Two Door Cinema Club anuncia su nuevo álbum 'False Alarm'

Además estrenó el segundo corte promocional, llamado "Satellite".

Después de una campaña mundial que involucró grandes espectaculares y distintas activaciones, la agrupación irlandesa, Two Door Cinema Club, anunció oficialmente el lanzamiento de su cuarto material discográfico titulado False Alarm, el cuál llegará al mercado el próximo 14 de junio a través de los sellos Prolifica Inc. y PIAS.

Tras presentar hace algunos días "Talk", ahora estrena el segundo sencillo llamado "Satellite". Se trata de una canción que brilla por el enorme uso de sintetizadores y la voz procesada del vocalista Alex Trimble; una técnica que ha sido recurrente en sus últimos trabajos de estudio. La letra nos habla sobre la monotonía de la rutina, utilizando la metáfora del satélite para escapar de la realidad.

No esperes más y escucha lo nuevo de Two Door Cinema Club por aquí.

Sobre esta nueva etapa y dirección que ha tomado la banda, Trimble comentó. "Me encanta lo del pop, experimentar e ir a diferentes lugares, me encanta hacer cosas que son un poco torpes y me encanta la idea de hacer algo que no hemos hecho antes, ¿por qué no podemos hacer todas esas cosas a la vez? Eso es lo que amo, que siempre podemos hacer algo nuevo, pero que se sigue sintiendo como algo que ya hemos hecho antes".

Esta es la portada y el tracklist de False Alarm.

1. "Once"
2. "Talk"
3. "Satisfaction Guaranteed"
4. "So Many People"
5. "Think"
6. "Nice To See You"
7. "Break"
8. "Dirty Air"
9. "Satellite"
10. "Already Gone"

“Risk”, el nuevo video de Metric

Emily Haines nos hipnotiza con sus increíbles bailes en el nuevo video de Metric.

Metric, la banda canadiense de rock, compartió hoy el videoclip oficial de “Risk”, tema perteneciente a su álbum de estudio Art of Doubt publicado en 2018.

El visual dirigido por Duane Fernandez, es un plano secuencia en blanco y negro en el que se ve a Emily Haines interpretar la canción, mientras se desplaza bailando –en lo que que parece ser– una bodega abandonada. Un clip natural, y bien logrado, donde el centro de atención es ella, lo cual, genera inmediatamente que la canción tome más fuerza.

La banda dijo en un comunicado de prensa que “Risk” se refiere a “La velocidad desorientadora a la que se hacen y descartan nuestras conexiones, donde nuestra supervivencia emocional depende de la habilidad para enviar mensajes de texto, y nuestra capacidad para comunicarnos se derrumba fuera de nuestros dispositivos”.

Mira el video a continuación:

Recuerda que Metric se estará presentando junto a Zoé el 28 y 29 de junio. No te puedes perder la oportunidad de ver a estas dos grandes bandas compartir el escenario y recordar a tu primer amor con los clásicos de Zoé. Consulta más detalles aquí.

The Drums estrena video para "Body Chemistry"

Acompaña a Jonny Pierce por un viaje ácido y lleno de psicodelia en "Body Chemistry".

A principios del mes de abril The Drums, el fructífero proyecto de Jonathan Pierce estrenó un nuevo material discográfico llamado Brutalism; el cuál marcó oficialmente su regreso tras dos años de silencio.

Para continuar con la promoción de este álbum, la banda acaba de estrenar un videoclip para el tema "Body Chemistry", el cuál está dirigido por Anton Riva. En el audiovisual podemos ver al propio Pierce siendo el protagonista, interpretando la canción mientras su imagen se distorsiona mediante técnicas de exposición múltiple y pantalla dividida; recordándonos un poco a la estética visual del formato VHS. 

No esperes más y dale play al nuevo video de The Drums a continuación.

Sobre este videoclip, Jonny Pierce explicó lo que para él representa esta canción y cómo fue el proceso de filmación. "En Brutalism hay muchas canciones sobre el aislamiento y esta es una de ellas, sentirse aislado de los demás y ver el mundo a través de lentes borrosas. Grabamos las escenas de mi interpretación frente a una pantalla verde en Los Ángeles, y después enviamos la cinta a Rusia, donde un artista visual lo procesó de una manera que logra reflejar visualmente las visiones que a veces pasan por mi cabeza".

