¿Interpol celebrará los 15 años de ‘Antics’?

Posted on abril 3, 2019 by -

Este año, el segundo álbum de la banda pionera del post punk revival celebra 15 años desde su lanzamiento. A propósito, Paul Banks dijo estar abierto a una gira en conmemoración.

Faltan solo unas semanas, para que la banda estadounidense, Interpol, estrene su EP: A Fine Mess. Y en algunos meses, celebrarán el decimoquinto aniversario de su segundo material discográfico de larga duración, Antics.

En entrevista para NME, el vocalista Paul Banks comentó que después de la gira en conmemoración a su álbum debut Turn on the Bright Lights (2002), no les molestaría hacer un tour en celebración al aniversario de Antics (2004). Sin embargo, aún no hay nada confirmado.

Lanzado en 2004, Antics tuvo importantes repercusiones para la carrera de Interpol. De este disco se desprenden sencillos como “Slow Hands”, “C’mere” o “Evil”, canción que a continuación puedes escuchar.

El año pasado, Interpol lanzó Marauder, su sexto álbum de estudio. Además, estamos a solo unas semanas de que su EP con cinco canciones, A Fine Mess, llegue a nuestros oídos; y en palabras de Banks. “Son todas canciones bastante ricas de rock con grandes coros”.

A Fine Mess estará disponible a partir del 17 de mayo. Sin embargo, hace unos días, la agrupación pionera en el post punk revival nos presentó un adelanto con “The Wekeend”, que por si aún no has escuchado, aquí te la dejamos:

The Drums — Brutalism

Posted on abril 3, 2019 by -

Con Brutalism, The Drums nos lleva en una exploración emocional para redescubrirlo como artista.

Hace dos años Jonathan Pierce nos sorprendió con Abysmal Thoughts, su cuarto álbum de estudio. Aquel material fue una prueba importante en su carrera, ya que fue el primer disco que grabó completamente en solitario, tomando crédito en toda la composición y hasta la producción.

El cambio se notó con la salida de Jacob Graham, pues los temas de The Drums eran más personales y el sonido mostró una enorme influencia por el estilo de los 80, con relucientes guitarras y cajas de ritmos. Sin embargo, la formula de Pierce funcionó y Abysmal Thoughts se convirtió en uno de los discos favoritos de sus seguidores.

Ahora, el músico llega con un nuevo álbum y bajo las mismas condiciones. Jonathan Pierce nos hará saber si tiene algo nuevo que mostrar o seguirá con la misma receta. Pero, a pesar de la seguridad de éxito, Brutalism no es un disco que carezca de relevancia en la carrera del cantante, pues este es el disco que define a The Drums como proyecto en solitario.

El disco comienza con “Pretty Cloud” y ya se nota una enorme diferencia. Se mantienen las cajas de ritmo pero ahora tienen un ritmo enérgico y que incita a bailar. Los sintetizadores también muestran un estilo que se apega mucho al sonido de los 80. Jonathan Pierce está manteniendo sus ingredientes pero hace a un lado las guitarras, quitando el indie de su indie pop.

Luego de esa inesperada sorpresa tenemos a "Body Chemistry". Aquí vuelven a sonar las guitarras y tenemos esa combinación a la que estamos más acostumbrados. Pero la mutación de The Drums permanece en los detalles. Esto es diferente a lo que escuchamos en su anterior material, la melodía y los elementos nos remontan más a cierta etapa de The Strokes, menos afable y más activo.

Otro de los sencillos promocionales del disco, "626 Bedford Avenue". Parece que Jonathan Pierce está probando con todos los elementos que tiene a la mano, pero es difícil fallar cuando tu estilo se ha convertido en casi un asunto de instinto natural. Pero es bueno ver al músico probar cosas diferentes y esforzarse por darnos algo nuevo y novedoso.

