PREMIERE: Andrés Canalla presenta "Promesas"

Foto Alejandro Mendoza

Disfruta de la nueva canción de Andrés Canalla en exclusiva por Indie Rocks!.

A lo largo de 13 años de trayectoria, Andrés Canalla se ha convertido en una figura que ha logrado hacerse de un nombre en la música folk de nuestro país. En esta ocasión presenta de manera exclusiva para Indie Rocks! su sencillo "Promesas", una canción sad, ideal para escuchar bajo la lluvia.

La nueva canción del también integrante de Tungas habla sobre el pacto que una chica le hizo, pero que al final no lo cumplió, cosa que a cualquiera nos ha pasado.

Escúchala a continuación:

A lo largo de su carrera como solista de Aldo Andrés Camacho Allende —nombre real del cantante— ha dado a conocer algunos sencillos y un EP. El sencillo anterior a "Promesas" fue “No quiero que me vean bichi”, tema que será integrado a su primer larga duración y que tiene una dedicatoria especial.

La canción la escribió en Tijuana y lo acompaña con un visual que describe un panorama escaso de oportunidades y limitado por un ambiente político que ha dejado en exilio a una nación que busca crecer, con aquel “sueño americano” que se ha creado y ahora no es más que una ilusión.

¡Dale play!

We Are The Grand — Raíz

Raíz: un checklist de emociones familiares.

Demostrando que la tercera a veces no es la vencida, sino la que vence, es uno de esos discos en los que notas que detrás de las composiciones perfectamente armadas, existe una unión (o ruptura) que ha cambiado todo. Ya sea para bien o para mal, los cambios logran hacer descubrimientos marcados por el simple y travieso destino.

“Vientos que se van contigo, desaparecerán”... El sentir que la mayoría de los humanos hemos experimentado al perder a alguien, al tronar un vínculo, al tomar un camino diferente; “Vientos” es la canción ideal para acompañar tus lamentos de regadera mientras recuerdas al maldito o maldita que tomó la decisión de dejarte.

En general, We Are The Grand ha creado una masterpiece para escuchar después del trabajo, llegando a una casa que ahora está sola, tomando la última chela del refri viendo la vida pasar, pero que al mismo tiempo, en el momento indicado, se convierte en un soporte para seguir.

Toda canción pensada para convertirse en un hit, tiene un coro fácil de aprender y con mucho feeling involucrado para no pasar desapercibida, a “Caen las hojas” le queda como anillo al dedo esta descripción. Seguida por “Mientes”, “Lo que pudo ser” y “Luna”, se da el momento romántico y nostálgico que pone pausa al sensorama.

Con Raíz no solo se marca una madurez musical de esta agrupación, sino una casi obvia influencia ochentera envuelta de pop rock y sonidos escondidos que te recuerdan la ola rockera mexicana del 2000, pero como si ocurriera en tierras europeas.

Cuando un disco lleva su nombre en una canción, ¿qué expectativas tienes de ella?

“Raíz”, último track de esta placa, carga consigo misma un costal de sentimientos, cuerdas, golpes en la batería, una voz adolorida y recuerdos que aún corren en tu cabeza como si hubieran pasado ese mismo día. Un breakup album que no tiene rastros de un corazón roto adolescente, sino de un grupo de músicos maduros que saben perfectamente lo que hacen, y que esperan ser escuchados por todo aquel que se deje conquistar por esta nueva faceta artística.

The Smashing Pumpkins da primer show

Escucha el concierto que dio The Smashing Pumpkins, con algunos de sus clásicos y un cover a Joy Division.

Billy Corgan, James Iha y Jimmy Chamberlin se subieron juntos a un escenario por primera vez en casi veinte años. Esto por el regreso de la banda estadounidense, el cual se ha planeado por varios meses y ha causado grandes expectativas por el nuevo disco, del cual hace poco escuchamos el primer adelanto.

El primer show de la alineación original de The Smashing Pumpkins, exceptuando a D'arcy Wretzky, fue en el club Troubadour, ubicado en West Hollywood. Este es un lugar icónico para la música norteamericana, ya que de ahí surgieron muchos importantes artistas de folk y blues durante los sesenta, como Joan Baez, Joni Mitchell y Linda Ronstadt.

Durante el evento, la agrupación tocó 17 temas, entre los que se encontraban algunos de sus clásicos, como "1979", "Bullet With Butterfly Wings", "Tonight, Tonight", "Zero" y "Drown". También, el grupo tuvo como invitado a Davey Havok de AFI para interpretar "Transmission" de Joy Division.

La última vez que los tres se presentaron juntos fue en diciembre del 2000, en la sala de conciertos Metro, de su natal Chicago. La gira oficial de The Smashing Pumpkins iniciará el 12 de julio en el Gila River Arena de Arizona.

Puedes ver algunos videos de la presentación justo aquí:

alt-J en el Pepsi Center WTC

Una perfecta noche de suspiros y alegría en el Pepsi Center WTC con alt-J.

Esta semana despegó con una verdadera función doble para concluir la primera mitad de este 2018 que ha estado cargado de excelentes conciertos y festivales. El Pepsi Center WTC simplemente se desbordó de talento durante una velada singular, con músicos bastante queridos en nuestras tierras y que ya hemos disfrutado en varias ocasiones.

Después de una tarde lluviosa y algo caótica por el tráfico, el venue empezó a llenarse para dar pie al telonero George Lewis Jr., o mejor conocido por su nombre artístico Twin Shadow. Un cantante originario de República Dominicana con un flamante estilo que puso a todos a mover el cuerpo por cerca de una hora. Desde el inicio con “Old Love / New Love” pudimos disfrutar esa vibra ochentera que te transporta a un mar de sensualidad, y aunque Twin Shadow no salió con una banda completa, nos brindó un show bastante íntimo en donde estuvo siempre en contacto con sus fans. Escuchamos varias canciones de sus discos previos como “Forget” y “Castles in the Snow”, así como las excelentes baladas “Little Woman” y “18 Years” de su más reciente material: Caer (2018).

Posterior a la efusiva despedida de Twin Shadow –no sin que antes deseara buena suerte a la selección mexicana en su partidoVS Suecia– tuvimos que esperamos poco tiempo para el mazazo musical que íbamos tener, gracias a que el set de alt-J ya estaba prácticamente listo. Todavía el foro se llenó un poco más, para estar todos listos para ese mágico instante en el que se apagan las luces, para recibir eufóricamente a la banda inglesa y su peculiar juego de luces que traen en esta gira. Prácticamente escuchar cualquier canción de alt-J es una experiencia que te enchina la piel, tal como sucedió con “Deadcrush”, perfecta para poner las bases para la noche y dar paso a “Fitzpleasure” con su melodía creciente hasta llegar a su final explosivo.

El concierto tuvo un setlist perfecto, creando un soberbio recorrido de emociones, como lo fue el pasar de “Something Good” con su claridad y bello riff a “Nara” con su textura sedosa y puente hipnótico. Siguió “The Gospel of John Hurt” con su carga folk que hizo sentirnos en una misa, para llegar a “In Cold Blood” que puso a más de uno a brincar. Continuamos con "Interlude 1 (Ripe & Ruin)", un interludio muy pulido, para dar paso a la minimalista “Hunger of The Pine” y su hermoso mensaje.

La velada transitó sin muchas interrupciones por parte de la banda, a excepción del ocasional y clásico 'gracias' al público. Pero cuando llegamos a “Matilda”, el vocalista Joe Newman solicitó que por favor cantaran con él, lo cual todos aceptamos y formamos un coro al unísono.

Aunque la agrupación acaba de lanzar un nuevo álbum de estudio, la mayoría de las piezas fueron tomadas de sus dos primeros discos, sin embargo, hubo un momento bastante especial cuando tocaron “Pleader” del reciente Relaxer (2017). Todos nos sumimos en un umbral, queriendo agarrar cada nota que salía del escenario, como si levantamos la mano para evitar que se escape el sol en el ocaso durante el crepúsculo.

Antes de salir para el encore, alt-J cargó a todos de energía con “Dissolve Me” y “Taro”, piezas sumamente queridas de su primer álbum, An Awesome Wave (2012), y con “Left Hand Free", con su ritmo country y relajado. Fue una sorprendente sección que demostró el talento de Thom Sonny Green en las persuasiones y Gus Unger-Hamilton en los teclados. Casi de inmediato, regresó el trío para preparar el cierre con “Intro” y “3WW”, para verdaderamente reventar el recinto con “Breezeblocks”, posiblemente su pieza más famosa y muy recordada por ese tenso video que la acompaña, para ahora sí despedirse entre miles de aplausos y suspiros porque ya había terminado el espectáculo.

Aunque los estilos de Twin Shadow y alt-J son diferentes, si en algo coinciden es en su excelente calidad y talento que destilan con cada presentación. Difícilmente pudo haber otra combinación tan ganadora para la noche. Nada más nos queda esperar que vuelvan pronto al país, y que el Pepsi Center WTC siga alojando tan geniales conciertos para el resto de este 2018.

Chingadazo de Kung Fu estrena sencillo

Por Ana Flores

En este sencillo Chingadazo de Kung Fu encuentra una forma de que el distanciamiento “sea más leve”.

"El pasado quedó atrás, yo de nuevo tengo el peor día de mi vida", son las primeras palabras de “3 de noviembre (no me agüito)”, el nuevo sencillo de Chingadazo de Kung Fu (CHDKF) que formará parte del material discográfico Me pongo hasta la madre porque estoy hasta la madrepróximo a estrenarse.

Con una duración de 3:03 minutos y bajo la producción de Erik Canales, el vocalista y guitarrista de la banda José Marino Pérez, expresó que la canción se caracteriza por hacer referencia a un “momento muy personal”.

El sonido característico de CHDKF mezclado con líneas como “Sintiéndome muy mal solo” alude a la complicada relación en la que se encuentra el cantante con su madre: Un distanciamiento de ocho meses en el que la situación es difícil y triste. “Se llama '3 de noviembre' porque es la fecha de cumpleaños de mi mamá", declara Marino.

Además de ser un adelanto del próximo proyecto musical, la escritura, producción y grabación de este sencillo ha contribuido a que dicho proceso “sea más leve". Con una portada en la que se aprecia el quiebre de una estatua, “3 de noviembre (no me agüito)” ya se encuentra disponible en plataformas como YouTube y Spotify para los momentos en los que sientas que de nuevo tienes el peor día de tu vida.

Dale play a continuación:

Interpol estrena canción

Un nuevo adelanto del próximo material de estudio a cargo de Interpol.

Actualmente la banda neoyorquina Interpol ha empezado una gira que pasará por Estados Unidos, Canadá, algunas partes de Asia y Europa. Para esta serie de conciertos, ha decidido dar otro pequeño adelanto de lo que será su próximo álbum de estudio presentando en vivo la canción "Now You See Me At Work".

Como parte de la presentación que Interpol ofreció en el Arena Wien en Austria, la banda interpretó éxitos pertenecientes a distintos tiempos de su carrera, entre los que destacaron algunas sorpresas para el público, piezas que estaban fuera de su repertorio de canciones en vivo como lo son: "The Scale" por primera vez desde el año 2008, así como "Public Pervert" "Success".

En el concierto se hizo presente la canción "The Rover", recientemente estrenada, y posteriormente el lanzamiento de "Now You See Me At Work". 

Esta nueva canción estará incluida en el próximo álbum de estudio de Interpol titulado Marauder, el cual saldrá a la venta el 24 de agosto bajo la compañía discográfica Matador Records. 

Marauder es el sexto trabajo de larga duración de la banda y procederá a El Pintor del 2014.

Escucha la nueva canción aquí.

Tyler, The Creator estrena sencillo

Un nuevo material a cargo de Tyler, The Creator.

Los dos últimos años han resultado sumamente productivos para el el rapero y productor estadounidense Tyler Gregory Okonma, mejor conocido en el mundo de la música por su seudónimo Tyler, The Creator. El año pasado estrenó el álbum más importante de su carrera hasta ahora y posteriormente ha compartido una serie de sencillos.

Tyler, The Creator lanzó recientemente la canción "Gelato", en esta como en el sencillo "Okra" hace una referencia directa a la película Call me By Your Name en las líricas. Un día después del estreno, sorprende a sus fans con otra creación bajo el nombre de "PEACH FUZZ", pista en la que el artista rapea sobre una melodía producida por RingGo Ancheta, mejor conocido por su nombre artístico Mndsgn.

Escucha estas dos nuevas canciones a cargo de  Tyler, The Creator aquí.

Estos dos sencillos se unen a los anteriores lanzados sin motivo aparente de disco posterior "430""Okra" y el lanzamiento del demo titulado Rose Tinted Cheeks

Respecto a sus anteriores trabajos presentados este año, Tyler, The Creator ha comentado que son el resultado de ideas que tenía en la mente mientras realizaba la gira de presentación del álbum Flower Boy.

Entrevista con Indios

Mudarse, romper paradigmas y ser honestos en sus composiciones: una charla con Nicolás De Santics de Indios.

A un año del lanzamiento de Asfalto (2017, FYN S.A.) para Joaquín Vitola (voz), Nicolás De Sanctis (guitarra), Guillermo Montironi (bajo), Patricio Sánchez Almeyra (guitarra), Agustín Majdalani (sintetizadores) y Federico Pellegrini (batería) de Indios, es un disco que en lugar de tratar de ser una continuación de Indios (2013, FYN S.A.), su carta de presentación, fue un paso hacía algo diferente De Sanctis, principal compositor de la banda argentina, asegura que esta segunda producción discográfica rompió el concepto que el grupo tenía y amplió la propuesta musical.

El álbum fue escrito y compuesto durante el proceso de mudanza que realizaron de Rosario, su ciudad de origen, a Buenos Aires. “Es un disco más triste, más melancólico, pero era un poco de cómo nos sentíamos en ese momento. Creo que tiene que ver con esto de habernos mudado de ciudad y todos los lados oscuros que eso tiene. El primer disco lo compusimos en nuestro hogar. Lo grabamos en una casa con jardín, éramos más chicos, era mucho más optimista. En el LP nuevo preferimos –influenciados por lo que nos estaba pasando– no quedarnos solo con eso: ser una banda pop que hace canciones de amor o para bailar. Sino tratar de hablar de otras cosas y generar distintas sensaciones”, recuerda el compositor.

Conformado por 11 temas y producido por la agrupación, así como Coti Sorokin y Diego Uma de Babasónicos, Asfalto enseñó a los argentinos que su música no puede gustarles a todos por lo que al componer deben tener determinación para crear lo que realmente desean. “Va a haber gente a la que le va a gustar y gente a la que no y está bien que sea así. Intentar satisfacer a todos o estar pendiente de la reacción del otro me parece que es un error porque te desconcentra y saca de foco”, afirma.

“Me da miedo el amor”, último sencillo del LP, es una balada al estilo Bob Dylan, un relato muy detallado de una experiencia personal. Nicolás había estado escuchando al cantante de Minnesota por lo que decidió realizar esa composición.

El grupo actualmente se encuentra promocionando Auxilio (2018, FYN S.A.) EP de seis canciones que crearon y grabaron el año pasado durante la gira que realizaron en México y ya planean la producción de su tercer material discográfico. Entrarán al estudio cuando regresen a Bueno Aires y prevén publicarlo en marzo del próximo año.

Indios fue una de las bandas teloneras en la serie de conciertos que Zoé ofreció en el Auditorio Nacional como parte de la presentación de Aztlán, su nuevo disco. Recientemente se presentó en el Foro Indie Rocks! y continuó en el Festival Machaca de Monterrey.

Chvrches — Love Is Dead

El pop sintético que se estancó: Love Is Dead de Chvrches.

Los procesos cíclicos en la industria musical suelen ser inevitables; cuando una banda con cierto renombre se propone comenzar ese ciclo, que para muchos da inicio con el proceso creativo de un álbum, las ideas deben estar claras en la cabeza para que, al ejecutarse, todo esté en sincronía. Hace unos meses pudimos platicar con Lauren Mayberry sobre su tercer álbum de estudio Love Is Dead, un nombre seco que dice mucho del contenido. Los 13 tracks de este LP son dispersos, tanto en sonido como en lírica y parece que carecen cohesión; un gran problema fue que permitieron la inclusión, por primera vez, del productor de pop Greg Kurstin y no trabajaron de manera independiente, como sí lo hicieron en The Bones Of What You Believe (2013) y el aclamado Every Open Eye (2015).

“Graffiti” es quien abre la puerta para entrar en el trance de Love Is Dead; es una canción alegre, con mucho poder y portentosa lírica, lo colorido de la voz de Mayberry la hacen agradable e inocente, como una carta de amor de secundaria. Sin embargo, en “Forever”, la banda escocesa decepciona un poco, al poner letras repetitivas y coros un tanto predecibles; no parece haber una evolución en el sonido y la melodía es plana.

El primer sencillo, lanzado el 31 de enero, es “Get Out”, una canción atractiva que tiene la esencia de la banda, pero también muestra audacia en los sintetizadores que atrapan de comienzo. De nuevo, el punto negativo es la lírica repetitiva que, lejos de ser pegajosa, cae en lo monótono. El segundo sencillo lanzado es “My Enemy”, que presenta a Matt Berninger de The National junto a Lauren Mayberry; esta canción tiene tonos divertidos y lo que se le puede reclamar es no haber explotado el potencial del vocalista de la banda estadounidense y haberle dado un papel más importante a esta colaboración, de la cual se hubiera podido prescindir sin problema. La lista de cuatro sencillos la completan “Never Say Die”, cuya deficiencia en la creatividad puesta en la letra de nuevo es notable y se vuelve un tanto molesta; y “Miracle”, donde Mayberry se suelta, capta su propia esencia y da protagonismo a su voz, por encima del buen sintetizador y los cambios de ritmo, que le dan un toque especial.

Otros tracks destacados son “Heaven/Hell”, una canción que muestra una dualidad inclusiva casi imperceptible entre el sonido que tenían en el pasado y el presente; en “Really Gone”, la letra es emocional, se siente un toque personal e íntimo de la vocalista y se complementa con la vulnerabilidad de los sintetizadores. La más destacada es “Wonderland”, que ha sido ampliamente aclamada por la crítica, por la inclusión de la guitarra eléctrica y la batería constante; es descriptiva, cálida y tiene un coro atractivo; en general, el álbum no demuestra mucha evolución en el sonido y pareciera un retroceso.

Parquet Courts — Wide Awake!

De lo más distinguido del rock de hoy con espléndidas líricas.

Este es la más reciente producción lanzada por la agrupación con sede en Nueva York, después  de lo que fue Human Performance (2016), el cual fue ovacionado alrededor del mundo por varios puntos a favor, y puedo afirmar con seguridad, que Wide Awake! no carece de ninguno de estos aciertos, y se podría decir que incorpora algunos más.

De igual modo es importante recalcar que para la producción se involucró al virtuoso Danger Mouse, quien tiene acreditados varios clásicos atemporales dentro del mundo del género alternativo. Demon Days (2005) de Gorillaz y Brothers (2010) por The Black Keys son algunos ejemplos.

Ahora, si tuviera que elegir una palabra para describir a este álbum sería vibrante o quizás hasta brillante. Sin contar el hecho de que es una pieza que es socialmente consciente de algunas realidades no tan placenteras las cuales se retratan líricamente de una forma bastante poética e ingeniosa, musicalmente logra un sonido lleno de amenas familiaridades para cualquier fanático del punk o garage rock. Esto, sin perder esa sensación de frescura que te brinda cualquier LP que resalte de manera positiva hoy en día. Un álbum que imite demasiado a sus influencias carece de estas cualidades.

Con la voz vehemente del vocalista Andrew Savage, y esas líneas del bajo que realmente resaltan por su dinamismo en conjunto con las deleitosas guitarras y eficaces percusiones. Estas últimas sobresalen a mi parecer en la canción que lleva el nombre del álbum. Además, es un tema que me recuerda a Talking Heads, lo cual siempre es bueno. Todos estos elementos que Parquet Courts armoniza en este nuevo material resultan en una grata experiencia con duración de alrededor de cuarenta minutos.

Finalmente me gustaría destacar el arte del álbum, realizado por el mismo Andrew Savage. Es bastante llamativo, y en lo personal me sentiría curioso por escuchar esta producción sin conocer el sonido por la simple portada.