Beastie Boys grabará shows dirigidos por Spike Jonze

Como una extensión de lo que fue su libro Beastie Boys Book, Mike D y Ad-Rock tendrán cuatro presentaciones musicales que serán dirigidas por Spike Jonze.

El año pasado, Mike D y Ad-Rock lanzaron Beastie Boys Book, un libro que, además de incluir material inédito de la agrupación, recopila las memorias de los músicos como parte de la icónica banda de hip hop. La promoción se hizo con una gira donde los autores conversaban sobre la obra y respondían preguntas al respecto.

En relación con el libro, la banda ha anunciado una serie de conciertos donde se pretenden contar la historia de Beastie Boys con un lenguaje distinto, el de la música. Las presentaciones de este pequeño tour, Beastie Boys: Story Told By Ad Rock & Mike D, serán grabadas para formar de ello un material audiovisual.

Spike Jonze, será el encargado de dirigir el proyecto. El director ha trabajado con la agrupación en distintas ocasiones, como en el video de “Sabotage” (2009); además, ha colaborado en producciones de este tipo (como su más reciente colaboración con Karen O y Danger Mouse), lo que nos da un adelanto de la calidad que tendrá este material.

Inicialmente, la gira solo constaría de tres conciertos: comenzando el 5 de abril en Filadelfia, Pensilvania; para después, seguir con dos fechas (8 y 9 de abril) en Brooklyn, Nueva York. Como era de esperarse, los boletos no tardaron en agotarse; sin embargo, la agrupación acaba de anunciar una tercera presentación en Brooklyn para el 10 de abril.

Las entradas estarán a la venta mañana, 21 de marzo. Por si te interesa, aquí te dejamos el link; y si no, solo nos queda esperar el lanzamiento de este material.

Jake Bugg en El Plaza Condesa

El cantante Jake Bugg demuestra que es un inmortal en la Ciudad de México.

Faltaban 10 minutos para iniciar y El Plaza ya estaba a una tercera parte de su capacidad. No habían espacios para meterse pues el público hacía lo posible para estar lo más cerca del escenario. A pesar de eso llegué a un buen lugar recorriendo las orillas, pero a los pocos minutos me vi rodeado o más bien estrujado, por la gente. No había forma de regresar, tampoco lograría moverme mucho para tomar fotos y videos. Pero lo peor sería el calor asfixiante que ya se hacía entre los asistentes.

Abrió Axel Catalán y desde que el músico mexicano salió al escenario, me di cuenta de que la gente lo reconoció y recibió bastante bien. No había escuchado de él, pero esa ovación prometía bastante y me daba una buena sensación.

Rápidamente, supe que me había equivocado con el músico morelense. A pesar de que los asistentes corearon e incluso pidieron más, debo decir que me dejó con una sensación de desagrado por su voz plana y estridente.

Estaba ansioso de quitarme el trago amargo que fue Axel Catalán, pero Jake Bugg todavía tardó un rato en salir. Sin embargo, cuando salió un grito ensordecedor se escuchó en El Plaza Condesa. El cantante tomó su guitarra y comenzó de inmediato con "How Soon The Dawn". Me sorprendió que, a pesar de que su último disco no fue el más exitoso, la gente conocía bien las canciones.

Esperaba seguir escuchando más sencillos de su último álbum, Hearts That Strain, pero el cantante optó por una elección para verdaderos fans. Siguieron "Saffron" y "Strange Creatures", dos tracks inusuales. El joven público me volvió a asombrar, ya que varios corearon ambos temas de principio a fin. Sin duda la audiencia mexicana es una de las más devotas al músico de Cliffton.

Luego de un rato, por fin escuchamos uno de los éxitos con "Simple As This". La gente enloqueció por completo y a penas se escuchaba la voz de Jake Bugg por los gritos. El recinto se sentía a reventar, aunque solo se llenó poco más de la mitad.

Bugg trató de mantener el ritmo de la noche y la emoción del público con "Slide", "Trouble Town" y "Taste It". Cada vez las personas se aglomeraban más y los espacios se reducían, pero eso no impidió que muchos saltaran y bailaran en el poco lugar que les quedaba. Los nuevos fans de Jake Bugg son adolescentes, muchos estaban en su primer concierto, pero su energía y exaltación era algo contagioso, la inyección que necesitaban todos los demás, incluyéndome.

No solo hubo un gran ambiente, también con este show acústico, el intérprete demostró un gran dominio con la guitarra y lo mucho que ha mejorado su voz. Cada interpretación fue impecable y emotiva, pero yo destaco lo mucho que brillaron los pocos temas de su último material, como "Bigger Lover" o "In The Event Of My Demise".

En realidad tuvimos un setlist variado, con varios tracks de su segundo disco: "Me and You", "Slumville Sunrise" y "A Song About Love". Pero sobre todo escuchamos canciones de su debut, disco que sigue siendo el pilar en la carrera de Jake Bugg.

Debo confesar que no le pude seguir el paso a los demás y salí en la primera oportunidad que tuve, pero fue una buena decisión. Ya alejado del tumulto, en la periferia de ese mar de gente, me di cuenta de que estaba en la sección de padres. Muchos de ellos acompañaban a sus hijos, los miraban a lo lejos hasta que los perdían entre todo ese caos.

Sonó "Broken" y a partir de ahí todo fue para arriba. Presencié esa emoción pura que muchos tuvimos cuando fuimos a nuestros primeros primeros shows. Saltaban, gritaban y aplaudían sin parar, aunque muchos estaban grabando la mayoría buscaba disfrutar cada segundo de la canción.

También pudimos escuchar uno de los nuevo temas de de Jake Bugg, "Scene". El cantante está preparando nuevo material y debo decirles que promete mucho. El sencillo es cadencioso y tiene un ligero toque beatlesque. No sé si esa sea la versión definitiva, pues en esta ocasión solo estaba acompañado por su guitarra acústica, pero el track tiene el potencial para regresar al británico a las listas de éxitos.

La noche seguía y el músico todavía nos debía muchas canciones, "Seen It All" y "Two Fingers" fueron de sus últimas cartas. También "Waiting" fue una sorpresa, ya que se ha convertido en uno de los temas favoritos del público.

Finalmente, Jake cerró fuerte con "Lightning Bolt". Al estar tan lejos vi como esa masa de cuerpos se dispersó por un momento, expandiéndose como un pulmón que inhala. La gente por fin pudo bailar, reencontrarse con los que venían y los padres de muchos se tranquilizaron de tener a sus hijos de nuevo en la mira.

A pesar de que el cantante nos ha visitado en varias ocasiones, jamás pude verlo, pero creo que me tocó una de sus mejores noches. El concierto fue emotivo, alucinante y vi a un Jake Bugg magnífico, entregado a su manera e inmejorable en cada interpretación. Pero creo que lo mejor fue el público, no éramos muchos pero sí apasionados. El Plaza retumbó como pocas veces. Cuidado con la siguiente generación, porque son impetuosos y nadie los podrá detener.

‘Miss_Anthropocene’ el nuevo álbum de Grimes

Es oficial, después de cuatro años, Grimes estrenará material discográfico que aborda, de manera mística, el tema del cambio climático.

A través de una publicación en Instagram, Claire Elise Boucher, mejor conocida como Grimes, anunció detalles sobre su nuevo material discográfico: Miss_Anthropocene. Desde el año pasado pudimos escuchar un adelanto de este álbum con el sencillo “We Appreciate Power”, ahora sabemos que cada canción será una alegoría diferente a la extinción humana.

 

 

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Miss Anthropocene

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El concepto de este disco gira entorno a una, antropomórfica diosa del cambio climático. La artista canadiense comentó que esta es una apuesta por hacer del tema, algo divertido, con la intención de que sea algo que se pueda visualizar.

En “We Appreciate Power”, colaboración con HANA (cantante de indie pop), escuchamos algo que se aleja por completo del art pop al que estábamos acostumbrados y que le tira más a un rock alternativo. Si aún no has escuchado el sencillo o visto el video, aquí te lo dejamos:

Después de que pasaran algunos años de no haber dado entrevista alguna, Claire habló con el periodista Ryan Bradley para comentar los detalles de sus próximos proyectos. Entre las declaraciones de la cantante destacó la próxima muerte de "el proyecto Grimes".

Según el periodista, la cantante pretende hacer a un lado el nombre de Grimes para explorar nuevos espacios que antes no podía por el concepto que implica el proyecto. Y aunque aún no se sabe algo más, quizás el demo “Pretty Dark” sea parte de esta nueva faceta de la artista.

Guardemos nuestras lágrimas y en lugar, esperemos ansiosos el lanzamiento del nuevo álbum. Además de los sencillos, y hasta un posible EP, que Grimes piensa revelar antes de Miss_Anthropocene.

Jessica Pratt — Quiet Signs

El mundo de fantasía de Jessica Pratt.

Es interesante cómo nuestra cerebro procesa la música a través del azar de la mente y el más simple estímulo provoca que se grabe en nuestra cabeza; ya sea por identificación, un sonido pegajoso, un recuerdo, un sentimiento, un deseo, un olor, un sabor o simplemente por satisfacción o placer. Pero siempre existe algún prejuicio antes de acercarnos a cualquier disco o el mismo ambiente puede transformar nuestra percepción sobre la música, pero Quiet Signs—el tercer álbum de Jessica Pratt—, rompe totalmente con esto, es inútil tratar de ponerle un nombre en cuestión de género, estilo, imagen o significado, ella va transformando el ambiente, desde que comienza el disco solo existen dos variables tú y la magia que la compositora va creando con su guitarra y voz. Lo que Pratt presenta es música en su estado más puro y orgánico, tan simple y profunda como la belleza de la naturaleza, o tan sutil como la existencia misma; y sin esperarlo quedará impregnada en lo más profundo de tu mente.

En Quiet Signs, la artista encuentra la confianza para presentar su trabajo de manera más completa y directa. El estilo musical de Jessica Pratt guarda cierta relación con lo más elemental del folk, la delicadeza de Sibylle Baier, el sentimiento de Karen Dalton, la belleza de Joni Mitchell, lo sombrío de Scott Walker y Dusty Springfield, lo meditativo de Brian Eno, e incluso la psicodelia de Linda Perhacs, pero su sonido tiene algo particular que la hace única, es envolvente, expansivo, misterioso, desde que comienza a reproducirse se va desenredando mientras crea una copia en tu pensamiento. Al Carlson y Matt McDermott acompañan a la artista con arreglos de flauta, órgano, sintetizadores, piano y pandero, que sin duda forman parte de esa peculiaridad de las canciones, dándole también un estilo chamber pop. Aunque igual hay rasgos que transmiten una vibra de la música sacra, por ejemplo, su forma de cantar en “Silent Song” o cuando la cantante menciona la frase “hallowed be thy name” (santificado sea tu nombre) en “This Time Around”.

“Opening Night” abre con misterio y teatralidad —la imagen que trae consigo es la de un hombre tocando el piano en completa oscuridad— y esta atmósfera se mantiene la mayor parte del tiempo, aunque también hay otras texturas más alegres como el solo de flauta de “Fare Thee Well”, los sintetizadores de fantasía de “Poly Blue”, o el dulce tono de voz de Pratt en “Here My Love”. El silencio es parte esencial del disco, al principio de “As the World Turns” podemos oír el correr de la cinta —ya que el disco fue grabado de forma análoga—,  el espacio abierto que tiene cada sencillo nos permite sentir cada rechinar de la guitarra, el alcance de cada sonido, el eco de cada palabra, el latir de cada tecla, con la voz de Pratt siempre al frente.

La artista tiene una forma peculiar de componer que puede explicar el resultado tan natural de su música, trata de no tener algo premeditado antes de grabar —aunque esta es la primera vez que lo hace en un estudio, sus primeros discos, Jessica Pratt y On Your Own Love Again, los realizó en su habitación—, y todo lo une al mismo tiempo, letras e instrumentación. –“Mucho del color del disco soy yo comunicando ideas y alguien tratando de articularlas con un instrumento”, comentó para The Fader—. Quiet Signs es una representación transparente de Jessica Pratt como ser humano y artista; y aunque por momentos parece hablar del amor (“Here My Love”), desamor (“Fare Thee Well”), la desesperanza en el mundo al mismo tiempo que ella cambia con él (“As the Wolrd Turns”), miedo, resignación, o sobre cómo cuando nos encontramos en un avión es el único momento en que realmente estamos desconectados del mundo (“Aeroplane”); siempre hay cierto misterio detrás de sus letras, algo que descubrir, algo oculto, un personaje enigmático.

En una entrevista para Rolling Stone, la artista comentó. “De cual sea el lugar que proviene su música, está totalmente divorciado de la realidad”. A través de nueve canciones, Pratt nos invita a soñar y sumergirnos en su extraño mundo lleno de historias indefinibles, cantos angelicales, colores opacos, arreglos de ensueño y “señales silenciosas” que nos van guiando a través de esta fantasía.

Santa Sabina homenajea a Rita Guerrero en el Vive Latino 2019

El merecido tributo a una de las voces más importantes de nuestro país por fin se llevó a cabo.

El pasado 16 de marzo, Alejandro Otaola, Alfonso FigueroaLeonel Pérez Aldo Max, miembros restantes de Santa Sabina, realizaron un sentido homenaje a su vocalista, Rita Guerrero, así como al baterista Julio Díaz, fallecidos en 2011 y 2014 respectivamente.

El lugar era ideal, los 20 años del Vive Latino, festival que vieron nacer y del cuál formaron parte en su primera edición.

Ataviados en pañuelos verdes, la banda pisó la tarima para hacer un recorrido por sus 30 años de carrera musical.

La velada inició con "Gasto de saliva", donde los músicos hicieron sonar los primeros acordes mientras la incomparable voz de Rita se hacía presente de manera digital, poniendo a vibrar a todos los que se dieron cita para recordar a una de las mujeres más emblemáticas de la escena del rock nacional.

Aunque esta situación no duraría mucho, ya que contaron con la presencia de invitados como Rubén AlbarránAlfonso AndréJessy BulboAmandititita; así como Dafne Carballo Sandra Michel de Descartes a Kant y Denise Gutiérrez de Hello Seahorse!.

Todos ellos los acompañaron para interpretar canciones que forman parte de su enorme legado musical, como "El ángel""La garra""Chicles""Estando aquí no estoy" "A la orilla del sol". Para concluir, todos subirían al escenario para interpretar "Azul casi morado".

Con esta emotiva presentación, Santa Sabina inicia la gira XXX, con la que dirán adiós a los escenarios definitivamente, cerrando la historia de una de las bandas más representativas de la escena musical mexicana.

Si deseas revivir el grandioso homenaje puedes darle play por aquí.

Entrevista con The Blaze

Sonido y visión.

Imaginemos por un momento que estamos pasando por los pasillos de un bazar o una disco durante una tardeada. Llevas pantalones acampanados, quizás una dona en el cabello y tu cazadora bomber, ataviado con la moda del momento. Sí, suena a que estamos remitiendo a los años 90, en donde la gente se la pasaba “de pelos” gastando sus nuevos pesos. Y lo más importante es que la música de fondo es bailable, fresca y sin mayor complicación. Solo un piano, unas melodías agradables, beats creados en una caja de ritmos Casio y voces distorsionadas.

Ahora imaginen esa misma sensación pero sonando en un festival musical contemporáneo, lleno de coronas de flores, pintura corporal, filtros deslavados en redes sociales y diversión bajo normas de consciencia social. Así suena el french house de The Blaze, un dúo de dos primos franceses, Guillaume y Jonathan Alric, que buscan remitir esas viejas glorias de la música electrónica europea a un público con gustos y exigencias más abiertas, pero a la vez más exigentes.

Con motivo de su primer visita a México, bajo el marco del festival Ceremonia 2019, platicamos con ellos acerca de sus shows, sus procesos de composición y las expectativas que tienen de pisar tierras aztecas.

“Estamos muy emocionados de tocar en el Ceremonia 2019, sobre todo porque nunca hemos venido a tocar aquí. Hemos visto mensajes de nuestros fans mexicanos y otros artistas nos han platicado maravillas de cómo son como público, entonces no podemos esperar a tocar aquí”, comentaron. “Claro que no podemos revelar muchas cosas y no sería justo, pero lo que podemos adelantar es que verán un DJ set de The Blaze lo más emotivo y dinámico posible, como siempre lo hacemos”.

El dúo comenzó con este proyecto cuando Jonathan estudiaba cine en Bruselas y le pidió ayuda a Guillaume para trabajar en una banda sonora de un video musical. Con el tiempo, vieron que realizaban una buena mancuerna mezclando y creando sonidos de influencias clásicas del género electrónico y mantuvieron como enfoque el realizar música que involucrara la parte sonora como la visual al mismo tiempo, aludiendo a sus raíces escolares.

“Nuestro show en vivo se trata de poner a la audiencia en un estado en donde puedan sentir emociones de la manera más pura, y así poder viajar a donde quieran. Y ambos creemos que la música nos permite hacerlo. El añadir imágenes también ayuda a dar contexto a este viaje, pero le toca al público decidir si quieren seguir por este camino con nosotros o forjar el suyo”.

En 2017 lanzaron su primer EP, Territory, bajo el sello de Animal 63. Poco después, su unión de visuales descomunales y tonadas pegajosas de los videos de “Virile” y “Territory”, sencillos del mini álbum, los llevó a ganar premios importantes en Berlín y en Cannes. Con “Heaven” cerraron este tríptico de videos y sirvió como una probada de lo que vendría siendo Dancehall, su disco debut.

“Por ser nuestro primer LP, el que saliera bien y que fuera un trabajo coherente y disfrutable era muy importante para nosotros, sobre todo por la música que queríamos que sonara de fondo con las ideas visuales que teníamos”, detallaron. “El proceso de composición fue muy natural. El estudio se convirtió en nuestra burbuja y probábamos nuevas cosas todo el tiempo, reescribíamos canciones, intercambiábamos ideas, etc. Cada día era algo distinto y eso es lo que lo mantiene interesante”.

Su música parece provenir de una época definida, pero The Blaze prefiere no concentrarse en ningún momento más que el ahora. Por ello no refleja mucho en sus recitales pasados o en planes para discos futuros.

“Aunque nos da mucha felicidad haber participado en Lollapalooza o en Coachella, intentamos no enfocarnos en eso y darle toda nuestra atención a The Blaze en este momento, en el aquí y ahora. Todo lo que nos ha pasado y todos los shows en donde hemos tocado no nos ha dado como para pausar y darnos cuenta de lo que sucede. Hay tantas cosas pasando ahorita. ¿Por qué no aprovecharlas?”, concluyeron manteniendo un aura de misterio en sus planes y pensamientos.

The Blaze tocará el sábado 6 de abril en el festival Ceremonia 2019.

"Drop al infierno", lo nuevo de Los Viejos

Por Ana Rodríguez

La banda mexicana de punk Los Viejos compartió, a través de sus redes sociales, detalles sobre su nuevo EP: Green Screen.

Recientemente Los Viejos compartió en sus redes sociales una galería de fotos del proceso de realización de su nuevo EP titulado Green Screen, el cual fue grabado y producido en Vesubio34 por Miguel Fraino de Cardiel, quien ya había trabajado con la banda en su disco anterior: Sociedad del miedo.

Es por eso que ahora Jacobo y Eustaquio nos comparten su nuevo sencillo "Drop al Infierno", un track poderoso que puedes escuchar a continuación:

Los viejos se presentó en la vigésima edición del Festival Vive Latino, donde oficialmente se estrenó el EP y se escuchó en vivo este nuevo trackSi te perdiste la presentación aquí te la dejamos:

Green Screen ya está disponible en La Roma Records, y aquí te compartimos la portada y el tracklist:

Tracklist Green Screen:

  1. “Richard Byrd”
  2. "Full Green"
  3. “Drop al Infierno”
  4. “Maya E.T”

Los viejos se estará presentando el próximo 7 de abril en el Multiforo Cultural Alicia en la Ciudad de México junto a la banda canadiense de hardcore punk, Comeback Kid¡No te los puedes perder!

