Posted on febrero 18, 2021 by Ana Rodríguez -
Percibe la música a través de diferentes experiencias y fluye en un viaje reflexivo.
Amanda Mura, Elías Armijo, Raúl Moya, Millaray Gibert, Javiera Hunfan, Pedro Salgado y Vicente Verdugo se unieron hace poco más de cinco años para arrancar un proyecto musical al que denominaron Sube. Su sonido, fielmente influenciado por el rock progresivo, el jazz y los ritmos latinoamericanos, ha cautivado no solo a la audiencia de Chile, su país natal, sino a diversos países que quedaron sorprendidos con el lanzamiento de Etereopuerto (2016) y ahora disfrutan de los viajes reflexivos que ofrece Re-versa (2020), su segunda larga duración.
Para este material, la agrupación se concentró en reversar conceptos como la vida, a través del amor y la perspectiva que cada participante tiene sobre la música. Por ello es que invitaron a diferentes artistas a que colaboraran en el proyecto.
Cada persona percibe de una forma diferente las experiencias musicales. Es por esto que invitamos a músicos y artistas colaboradores para que plasmaran su propia percepción sobre estas composiciones. Dentro del álbum hay canciones que se reversan entre sí, de modo que las melodías pudieran abordarse desde distintas emociones”, explicó Sube a través de un comunicado de prensa.
Alfredo Tauber, Felipe Paz, Jacinta Egaña y Martín Semler son algunos de los invitados en este material que se escribió en el marco de las protestas de Chile y que invita al escucha a hacer una reflexión sobre lo sucedido no solo en el país, sino en el mundo.
Este disco abre una posibilidad de cambiar una constitución que viene agotada hace años por la ineptitud y avaricia de nuestros gobernantes, la injusticia del sistema de educación, de salud y de pensiones, y la constante postergación de lo humanitario y lo natural. Es momento de reversar, reinventar, de parar y reflexionar, para aprender de nuestras experiencias de vida y cultivar un presente diferente para todxs”, añadió la agrupación.
Re-versa ya se encuentra disponible en todas las plataformas de streaming. Te lo compartimos a continuación para que lo disfrutes:
Posted on febrero 18, 2021 by Melissa Pérez -
Destrucción total en canciones de 2 minutos.
“Prende el fuego, prende el fuego ya, que arda todo, que arda la ciudad, que mueran todos y que yo queme igual”, es la letra de “Que Arda” que se escucha entre guitarrazos violentos, gritos rasposos, bajos potentes y baterías destroza tímpanos.
Punk, industrial, dance punk, crossover metal con riffs hiperactivos y rabia sin filtros, es la mezcla idónea para incendiar la sangre en nuestro cuerpo, sacar el enojo de nuestro interior y liberarlo sacudiendo violentamente el cuerpo.
El año pasado, Nick Trampolino, Ximo Barceló, Salva Frasquet, África Mansaray y Miguel J. Carmona, lanzaron 27 minutos de música en su álbum debut, una podrida combinación de 12 temas tan agresivos que son completamente satisfactorios.
Pódium es un revitalizante sexual para la “antigua” música de guitarra, si ya ha pasado un tiempo que una banda con guitarras te sorprendiera, más vale escuchar un minuto de su música para despertar esa vieja emoción que hace mucho no sentías.
Al escucharlos, el deseo de verlos en vivo aparece casi al instante, solo nos queda sobrevivir para poder lograrlo. No por nada este quinteto valenciano está firmado por Slovenly Recordings, un sello que tiene montones de proyectos desquiciadamente buenos.
Posted on febrero 18, 2021 by Ari Graciano -
El impulso necesario para levantarte y volverlo a intentar.
Recientemente, METZ compartió el clip oficial de "Sugar Pill", el track número siete de su más reciente producción discográfica Atlas Vending (Sub Pop, 2020). En esta ocasión, la agrupación canadiense trabajó con la directora Shayne Ehman, quien eligió capturar la energía y vibra imparable del skateboarding. Para esto, la banda se trasladó a Thunder Bay, Ontario, lugar en donde el invierno es crudo pero no un impedimento para que los amantes de la patineta salgan a hacer lo que más disfrutan.
Al respecto, el grupo señaló en un comunicado que el visual es "un homenaje al espíritu imparable del skate y un testimonio del impulso inspirador de montar en cualquier condición y en cualquier entorno". De esta forma, apreciamos a los skaters Jojo Johnson y Sara Smith hacer una serie de trucos y recorridos por la ciudad.
¡Dale play, aquí!
