PJ Harvey lanza "The Moth" y "Descending"

La artista inglesa, PJ Harvey estrenó dos canciones que forman parte de la banda sonora de All About Eve.

El próximo 12 de abril, podremos escuchar el soundtrack de la adaptación teatral del clásico cinematográfico de 1950, All About Eve. Este material discográfico fue compuesto y grabado por PJ Harvey, quien hoy nos comparte un adelanto con el estreno de "The Moth" y "Descending". Aquí puedes escucharlos:

All About Eve es una historia que trata el tema de la obsesión con la fama, fue escrita por Joseph L. Mankiewicz, quien también se encargó de dirigir la cinta ganadora al Premio Oscar como mejor película en 1951. En esta ocasión, la adaptación teatral es dirigida por Ivo van Hove, además de ser protagonizada por Gillian Anderson (The X-Files) y Lily James (Mamma Mia! Here We Go Again).

Por su parte, PJ Harvey comentó que disfruta mucho componer música para darle soporte a una historia y reveló que ama la libertad que implica trabajar en lo instrumental en lugar de atenerse al conjunto de letra y melodía. Estamos a pocos días de poner escuchar este material discográfico completo. Mientras tanto, les compartimos el tracklist que compondrá esta banda sonora.

 

          All About Eve

  1. “Becoming”
    2. “Shimmer”
    3. “The Sandman” (Feat. Gillian Anderson)
    4. “Waltz”
    5. “Descending”
    6. “Lieben”
    7. “Ascending”
    8. “Cadenza”
    9. “The Moth” (Feat. Lily James)
    10. “Träume”
    11. “Arpeggio Waltz”
    12. “Change In C”

Dua Lipa colabora con Nile Rodgers

La cantante británica Dua Lipa compartió los primeros detalles relacionados a su segundo álbum de estudio.

Fue en el 2017 cuando la intérprete de “New Rules” lanzó su álbum homónimo, un disco donde predomina la potente voz de la artista al ritmo de la electrónica. Aunque ese debut fue muy exitoso y logró que Dua Lipa se colocara como una promesa musical, la cantante cree que la continuación del álbum necesita estar compuesto de ritmos más orgánicos. Es por eso que, a través de sus redes sociales, reveló que está trabajando con una leyenda de la música Nile Rodgers, quien ha producido álbumes para artistas como David Bowie, Diana Ross, Madonna, Duran Duran y Mick Jagger.

Aunque la cantante había prometido no compartir nada, hace unos días subió unas fotografías a través de Instagram donde se le ve muy emocionada colaborando con el productor Nile Rodgers en los Abbey Road Studios en Londres.

Dua Lipa aseguró que seguirá mostrando los avances de su nuevo proyecto, el cual saldrá este año. "Cada día estamos un poco más cerca... Estoy tan emocionada de que escuches esto", comentó la cantante en sus redes sociales. 

 

Clinic lanza el video de "Laughing Cavalier"

Escucha "Laughing Cavalier" la nueva canción de Clinic y mira su clip animado.

Hace un mes, la agrupación británica anunció su regreso luego de seis años y el lanzamiento de su octavo álbum de estudio. La fecha de publicación está cada vez más cerca y es por eso que la banda ha revelado otro sencillo promocional de su siguiente disco.

Lo nuevo de Clinic se llama "Laughing Cavalier" y es la canción que abre a Wheeltappers and Shunterssu próximo material de larga duración. El track toma elementos tanto de la psicodelia como del post punk, logrando una mezcla extraña pero que funciona. El estilo es parecido al de "Rubber Bullets", su primer adelanto.

La canción cuenta con un video animado, el cual estuvo a cargo de Joseph May. El animador ha colaborado con Disclosure, CHAMPS, Ardyn y Wild Beasts.

El clip está lleno de imágenes bizarras, colores brillantes y personajes extraños. Un metraje que va a la perfección con el track y el estilo de la banda.

Wheeltappers and Shunters, el nuevo disco de Clinic, saldrá a la venta el próximo 10 de mayo a través del sello discográfico Domino Recording Co. (Austra, Anna Calvi).

Escucha "Laughing Cavalier" y ve el video que lo acompaña justo aquí:

Khruangbin en C3 Stage

Domingo psicodélico en la perla tapatía.

Una vez más la perla de occidente, Guadalajara, se engalanó con un concierto de lujo. En esta ocasión los tapatíos tuvieron la fortuna de ver al trio de rock psicodélico de Texas: Khruangbin, que dio cátedra de dicho genero. Pero vayamos por partes.

La banda llegó a México en el marco del festival Ceremonia para después hacer escala en el C3 Stage de Guadalajara gracias a HIPNOSIS, que el año pasado trajo a King Gizzard & The Lizard Wizard y logró un sold out en ese mismo lugar.

Desde temprana hora los fans estaban ansiosos por escuchar a la agrupación de Houston, en cuanto se dio acceso fueron entrando para ir llenando el recinto, la sorpresa aquí es que para ser domingo el concierto tuvo excelente respuesta y eso reafirma que los tapatíos empiezan a aceptar nuevos eventos más allá de lo que ya están acostumbrados. Para esta noche la antesala corrió a cargo de las bandas Birdhaus y UAY, la primera con un emergente historial como el haber sido grupo invitado en la fecha de Tricky en 2018; y UAY por su parte nos presentó una psicodelia latina, evocándonos a esa amada world music de los años 80.

Una chela por acá, platica por allá y una hora después de la marcada en el boleto el foro presentaba buen aforo para disfrutar de la noche. El silencio en el sonido local indicó que ya era hora de la banda estelar y como en otras ocasiones no hubo necesidad de apagar las luces y así los integrantes de Khruangbin –traducido del tailandés como aeroplano– fueron acomodándose cada uno en su respectivo instrumento para dar inicio a una noche que solo puede ser descrita como un ritual donde la mayoría fuimos encantados y nos pusimos a bailar con las notas de cada canción. Éramos serpientes y ellos nuestros encantadores.

Hit tras hit y sin decir mucho más que en dos ocasiones, el grupo prefirió que la música hablara entre canciones como “Mr. White”, “Lady and Man” y un medley con covers de rap a Dr. Dre, Warren G y A Tribe Called Quest (la fusión ideal entre psicodelia y beats) para finalizar con un encore de tres canciones y dejar satisfecha a la audiencia. Un éxito esa noche llena de HIPNOSIS y psicodelia, un evento que se espera haya sido el banderazo para que en Guadalajara se continúen haciendo eventos de esta calidad.

Thom Yorke estrena "Gawpers"

Como parte de su presentación en Minimalist Dream House, el músico interpretó por primera vez dos nuevas canciones: "Don't Fear the Light" y "Gawpers". 

Desde hace unas semanas, Bryce Dessner (integrante de The National) anunció una serie de presentaciones colaborativas donde participarían distintos artistas. Entre ellos se encontraba el músico inglés, Thom Yorke, quien sería el encargado de cerrar el show con la interpretación de su primer composición clásica: "Don't Fear the Light".

Ayer, en la primera fecha de la gira Minimalist Dream House, el integrante de Radiohead sorprendió al público no solo con su pieza clásica, sino también con el estreno de una canción inédita: "Gawpers". Las hermanas Katia y Marielle Labéque se encargaron de ejecutar la pieza en sus respectivos pianos, mientras que Thom Yorke les hacía compañía con su melodiosa voz. Sin más, aquí puedes escuchar esta nueva composición:

Después de ser testigos del trabajo de Thom Yorke en la banda sonora de Suspiria (2018), "Gawpers" llega con un aura oscura que nos habla de los demonios internos que habitan en nuestra mente. Y nos sumerge entre las cuerdas percutidas del piano para dejarnos a la deriva en un escenario estremecedor.

Además de presenciar este sorprendente set por parte de Yorke, los asistentes pudieron disfrutar de algunas canciones de El Chan, el nuevo material como solista de Bryce Dessner y las pianistas Katia y Marielle Labéque. Si aún no has escuchado este álbum, aquí te lo compartimos.

Tyler, the Creator anuncia línea de tenis

GOLF le FLEUR* GATOR COLLECTION es la nueva línea de tenis de Tyler, the Creator. Conoce todos los detalles a continuación.

El rapero y productor estadounidense nos sorprende con algo nuevo: se involucró en el mundo de los tenis, pues considera que son "El corazón de la juventud alrededor del mundo". Es por eso que nos presenta una nueva colección dirigida a un público atrevido y por supuesto fan de la música.

Tyler, the Creator anunció en sus redes sociales GOLF le FLEUR* GATOR COLLECTION, unos tenis con texturas lujosas y exóticas que imitan la piel de cocodrilo en tres colores diferentes: beige, negro y verde. Además, el detalle del nombre de la línea y de la marca están bordados a mano en la lengua del zapato. Cabe señalar que ningún animal fue maltratado para la realización de este producto.

Los tenis estarán disponibles en Norteamérica a partir del sábado 6 de abril, a través de la tienda en línea de Converse y de GOLFWANG en una edición limitada a 1,000 piezas.

Aquí te mostramos las fotografías de esta colección, realizadas por Luis "Panch" Perez.

¿Cuáles son tus favoritos? Comenta en nuestras redes sociales.

Entrevista con MexFutura

Encuentros pasados, momentos futuros.

En México en hip hop y el rock siempre han encontrado la mejor manera de colaborar. No importa si se trata de bandas haciendo rap o de raperos sampleando rock, ambos géneros siempre han gozado de una buena amistad en nuestro país.

Con esto en mente no sorprende de Denise Gutierrez de Hello Seahorse! y Dr. Zupreeme de La Banda Bastön se hayan unido para crear MexFutura, un proyecto que para nada suena raro pero sí necesario en la escena musical de nuestro país. “Todo empezó el día que grabamos la colaboración en Luces fantasma de La Banda Bastön. La canción fue muy acertada porque era un beat lento”, comentó Denise. “Después nos quedamos en el estudio platicando y creamos las primeras dos canciones de lo que después llegaría a ser MexFutura”, agregó Dr. Zupreeme.

Fue así que el dueto quedó conformado, aunque ellos no lo supieran. La cosa fue simple. “Zupreeme me enseñó unos beats que tenía listos pero que no sabía para qué los iba a usar. Yo también llevaba un cuaderno con letras que no había usado así que todo quedó perfecto. A partir de ese momento empezamos a pensar qué hacer con esas canciones, incluso en algún momento me sugirió Zupreeme que fuera mi disco solista porque en ese momento yo me encontraba en un reposo en Hello Seahorse!. La razón por la que no quise que fuera mi proyecto solista es porque siempre he creído que la música es un arte colaborativo o al menos así me gusta a mí, nunca he querido ser la cara de un proyecto”, explicó Denise.

Algo que llama la atención es que si observas de lejos la carrera de Dr. Zupreeme, no existe nada que nos explique cómo es que ya tenía listos esos tracks que suenan a todo menos a hip hop.

“Esos beats no los hice pensando en algo en específico. Normalmente yo ando siempre creando bases o paquetes de bases sin pensar en algún proyecto en particular. Estas bases son muy musicales y muy distintas a las que hago para el hip hop que requieren ser más planas para darle protagonismo al rapero. En este caso sentí que se iban a acoplar perfectamente con Denise por cómo están hechos”.

“Después empezamos a hacer cosas específicamente para este proyecto. Para mí fue muy distinto a como trabajo normalmente. Por ejemplo, de las 16 canciones que existen de MexFutura, solo en una usé samplers que son muy comunes en el hip hop”, explicó Dr. Zupreeme.

MexFutura se puso como meta lanzar una canción cada tres semanas y al juntar cuatro lanzar un EP de nombre La última selva (uno). Después siguió con otras cuatro rolas y un segundo material titulado La última selva (dos). El plan era seguir así hasta sacar un par de discos más, sin embargo decidieron hacer una pausa temporal para poder promocionar el proyecto además de seguir con sus respectivas bandas.

“Al final no sabemos en qué puede terminar este proyecto. Decidimos que es mejor dejarlo fluir. Si se vuelve grande qué bien sino pues lo que queríamos era crear. Afortunadamente los dos vivimos de otros proyectos”, comentó Denise.

“Si al terminar de sacar todas las canciones el proyecto se acaba, aún así me sentiría contento porque se concretó. En la música por cada cosa que sale hay mil que se queda en veremos”, concluyó Zupreeme.

En este momento MexFutura va a la mitad del proyecto original, ocho canciones que son suficientes para saber que sería una pena que el proyecto no continuara.

Sun Kil Moon — I Also Want to Die in New Orleans

El álbum que nos recuerda que hacer folk no es cosa sencilla.

Más de 01:20 de folk a medias. El nuevo material del artista estadounidense Mark Edward Kozelek, que con el nombre de Sun Kil Moon lanza su décimo álbum de estudio: I Also Want to Die in New Orleans.

Un álbum al hay que entrar con paciencia pues sus aciertos están ocultos y no será sino con calma y disposición que éstos se revelen para hacernos disfrutar. Una de las características más importantes del folk es reinterpretar viejos temas o formas para entregarlos a las nuevas generaciones; sin embargo, esta máxima que parece una receta no es fácil de elaborar. En ese sentido esta placa lo logra a medias, pues un acierto es que sus siete canciones están construidas a partir de una guitarra dura y una voz que narra sin cesar temas actuales que van desde la política a lo más banal como un paseo por una ciudad. Sin embargo, no hay nada más que reinterprete.

Canciones de 8 minutos o más donde la letra se convierte en una narración que no ocupa el silencio a su favor, sino que echa toda la carne al asador y abarca en absoluto el tiempo musical para ampliar su relato. Hay montañas; perros y casas de madera. Se mencionan el evangelio y un salmo. Hay noticias de “niños muertos, coyotes ahogados y perros abandonados sin comida ni agua en los sótanos” y un tiroteo en una escuela de Florida. Material bien yankee.

La columna vertebral son las bases del folk: guitarra y voz como sacadas de un sótano y una estela de jazz libre serían las costillas de este cuerpo sonoro. El fraseo por momentos se asemeja parece que sin desearlo al del hip hop, como en “I'm Not Laughing at You”.

En “Coyote”, Kozelek nos sorprende con sus juegos de voces, mismos aportes vocales que encontramos en “Day In America” , tema que permite la introducción de un ensamble de cuerdas dinámico y potente que más tarda en llegar que en lo que desaparece detrás de la voz rasposa.

“Cows” es un tesoro dentro de este mundo. Una apología a la dieta que no prescinde de la carne, se integran percusiones y voces de fondo en loop que agregan otras texturas a la composición y los oídos se refrescan. Aquí como en canciones anteriores, utiliza el recurso del jazz, esta ocasión entra para lucirse el saxofón de Donald Paul McCaslin, músico que aportó su versatilidad para el álbum Blackstar de Bowie. Un saxofón que resulta necesario y que se extraña en otras canciones pues aunque Donald nació en Santa Clara, aporta un sax muy de Nueva Orleans, hecho a imagen y semejanza de este álbum.

“Couch Potato”, la canción más flexible. Un tema que comienza con un ritmo alegre y una base que la caracteriza desde el segundo uno. Guitarra y batería se funden con el soliloquio que parece ya cansino a esta altura de la placa pues no se revitaliza en ningún momento. Entendemos que este recurso es clave para el vuelo alto del álbum y que si no se logra, éste va a estrellarse en cualquier momento. Es por esto que no alcanza su punto más álgido y deja una sensación de lo que pudo ser. Este torrente de guitarra y voz desemboca en “Bay of Kotor”, más de lo mismo sin ningún hallazgo.

Así, termina el álbum, que deja la sensación de que hizo falta más versatilidad para mejorarlo.

Technicolor Fabrics en El Plaza Condesa

La CDMX levitó con Technicolor Fabrics.

“Hay algo más allá de tus lamentos, piensas que nadie ha llorado como tú…”, fueron las palabras que Juan Pablo Corcuera cantó para marcar el inicio de la noche del 5 de marzo, “Dale Calma” fue el tema elegido para abrir el regreso de Technicolor Fabrics a El Plaza Condesa, seguido por la canción “Tiernos”.

La banda oriunda de Guadalajara, Jalisco compuesta por Corcuera, Daniel Salazar, Joaquín Negrete, Raúl Cabrera ‘Yogui’ y Abraham López, apareció en el escenario del recinto de la Ciudad de México después de tres años de ausencia en el mismo, para ser recibidos por un Plaza lleno en su totalidad en todas las secciones.

Durante una hora y media, Technicolor Fabrics puso a cantar y bailar a cada uno de los asistentes con su sonido alternativo, ambientando con luces rítmicas de todos los colores. En ningún momento faltó la interacción del quinteto con sus seguidores. La banda mencionó en repetidas ocasiones la emoción que les causaba estar de vuelta frente al público citadino, y los fanáticos respondían con gritos y aplausos.

El invitado especial de la noche fue el compositor mexicano Caloncho, quien subió al escenario para acompañar a la banda durante la canción “Bienvenidos”. La aparición del músico no fue sorpresa, pues se comunicó un día antes del show a través de las redes sociales de la agrupación.

Los tapatíos cumplieron la promesa de llegar a El Plaza Condesa con música nueva para sus fans, y no pudo faltar su más reciente sencillo “Levitando”, el cual estrenó hace un mes con un video animado, que fue dirigido e ilustrados por Daniel Barreto. También, complació al público con otro tema nuevo, titulado “Vente”, mismo que lanzó un día antes del concierto.

Cerca del final del show, Technicolor Fabrics anunció que López, su baterista, emprenderá un camino separado de la banda, pero que seguirán siendo ‘hermanos’, como lo han sido a lo largo de toda su carrera musical.

La agrupación, con ya más de 10 años de trayectoria, finalizó su concierto con el éxito “Globos”, que fue el más pedido por los asistentes a lo largo del show, además del más coreado y bailado de la noche; y los fans de hueso colorado se hicieron notar al sacar globos de colores durante la canción. La banda respondió lanzando papeles plateados, cerrando así una noche de festejo de manera perfecta para todos.

El cuarteto originario de Monterrey, Nuevo León integrado por Alex Alanís, Max Delgado, David Salinas y Armando Silva conocido como DRIMS, fue el encargado de amenizar la noche previo al regreso de Technicolor Fabrics a la Ciudad de México.

Graham Coxon en Galera

Coxon demostró que es más que el guitarrista de Blur.

Galera se sentía como un lugar en comunión, quizá porque todos los asistentes eran fanáticos empedernidos, y tanto el espacio como el evento no se prestaba para hacer un alboroto; no se sentían empujones pero si un calor infernal. Sin mayor esfuerzo logré colocarme justo en el centro de ese pequeño mar de gente. Lo cierto es que todos estábamos expectantes a lo que más tarde sucedería, la primera presentación como solista de una pieza fundamental del britpop. Sin un acto abridor, el momento había llegado; pasadas las 20:00 H. se apagaron las luces y Graham Coxon subió al escenario. No había tiempo que perder, ansioso, el músico tomó su guitarra e inició un recorrido musical que incluyó nostalgia, historias y sudor.

El cantante inició con "R U Lonely?", que se desprende de su primer material de estudio y que se ha vuelto recurrente como tema de apertura en sus presentaciones. Después siguió "Latte", de la cuál mencionó que fue de las primeras canciones que compuso cuando decidió dejar por completo el alcohol.

Al finalizar saludó escuetamente, y el público como de costumbre, se hacía notar con gritos ensordecedores, Coxon se mostraba nervioso, alejado de la personalidad que siempre ha mostrado como uno de los guitarristas que al pisar un escenario se transforman en energía pura. Abrumado por el enorme recibimiento pero contento por estar haciendo lo que más le gusta, el show continuó con "All Over Me""That Someone Ain't You" "Alright". Entre canciones, bebía jugo de manzana mientras bromeaba con el público. Solo necesitó dos guitarras, un pedal de loop y su voz para emocionarnos.

Con "Don't Believe Anything", el sonido y el ambiente le jugaron una mala broma. Al grabar la parte rítmica de la canción, se coló entre las pastillas de la guitarra los gritos de la gente, algo que lejos de molestar al cantante, lo llenaba de curiosidad y se dispuso a explicar por qué había ocurrido este fenómeno. Graham no pretendía llevar un espectáculo impecable y eso se hizo notar, pues a lo largo de su presentación el guitarrista erró algunas notas y su voz desafinó en ocasiones, pero creo que esa fue la magia del concierto.

Lo que él buscaba hacer con esta pequeña serie de presentaciones llamadas, One Man Solo Show, era crear un espacio íntimo donde pudiera tocar por el simple gusto de hacerlo, sin presentar una producción estrafalaria llena de músicos de apoyo. Él sabía que lo único que necesitaba era su talento y un público para el cuál interpretar sus canciones.

Luego de un rato empezaron a sonar los temas originales que Graham compuso para la popular serie de Netflix, The End Of The F***ing World. Con "Angry Me""Saturday Night", "She Left The Light On" y "Roaming Star" nos hizo sentir dentro de aquella caótica historia de amor adolescente, mostrándonos que su trabajo logró sobresalir al nivel de los protagonistas.

Algo que inevitablemente tenía que pasar era que sonara algo de Blur. A su estilo, Coxon hizo una versión de "Miss America", incluido en el aclamado Modern Life is Rubbish; uno de los tracks menos valorados de su carrera. En él hizo un experimento, al conectar aquella guitarra electroacústica con el flanger, efecto que forma parte esencial de su sonido pero que en un formato acústico suena fuera de lo común. Al concluir, el músico se dispuso a contar una divertida anécdota sobre la inspiración de esta canción, que involucraba un viaje en carretera junto a su compañero de banda, Damon Albarn; robándose los aplausos y risas de los asistentes.

Conforme fue avanzando la presentación, Graham se sentía más relajado, escuchando a todos aquellos que le pedían a gritos canciones de su extenso repertorio y algunos otros que intentaban de la misma manera llamar su atención y demostrar el afecto que sienten por el intérprete. El clímax llegó cuando sonaron los primeros acordes de "Walking All Day". Fue en este momento cuando todos en el lugar comenzaron a cantar eufóricamente, acompañando con palmas mientras él hacía una demostración del magistral dominio que tiene con la técnica slide.

Tras una breve pausa para afinar su guitarra, volvió para interpretar un cover. De manera seria preguntó; "¿Conocen a Blind Faith?y empezó a entonar las notas de "Can't Find My Way Home", que serviría para indicar que nos acercábamos a la recta final. Uno de los temas más esperados era "You're So Great", la cuál le dio la confianza en los ya distantes años 90 de seguir componiendo a la par que lidiaba con la presión mediática que representaba para él estar en Blur. El público cantó a todo pulmón cada palabra sin falla, haciéndole ver a Coxon que su trabajo es valorado más allá de estar en una banda.

La sorpresa llegaría de la mano de "Song 2", aquel clásico lleno de guitarras sórdidas que popularizó junto a Albarn, James y Rowntree; con el que puso a brincar y gritar a todo Galera con el característico ¡Woo-hoo!. Para concluir, bajó las revoluciones con dos de las canciones que han marcado su carrera solista, "See A Better Day", “Freakin’ Out” "Sorrow's Army", las cuáles nos hicieron recordar la naturaleza de su presentación, íntima y relajada; no había mejor manera para terminar esta velada.

Graham Coxon nos regaló una noche espectacular, en casi dos horas nos llenó de momentos únicos, donde demostró que más allá de ser miembro de Blur es un guitarrista virtuoso, quizá el mejor de su generación, un compositor creativo; una persona relajada y divertida. Pero sobre todas esas aseveraciones hay algo que nos confirmó a cada minuto y con cada acorde, él es alguien que ama la música.