Puedes leer nuestra reseña completa de Brutalism por aquí.

"El tesoro", nuevo visual de Él Mató a un Policía Motorizado

La banda argentina, Él Mató a un Policía Motorizado, regresa para presentar su nuevo metraje.

Él Mató a un Policía Motorizado, una de las bandas argentinas más emblemáticas del rock independiente, estrenó su nuevo video musical. Se trata de “El Tesoro”, sencillo perteneciente a su más reciente álbum de estudio La Síntesis O’Konor (2017).

Dirigido por Facundo Españon y Federico Rotstein, en el video vemos a Max Suen, Azul Fernandez, Camilo Polotto, Belén Poviña, Diego Yacuzzi, María Laura Darquier y Nicolás Arnedo, representar a un grupo de amigos armados con espadas que viven distintas aventuras en su barrio.

Este video musical fue filmado en un formato diferente y, por la estética que tiene, da la impresión de ser una película que rinde un bonito homenaje a la amistad, lo que provocó que los fanáticos de la banda manifestaran su emoción en las redes sociales.

Él Mató a un Policía Motorizado lanzó su clip para conmemorar el segundo aniversario de su álbum La Síntesis O’Konor, publicado el 22 de abril de 2017.

Si aún no has visto el video puedes verlo a continuación:

 

FKA Twigs regresa con "Cellophane"

Luego de varios años sin lanzar novedades musicales, FKA Twigs regresa con un nuevo sencillo.

Han pasado cuatro años de que escuchamos el EP M3LL155X, tiempo en que desconocíamos si tendríamos más de FKA Twigs. Hoy se ha dado a conocer un nuevo sencillo llamado "Cellophane".

Previo al estreno la también bailarina declaró en su cuenta oficial de Instagram. "A lo largo de mi vida, he practicado mi camino para ser lo mejor que podía ser. Esta vez no funcionó. Tuve que derribar todos los procesos en los que he confiado. Profundiza. Reconstruye. Comienza de nuevo".

Junto al sencillo se presentó un videoclip dirigido por Andrew Thomas Huang y en el podemos ver a FKA Twigs realizando pole dance y ejecutando una coreografía en medio de escenarios surreales. Puedes verlo a continuación:

FKA desde el año pasado ha estado activa apoyando a otros colegas y participando en campañas de Apple. Este 2019 emprenderá una gira presentándose en distintos festivales alrededor del mundo. Esperemos que visite nuestro país.

Biopic de John Lennon será adaptada como musical

La película biográfica, Nowhere Boy (2009), será llevada al teatro como un musical.

Además de ser integrante de The Beatles —una de las bandas más reconocidas en la historia de la música—, John Lennon fue un artista que destacó por su gran capacidad como músico y compositor. Después de 39 años de su deceso, un nuevo proyecto biográfico comienza a desarrollarse. Y es que se adaptará la biopic Nowhere Boy (2009) como una obra musical.

Esta cinta se basó en una biografía escrita por la hermana del músico. A partir de ahí, la película retrata los años de adolescencia de Lennon hasta la formación de The Quarrymen —banda que lo llevó a conocer a Paul McCartney—. Aquí te compartimos el trailer de este largometraje.

Brian y Dayna Lee de AF Creative Media, así como Robyn Goodman y Josh Fiedler de Aged in Wood, serán los productores a cargo del musical. Y aunque aún no hay muchos detalles, Brian Lee confirmó que ya tienen asegurados los derechos sobre la película biográfica.

Por su parte, Dayna comentó que para la puesta en escena, se busca enfatizar la relación que John Lennon tuvo con su tía Mimi Smith y su madre, Julia Lennon. "Dos mujeres muy diferentes, muy poderosas en distintas maneras", agregó la productora.

En los siguientes meses, el equipo de producción viajará a Londres en búsqueda de la persona correcta para interpretar al músico. Para el filme, Aaron Taylor-Johnson fue el encargado de darle vida a Lennon, pero ¿ustedes a quién propondrían para este nuevo musical?

 

Semana IR! 2019: Cuco estrena el video "Hydrocodone"

El folklor mexicano se hace presente en el nuevo videoclip de Cuco.

Uno de los artistas confirmados para la Semana IR! de este 2019 es Cuco y a unas horas de que se anunció su participación, el chicano ha presentado el video de su tema "Hydrocodone". Este sencillo es su primer lanzamiento bajo el sello Interscope Records y aquí escuchamos al cantante hablar sobre una decepción amorosa.

El metraje, dirigido por Jazmín García, representa puntos que nos caracterizan a los mexicanos como son la vida, la muerte y las tradiciones. Es importante mencionar que el videoclip se grabó en la Ciudad de México y se usó como locación el Centro Histórico.

Sobre el videoclip la directora menciono."'Hydrocodone' es un video musical dedicado a la memoria de nuestro pasado y nuestro futuro. Es un viaje abstracto a través de los recuerdos de un joven antes y después de un gran accidente. Estoy pensando constantemente en la muerte y en la forma en que la honramos, así que quería representar una escena fúnebre en la que las personas celebran el paso de una versión diferente de nosotros mismos. Cuco está celebrando y liderando esta procesión fúnebre porque está más vivo que nunca".

¡Dale play a continuación!

Entrevista con boy pablo

boy pablo y la magia detrás de su repentino éxito en el mundo digital.

Sé que este es un discurso bastante redundante, pero aún así lo repito. Vivimos una era en la cual descubrir música nueva jamás había sido tan fácil y las propuestas ya no se concentran en los países occidentales de habla inglesa. Entre tantas plataformas para promover tu arte y la infinidad de herramientas accesibles para hacer todo por ti mismo, es seguro que algún artista con una propuesta realmente refrescante va a surgir de la nada, de manera acelerada y de cualquier parte del mundo. Así como boy pablo, agrupación con base en Noruega que discute con nosotros sobre algunas cosas previo a sus esperadas dos primeras presentaciones en México.

“Es increíble como los artistas publican alguna canción en YouTube o SoundCloud y de la nada todo el mundo los está escuchando. El Internet ha sido un punto clave para todo lo que hemos logrado y así es con muchísimos artistas”, menciona Nicolás, vocalista y compositor de la agrupación.

Y para dar un poco de contexto, el éxito de boy pablo se le debe a la publicación de un video para el tema “Everytime” que alcanzó la viralidad por factores que desconozco, pero al final es un video bastante simpático que está musicalizado con una contagiosa pieza.

“El video de 'Everytime' empezó a hacer blowup y mi manager me dijo que había un tipo que quería hacer un tour con nosotros y ahí es cuando entendí que wow…. algo pasa aquí. Era tan solo un video y de repente alguien se estaba interesando en que hagamos una gira”, menciona Nicolás respecto a su repentino éxito.

También es importante reconocer el atractivo del video en sí, pues me atrevería a decir que si no hubiera tenido este toque tan agradable no habría logrado el impacto que tuvo.

“Para nosotros la idea general era hacer un video así como sarcástico. Hay tantas bandas que intentan irse por el Lo-fi y nosotros pensamos en intentar hacer algo así haciéndole burlas a todas estas bandas que abusan de este tipo de estética”.

Algo que me parece relevante, es la corta edad que tienen los integrantes de esta propuesta, que va alrededor de los 19 años.

“Todo esto ha pasado muy rápido y aún no lo he digerido ni me he adaptado del todo. Nunca pensé que sería así de rápido. Todo mi equipo y yo nos hemos acostumbrado muy bien a este estilo de vida. La hemos pasado bien y ha sido muy divertido, pero si han habido varios obstáculos que hemos tenido que superar pues no teníamos ninguna experiencia. A pesar de eso, todo ha salido muy bien, estoy muy feliz”.

Entre los obstáculos que menciona Nicolás, están el construir un show que el público disfrute y coordinar giras en todo el mundo.

Por otro lado, Nicolás nos cuenta sobre su entusiasmo al visitar nuestro país por primera vez gracias a la reputación de un público apasionado originario de un lugar lleno de cultura y festividad. Además nos platica sobre las diferencias que pudieran existir entre su show en el Corona Capital Guadalajara y su más íntima presentación el el Foro Indie Rocks!.