Patinar se siente genial. Nos encanta patinar. Los pájaros necesitan cantar, nosotros necesitamos patinar. Espero que las imágenes de skateboard de invierno lleven consigo algo del amor que tenemos por el skate. Espero que contenga un espíritu de perseverancia y la voluntad de hacerlo realidad. Con viento, hielo o tormentas, quitamos nieve, quemamos escarcha, patinamos", expresa la directora sobre el video.
Si aún no has visto los videos previos que METZ ha compartido como parte de la promoción de su más reciente álbum, puedes checarlos aquí. Mientras tanto, te recomendamos disfrutar de la presentación que la banda ofreció para las sesiones KEXP At Home el pasado 11 de enero.
Posted on febrero 18, 2021 by practicas -
"F.U.C.K." se trata del primer tema que Victoria comparte tras la salida de Jaguar, el álbum que liberó en 2020.
La cantante estadounidense de R&B, Victoria Monét, estrenó el vídeo de "F.U.C.K." su tema más reciente editado a través de Tribe Records.
F.U.C.K. se refiere a las siglas de Friend U Can Keep, frase que aborda la libertad que significa establecer vínculos de intimidad entre dos personas que no necesariamente tengan un compromiso; dejando fuera las normas y ataduras en harás de potenciar la magia del amor libre.
Quería darle a esa intimidad de 'amistad no vinculante' un nombre oficial. Si nunca estás en una relación, técnicamente nunca puedes romper. Y solo te diviertes.", señaló Victoria en un comunicado.
Para el audiovisual de está entrega se cuenta con una representación escénica del viejo oeste norteamericano donde las clásicas hazañas de vaqueros son protagonizadas por un par de intrépidas forajidas; interpretadas por la propia Monét y la nueva promesa del R&B, Tanerelle, donde la complicidad de la amistad son vitales para cumplir sus aventuras.
Checa el video de F.U.C.K. de Victoria Monét a continuación.
Posted on febrero 18, 2021 by Ana Rodríguez -
La extensión de KG estará disponible a finales de febrero.
A mediados de enero, un sitio web filtró que se aproximaba el nuevo disco de la agrupación australiana. A un mes de la noticia, King Gizzard & the Lizard Wizard finalmente confirmó a través de sus redes sociales que LW llegará el 26 de febrero vía KGLW. La noticia no sorprendió tanto a sus fanáticos, lo que sí les animó fue "Pleura", el nuevo adelanto del disco el cual ya cuenta con un video musical.
Los sonidos que conforman la nueva pista se asemejan mucho a lo que previamente presentó el sexteto en su álbum KG (2020); desenfrenadas guitarras que cautivan con su audaz psicodelia. John Angus Stewart se encargó de dirigir el metraje que acompaña a su single. Disfrútalo a continuación y observa a la banda interpretar este tema en su estudio:
Siempre estoy tratando de estar en la banda en la que quiero estar, pero también intento ser la banda que me gustaría seguir como fan. Somos las dos cosas al mismo tiempo. Siempre me pregunto qué es lo más divertido que podemos hacer", explicó Stu McKenzie en un comunicado de prensa.
La esencia de King Gizzard & the Lizard Wizard prevalecerá en este nuevo material que promete ser una fina y auténtica extensión de su último LP. Te compartimos a continuación el art work y tracklist que conforman a LW.
Tracklist de LW:
1. "If Not Now, Then When?"
2. "O.N.E."
3. "Pleura"
4. "Supreme Ascemdancy"
5. "Static Electricity"
6. "East West Link"
7. "Ataraxia"
8. "See Me"
9. "K.G.L.W."
Posted on febrero 18, 2021 by Ana Rodríguez -
Trasciende el romanticismo con lo nuevo de la cantante de Barcelona.
El amor ha sido ese valor con el que todos hemos intentado conectar por lo menos en el último año, y si no lo has logrado, no te preocupes, quizá te estás forzando a hacerlo de la forma convencional, por ello Queralt Lahoz presenta en exclusiva mediante los ocho medios de FARO, la alianza de medios musicales y culturales de Iberoamérica, su nuevo metraje para "Tu Boca", un reflejo de las diferentes maneras que existen para relacionarse con este sentimiento.
La influencia musical de la cantante ha sido muy vasta. Entre ellas resuenan nombres como Mala Rodríguez, Jorja Smith, Gata Cattana y Erykah Badu, logrando que su sonido sea una interesante fusión de coplas, flamenco, rap, hasta R&B; ritmo central para esta nueva pieza.
'Tu Boca' es una canción de amor que escapa de los parámetros más tradicionales y apuesta por un amor más universal, que trasciende lo romántico. Es un viaje sideral donde muestro mi parte más tierna y convive la musicalidad del R&B con sonidos más urbanos", explicó Queralt Lahoz en un comunicado de prensa.