"Wake Me When It's Over", lo nuevo de The Cranberries

Por Ana Rodríguez

Tras un año de la muerte de Dolores O’ Riordan, The Cranberries publica nuevo single, “Wake Me When It’s Over”.

La interpretación que se puede apreciar en “Wake Me When It’s Over” es característica de la fallecida cantante, una canción que podría llegar a ser un clásico de la banda irlandesa. Aquí se puede escuchar el sentimiento y fuerza con la que expresa cada una de las palabras de componen la letra de la canción, la cual hace alusión a un pasado doloroso.

"Es una canción divertida de tocar y es brillante y bastante estimulante. Es una canción clásica de Dolores O' Riordan con un verso suave y un coro enorme", estas fueron las palabras del guitarrista de la banda Noel Hogan para referirse al nuevo track.

A continuación dale play“Wake Me When It’s Over”:

Este single al igual que “The Pressure” y “All Over Now” forman parte del último álbum de The Cranberries, el cual llevará por nombre: In The End, un trabajo dedicado a la memoria de la vocalista Dolores O’Riordan; producido por Stephen Street.

El álbum estará disponible a partir del 26 de abril a través de BMG. Si quieres preordenarlo da clic aquí. 

 

Gesaffelstein — Hyperion

La ambición de lo simple.

Su nombre artístico, puede ser una palabra difícil de pronunciar (/jesefelstain/), pero eso no es impedimento para que el francés Mike Lévy destaque si es que de música electrónica se trata. A los 25 años produjo dos canciones del consagrado Yeezus de Kanye West y ha colaborado con artistas como Depeche Mode, Daft Punk y Lana Del Rey. Le gusta vestir de traje en sus presentaciones. Esto no le incomoda, al contrario, lo sofistica. Ese mismo estilo se ve reflejado en la portada de Hyperion, su reciente producción.

La carátula está cubierta, totalmente, de color negro, lo que toma por sorpresa al público y aumenta la curiosidad por ver la contracara. Las ansias por saber qué ofrece se acrecientan al ver a The weeknd, Pharrell Williams y a Haim colaborar en esta producción. Así, lo simple de la portada se transforma. La ambición por mantener esa sofisticación crece… ¿logrará estar a la “altura” en cada canción?

La primera, homónima al álbum, nos envuelve en un loop interminable, que, acompañado de un piano eléctrico, da la sensación de encontrarse en una montaña rusa. Despierta más la curiosidad, pero vamos por partes. Es solo la primera composición.

"Reset" se convierte en un juego de misterio e intriga. Mezcla sonidos que recuerdan a lo hecho por Kraftwerk en "The Man·Machine". En este caso, el techno oscuro pero persuasivo lleva al oyente a mantenerse en vilo sobre lo que puede acontecer para dar paso a la voz melódica de The Weeknd. Te captura. En su colaboración, llamada "Lost in the Fire" retrata, de manera explícita, los deseos de un hombre por tener a su chica una vez más, a pesar de que ella sabe que él suele invitar a una persona nueva cada noche. Esta es la tercera colaboración realizada entre Lévy y The Weeknd. Las dos primeras se dieron para un EP del canadiense. "Lost in the Fire" apunta a hit apenas se escucha.

El loop vuelve a crear misterio, esta vez en "Ever Now". La confusión también sobresale. De momentos, la sensación de escuchar el sonido de las manecillas de un reloj se intensifican. Pronto, los casi dos minutos de canción se acaban. "Blast Off", en colaboración con Pharrell Williams, denota la inspiración en los sonidos electrónicos de su compatriota Jean-Michel Jarre. Las notas agudas y graves que Pharrell le proporciona a la canción ayuda a crear una melodía que se vuelve atractiva para el oyente, pero que conserva y remarca el mismo discurso que proponía "Lost in the Fire".

En "So Bad", la inspiración en Jarre aumenta. La atmósfera espacial que recuerda a "Atmosphere", da inicio a la canción, lo que lo convierte en el matiz que las hermanas HAIM necesitan para pedir al oyente que no sea “tan malo” con los sentimientos que se exhiben en la canción, la cual termina con la lección de salir adelante pese a los problemas.

"Forever" se consolida como la promesa entre dos personas y su anhelo de una de ellas al “salvar” a la otra. Además, de ver a esa persona como la única que puede llevarla al nirvana que busca. La atmósfera espacial continúa, pero no resulta ser tan atractiva ni efectiva como lo fue con "So Bad", pese a las tremendas colaboraciones que maneja, con el DJ francés The Hacker y el dúo synthpop Electric Youth. La canción seduce después de la segunda o tercera oída. Eso sí, no deja de ser una propuesta electro-synth pop interesante. Con "Voltex", antepenúltima canción, Lévy vuelve a lo trazado por "Reset". Parece ser la continuación. En cuanto a calidad compositiva, no hay mucho que rescatar.

La siguiente, "Memora", deja de brindar flexibilidad, canción tras canción, sonido tras sonido, a un álbum que empezaba con una propuesta novedosa en cuanto a salirse de los estándares de los DJ de música electrónica más conocidos (Alan Walker o David Guetta, por nombrar a algunos). Eso sí, el trabajo por mantener el estilo “oscuro” en sus creaciones, se resalta. El final de este álbum, con la canción llamada "Humanity Gone", retrata de manera adecuada este título, pero sigue el mismo patrón de las cuatro composiciones que la anteceden. Es tenue y calmada. Pero, el hecho de que se convierta en un trabajo de 10 minutos, lo vuelve pesado y le quita la posibilidad de que el oyente pueda digerir de manera más fluida el final.

No hay duda que las colaboraciones son la fortaleza de esta producción, pero que, más allá de pretender ser sofisticada, ambiciosa o responder a la pregunta que inicia esta reseña, resulta convertirla en la debilidad de la misma y la limita en cuanto a sonidos y mezclas. Esto deriva, lo que es muy notorio en las últimas canciones, en un concepto que termina convirtiéndose en ambiental y que no logra encontrar un equilibrio con las primeras composiciones. Lo recomendable sería destinar otra producción en la que se arme y aprecie ese concepto que, no dudo, fortalecería la identidad musical del artista. Su talento lo está llevando lejos dentro de una industria de mayoría americana.

Karen O y Danger Mouse estrenan el video de “Woman”

Grabado en vivo en The Late Show Night with Stephen Colbert, la dupla estrenó el video de “Woman”, sencillo que se desprende de su material discográfico: Lux Prima.

Hace unos días se estrenó el primer álbum colaborativo de Karen O y Danger Mouse: Lux Prima. Hoy lanzaron el video de “Woman”, que fue dirigido por Spike Jonze y grabado durante su presentación en el corte musical de The Late Show Night with Stephen Colbert.

En este performance se puede ver a seis bailarinas que acompañan a Karen O con una coreografía que estuvo a cargo de Tanisha Scott, quien ha trabajado con artistas como Beyoncé y Rihanna. Por su parte, Danger Mouse aparece en algunas tomas tocando el bajo; aunque claro, el estelar se lo llevan las mujeres. Sin más, aquí puedes ver “Woman”:

Spike Jonze fue el encargado de dirigir esta presentación/video. Y es que, además de ya haber trabajado con Karen O en distintos proyectos (como el soundtrack de Her), Jonze también había dirigido una producción de este tipo en la participación de Arcade Fire para los YouTube Music Awards del 2013. Si te interesa, aquí puedes ver esa presentación.

Sin duda, el trabajo de Karen O y Danger Mouse nos ha dejado bastante sorprendidos. Su álbum, Lux Prima, saca lo mejor de cada artista y lo fusiona de una manera increíble. Así que, si aún no lo escuchas, haz clic aquí.