"Un show de festival y uno en un club son bastantes distintos aunque cada uno tiene su propio encanto. En un festival vamos en plan de hacerlos que se diviertan, bailen y la pasen bien al igual que nosotros, y en un club más pequeño se puede interactuar con el público y conocerlo, tocar canciones más lentas, y lograr más intimidad. Muy diferente pero ambos me gustan mucho".

Es seguro decir que boy pablo va a traer consigo un show memorable que cualquiera que se pierda quedará arrepentido. Todo esto juzgando principalmente por la emoción con la cual habla de venir a presentar su acto en México, sin contar la reputación que ya trae este proyecto.  Finalmente dejo una cita de Nicolás en donde discute lo que valor de un buen show para tener una pequeña idea de lo que podremos esperar con su visita.

“Para mí un concierto bueno es uno en donde el grupo o artista se conecta con el público y que el público pueda conocer al artista. Que no sea solo tocar las canciones sino interactuar con la gente y que el set cuente una historia”.

 

Nick Waterhouse — Nick Waterhouse

El anacronismo moderno de Nick Waterhouse

“This is an oldie. Well, it’s an oldie where I’m from”, dice Marty McFly en Back to the Future justo antes de encender por completo una pista de baile de 1955 con el tema “Johnny B. Goode” de Chuck Berry. Tres años antes de que este lo convierta en un tema icónico gracias a una llamada telefónica de su primo, Marvin Berry.

Parece que en pleno 2019 no cesan de surgir artistas que bien podrían introducir sus conciertos con esa misma frase. Seguimos volteando a los años dorados de ciertos géneros con nostalgia y añoranza, a pesar de que la música ha cambiado mucho con las décadas y hoy en día uno nunca acaba de descubrir nuevos sonidos, siempre existirán esos viejos acetatos de los clásicos inmortales y todavía hay quienes creen en el potencial de seguir exprimiendo el pasado.

El resurgimiento de viejos sonidos es un tema controvertido, mientras que habrá audiencias que desean más artistas así, está el otro lado del espectro que mira con desprecio y desdén a estos. Los tilda de escasos de originalidad, una propuesta novedosa o algo de sustancia. El año pasado el álbum debut de Greta Van Fleet fue el ejemplo perfecto de esta división de opinión.

Nick Waterhouse es un joven artista angelino que escuchó muchos discos de R&B, blues, soul y rock & roll de los pioneros mientras crecía y se inspiró para hacer una carrera de emular lo mejor de cada uno de ellos. Con cuatro discos bajo la manga con este, tiene claro que no busca reinventar la rueda, sino divertirse y hacerte bailar, qué importa ser un revivalista y un músico arcaico si la fórmula sigue vendiendo.

El más reciente material de Waterhouse es homónimo y fue grabado en análogo porque hay que mantener la etiqueta retro en todos los aspectos, incluso en su look que nos evoca a Buddy Holly. A lo largo de 11 canciones y poco más de media hora, este disco mantiene un ritmo vertiginoso, no sin tomarse un par de respiros, suficiente para ser disfrutable y sin muchas pretensiones más allá de hacerte chasquear los dedos y remontarte a la época de las pin-ups y los peinados con excesivo gel.

Ritmos filosos y ágiles, guitarras con mucha reverberación, bajos infecciosos, coros femeninos, pianos desquiciados y saxofones estridentes se manifiestan en momentos como “By Heart”, “Wreck the Rod” y el cover a “I Feel an Urge Coming On”, tema de Jo Armstead de 1967. En “Black Glass”, los bongos le brindan una onda tropical inescapable y en temas como “Undedicated” y Thought & Act se pone más melancólico y suave.

“Man Leaves Town” suena ligeramente sacado del catálogo de The Velvet Underground, mientras que con el instrumental “El Viv” jurarías que estás escuchando a The Ventures versionar “Tequila” de The Champs. Nick Waterhouse no es Little Richard, pero llega a soltar alaridos reminiscentes a este en “Wreck the Rod” y en “Song for Winners” desata una buena cantidad de ira contenida que nos recuerda la actitud de rebeldía que implicaba el rock & roll en sus albores.