Llega el tema que le da nombre a este disco. Todos los elementos se hacen pequeños para abrirle paso a las melodías vocales, ya uso sintetizadores, cajas de ritmos, guitarras y ahora la voz toma la dirección. Es una canción diferente de The Drums, con una letra que habla de amor apasionado, no hay que dejarse llevar por el título. Hasta ahora, el cantante está dando muestra de todas sus capacidades.

Volvemos a la intensidad de los ritmos con "Loner", solo que aquí sí aparecen las guitarras. Los riffs no resplandecen, se sienten vertiginosos, pero la combinación es muy interesante. Perdemos al Jonathan Pierce que conocíamos por uno que se arriesga y no teme explorar nuevo sonidos.

"I Wanna Go Back" es una combinación de los dos lados de The Drums. Tenemos un ritmo más acompasado y el track aún depende mucho de lo vocal, pero también tenemos guitarras distorsionadas y una atmósfera que evoca a la nostalgia.

Con "Kiss It Away" tenemos otro cambio, es la canción más dinámica del disco. Brutalism es un álbum con muchas emociones, que llegan de repente pero con naturalidad. Este disco en verdad es una representación de la mente de Jonathan Pierce y su universo.

Cerca del final tenemos a "Nervous", un tema donde The Drums lo entrega todo mientras nos da increíbles imágenes. El sencillo toca fibras delicadas, pero tiene un final desolador. Sin embargo, la tristeza se disipa con "Blip Of Joy", un último destello de brillo en este material. Jonathan Pierce no quiere darle final a este disco con el desconsuelo habitual, sino con euforia y la promesa de que cosas buenas pasan.

Brutalism puede parecer un disco disperso, caótico e incoherente, pero esa es la naturaleza humana. Cada canción es un pensamiento o sensación que se expresa sin aviso y puede detonarse con cualquier cosa. Pero lo importante de este material es que Jonathan Pierce sabe canalizar esos sentimientos y plasmarlos de una manera en la que podemos sentirnos identificados. La inspiración es personal, pero su expresión es para el colectivo.

Robert Smith vuelve a grabar "Pictures Of You"

Posted on abril 3, 2019 by -

Escucha esta nueva versión de "Pictures Of You" con Robert Smith y un cuarteto de cuerdas.

El músico británico ha tenido unas semanas agitadas, con la inducción de The Cure al Rock and Roll Hall of Fame y la promoción de su siguiente álbum de estudio. Ahora, el cantante da de qué hablar tras regrabar uno de sus clásicos.

El tema que volvió a grabar Robert Smith fue "Pictures of You", publicado como sencillo promocional de Disintegration. Esta canción fue escrita luego de que el cantante encontrara, entre los escombros de un incendio, su billetera con fotos de su esposa.

La nueva grabación es para Dead Good, filme del director británico Rehana Rose, donde hace un retrato íntimo de un grupo de mujeres en Brighton que apoyan y cuidan a pacientes durante el proceso de su muerte.

La canción fue grabada hace un año y no solo tiene aportaciones de Robert Smith, también está el tecladista de The Cure, Roger O'Donnell, y el bajista Alan Radford. Además, estuvieron acompañados por un cuarteto de cuerdas de Londres.

Puedes ver el trailer de Dead Good y escuchar "Pictures Of You" justo aquí:

The Chemical Brothers — No Geography

Posted on abril 3, 2019 by -

En estado puro, The Chemical Brothers, presenta un tour de force político.

  • Estoy triste.
  • Baila.
  • ¿Que baile?
  • Sí. ¡Baila, baila, baila!
  • ¿Por qué?
  • Así te salvarás. Bailando.
  • ¿Como el personaje sin nombre del libro de Murakami?
  • Sí. Así. No pienses. Solo baila... ¡Baila, baila, baila!

