Gorillaz presentó 'The Now Now' en Japón

Posted on junio 25, 2018 by -

Las horas para que salga el nuevo disco de Gorillaz están contadas.

Siguiendo con la muy temprana promoción de The Now Now de Gorillaz, la agrupación compuesta por Damon Albarn y Jamie Hewlett presentó su nuevo LP en una sesión de Boiler Room en Tokio, Japón.

En el show tocaron de manera integra el disco y contaron con Jaime Principle como invitado, al igual que visuales bastante hipnóticos que volvieron locos a los orientales. Eso sí, si quieres escucharlo debes verlo desde ahorita ya que a las 14 H. lo bajan de la red y tendrás que esperar hasta el viernes.

Dale play a continuación:

De The Now Now se han dado a conocer cuatro sencillos: "Humility", "Lake Zurich", "Sorcererz" y "Fire Flies" mostrando una era muy distinta a lo que fue su anterior material Humanz.

Además, la banda animada contará con la participación de Ace, nada más y nada menos que el líder de La Banda Gangrena, conocido por la serie animada Las Chicas Superpoderosas transmitida hace algunos años.

Esto ocurre mientras liberan a Murdoc de prisión del cual se lanzó la campaña #FreeMurdoc en el que puedes apoyar mediante distintas aplicaciones como Skype, Messenger, Amazon Echo y Kik. Da clic para más detalles.

My Bloody Valentine estrena canción

Posted on junio 25, 2018 by -

La agrupación sorprendió a sus fans con una nueva canción en el Meltdown Festival.

A cinco años de que se dio a conocer su placa m b v, My Bloody Valentine ha empezado un nuevo tour que recorrerá distintos festivales y algunas ciudades de los Estados Unidos. Uno de los primeros show que dio la banda oriunda de Irlanda sucedió en el marco del Meltdown Festival cuya curaduría estuvo a cargo de Robert Smith de The Cure.

En este concierto tocó algunos de sus clásicos temas, pero también dio a conocer un nuevo track cuyo sonido es estruendoso y bastante poderoso. Tristemente no se saben más datos de la canción ya que el título es desconocido.

Escúchala a continuación:

Esto sin duda nos acerca más a un nuevo material según lo declarado por Kevin Shields a la revista Sound On Sound en donde mencionó que lo nuevo estará dividido en dos partes, una será lanzada tentativamente este verano y el otro en primavera del 2019. El regreso de My Bloody Valentine es uno de los más expectantes de este año.

El año pasado la popular banda lanzó la reedición de sus primeros LPs: Isn’t Anything y Loveless, piezas clave de la historia del shoegaze. Checa más detalles aquí.

Nine Inch Nails — Bad Witch

Posted on junio 25, 2018 by -

Dentro del lado oscuro de la mente.

“¿Por qué estoy haciendo esto? Porque es lo que hago. Siento que tengo algo que decir. De verdad necesito hacerlo. Me siento bien cuando lo hago. Me pone en contacto con un sentido de propósito. Me gustaría que la gente supiera que la música puede ser un tema central. Puede ser esta cosa sobre la cual pones toda tu atención. Que requiere de mucho tiempo para ser parte de ella. No es algo que suceda en la parte de atrás mientras estás haciendo algo más. Puede serlo todo. Demanda toda tu atención”, Trent Reznor.

La tercera entrega de este ambicioso proyecto narrativo de Nine Inch Nails que comenzó hace dos años con Not The Actual Events, siguió en 2017 con Add Violence y culmina con Bad Witch, es la más sólida, la más inquietante y musicalmente, la más compleja de la trilogía. Es cierto que existen muchas categorías en donde podría encajar el sonido de este concepto musical que lleva trabajando el genio de Trent Reznor desde hace casi 30 años, pero ninguna sería atinada para acercarnos a una posible definición en donde encaje. “Soy un adicto a la autodestrucción. Esa es mi verdadera naturaleza y esto es una ilusión de tiempo prestado. Siento que es algo que necesito procesar internamente”, le dijo Reznor a la periodista Lizzy Goodman. Su trabajo se ha enfocado en profundizar dentro de las partes más oscuras del ser humano, de donde surgen sentimientos como la tristeza o el coraje y de donde se toma un punto de vista crítico sobre el mundo, desde donde se puede recorrer la historia de la humanidad en su lado más cruel. Eso es este álbum.