Waterhouse se une a artistas como Gary Clark Jr., Curtis Harding, Benjamin Booker o Alabama Shakes que se aferran al pasado para un público que añora sonidos de antaño. Quizás el mayor pecado del músico estadounidense es no mirar hacia adelante y brindar un toque moderno al blues como lo hacen Jack White, The Kills, Band of Skulls y tal vez un poco The Black Keys, quienes se encuentran en un punto intermedio.

Algunos sonidos son inmortales y la gente seguirá pidiendo revivalistas como Waterhouse, su más de un millón y medio de escuchas en Spotify y un tour próximo con más de treinta fechas en Reino Unido y Estados Unidos son prueba de ello.

Foxygen — Seeing Other People

Con Seeing Other People, Foxygen acepta su situación y se pone a construir con los escombros.

Luego de vivir una de sus peores etapas y estar cerca de su final, el dúo resurgió con Hang, disco aclamado por la crítica y un éxito que les permitió mantenerse juntos. Ahora que la turbulencia ha quedado atrás, es momento de ver si la agrupación tiene lo necesario para navegar en aguas calmadas o es el caos lo que los lleva a superarse. Este álbum no definirá la carrera de la banda, pero sí nos dirá mucho sobre el carácter de Jonathan Rado y su compañero Sam France.

En estos dos años ambos músicos se han mantenido ocupados, no solo de gira con la banda, también ocupando créditos en los discos de Jackie Cohen, Father John Misty y Weyes Blood. Entonces tenemos a dos músicos talentosos y reconocidos, que han estado trabajando, con una carrera sólida, buenas expectativas para su siguiente material y nada de presión. Las condiciones son perfectas, pero con Foxygen todo puede pasar.

El disco Seeing Other People, según las declaraciones de Sam France, es una despedida a las drogas y a la fiesta, pero también a las largas giras y mantener una estética. El músico está consciente de que ya no es el mismo y no puede mantener los mismos estándares. Pero no queda claro si este es el inicio de una nueva etapa o un último brindis por lo viejos tiempos.

El álbum inicia con "Work", un tema que sigue mostrando ese tono teatral, bohemio y nostálgico, en las vocales. Sin embargo, los sintetizadores acaparan la atención y nos muestran a un Foxygen menos irreverente y que trata de gustar en un aspecto comercial. Un sencillo innovador, no para la escena actual pero sí en el universo del dúo.

Le sigue "Mona", track que baja el ritmo pero mantiene los sintetizadores y la caja de ritmo. Para este álbum, el grupo cambia a las orquestas y simplifica con una mezcla de synth pop e italo disco. La agrupación descubre que lo barroco ha muerto, ya nadie quiere cosas elaboradas. Se actualizan y tal vez no presentan algo novedoso, pero sí algo que funciona.

Llega el tema principal y los sintetizadores cambian por un piano. Los elementos y el ritmo acompasado no logran ser tan llamativos como anteriores tracks, pero sin duda es un cambio interesante. La amenaza de Sam France se hace efectiva y esta es una despedida al viejo Foxygen que todo lo podía sin importar las consecuencias.

Los problemas llegan con "Face The Facts". A pesar de que volvemos a ese sonido tan atractivo y funcional, las vocales parecen desfasadas y la letra, que busca aprovecharse del absurdo, resulta muy incómoda. El grupo está haciendo un esfuerzo por cambiar, pero hay defectos que son difíciles de olvidar.

También la estructura del disco es bastante caótica, pues temas como "Livin' a Lie" nos bajan el ritmo justo a la mitad. Este fue uno de los sencillos promocionales y tal vez tiene una esencia obscura y misteriosa, pero que sin duda funcionaría mejor al inicio del álbum.

El nuevo disco del dúo estadounidense no se acerca en calidad a anteriores lanzamientos y mucho menos nos presenta el lado más agraciado de la banda. Pero se aprecia el esfuerzo por renovarse, seguir en pie y mantener a sus fans. Parecería un intento desesperado si no hubieran sido honestos tan con su situación.

Seeing Other People no es el mejor Foxygen, es lo que queda del grupo, pero eso no tiene que ser algo malo y prueba de eso es este material. La resignación y consecuente adaptación de Sam France y Jonathan Rado nos ha entregado un disco que no nos va a maravillar, pero que sí podremos disfrutar.