Bailar es un acto de resistencia. Bailar es el reconocimiento de uno mismo, de la materia que nos compone, de nuestro espíritu, de nuestros pies, manos, de nuestra cadera, bailar es anarquía corporal. Bailar es alegría, es la oposición a la cotidianidad, al ruido, a las noticias, a los dogmas, a la manipulación, a los medios, a las redes sociales interviniendo en nuestra vida, a la presión social provocando ansiedad. Bailar es libertad. En su novena entrega The Chemical Brothers arroja un artefacto electrónico-político-explosivo, que lo remonta a sus orígenes en sonido y al mismo tiempo representa un grito desesperado en la era del vacío. No Geography también es propuesta. Bailen, libérense, resistan, luchen, sigan bailando y únanse. Es el sonido primario pero estetizado del dúo británico que se encuentra en la cima de sus 30 años de carrera con un fuerte mensaje sobre la alienación del individuo dentro de un sistema que ha olvidado a los seres humanos.

En el origen Ed Simons y Tom Rowlands, conocidos en 1993 como The Dust Brothers, producían música furiosa, enérgica, dinámica, un híbrido de tres vertientes, hip hop, techno y house, más adelante ese sonido sería llamado big beat. Percusiones marcadas, extractos del soul y del jazz, líneas de bajo intensas, crescendos, bucles de beats, synths espaciales, un combo único que se escucha en “Three Little Birdies Down Beats”, “Chemical Beats”, “Block Rockin’ Beats” e “It Doesn’t Matter”, temas de sus dos primeros álbumes, Exit Planet Dust y Dig Your Own Hole. The Chemical Brothers fue puliendo ese sonido a la par que iba poniendo éxitos en nuestro cerebro como “Out of Control” y “Hey Boy Hey Girl” en 1999, o “Star Guitar”, “Come With Us” e “It Began in Afrika” en 2002. En este punto de su historia ya no creaban composiciones furiosas, la agresividad del hip hop se transformó en la fuga del house y el pop.

En el siguiente trabajo Push the Button regresaron al hip hop en forma, pero no en fondo; es el tiempo y las vocales quienes dan cuenta de ello; We Are The Night en 2007 era la intensidad del new rave, el sonido noventero underground en estructuras pop que prometió una nueva era para la música electrónica en el plano comercial. Y luego vino otra transformación, Further. El trabajo que está por cumplir una década es un hito dentro de la historia de la banda, no sonaba a su pasado, sino a su futuro. Una verdadera reinvención. Con Born in the Echoes en 2015 miraron de nuevo a su origen, a las percusiones, al big beat, lo traían de vuelta en “EML Ritual”, “Go” o “I’ll See You There”. No Geography, su nueva entrega, está construida con su ADN original, es The Chemical Brothers en estado puro, perfectamente reconocible en los bajos, en los beats, en los bucles “furiosos”, en el desborde y la locura del house, en el ritmo del dance, en el drama del soul y en la potencia del hip hop.

“Eve Of Destruction” abre el artefacto con una voz digitalizada como si se tratara de un robot advirtiendo sobre un mundo caótico, repitiendo en 16 ocasiones el título del tema. “La víspera de la destrucción” mientras van entrando los instrumentos, la batería, los synths análogos, un fuerte bajo sostiene al tema, la voz de Aurora Aksnes dice. “No podemos pagar el agua, todos son abandonados para morir, sigue corriendo, sigue corriendo”, una suerte de caos electrónico al que le sigue una de las piezas fundamentales del álbum, “Bango” con su coro esquizofrénico, sampleos de sus propios trabajos, estallidos, percusiones africanas, rugidos, la voz extendiéndose lentamente en medio de un complejo tema musical, sonidos espaciales, cuando el tema baja de ritmo entra ligado el siguiente corte, el homónimo “No Geography” que reza. “Recuerda, sin geografía, yo, tú, él, y ella, y ellos también, y tú, y yo también, los llevaré a todos conmigo”. Un orquestal trabajo de manto electrónico proyectando esperanza en medio de la crisis. La voz emula a un Dios que nos va a proteger y que nos pide olvidarnos de las fronteras, de los territorios y mirar alrededor, la portada adquiere sentido, se trata de dos soldados arriba de unos tanques de guerra apuntando hacia un horizonte en donde se aprecia un resplandor rojo. Aunque no parece sangriento, el rojo impregna de su color a las nubes. Los tanques van sobre una avenida, al lado de ellos hay pastizales verdes, y en frente un puente que conecta ambos extremos. Hay una guerra en medio de un paisaje hermoso.

Hay una guerra y “hay que seguir, hay que seguir, tengo que seguir ‘drogado’ y la lluvia cae, como si fueran lágrimas”. “Got to Keep On”, uno de las mejores composiciones en la historia de la banda, es un cohete. No, es serotonina, serotonina explotando en el cerebro. Es un neurotransmisor de dance altamente adictivo. Una producción impecable del sonido que viaja en diferentes direcciones. Pareciera que el mensaje es tengo que seguir drogado para tolerar lo que está sucediendo lo cual explica la fiesta que se escucha de fondo a la mitad del track. “Gravity Drops” y “The Universe Sent Me” se unen directamente partiendo de un trance hacia una tremenda pieza de carácter épico como las que suelen producir Ed y Tom en la mitad o en el cierre de sus trabajos. Grandilocuente. El ritmo de No Geography no ha disminuido. Tiene fuerza. Cadencia. Es dinámico. Vertiginoso. Y en “We’ve Got to Try” el dúo arriesga hacia un funk electrónico que en unos puntos se desequilibra con un loop enfermizo. El mensaje sigue siendo de resistencia. “Sé que podemos hacerlo nena, si solo lo intentamos”. Si miramos el entorno mundial el álbum proviene de un contexto agitado, el brexit en Reino Unido; el llamado peor presidente en la historia de Estados Unidos y su empecinamiento por construir un muro en la frontera sur con México; la crisis de refugiados en Europa; la terrible situación con los migrantes en América; la tensión global contra Coreal del Norte; los ataques terroristas en nombre de cualquier religión o dogma como lo acontecido en Nueva Zelanda; Venezuela sin luz en los terrenos económico, político y social; y aviones desplomándose que terminan con la vida de los pasajeros. No hay certeza en ningún ámbito. El tren de la sobreinformación arroja un sentir angustiante.

“Free Yourself” es el clímax. El grito. Es acid house y dance y pop. Es el descontrol. Es también la solución, bailar. “Libérate, libérame, baila, libéralos, ayúdame a liberarme, libéranos, baila”. Fuga. Alucinantes synths análogos. Para este álbum The Chemical Brothers se instaló en un espacio “experimental” con el equipo que usó para sus dos primeros álbumes, tomó sampleos de Dial-A-Poem, el servicio que ideó el poeta John Giorno, con el cual al marcar el número (212) 628-0400 desde EE.UU. podías escuchar alguno de los 15 poemas que colocaban por día entre los que destacaban algunos escritores o artistas como William S. Burroughs, Allen Ginsberg, John Cage o cualquier individuo que en 1969 grabara su poema. “Mad As Hell” es continuación del frenesí. Es sangriento como dice The Guardian. “Estoy loco como el infierno y no voy a seguir soportándolo”. Psicosis y locura. Cuando estamos en una crisis es imposible que la conducta sea mesurada, “MAH” es el sonido de la alienación social, de la desesperación. Acid house sangriento, efervescente, agitado.

“Catch Me I’m Falling” (Agárrame estoy cayendo) es el final de No Geography. Su postura sobre el ambiente es que hay una crisis, tenemos que ayudarnos, borrar la geografía, mirar alrededor, continuar, pedir ayuda y, sobre todo, bailar. ¡Bailar, bailar, bailar! Solo así nos salváremos. Su propuesta musical es la suma de su trayectoria, de su camino trazado, de la pauta que han marcado, del hito y el mito que ha construido, big beat estetizado, The Chemical Brothers es mucho más que “Star Guitar” o que “Hey Boy Hey Girl”, es mucho más que “música electrónica”, es mucho más que alguna etiqueta que pueda poner. The Chemical Brothers es el beat. ¡Bailen!

Avey Tare — Cows on Hourglass Pond

Posted on abril 3, 2019 by -

Vaquero galáctico.

A veces me pregunto qué tan complicado o laborioso ha de ser formar parte de Animal Collective. El pertenecer al conjunto de pop psicodélico más relevante de nuestros tiempos seguramente presenta innumerables retos al componer y presentar nuevo material por todos los sonidos locos, los sampleos, los ritmos, las melodías, los debrayes, las armonías, los estilos desmenuzados y reordenados que han sido parte de su modus operandi desde que Dave Portner y Noah Lennox, mejor conocidos como Avey Tare y Panda Bear, respectivamente, lanzaron el Spirit They're Gone, Spirit They have Vanished en el 2000. Pero por más que lo pienso, llego a la conclusión de que debe ser uno de los trabajos más divertidos e intrigantes del mundo, sobre todo por cómo piensan por separado cada una de las mentes del grupo. Entonces, ¿qué pasa cuando cambian la diversión por la introspección?

Quizás entre todos tuvieron un plan maquiavélico-musical para exorcizar a los demonios personales y que 2019 fuera el año del “disco personal”. Panda Bear inició el año con un disco solista, el dolorosamente hermoso Buoys, en donde daba un descanso a las composiciones intrínsecas, las máquinas de ritmos sofisticadas, los coros intimidantes y a la distorsión extrema para presentar un álbum compuesto en su mayoría de él mismo tocando la guitarra acústica, pero grabado y producido de modo que cada rasgueo y cada vocal se estiraban y contraían como chicle bomba. Y con dos meses de diferencia llega Cows on Hourglass Pond, el tercer disco solista de Avey Tare, que sigue esa tendencia pero con resultados diferentes.

Es obligatoria la comparación entre ambos discos porque aquí también hay guitarras acústicas, momentos solemnes y contemplativos y una menor cantidad de efectos en la voz. Canciones como “What’s The Goodside?”, “Chilly Blue” y “Our Little Chapter” se toman su tiempo en arrancar y pintar con esbozos de neones menos luminosos y ritmos más primitivos, quizás resultado de grabar directamente a una máquina de cinta TASCAM 48, preservando un poco de estética sonora casera y de inmediatez que le da una mayor urgencia e intimidad al disco.

Mientras que Panda Bear es el genio detrás de las melodías y los versos dentro de Animal Collective, Avey Tare es el visionario detrás de las texturas y el ambiente, el que elige los colores para el canvas y los avienta o hasta escupe para dar resultado a su sonido. Pero este disco muestra una evolución, ya que puede ir de un cosmos llenos de meteoritos avant-garde a una cama de estrellas suaves de shoegaze en cuestión de segundos, como en “Nostalgia in Lemonade”, o al casamiento de psicodelias de épocas pasadas y del futuro en “Taken Boy”, como si Harry Nilsson hiciera una canción con Spiritualized. Vamos, hasta hay un par de canciones de hoguera espacial, “Saturdays (Again)” y “HORS_”.

Entonces así se resume la comparación: Panda Bear pulió su talento para la escritura con recursos más austeros y emocionales para su disco introspectivo, pero Avey Tare sacó a todos sus esqueletos, dragones y hasta vacas del clóset para darles un lugar específico a cada quién sin regar todo por doquier y hacer el disco más cohesivo y honesto de su trayectoria como solista. A veces es sano guardar los juguetes y mirar hacia adentro con el fin de encontrar plenitud y madurez… OK, ¿a quién engañamos? Puedes quedarte con un par.

Mac DeMarco estrena "All Of Our Yesterdays"

Posted on abril 2, 2019 by -

Antes de la salida al mercado de su nuevo álbum, el cantante canadiense nos presenta "All Of Our Yesterdays".

A principios de marzo, Mac DeMarco anunció el lanzamiento de Here Comes The Cowboy, su cuarto álbum de estudio; además presentó "Nobody" como el sencillo líder. 

Para continuar con la promoción de esta placa, el compositor canadiense estrena un nuevo corte promocional llamado "All Of Our Yesterdays". En este tema podemos escuchar una base rítmica característica del músico, guitarras llenas de reverb, vibrato y chorus junto a una batería sencilla que nos llena de melancolía, es un track que nos invita a levantarnos cuando vemos todo perdido.

No esperes más y dale play a lo nuevo de Mac DeMarco por aquí.

En un comunicado, DeMarco habló sobre la inspiración de "All Of Our Yesterdays". “Fue la primera canción que escribí en la secuencia de temas que aparece en mi nuevo disco. El nombre viene de la obra Macbeth, también creo que hay un episodio de Star Trek de 1969 con el mismo título, muy cool. Justo había visto un documental sobre Oasis antes de escribir la canción, y estaba intentando hacer un gigantesco hit de rock and roll inspirado en el renovado amor que siento por mi banda. No me acerqué a eso, pero estoy feliz con el resultado”.

Here Comes The Cowboy, el nuevo material discográfico de Mac DeMarco estará disponible el 10 de mayo a través de su propio sello Marc's Record Label.

Misfits anuncia un enorme concierto en Los Ángeles

Posted on abril 2, 2019 by -

La legendaria agrupación de punk ofrecerá la presentación más importante de su historia.

Misfits es una de las bandas más célebres del punk, que en sus años más gloriosos popularizó el subgénero horror punk. Tras años de separaciones, reencuentros y demás, parece que la agrupación está preparada para retomar el lugar que por derecho se ha ganado.

Ahora, la banda ofrecerá un concierto para el próximo 29 de junio en el estadio Banc Of California de Los Ángeles, donde el equipo de fútbol de la MLS, Los Angeles Football Club juega sus partidos en casa y que tiene capacidad para 22.000 personas.

Esta presentación en Los Ángeles junto a una más en la ciudad de Chicago el 27 de abril serán las únicas fechas programadas para Misfits este año, donde estará interpretando temas clásicos como "Die, Die My Darling" y "Vampira".

A pesar de que suena como una tarea titánica, debemos tener en cuenta que en 2017 ya llenaron el Forum de Los Ángeles y el MGM Grand Garden Arena en Las Vegas, así que es muy posible que consigan un lleno absoluto. Para ayudarles en esta misión contarán con el apoyo de Rise Against, The Distillers, Anti-Nowhere League y Cro-Mags como bandas invitadas.

Aunque no está confirmada la formación, hasta ahora los dos miembros originales han contado en su conciertos de reunión con Doyle Wolfgang Von Frankenstein, integrante importante en la consagración de Misfits; el ex Slayer, Dave Lombardo a la batería y los guitarristas Dez Cadena y Acey Slade.

Las entradas estarán disponibles este viernes 5 de abril a través del sitio oficial de Live Nation.

 

“in/THE END” nuevo video de Le Butcherettes

Posted on abril 2, 2019 by -

La banda originaria de Guadalajara, Le Butcherettes, compartió el video de la canción “in/THE END”, el track seis de su álbum bi/MENTAL.

El director, cantautor y productor estadounidense Gus Black fue el encargado de darle vida a “in/THE END”, video grabado en el Joshua Tree National Park, California, que expresa el profundo dolor que sufrió Teri Gender Bender tras la muerte de su padre.

"Vamos a morir. Vamos a morir. Una muerte en la familia, una muerte de un ciclo. Transformación constante. Los obstáculos Nada de eso importa y todo importa. El niño arrastra el ataúd: ahora está en una posición en la que no tiene otra opción que llevar el peso sobre sus hombros. Tal vez encuentre el camino porque al final a veces se siente sombrío, pero creemos que la interpretación de Gus Black de la canción dice mucho y está abierta a la interpretación", expresó Teri Gender Bender sobre el nuevo video.

El videoclip es un trabajo sencillo pero cargado de significado, simplemente conmovedor. Dale play a continuación:

La banda conformada por la vocalista Teri Gender Bender, la baterista Alejandra Robles, el guitarrista Rikardo Rodríguez y el bajista Marfred Rodríguez-López, estará de gira por Europa y Norteamérica durante los próximos meses, donde compartirán escenario con L7, y Bikini Kill.

 

Botellita de Jerez anuncia su separación

Posted on abril 2, 2019 by -

Tras el fallecimiento del bajista, Armando Vega Gil, se anunció la separación de la agrupación.

En conferencia de prensa, Paola Hernández, manager de Botellita de Jerez, hizo oficial la separación de la agrupación tras el fallecimiento del bajista, Armando Vega Gil. Así mismo, señaló que pese a que los músicos seguirán con sus respectivos proyectos, no se volvería a usar el nombre de la reconocida banda de rock.

Por su parte, Francisco Barrios "El Mastuerzo" mencionó que harán todo lo necesario para rendir homenaje a su compañero; además de que en unas semanas, lanzarán un comunicado con su postura ante los acontecimientos.

Recordemos que ayer por la mañana, la banda publicó a través de sus redes el pronunciamiento donde afirmaban el fallecimiento de Armando Vega. Horas después de que el músico escribiera una nota explicando los motivos de su decisión.

 

Con más de 30 años de trayectoria, Botellita de Jerez nos dice adiós. Sin embargo, la carga cultural como símbolo del rock nacional irreverente, permanecerá latente. Canciones como "Alármala de tos", "Guacarock del santo" o "Niña de mis ojos" nos servirán de referencia para no olvidar su estilo satírico que tanto los caracterizaba.

El 24 de marzo, la agrupación de rock se presentó en Aguascalientes con motivo del evento Caravanas Culturales 4 x 4. El concierto fue entrada libre, y los asistentes pudieron disfrutar de un variado set. Aquí les compartimos una foto de la presentación, tomada por el Instituto Cultural de Aguascalientes.

 

Cuco lanza un nuevo tema, "Hydrocodone"

Posted on abril 2, 2019 by -

Escucha "Hydrocodone", la primera canción de Cuco con Interscope Records.

El día de hoy el músico chicano nos ha sorprendido con un nuevo sencillo. Este es su primer lanzamiento no colaborativo del año, ya que los temas "Fix Me" y "SEARCH" contaron con la participación de Dillon Francis y MC Magic.

El reciente estreno de Cuco se llama "Hydrocodone" y es la primera publicación que el cantante hace con Interscope Records (Tame Impala, Mura Masa), sello discográfico con el que firmó el mes pasado. La canción fue estrenada esta mañana en el programa de Zane Lowe para Beats 1.

Esto fue lo que dijo el artista sobre su nuevo tema. "Estoy muy emocionado de volver a lanzar mi propia música con este single 'Hydrocodone', el primero de mi álbum de debut. Estoy encantado de publicar esta canción después de dos años de trabajarla. La terminé con mis auriculares de Apple en mi habitación de hotel, después de la cirugía que tuve tras el accidente del que nos estamos recuperando. Espero que la disfruten".

Junto al nuevo track, se anunciaron las fechas de una gira por Norteamérica, que iniciará a mediados del mes de junio en la costa este del país y finalizará en julio con un show en su ciudad, Los Ángeles. México está considerado en esta gira con la participación de Cuco en el Machaca Fest.

Puedes escuchar "Hydrocodone" justo aquí: