra plasmar una obra cruda y potente, que con guitarras sin mucha distorsión y un beat veloz se crea una canción con el color intenso del pop y la emoción de los pogos en el punk.

"Porque soy el puto amo, y me lo creo demasiado. Y aunque no lo sepáis ya os he besado", señala con mucha potencia el artista español en una canción que habla sobre el deseo de sentirse con vida. Este tema es, en sí, un himno a esos momentos donde sentimos que de verdad la sangre corre por las venas, ya sea con un beso o con un batazo en la cara.

Te invitamos a darle play a "Quiero Besar" y dejarte llevar por el poder sonoro de Temerario Mario.

Puedes conocer más sobre las novedades que prepara Temerario Mario en sus redes sociales y desde luego en Indie Rocks!

Lebanon Hanover — Sci-Fi Sky

Posted on octubre 22, 2020 by -

Sci-Fi Sky: El lenguaje con el que Lebanon Hanover conceptualiza las alteraciones de los (eco)sistemas.

Antítesis de la última década: No. The World Is (NOT) Getting Colder. El mundo ebulle, sofoca, arde y -literalmente- se derrite. En agosto del año pasado se declaró la muerte del glaciar Okjökul* y, semanas después, el fuego (provocado, minimizado e  ignorado) se extendió por la Amazonia. El efecto domino inauguró 2020 con la amenaza de desaparición de 327 especies en Australia, la calcinación de la fauna de Córdoba y una crisis sanitaria que ha escurrido los efectos del biocapitalismo. Con Sci-Fi Sky (2020), la propuesta de Lebanon Hanover no se distancia de entregas anteriores; la invitación es explícita -y ,en cierta parte, atemorizante-:

Edifica tu propia metrópolis; si lo deseas, puede parecerse a Berlín, Atenas, Londres, Shanghai o Zürich. Escoge la construcción más alta, toma el elevador y dirígete al último piso. Pon las puntas de los pies en las esquinas en las que sientas vértigo. Tenlo en mente: La gravedad apesta. Haz algo de lo que sueles privarte: Contempla el mundo

           ... y diseña una mejor versión.

***

La dupla no es ajena a la realidad global: Desde hace algunos años, Larissa Georgiou (Iceglass) vive en Alemania. “Perdamos nuestra(s) vida(s) digital(es)”, corporiza en una de sus prendas. La línea central en “Hall Of Ice” resulta poco funcional en estos días, así que le es imposible silenciar el escepticismo climático al que se aferran partidos de ultraderecha e influencers jóvenes que mastican los eufemismos del Instituto Heartland. Por su parte, William Morris (Maybelline) tiene una casa en Grecia, país que constantemente es amenazado por olas de calor, desertificación e incendios forestales que -como ocurrió en 2018- cobran la vida de decenas de habitantes del área costera.

Es cierto: El coronavirus no fue causado -directamente- por el calentamiento del planeta. Sin embargo, (nos) ha puesto a pensar sobre las alteraciones de los (eco)sistemas. El cierre de escuelas, plazas públicas, malls, negocios y centros de entretenimiento ha fotografiado el vacío de los paisajes y, por supuesto, de la simulación y del autoengaño de lo que entendíamos como ‘normalidad’

...una que difumina fisuras y encuentra estratégica la confianza en “alteraciones mínimas”.

Lo reitera y advierte Maybelline acompañado por un híbrido entre Selofan, Xmal Deutschland y alguna banda cercana al sonido de Urfaust o Darkthrone: Estamos y somos cercanos/as a la extinción. Ya no es una sugerencia: Pensemos nuestros sentires y mutilemos las narrativas que -aparentemente- nos dan comodidad . 

Sin duda: A lo largo de Sci-Fi Sky replicamos la consigna de una pieza que ,lejos de remitirnos a las pinceladas industriales en Sable (2015) y The Ultimate Climax (2018), materializa las directrices que nos obligan a dar vuelta al pesimismo y pasividad de “Fuck 2010, Fuck the Future, Fuck Everybody”. Podemos ser escépticos/as ante un futuro prometedor, pero rechazamos el destino de morir en un océano digital. La resignación es selectiva. 

Los porqués de un ‘nuevo movimiento nostálgico’ y su permanencia:

Larissa Iceglass y William Maybelline no hacen música ambigua. En caso de duda en “Autofocus Has Ruined Quality” e “Invite Me to Your Country”, semanas posteriores al lanzamiento de Tomb for Two (2013), Larissa recordó la premisa (y el auxilio) fundacional de Lebanon Hanover: “Son tiempos difíciles para los/as románticos/as de este siglo”. 

En septiembre se cumplieron siete años desde que el dúo aseguró que la tristeza, indignación y pasión son parte y vía de la rebelión. El abandono que sintió la compositora al refugiarse en el campo no se trasladó a sus bases creativas; quedaron blindadas en las páginas de su diario. Agradece su reconexión con la naturaleza. Pese a la  salinidad que ahoga al personaje de “Golden Child”, las palabras se disuelven y mutan en la tripla lírica más fuerte del álbum: “The Last Thing”, “Hard Drug” y “Your Pure Soul”. 

El eco a la acústica de “Broken Characters” (“Angel Face”), la saturación de la percusión (“Come Kali Come”), el destello rítmico a los temas de Why Not Just Be Solo (“Garden Gnome”) y la sugerencia de desempolvar los cassettes de The Cure (“Living on the Edge”) son un respiro urgente (y engañoso a ratos). 

***

“¿Tuvimos lo suficiente?, ¿conectamos con la profundidad necesaria?”,  se cuestiona Iceglass en “The Last Thing”. “A nadie le gusta confesar que no amó como quisiera”, acusó durante una charla que tuvo con Ernesto Olvera en días recientes. “The Last Thing” y “Third Eye in Shanghai” evidencian dos de las claves en las que está apoyada la línea discursiva de Lebanon Hanover en Sci-Fi Sky: 

  1. Si se busca alguna canción de club (como lo serían “Babes of the 80s” o “Totally Tot”), lo mejor será desmenuzar el catálogo de Fabrika Records (por ejemplo: “Metallic Isolation” de Selofan) o acercarse a entregas como la de Gil’otina (Orgán).
  2. Las implicaciones de creer y defender  la utopía de edificar una metrópolis propia: 

Escoger la construcción más alta, tomar el elevador y dirigirse al último piso. Poner las puntas de los pies en las esquinas en las que sintamos vértigo. Tener en mente que la gravedad apesta. Hacer algo de lo que solemos privarnos: Contemplar el mundo y diseñar una mejor versión

  ...incluso cuando los pronósticos nos obliguen a (des) habitar (eco)sistemas artificiales.

 

En réplica al grabado de “A letter to the future”*, esta es la propuesta de Larissa Iceglass y William Maybelline en 2020. 

¿Una sugerencia para disfrutar los 50 minutos de Sci-Fi Sky?:

Bring Your Own Wine.  

Entrevista con Gabriel Garzón-Montano

Posted on octubre 22, 2020 by -

Gabriel Garzón-Montano y el despertar de la identidad.

Dos semanas han pasado desde el lanzamiento oficial del segundo disco de Gabriel Garzón-Montano, Agüita. Sin embargo, el camino para que este álbum viera la luz fue de casi 3 años, ya que varias versiones del disco fueron desechadas y, por primera vez en su carrera, tuvo que tomar la decisión de grabar todas las vocales por segunda vez

Este proceso lo llevó a una búsqueda interna que lo obligó a explorar su propia identidad a fondo. El músico ha terminado por reflejar en Agüita lo que se siente vivir en un país multicultural, como lo es Estados Unidos, pero al mismo tiempo ser un extraño en casa.

De repente uno se está olvidando de su herencia, está imitando gente que no es, se está cortando la posibilidad de ser alguien más natural, se está enredando en la identidad cultural. Imagínate estar en 2013, irse a Los Ángeles con un nombre como el de Gabriel Garzón-Montano, cantando en inglés, la gente no lo entendía”.

Y aunque no abandona su primer idioma, el inglés; para este disco ha decidido dar un mayor protagonismo al español, que se convierte en el responsable de sus primeras incursiones en el trap; ejemplo de ello es el single que da nombre al disco.

Cantar en español es delicioso, porque suena todo, cómo se reparten las sílabas, esas divisiones son muy regulares. Es un punto de acceso diferente en mi experiencia corporal, auditiva, cultural, lingüística, entró en otro modo de ser”.

Si bien para muchos esta es su carta de presentación, Garzón-Montano ya tiene una carrera dentro de la escena R&B americana. En 2014 debutó con el EP Bishouné: Alma del Huila, el cual distribuía de manera independiente en cada tienda de Nueva York. Fue así que una copia llegó a las manos de Drake, quien utilizó las bases del tema “68”,que más tarde se convirtió en “Jungle” una de las canciones dentro del aclamado mixtape “If You’re Reading This It’s Too Late”. El resto es historia: festivales, conciertos y una carrera en notable ascenso.

Si bien este álbum sale en una disquera mucho más grande, las experiencias que ha tenido a lo largo de su carrera le han hecho que ver que puede evitar las reglas del juego de la industria.

Todo el primer año estuve con este estilo R&B, que fue como me vendí originalmente, y lo que la disquera esperaba de mí. Ahora fue diferente, llegué con el paquete completo en plan de: ‘si no lo quieren yo se lo vendo a otro’. Entonces yo controlo mi obra, yo toco todos los instrumentos y hago toda la producción”.

En Agüita se encuentran diez tracks que muestran 3 partes de la personalidad del músico: la influencia de su madre de origen francés, sus aventuras en el R&B y su más reciente incursión en el sonido urbano, específicamente el trap. Todo esto cubierto de una estética única que acompaña cada una de las identidades mostradas a través de la música.

La idea de personajes, es a partir de mis intereses y de ver cómo encaja cada una de ellas en un todo, que de entrada puede parecer muy loco”. Pero estos no son tres artistas diferentes, es uno solo que está cansado de vivir en las etiquetas y quiere mostrar todo lo que es por dentro. Garzón-Montano nunca para de trabajar y promete más cosas para este disco, además de estar trabajando ya en nueva música.

Si bien el camino no ha sido fácil, él tiene claro que va sobre el correcto. “Esto de la plata y de este movimiento tan violento que es el capitalismo no me importa. Entonces yo estoy aquí para crear arte, para mover la conciencia, para dejar un testimonio de lo humano. Quiero que las niñas y los niños que crecen en un mundo tan horrible, puedan ver algo humano que no les quiere engañar nada.”

Ela Minus — acts of rebellion

Posted on octubre 22, 2020 by -

La cantante debuta entre olas electrizantes, beats profundos y una sinfonía de sintetizadores que brota de lo más profundo del ser.

Una vez que los sintetizadores aparecieron, fue difícil dejarlos pues no solo nos ponen a bailar, sino que nos tienen a la expectativa de algún futuro. Ela Minus siempre tuvo interés por estas pequeñas máquinas, lo que la llevó a explotar su potencial y revolucionar sus ideales. En acts of rebellion, álbum debut de la colombiana, podemos disfrutar de una sinfonía de sintetizadores que ella misma se dedica a diseñar, construir y programar.

Su pequeño, pero intimidante set no son solo botones y cajas; cables y conectores, Ela llega a conocerlos tan bien que logra fusionarse con estos y plasmar lo que su corazón dicta para los temas presentes. Las vibraciones que se perciben no son más que partículas de la artista desintegrándose y fluyendo por las entrañas de los sintetizadores que desatan versátiles sonidos electrónicos con una intensa carga política.

Al comenzar con “N19 5NF” una máquina toma posesión del humano que, entre presurosas revoluciones en el sonido, crea una atmósfera brumosa con brillosos tintineos que nos transportan a un nuevo mundo. En “they told us it was hard, but they were wrong”, las ondas eléctricas están acompañadas de una voz susurrante dispuesta a rondar nuestra cabeza. Un tema dinámico en el que las altas y bajas son necesarias para dar paso al primer discurso sobre lo lejos que pueden llegar las cosas, cuando resultan ser más simples de lo que parecen. “El cielo no es de nadie” se caracteriza por beats voluminosos que se contienen para cuestionarnos y reflexionar sobre nuestra identidad al entregarnos por amor y, posteriormente, seguir.

“Megapunk” es liberador, en donde el grito de protesta es evidente, ya que los días de silencio han terminado y la continua lucha no nos impide seguir para defender nuestra tranquilidad y la de todas aquellas que nos rodean. La solemnidad de “Pocket piano” nos remonta a una llamada telefónica al distinguir ligeros tecleos y una llamada que está por concretarse en un ambiente cristalino. ¿Cómo nos han sentado los días de soledad? Los días se vuelven eternos y el insomnio es nuestro único acompañante como se narra en “dominique” es una constante lucha en la que la voz y los sintetizadores buscan sobresalir. haciendo un perfecto contraste entre beats penetrantes y una voz etérea.

Los cambios de dimensiones pueden resultar agobiantes, como sucede en “let them have the internet” olvidando qué pasa en nuestra realidad. “tony”, en cambio, es un tema que nos coloca en un estado de confusión alimentado de estridencias fugaces poniendo sobre la mesa las cosas la opción de realizar cosas simples como una caminata o un baile. “do whatever you want all the time”, una experiencia casi extrasensorial en el que gotas cristalinas parecieran estar cayendo constantemente, provocando ligeros ecos y notas que van ascendiendo, dando paso al final.

Por último, "Close" logra liberar de toda tensión colocándonos en ambiente ligero y fluido después de una lección bien aprendida. Ela no se encuentra sola ya que es un tema en colaboración con Helado Negro. Al regresar a un estado sereno, hay algo que se va a quedar dentro de nuestra mente y es la voz que resuena una vez al terminar. La fuerza y energía que Ela impregna a su trabajo es un halo de luz en medio de la oscuridad que no se presta para dar un paso en falso, sino para seguir danzando con movimientos firmes en un suelo inestable.

Escucha 'Como Entrar Y Salir De Un Laberinto' de Wonderfox

Posted on octubre 21, 2020 by -

El primer disco de larga duración por parte de Wonderfox ilustra con emocionantes sonidos shoegaze y dream pop una serie de canciones sobre la salud mental.

Recientemente el proyecto encabezado por Isabel Valencia, Wonderfox, ha presentado su primer material de larga duración. Este tiene como nombre Como Entrar Y Salir De Un Laberinto y está disponible vía independiente.

El proyecto con base en Los Ángeles presenta en este disco de 10 tracks la conclusión a una serie de temas que fue mostrando desde finales de 2019. Es una obra emocionante donde el rock coquetea con distintas vertientes como el shoegaze o el dream pop para presentar una gama de sonidos oscuros, enérgicos y estimulantes.

La cantante colombiana convive con juegos de guitarra, bajos y sintetizadores potenciados y baterías virtuosas. Todos estos fueron creados por la cantante desde su casa, en una computadora con elementos digitales. Tiempo después, con ayuda del ingeniero de sonido de este disco, Nico Staub, los sonidos se trasladaron al análogo, otorgándole un factor humano muy colorido a cada canción. Fue masterizado en Argentina por Mike Odone posteriormente, quien ha trabajado con Alex Ubago y Carlos Baute.

Wonderfox_2020

La trama principal de este disco es la salud mental. La cantante crea en cada letra diferentes historias catárticas que le recuerdan a los escuchas que se pueden identificar con cada canción que no están solos pese a todo lo malo.

Se puede salir y que merecemos ser amados, empezando por el amor propio", señaló Isabel Valencia.

"¿Será Para Mí?", "No Nos Dejemos Caer", "Aquí Sigo", "Todo Va A Pasar" y "Creer Que Puedes, Justo Antes de Poder" destacan e ilustran el honesto y contundente mensaje que emana Wonderfox. El resultado es una obra llena de matices y altibajos que concluyen en la idea de que hay que amarse primero a uno mismo para después poder retomar el camino.

Te invitamos a darle play a continuación., y a conocer más sobre el proyecto dando clic aquí.

Escucha “Ceremonia”, lo nuevo de Margaritas Podridas

Posted on octubre 21, 2020 by -

"La luna llora estrellas y se eleva ante la hoguera de brujas", expresa la banda y te invita a unirte a su propia versión de cuento de hadas.

Hoy por la mañana, Margaritas Podridas compartió con sus seguidores un nuevo sencillo titulado "Ceremonia". La canción es una mezcla de suaves guitarras e hipnotizantes coros, que muy probablemente harán viajar a más de una persona por el universo mágico que recrea la banda originaria de Hermosillo, Sonora.

"Ceremonia" llega luego de "Pétalos Mordidos" y "Wow", los sencillos promocionales de lo que será su segundo material. Ahora bien, este track de aproximadamente cinco minutos, fue grabado en el estudio Onda Sonora ubicado en su ciudad natal. Sebastián Neyra se encargó de mezclarla y producirla mientras que Santiago Padilla llevó a cabo las masterización. Además, la agrupación compartió el video oficial dirigido por  Karl Neudert, vocalista de Señor Kino.

¡Dale un vistazo a su trabajo audiovisual, a continuación!

El próximo 7 de noviembre, Margaritas Podridas se presentará en la primera edición virtual del Festival Flotante en conjunto con otros interesantes proyectos musicales de Latinoamérica, así que no te lo pierdas. ¡Ojalá que los estrenos de la banda continúen! Mientras tanto, te invitamos a que te sumerjas en el rock psicodelico que  Carolina, Esli, Alfonso y Rafael proponen a la escena musical mexicana.

 

The Beths lanza el video oficial para “Mars, The God Of War”

Posted on octubre 21, 2020 by -

Además del videoclip oficial, la banda neozelandesa está feliz y emocionada de poder presentar sus nuevas canciones en vivo.

Recientemente, The Beths compartió el audiovisual para la canción "Mars, the God of War", la cual está incluida en su último material discográfico que salió el pasado 10 de julio a través del sello Carpark Records. A lo largo del video, observamos a la banda planeando un asalto y armando una persecución por las calles de su natal país de una forma totalmente bizarra y divertida.

El metraje sale a través de la casa productora Sports Team, fue dirigido y editado por Callum Devlin y Annabel Kean, quien también se encargó de los efectos especiales y la producción en general. Además, de acuerdo con los directores, The Beths se caracteriza por ser un grupo de músicos geniales y un equipo comprometido, inteligente y eficiente, por lo que reconocieron que han sabido convertir el trabajo colaborativo de una banda de rock indie en un "arte en sí mismo".

¡Dale play al video, aquí!

Pasamos un día frenético tratando de agotar cada mordaza que pudimos. Tristan y Callum construyeron una plataforma de cámara montada en el capó para el auto de fuga, Jon se coló en una sala de servidores para una toma de 'pirateo', Ben perdió una aleta de buceo en aguas profundas en Ponsonby Wharf y Annabel encontró una paloma real para que me liberara de los tejados de Karangahape Road.

¡Esperamos que les guste el video!", expresó Elizabeth Stokes.

Nueva Zelanda es el único país en el mundo que no ha registrado casos de COVID-19 desde hace algunas semanas, es por eso que muchas de sus actividades cotidianas han vuelto poco a poco a reanudarse, como es el caso de los shows en vivo y bajo estas circunstancias, diversas bandas han decidido reanudar sus presentaciones como en el caso de The Beths, quien no ha parado de trabajar y continua con la promoción de su álbum Jump Rope Gazers.

Con Nueva Zelanda libre de COVID, hay una alegría y una euforia palpables al poder reunirse y hacer algo. Nos sentimos muy afortunados”, expresó la banda.

The Beths también anunció la transmisión de su presentación en Auckland Town Hall el próximo 14 de noviembre a las 23:00 H, con la que pretenden compartir sus nuevas canciones y pasar un buen rato con sus seguidores que no puedan asistir al evento en vivo. Las entradas virtuales, las puedes adquirir a través de su página de Bandcamp. De igual forma, la agrupación tiene programada una gira en noviembre por su país y si todo marcha bien, han agendado fechas para recorrer el Reino Unido y Europa durante el mes de marzo de 2021.

Te dejamos con su álbum Jump Rope Gazers y ¡no te olvides de seguir a Indie Rocks! para más estrenos de The Beths!

 

Matt Berninger — Serpentine Prison

Posted on octubre 21, 2020 by -

A 41 minutos del abismo, el primer registro en solitario de Matt Berninger lleva la poesía y la desesperación a escenas musicales sublimes y elegantes.

La maratónica aventura de The National desde 2017 ha dejado una cantidad muy grande de conciertos e historias referentes a la agrupación, volviéndola incansable. Desde el lanzamiento de Sleep Well Beast y su tour, para seguir sin descanso a la producción de I Am Easy To Find y su respectiva gira en 2019. Solo la pandemia pudo detenerlos, pero Matt Berninger decidió continuar con el ritmo de trabajo y presentar este año su debut en solitario, Serpentine Prison.

Aprovechando el encierro para crear un álbum en Venice Beach que inicialmente iba a ser de covers, el artista buscó al ícono del R&B, Booker T. Jones para producir esta obra, así como compañeros de banda y amigos que le han acompañado durante su carrera. El mismo productor alentó al cantante a darle un enfoque a este material sobre sus creaciones, y fue así que Berninger abrió su mundo para crear uno de sus trabajos más íntimos y también, más prolíficos.

Matt Berninger_studio_2020

A Serpentine Prison hay que alejarlo de esta tendencia suicida de escuchar discos, donde esperamos un factor sorpresa, o un hit que reviente los servidores de streaming. No, este disco se disfruta sobre la marea baja, la pelea no es en una pista de baile, más bien, el cuerpo es el campo de batalla, la batalla de la mente. Por ello, hay que disfrutar del camino de esta pieza, que sin duda llega a un destino poco convencional.

Desde un inicio con "My Eyes Are T-Shirts", el cantante desnuda sus ansiedades, donde las palabras se le vuelven a la cabeza y su lengua se convierte en "una biblia dentro del cajón de un escritorio". Al final puede desahogar toda la inquietud al admitir que su objetivo es la compañía de ese ser amado que le hace sentir bien.

Las inseguridades de Matt Berninger juegan un papel importante con la poética de este disco. La angustia por no ser suficiente como padre, esposo e hijo aparecen poco a poco. La dedicatoria a su mundo también incluye el recuerdo de una pelea con su padre, a quién dedica este disco, aunque no hable sobre él. Estos temas han abrumado de manera constante a Berninger, cabe señalar como ejemplo "Oblivions" o "Light Years" en el disco pasado de The National.

"Distant Axis" y "One More Second" son muestra de las cosas que pueden llevar a la desesperación a Matt. El primer tema por la lejanía y esos espacios que no permiten a las personas conectarse entre sí, ese momento de ceguera donde lo único que necesitamos es amor, aunque nadie lo entienda. Por otro lado, la segunda canción es la tormenta tras ver perdida una relación, la distancia se hace real, donde se suplica por un segundo, o tal vez una vida, para recuperar a ese amor perdido.

Llegando a este punto, es necesario hacer notar la potencia sonora que enarbolan los arreglos de piano. Estos recrean armonías suaves y también solos llenos de fuerza, son la base sonora junto a las guitarras que deambulan de forma sobria sobre baterías golpeadas de forma sutil con escobillas.

A esta base sonora se añaden emocionantes arreglos de vientos y cuerdas, cada uno distribuido de manera suave, aunque con distintas texturas que se empatan con los tonos graves y sobrios de la voz del cantante. "Loved So Little" tiene grandes espacios sonoros dentro de su estructura que permiten observar este intervalo, mientras se enuncia una queja sobre lo complicado que es vivir mientras recibes poco o nulo amor.

Matt Berninger__

En un sentido más suave, la mitad del álbum es un poco más minimalista y sistemática. "Silver Springs" vuelve a los elementos sencillos, mientras la voz de Gail Ann Dorsey le cubre las espaldas a la de Matt Berninger para complementar las ideas, así como lo hizo en "Roman Holiday" para I Am Easy To Find. Mientras el cantante está a punto de llegar a una crisis, Gail responde de manera madura y elegante para abandonar un lugar donde tus ideas y sueños no tienen espacio.

"Oh Dearie" y "Take Me Out Of Town" representan el nudo al que llega el conflictivo discurso del disco. La primera enuncia sobre una pieza folk un vacío personal, donde pides a los que te rodean alejarse para que no sean arrastrados por una tempestad que es solo tuya. Por su parte, en la siguiente canción Berninger se encuentra al borde del abismo, lo tienta y está a punto de saltar y es el momento donde finalmente pide ayuda. Un escape a la vida intensa de las ciudades, tiempo para recuperarse y sobre todo no sentirse desamparado ante los embates de la vida es lo que pide.

El momento más emotivo y tal vez más importante lo podemos encontrar al cierre del disco. "Collar Of Your Shirt" es una pieza que va creciendo poco a poco, donde la interpretación del cantante se vuelve atípica, donde su canto se vuelve más escandaloso y dramático, mientras explota diciendo todo lo que se guardó durante mucho tiempo.

Matt Berninger_

"All For Nothing" es el escenario posterior a ese momento tenso antes narrado. Desde el vacío se acepta el final con alguien para seguir de manera solitaria un renacimiento que está por venir. Esta canción también es una queja tal vez a esos instantes de estrés y tensión que terminan por servir para nada, por ello el artista aqueja con un coro incesante y un piano de carácter triste estos motivos.

"Serpentine Prison", tema homónimo con el que finaliza el álbum incluye tal vez un poco de redención dentro de su triste cántico. El cantautor encontró una tubería que se dirigía al mar, específicamente a una zona restringida que no permitía le libre paso al mar. La prisión de la que tanto habla Matt está en todos lados, a pesar de alejarse de los problemas o no querer verlos.

Matt Berninger se sale del rock de las grandes ciudades para adentrarse en una obra personal llena de ansiedad y poética sublime para comprender que dentro de la soledad, el vacío y las inseguridades, también hay amor y regocijo. Te invitamos a disfrutar de este disco sentado, no pierdas mucho tiempo esperando un coro pop y déjate llevar por un camino suave y emotivo.

Puedes obtener tu copia de Serpentine Prison dando clic en su portada.

Matt Berninger_Serpentine Prison