“No vamos a elevarnos a seres trascendentales. Estamos jugando con nosotros mismos. Sé que esto será una decepcionante conclusión para algunos. No es lo que quieren. Quieren que sea la realidad virtual de la matrix, y esto es opuesto a eso, es una computadora sucia y rota y todo lo que creen en realidad es pura mierda”, dice Reznor sobre Bad Witch. El primer corte “Shit Mirror” es un punk industrial saturado en donde su voz es un grito ahogado que gruñe “nuevo mundo, nuevos tiempos, mutación, se siente bien” mientras la batería se acompaña por un sonido similar a unos clavos golpeando metal y un público aplaude la consigna. “Ahead of Ourserlves” es como “Starfuckers, Inc.” revolucionada, con un intro de baterías más veloces, las voces completamente distorsionadas, como si se tratara de una mala grabación, coros en eco y un riff de guitarra abrasivo, tonos digitales ensuciando la pista, contaminando el ya de por sí atascado tema.

El tema más interesante es el sencillo “God Break Down The Door”, un combo de free jazz con rock, notas de marimba y un saxofón delirante, locura musical que puntualiza lo que ya decía Reznor. “No encontrarás las respuestas aquí, no las que viniste a buscar”. Las dos piezas restantes “I’m Not From This World” y “Over and Out” son composiciones muy similares a su trabajo como encargado del score de algunas películas, ambientes con beats a un ritmo constante, pero hay algo peculiar en “Over and Out”, la voz se escucha distinto del resto de todo su catálogo, entra limpia en su primera frase, con un reverb, pero nítida, clara, honesta, para afirmar que se le está acabando el tiempo.

Anteriormente hablaba de la necesidad de agregar violencia como un elemento catártico dentro de la vida o de la fantasía o en el arte como un punto de inflexión para cambiar las cosas, ahora el punto es otro: esto que estamos viviendo no es lo que parece, no es un mundo virtual pulcro, perfectamente pulido, porque pensar eso es evadir la realidad. Trent Reznor junto con Atticus Ross ha despertado de nuevo ese lado autodestructivo que abandonó desde The Fragile, aquel mítico descenso al abismo, y con el cual parece que quiere por lo menos dejar varias preguntas en el aire ¿Qué tal si esto no debería ser así? ¿Qué tal si esto es un sueño? ¿Qué tal si lo que nos dicen que es cierto, no lo es? ¿Qué tal si estas formas digitales, virtuales, de fácil acceso y de consumo inmediato son solo una manera de hacer que nos olvidemos de lo que en realidad somos? ¿Qué demonios somos? No en un afán de pensar que algo se puede hacer para mejorar el mundo, sino el simple hecho de conocer de qué nos estamos sosteniendo. Solo que para profundizar en esto hay que viajar al centro de esa oscuridad, cerrar los ojos y hundirse en su música. Buen viaje.

LUMP — LUMP

Posted on junio 25, 2018 by -

LUMP: La última carcajada.

Laura Marling ha obtenido una notable reputación en la escena folclórica del Reino Unido por sus elocuentes y cándidos temas. Por otro lado, Mike Lindsay viene de la celebrada agrupación de folktrónica Tunng, que acostumbra a usar estructuras poco ortodoxas, conchas de mar y percusiones extrañas, letras surreales y oblicuas en su estilo. El choque de estos dos estilos da como resultado un sorpresivo casamiento orgánico y emocionante llamado LUMP, que trae un disco debut dedicado a solidificar sus fortalezas para usarlas al servicio de la sátira.

Si ponemos ejemplos de cantantes folk con voces honestas y vulnerables al servicio de una vanguardia musical oscura – Elizabeth Fraser con Massive Attack, Beth Orton con The Chemical Brothers– la consecuencia es un rayo de luz entre tanta densidad electrónica. Aquí sucede un caso especial: las ideas y conceptos de Marling que critican el consumismo y la mentalidad del humano en el siglo XXI forman una fusión interesante con los turbios sampleos y texturas de Lindsay. El contraste no cae realmente en que sean diferentes, sino que ambas sensibilidades se vuelven gruesas y cínicas comparado con sus orígenes más optimistas y floridos.

Cada uno de los siete temas que arman el disco están hilados para que se escuche de forma continua y vaya haciendo varias paradas burlonas e inciertas, tanto en la parte lírica como en la musical. “I’m your mother, I’m your father / We would dream in a rolling thunder”, canta Marling en “Rolling Thunder”, para ver con cierto punto de vista agrio las crecientes y alarmantes peticiones de inclusión en los medios y la sociedad. En “Curse of the Contemporary” ve con ojo de águila lo tóxico y febril que se ha convertido ahora California, la otrora tierra prometida. En “Hand Hold Hero”, Marling observa cómo el dinero nunca es la solución a todos los males y seguimos haciendo de sus gastos un deporte suburbano, y para el semicierre de “Shake Your Shelter” se imagina cómo sería una vida más sencilla renaciendo como un crustáceo en el mar y solo darse a la corriente.

Uso la palabra semicierre porque la última canción, “LUMP is a Product (Credits)” es eso precisamente: Marling diciendo los créditos del álbum a manera de spoken word, mientras las creaciones de Lindsay se hacen más dramáticas. Al final de todo el viaje, Marling y Lindsay quizás nos querían tomar el pelo y crearon un disco como crítica totalitaria al uso de la música como recurso de marketing: un sinfín de sonidos y palabras indie que asimilan el estilo de otros para argumentar que todo es tendencia, incluso la música que ellos crean. ¿Cuál fue la mejor manera de mofarse? Hacer un supergrupo, que está de moda hacerlo hoy en día; crear letras y música para los tiempos de Trump, el Brexit y grupos como The xx y Cigarettes After Sex y que todos lo escuchen, a ver si así entendemos y hacemos algo al respecto. Ouch.

Entrevista con Rubytates

Posted on junio 25, 2018 by -

La maduración de una banda joven: Rubytates.

Originarios de Toluca, Estado de México, Pepe Nungaray, Abel Almonte, Fer González, Mvch Díaz y Rodao Aguilar son cinco chicos cuyo proyecto musical es una de las mejores propuestas emergentes de la escena independiente en México: Rubytates.

La banda, que nace en 2011 y a la fecha cuenta con un álbum de estudio: Renacemos (2015) y un EP: Zafiro (2017), puede jactarse de ser telonera de agrupaciones internacionales como la británica The 1975 en 2016 y la estadounidense Saint Motel en 2017; asimismo, hace dos años tuvieron la oportunidad de abrir los espectáculos de las bandas mexicanas Camilo Séptimo y Odisseo.

Pero sin duda el mejor año para ellos fue 2017, con su Tour Zafiro, con el cual se presentaron en diversos puntos del país, entre ellos Casa del Lago en marzo, La Capilla de los Muertos en abril, Foro Nahual Teotihuacán en julio, Foro Landó e Imperial en agosto, entre otros.

En el presente año se presentaron el Foro del Tejedor en febrero y en mayo brindaron un show en el Caradura, como parte de la octava edición del Festival Marvin. “Estuvo chido, es un festival que habíamos estado buscando y se dio. El Caradura se llenó, había mucha gente muy emocionada por nuestra presentación. Además es el primer festival que tenemos en México”, comentó Pepe, vocalista de los Rubytates, en entrevista para Indie Rocks!.