El metraje para la canción fue dirigido por José Pouchucq, quien retrata, en palabras de la cantante, "las diferentes maneras de amar y relacionarse en el amor". Te lo compartimos a continuación para que lo disfrutes:
"Tu Boca" es el primer adelanto de lo que será el primer disco de larga duración de Queralt Lahoz el cual prevé llegar en la primera mitad de este 2021. Con este material la artista planea realizar algunos directos y seguir llevando su sonido a más rincones del mundo. Te recomendamos mantenerte al pendiente de sus redes sociales para que no te pierdas sus novedades.
Posted on febrero 18, 2021 by Melissa Pérez -
El nuevo clip de la banda es un extracto del documental Crestone.
Hace unos meses se anunció la salida del documental Crestone, un filme que presenta a varios raperos de SoundCloud que viven en medio de la soledad, mientras cuidan sus plantíos de marihuana y componen música para Internet. Y, como el título lo dice, esta historia se desarrolla en Crestone, Colorado, y Marnie Ellen Hertzler se ha encargado de llevar a cabo su dirección. La música fue compuesta por Animal Collective gracias a que Marnie insistió en que fueran parte de esto, algo completamente nuevo para la banda.
El pueblo de Crestone no sólo es la locación de la película sino un personaje importante. Quería una banda sonora que fuera capaz de resaltar y elevar su importancia. No hay más músicos con los que me hubiera gustado trabajar para esta película, y no hay banda que pueda describir un paisaje de forma sonora mejor que Animal Collective", señaló Marnie Ellen Hertzler en un comunicado.
Ahora, ya se ha estrenado el documental y está disponible para su visualización en plataformas de streaming, así como el soundtrack, que posteriormente saldrá en formato físico el 23 de abril. No obstante, para coincidir con la salida del metraje, Animal Collective ha lanzado el video de "Sand That Moves", el cual compila varias imágenes que serán parte de este filme y que se empalman a la perfección a través de las acciones de cada uno de los músicos, pues se muestran en un ambiente completamente pasivo y ameno. Dale play a continuación:
Posted on febrero 18, 2021 by practicas -
Descanse en paz el ícono del sound system y precursor del toasting.
Ewart Beckford, mejor conocido en el mundo del reggae y dancehall como U Roy, falleció este 17 de febrero a la edad de 78 años en su natal Jamaica. U Roy nació el 21 de septiembre de 1942.
Medios locales reportaron que la causa de muerte se debió a complicaciones de salud durante una cirugía en el Hospital Universitario de West Indies en Kingston.
Noticia que ya ha causado conmoción entre sus colegas músicos como Mad Professor o Shaggy, acérrimos seguidores y disqueras del gremio como Trojan Records que bajo el hashtag #RIPUroy han dedicado palabras de despedida para el fallecido ícono del sound system.
El artista jamaicano, también conocido como The Originator, se inicio como selectah y/o DJ en los sound systems de la isla caribeña durante las décadas de 1960 y 1970. Donde fue precursor de la técnica vocal conocida como toasting (DJ que recita o canta sobre un ritmo o base de reggae) método que la valió para ser considerado como uno de los pioneros que cambiará el sonido de la música en Jamaica.
Posted on febrero 18, 2021 by Rodrigo Rojas -
Música muy extraña para ser rock pero demasiado popular para ser experimental.
Los sonidos que se alejan de los parámetros establecidos suelen ser relegados a nichos. Por no contar con estructuras tradicionales ni ser proyectos complacientes se les cataloga como poco rentables. Eso los lleva a vivir en las sombras y ser del gusto de un número reducido de personas. Aunque existen algunos casos, bastante reducidos, que son la excepción a la regla. Son del gusto de las masas pese a que no siguen fórmulas establecidas. ¿Se puede hacer música experimental y llenar estadios? La respuesta es sí y Radiohead lo confirma.
El quinteto inglés surgió cuando sus integrantes eran unos simples pubertos y sus pretensiones eran minúsculas. Uno de los primeros nombres del grupo fue On A Friday porque los únicos días que ensayaban eran los viernes. Inclusive durante un par de años la banda se mantuvo inactiva porque sus miembros le dieron prioridad a sus estudios. Aunque al final la música triunfó y así se ha gestado una exitosa carrera.
Sin miedo a la constante reinvención.
Con el transcurrir del tiempo el combo ha demostrado que no le interesa seguir los caminos fáciles ni someterse a las reglas establecidas. Con la publicación de Kid A (2000) se negó a lanzar sencillos promocionales por respeto al álbum como una obra integral que no puede ser dividida en partes. Mientras que con In Rainbows (2007) fue de las primeras agrupaciones de renombre en ofrecer su trabajo en formato digital con la modalidad paga lo que quieras. Hoy es algo común en Bandcamp pero en su momento rompió esquemas.
Todo lo anterior conduce hasta el 18 de febrero de 2011 con la salida de su octavo material de estudio. Las expectativas eran altas y al mismo tiempo no se tenía claro lo que se podía esperar. Con Thom Yorke y compañía las sorpresas ya son habituales.
La primera sorpresa llegó con el único sencillo promocional que se desprendió del LP. En “Lotus Flower” prevalece un aura de misticismo marcada por el sintetizador que se mantiene activo a lo largo de toda la pieza. Aunque lo más desconcertante es el video oficial en donde se puede observar al cantante hacer un extraño baile similar a los ataques esquizofrénicos de Ian Curtis de Joy Division. El resultado se popularizó a través de las redes sociales hasta convertirse en uno de los memes más famosos de Internet.
¿Un álbum incomprendido o poco valorado?
Resulta frecuente escuchar que algunos se sintieron decepcionados con este trabajo de los originarios de Oxford y puede ser comprensible. Aunque si eres fanático de Radiohead debes saber que los únicos a los que buscan complacer los integrantes es a ellos mismos. Puede sonar narcisista pero también es un acto de honestidad.
Mientras que por otra parte, “Bloom” muestra una faceta electrónica con tintes experimentales que rememora a lo hecho ocho años antes en “Myxomatosis”. El resultado podría ser una versión relajada de Aphex Twin o una acelerada de Kraftwerk. Es música que no está claro si fue creada en otro planeta o por un T-800 que vino del futuro.
Pero aunque el conjunto británico siempre ha estado abierto a los cambios, también existen algunas constantes que marcan su obra. Una de las más claras es su fidelidad absoluta a Nigel Godrich, quien es su productor de cabecera e inclusive ya es considerado como un integrante más. Su refinado trabajo ha generado una relación similar a la de Tony Visconti con David Bowie o George Martin con The Beatles. Ambas partes saben lo que buscan y eso deriva en resultados sobresalientes.
Puede ser demasiado electrónico para ser rock o muy pesado para encajar en el campo de los teclados y sintetizadores. Lo que no se puede negar es que Radiohead ha logrado crear un estilo con una marca personal y eso, dentro del actual contexto marcado por la clonación musical, es una invaluable virtud. Más meritorio todavía que pese a transitar por los terrenos de la experimentación goce de una aceptación a gran escala.
Posted on febrero 18, 2021 by practicas -
Metal mexicano entre el sci-fi y el terror.
La escena del metal en México no ha hecho más que renovarse durante los últimos años. Especialmente en el mapa del metal progresivo, grupos como Obesity, The Alch3mist o Iden Gakusha nos permiten mantener la vela encendida. A ellos se suma Glass Mind, proyecto instrumental en donde Benjamín Berthier (guitarra), Pablo Berthier (guitarra), Alex Lozano (batería) y Michel Villamor (bajo) llevan el virtuosismo de este género a mundos insospechados.
Glass Mind apareció en la escena con su álbum Haunting Regrets (2011), cuyos nueve cortes exploran diferentes matices del metal progresivo: desde cantos agudos acompasados por coros épicos y guitarras veloces, hasta un sonido más apabullante que roza con el estilo gótico.
Sin embargo, Glass Mind tardaría poco en abandonar las vocales y la ejecución ortodoxa del metal, para aventurarse en la invención de atmósferas desconcertantes sobre escenarios fantasiosos.
El grupo continuó su carrera con los sencillos "Detritus" (2014), "Inside the Whale" (2014) y "Babel" (2015), cuya creciente obsesión por los animales y la estética de los comics de ciencia ficción, desembocó en Dodecaedro (2017), su segundo álbum. Tal como lo indica su nombre, este trabajo sumerge al escucha en diferentes caras del mismo universo: las capas acústicas, los efectos electrónicos, los teclados y los punteos hiperveloces de guitarra se concatenan entre sí con un rigor casi geométrico.
Cuatro años después, Glass Mind busca expandir los confines de su propio universo. En su nuevo sencillo titulado "El rey negro" (2021) —que narra la historia de cómo un insecto gigante domina un planeta entero— el grupo se ha atrevido a mezclar la pesadez del metal progresivo con sonoridades jazz y un toque de ritmos latinos.
Mira el video animado e ilustrado por Pablo Berthier:
Glass Mind se ha presentado en diferentes festivales de metal como Domination 2019 (MX) y Progressive Nation at Sea 2014 (EEUU). Así mismo, ha compartido escenario con Blind Guardian, Animals as Leaders y otros referentes del género. Atrévete a explorar su mundo de animales, insectos y terror en Facebook, Instagram, Spotify y Bandcamp.