Antes, en abril, ofrecieron sus primeros conciertos fuera del país, en el Festival Contracorriente y en dos venues en Guayaquil y Cuenca. “Fueron dos sold outs y en el festival estuvieron como 3,000 personas, fue una buena experiencia salir de tu país y ver a gente que conoce tu música, nosotros ni idea que se sabían nuestras rolas. Hicimos muchos fans por allá, la gente es muy abierta, la música mexicana en Ecuador tiene la puerta abierta y mucho potencial”, comentó el músico.

Asimismo, aseguró que los organizadores de ese festival están planeando hacer muchos más, pero en Chile, Argentina, Colombia y sí, Rubytates está considerado. Lo que es un hecho es que el próximo 19 de agosto en el Foro Indie Rocks! realizará la presentación oficial de su tercer disco: Ciudades de noche (2018).

“El disco sale una o dos semanas antes del Foro, aún hay cosas que planchar, pero está quedando muy cabrón, muy bonito. El nuevo sencillo, ‘Bajo las luces’, que es más romántica, más melosa y más Rubytates que ‘Ciudades de noche’, es una rola muy bonita que saldrá el 22 de junio”.

“Estábamos pensando sacar cinco, como un EP, pero se van a escapar seis o siete canciones. Estamos preparando muchas cosas, entre ellas mucha propuesta y atrevimiento en hacer arreglos, capas y metiendo un poco más de cosas que no habíamos metido, sin perder la esencia de la banda”, agregó.

Sobre el recital como tal, el toluqueño confirmó que aparte de los teloneros Arial y Paranormal, habrá invitados especiales. “Esperamos sorpresas, pero sobre todo pasar un buen momento, que se lleven una gran experiencia. Hasta ahora es el concierto más importante para Rubytates, porque un Foro Indie Rocks! está dentro de los recintos obligados para poder subir y llegar a cosas más grandes. Los nombres de los invitados son sorpresa, pero serán cinco personas que nos han apoyado, que hemos conocido y que se han vuelto hermanos para Rubytates”.

Dejó claro que el espectáculo de luces gustará a los fans y no solo eso, además, dijo que quizá toquen algún cover. “A partir del Zafiro Tour tuvimos show de luces que programamos conforme a secuencias, ahora viene una programación un poco más compleja y completa. También hay algún cover que podríamos tirar, algo padre, pero pasarla chido es lo más importante”, finalizó.

Rubytates se presentará en el Foro Indie Rocks! el domingo 19 de agosto. No te lo puedes perder.

Hocico en El Plaza Condesa

Posted on junio 24, 2018 by -

25 años de furia con Hocico.

El tiempo vuela cuando haces lo que amas, bien lo saben Erk Aicrag y Racso Agroyam que ayer celebraron los primeros 25 años de Hocico con El Plaza Condesa a reventar.

Desde temprano, a pesar de la lluvia, la plancha del lugar comenzó a llenarse y los asistentes a bailar con los DJs encargados de preparar el ambiente. Cerca de las 20.30 H, La bande-son imaginaire salió al escenario para tratar de conquistar a un escéptico público con un poco de su autodenominado horror jazz.

 Si bien al principio todos veíamos al proyecto oaxaqueño sin entender qué estaba pasando, para la tercera canción eran más los que bailaban, gritaban y aplaudían sus consignas políticas, aderezadas con elementos teatrales, que aquellos que se distraían en las barras o mirando su celular.

Tan solo unos minutos después, directamente de McAllen, Texas; el dúo Nfektado subió a la tarima para regalarnos un set que si bien no fue lamentable, si se notó un tanto amateur. A pesar de estar frente a un público abierto y receptivo, fueron contadas las personas que se pusieron a bailar durante su presentación.

Por fin llegó la hora marcada, Racso ocupó su lugar y Erk salió al escenario en medio de ensordecedores gritos y uno que otro brasier que salió volando. Con “Scars” nos dieron la bienvenida a una noche llena de furia, durante la que no solo sonaron temas clásicos y nuevos sencillos, sino que celebraron un legado que se dedicaron a construir durante más de dos décadas.

Todas y cada una de las canciones fueron recibidas a gritos y bailadas por cientos de individuos vestidos de terciopelo y látex; sin embargo, fueron aquellas en español, como “Ecos”, “Ruptura” y “Tiempos de furia”, las que se corearon con puños al aire y sudor en la frente.

Poner por escrito la fuerza de Hocico en vivo es una tarea complicada. Desde el momento que Erk toma el micrófono, el ambiente se inunda de una energía que parecería haber estado contenida por años. No hay momentos bajos, no hay tregua alguna ni descanso.

Para la recta final, el dúo decidió honrar sus inicios y, sin que nadie lo esperara, soltó “Odio bajo el alma” y “Sexo bajo testosterona”. Ambas de sus primeros años.

Hocico es la viva prueba de que el talento mexicano es digno de exportarse. Es de esas pocas bandas nacionales capaces de llenar arenas del otro lado del mundo por mérito propio y no por cumplir una cuota de intercambio cultural.

Lo mejor de esta celebración es saber que aunque pasen los años, Erk y Racso siempre se sentirán bienvenidos en casa. Agradecidos con un público fiel que se siente orgulloso de ellos y que los seguirá hasta el fin del mundo.

A 10 años del último disco de Mötley Crüe

Posted on junio 24, 2018 by -

Hoy se cumple una década del lanzamiento de Saints of Los Angeles; noveno y último álbum de estudio que marcó el regreso de las leyendas del glam metal, Mötley Crüe.

Mötley Crüe es una de esas agrupaciones cuyos excesos pasaron a los anales de la historia del rock. No obstante, la calidad de su música fue también destacable. Citados recurrentemente como una de las mejores bandas del metal de todos los tiempos, Mötley Crüe nos ha dejado un legado que podría considerarse terminado con el lanzamiento de su última placa de temas inéditos: Saints of Los Angeles.

Las ventas de Mötley Crüe —que se estiman en poco más de 100 millones de discos— colocan a la banda como una de las más exitosas que han existido y como una referencia total del glam metal. La década de los 80 fue su época dorada, dejándonos material que se tornó en clásico. Si bien vivieron (junto a todo el glam) un declive gracias al grunge, no dejaron de crear, mientras vivían una lucha constante con sus adicciones.

Saints of Los Angeles es un álbum importante para el grupo en varios sentidos. Por una parte, representa el primer disco grabado con los cuatro miembros originales después de un lapso de 11 años. En 1992, tras el lanzamiento de la placa de recopilación de Mötley Crüe, Decadence of Decadence 81-91, el vocalista Vince Neil se separó para iniciar una carrera solista que vio luz con su primer entrega (Exposed, 1993). Neil fue remplazado por el vocal de The Scream, John Corabi, quien grabó un único disco: el homónimo Mötley Crüe de 1994.

Por su parte, el gran baterista y cofundador de Mötley Crüe, Tommy Lee, también buscando una trayectoria independiente con algunos proyectos como la banda de rap metal Methods of Mayhem, dijo adiós después de que el segundo LP de éxitos de Mötley Crüe, Greatest Hits, fuera estrenado en 1998. El sustituto de Lee fue un ex integrante de Ozzy Osbourne: Randy Castillo, quien prestaría sus servicios para grabar el material New Tattoo del 2000. Castillo fue diagnosticado con cáncer y –mientras se recuperaba– fue remplazado por la baterista de Hole, Samantha Maloney, años después Randy murió.

Si bien el inicio de siglo no fue exitoso para New Tattoo, sí lo fue para otro material del grupo; esta vez en el mundo editorial. En 2001, el libro The Dirt: Confessions of the World's Most Notorious Rock Band fue dado a conocer. Escrito por los cuatro músicos originales de Mötley Crüe, y el colaborador de Rolling Stone y The New York Times, Neil Strauss (además de dos capítulos escritos por John Corabi y el manager Doc McGhee), este material autobiográfico es regularmente citado como una gran obra en la que podemos leer varios de los famosos pasajes de la vida descontrolada de la banda.

La relevancia de The Dirt no es menor. Más allá de las ventas y de que existe plan de llevar sus páginas a la gran pantalla, el libro abrió las puertas para un nuevo material de estudio que culminó en Saints of Los Angeles —se dice incluso que dicho álbum llevaría el nombre del libro—. Por si fuera poco, la gira de promoción del disco resultó en la primera de dos ediciones del Crüe Fest, evento de gran impacto que tuvo en sus filas a bandas como Papa Roach, Buckcherry, Trap (cuyos respectivos vocalistas aparecen en el clip del primer sencillo de Saints of Los Angeles), Godsmack, Drowning Pool, entre otras.

En resumen, Saints of Los Angeles (disco de 13 poderosos tracks declarado por Nikki Sixx, bajista y principal compositor del cuarteto, como su trabajo favorito), significa para Mötley Crüe un honroso regreso a la esfera musical. Con un primer single —tema homónimo al LP— nominado al Grammy, el disco permitió además que la banda llegará a las nuevas generaciones, gracias a que parte de su contenido fue material descargable para un famoso videojuego de simulación. Además, el grupo se dio un lujo que pocos pueden: armar su propio festival.

Con la alineación original, Saints of Los Angeles cumple hoy diez años de haberse puesto en circulación y conformarse así como la última pieza de estudio de un cuarteto legendario que formaron Mick Mars, Tommy Lee, Nikki Sixx y Vince Nail a inicios de los ochenta. Mötley Crüe, a poco tiempo de gestarse, tocó la cima de una fama que, como toda buena historia en el rock, fue acompañada de tragedias, escándalos y excesos de cada uno de sus integrantes; verdaderos sobrevivientes de un estilo de vida lleno de abusos, conducida por grandes canciones que son himnos para el metal.

TOP 20: Videos que celebran la diversidad

Posted on junio 23, 2018 by -

Prepárate para la Marcha del Orgullo LGBTTTI+ con esta selección de videos que celebran la diversidad.

Si bien el respeto es quizá el valor que más peso debería tener en la formación dentro del núcleo familiar, es también el menos aplicado en de una sociedad que presume avanzar cada vez más en materia de derechos humanos.

A todos aquellos que son parte de esta comunidad los invito a que juntos alcemos la voz para exigir un ese derecho que, por el simple hecho de ser humanos, nos corresponde y qué día a día nos han negado aquellos que con miedo y repudio nos miran abrazar nuestra individualidad.

Porque no debemos limitar o silenciar nuestra manera de expresarnos para camuflarnos entre los demás. Ser femenino no es denigrante, usar pelucas y tacones no es de avergonzarse. No tenemos porque ocultar las muestras de afecto hacía nuestros seres amados. Nosotros no somos un mal ejemplo para sus niños, el mal ejemplo lo ponen aquellos padres que nos transmiten a sus hijos la importancia de ser tolerantes hacia los que no son iguales a ellos.

Por innumerables razones más es una responsabilidad social salir este sábado y dejar en claro que no nos vamos a dar por vencidos en la búsqueda no de privilegios, sino de derechos que nos corresponden desde nuestro nacimiento.

Te invito a buscar inspiración para la marcha en esta breve selección de videos musicales de algunos de nuestros proyectos favoritos que también nos han inspirado a nosotros a no quedarnos callados.

Alan Vega, la oveja electro del punk

Posted on junio 23, 2018 by -

Foto Ebet Roberts

Le rendimos tributo al músico Alan Vega recordando su vida y obra con Suicide.

La ciudad de Nueva York, tan mítica y llena de vida, siempre ha tenido a importantes figuras y círculos del underground: Ramones, The Cars, The Velvet Underground o Blondie. Pero hay uno igual de importante, aunque muy olvidado.

Alan Vega, el padre del electro punk y la leyenda de los clubes de Brooklyn, era ese lado diferente de la escena. El punk es muy peculiar, pues a pesar de que es un género que aparenta ser libre e invita al desenfreno, siempre ha sido algo rígido e intolerante. El músico tuvo que sufrir la desaprobación de muchos al ser un personaje de contracultura.

A los puristas del punk, si así se les puede llamar, no solo les disgustaba que se usaran cajas de ritmos y sintetizadores, también la actitud de Vega y su compañero Martin Rev no era del agrado de los grupos más conservadores. Pero ambos, al igual que un Lou Reed, no congeniaban con la actitud y vestimentas del movimiento, más bien lo veían como un sendero que le daba abrigo y acogía su entusiasmo por la experimentación.

Claro que Vega llegó a encajarse botones y seguros directos en la piel, pero parecía más un Elvis Presley post apocalíptico, que parte de New York Dolls.

Mientras que el punk en el Reino Unido exaltaba a la violencia y a la devastación del entorno, de los sistemas, afectar al de a lado; el electro punk llegó para llamar a la autodestrucción y abrazar una decadencia individual. Realmente no importaba, pues ambos buscaban lo mismo: provocar a la audiencia. Pero para algunos de los líderes británicos, y muchos de sus fieles seguidores en Estados Unidos, ese cambio de ideología era algo imperdonable.

Fueron varios los factores por los que Suicide no despegó fuera de Nueva York: su gran cantidad de detractores, tanto bandas como fanzines; también los pocos clubes donde se podían presentar, no solo por su estilo inclasificable en ese tiempo, también porque muchos de sus conciertos terminaban verdaderas revueltas. Pero lo más evidente fue que eran una banda muy adelantada a su época, a pesar de que surgieron cientos de nuevos sonidos, aún no eran viables las distorsiones e instrumentos estropeados junto con gritos y aullidos por parte de Vega.

Tal vez eran demasiado para su tiempo, pero tal y como Iggy Pop inspiró a Alan Vega, el impacto de su banda trascendió barreras, lugares y décadas. Suicide influyó a grupos como Soft Cell, The Chemical Brothers, Spiritualized, MGMT y hasta M.I.A. Como dijo Brian Eno. “El primer álbum de The Velvet Underground vendió diez mil copias, pero estoy seguro de que cada uno de los que lo compraron formaron una banda”. Creo que algo parecido aplica para el dúo neoyorquino.

Hoy salió el nuevo disco de Soulwax

Posted on junio 22, 2018 by -

Escucha ESSENTIAL, el nuevo álbum de Soulwax.

El año pasado la agrupación belga fue la primera en presentar en vivo una hora de música nueva para la BBC Radio 1 con su Essential Mix. Hoy, 22 de junio, por fin podemos escuchar esta serie de mezclas en su versión de estudio, pues su sexto álbum de estudio cuenta con algunas de las pistas y está inspirado en aquel proyecto.

Según los comentarios de la banda, el concepto del disco era tener 12 canciones que se conectaran a través de ciertos elementos y de la palabra esencial, todos y cada uno de los tracks lleva el nombre de "Essential", y solo se pueden identificar a través del número que les corresponde.

Hay mucho que destacar del disco, como una introducción que a la vez que engancha, también explica que el álbum fue creado en tan solo dos semanas. Esto fue lo que dijeron los integrantes de Soulwax sobre este proyecto. "Cuando nos propusieron hacer un Essential Mix, hicimos lo que haría cualquier ser humano, encerrarnos en nuestro estudio por dos semanas y hacer una hora de música nueva basada en la palabra essential, en lugar de preparar una mezcla de música ya existente. El producto de esta decisión por demás imprudente es algo de lo que terminamos estando muy orgullosos y ahora se está lanzando en una pieza de plástico".

Puedes escuchar el disco justo aquí: